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一、历史 百年越剧 千古绝唱—越剧发展之不完全档案 1906年清明节前几天，嵊县桃源乡东王和黄郎地村的南派唱书艺人李世泉、高炳火、钱景松、李茂正、袁福生等结伴前往桐庐、富阳、于潜县一带唱书。
在村民的要求下，艺人们第一次“登台做戏”，“落地唱书”开始向“小歌班”进化。
1917年4月，小歌班艺人袁生木、金荣水、俞存喜、钱景松、潘法金、黄小达佬、高和灿等聚集于嵊县新市乡上碧溪村袁生木家，共商闯上海的具体事宜。
由于演出水平低劣，在惨淡经营月余后，众人卖掉铺盖凑路费回家。
1919年冬天，经过长时间的酝酿和精心准备，周麟趾等四十余人三进上海。
这次几乎汇集了当时男班所有精英。
次年年初，周麟趾在沪重建华兴戏院，更名为升平歌舞台，这个舞台成了男班在上海打响的主要阵地。
1921年，《申报》刊出广告，称“小歌班”为“绍兴文戏”。
1923年7月9日，越剧第一副女子科班在嵊县施家岙村开科。
后来，这一天被定为女子越剧的诞生日。
1925年，女班到杭嘉湖地区演出，正巧遇到有男班也在那里，几位男艺人参加到女班中来，同台串演。
但男女宫不协调的矛盾却成了女班艺术发展上的一大障碍。
在摸索中，施银花等大胆创出了女子《四工调》，走出了女子声腔发展的第一步。
20世纪30年代末，女子越剧兴起，最早成名的女演员大多数是嵊州人，其中最有影响的“三花一娟”，即施银花、赵瑞花、王杏花和姚水娟。
施银花被誉为越剧“花衫鼻祖”，姚水娟则被称为“越剧皇后”。
1938年，日寇侵袭浙江，在大批人士前往上海避乱的同时，“绍兴文戏女班”开始大规模进入上海，影响日益扩大，报刊、广告上开始正式称其为“越剧”。
同年9月，嵊县举办“嵊剧演员训练班”，这是在抗日战争特定的形势下，由当时官方主办的艺人培训活动，对于推动旧剧改良、进行抗日宣传和提高艺人地位起了积极的作用。
名伶姚水娟吸收文化界人士参与对越剧的变革，称“改良文戏”。
这时期，最有名的演员是被称为越剧四大名旦的“三花一娟”，即施银花、赵瑞花、王杏花、姚水娟；小生有竺素娥、屠杏花、李艳芳；青年演员如筱丹桂、马樟花、袁雪芬、尹桂芳、徐玉兰、范瑞娟、傅全香等，都已崭露头角。
1942年，在以袁雪芬为代表的一批越剧演员的倡导下，掀起了一场全面的越剧改革，建立了编导制。
1946年5月，袁雪芬等把根据鲁迅名著《祝福》改编的《祥林嫂》首次搬上越剧舞台，被舆论称为“新越剧的里程碑”。
1947年下半年，袁雪芬、尹桂芳、竺水招、筱丹桂、徐玉兰、傅全香、范瑞娟、徐天红、张桂凤、吴小楼等10人，为筹建一个自己的剧场和创办越剧实验学校，冲破重重阻力，义演了《山河恋》，这就是越剧史上著名的“越剧十姐妹”。
1947年10月13日，著名越剧女演员筱丹桂因不堪恶霸张春帆的百般凌辱，忍无可忍，留下“做人难，难做人，死了”的八字遗言后愤而服毒自尽，以死抗争，死时年仅27岁。
1949年上海解放，7月，举办了以越剧界人员为主的第一届地方戏剧研究班。
1950年4月12日，成立了第一个国营剧团———华东越剧实验剧团。
1951年，国营的浙江越剧实验剧团建立。
1955年3月24日，上海越剧院成立。
1977年1月起，一大批优秀传统剧目陆续恢复上演。
1978年，男女合演的《祥林嫂》被摄制成彩色宽银幕电影，《五女拜寿》、《莫愁女》、《春江月》、《桐江雨》、《花烛泪》等剧，也相继被搬上了银幕。
此时，一些20世纪五六十年代成名的演员如陆锦花、王文娟、张云霞、吕瑞英、金采风、毕春芳等都已形成了自己的流派唱腔，成了越剧界继袁雪芬、尹桂芳、范瑞娟、傅全香、徐玉兰、戚雅仙之后的代表人物。
20世纪80年代中期起，越剧界陆续试行了体制方面的改革。
上海、浙江、江苏大力培养新一代青年演员，其间涌现出了赵志刚、钱惠丽、方亚芬、陈颖、韩婷婷、单仰萍、章瑞虹、王志萍、茅威涛、董柯娣、何赛飞、方雪雯、陶琪等新秀，蜚声海内外。
越剧发展史上的N个节点 落地唱书 19世纪中后期，在嵊州农村出现了田头歌唱的自娱性活动，其代表人物是马塘村农民金其炳。
1860年前后，嵊州连年遭灾，经济萧条，清政府捐赋日增，当地农民度日艰难。
为谋生计，他们开始模仿“扫地佬”等乞讨口艺形式，把田头歌唱作为赖以谋生的手段，在本县、东阳、义乌、桐庐一带农村，用四工合调唱“彩头话”或生活故事，即“沿门唱书”。
如《扫地佬送元宝》：“正月里来新春头，堂前高挂福禄寿，扫地佬，手拿金扫帚，一扫扫到店王大门口……” 到了同治年间，“沿门唱书”逐渐从站立人家门口演唱变为在厅堂、茶楼内演唱，称为“落地唱书”。
随着唱书艺人不断增多，唱书地域也逐渐扩展到了宁波、绍兴、金华等地，唱书方式也从地上走向台上，成为“走台书”。
在这一时期，沿门唱书、落地唱书和走台书一起并存，通称“落地唱书”。
文戏男班 1906年清明节前，嵊州南派艺人钱景松、李世泉等，在于潜乐平伍村唱书时，为了顺应观众的要求，走上了由几只稻桶搭成的简易台上进行说唱，一人担任一个角色，首次改说唱为演唱。
而北派艺人马潮水也在余杭陈家庄上台演唱了《珍珠塔》。
同年清明，李世泉等又在家乡甘霖镇东王村再次搭台上演，一时轰动了剡城。
不到一年时间，嵊州境内几乎所有艺人都合班上台表演，正式戏班开始出现，一个崭新的剧种就这样诞生了。
当时，对这样的戏班，有好几种叫法，一称“小歌班”，又名“的笃班”（以“的的笃笃”的打击乐声而定名），以后也有人称“剡剧”、“嵊剧”。
小歌班最初出现的时候，在艺术上比较粗糙、简单，所演剧目都是唱书书目或从兄弟剧种移植而来，唱腔没有丝弦伴奏，只有尺板、笃鼓和金刚腿，其过门和配音还是人声帮腔。
但是，小歌班有着浓厚的生活气息和鲜明的地方特色，同时又能以生动的剧情和风趣的语言吸引观众，显示出了旺盛的生命力。
小歌班 自小歌班诞生以来，不断吸取姚滩、绍兴大班等剧种的营养，使自己在舞台表演、唱腔和剧目等方面不断丰富发展，演出范围也开始由农村向城市进军，从绍兴、宁波、杭州，一直到上海。
由于小歌班所演的剧目多是儿女情爱，同时又有丝弦伴奏，格调幽静文雅，与绍兴大班相比，显得非常文气。
在1921年，上海《申报》刊出了广告，第一次称小歌班为“绍兴文戏”。
该名一直沿用了十几年。
在当时的班子中，参与演出的几乎是清一色的男演员，当时比较有名的有四大小旦：卫梅朵、白玉梅、金锡芳、费翠棠；四大小生：王永春、张云标、张志帆、支维永；四大小丑：马阿顺、张瑞来、金瑞苗、谢紫云；四大老生：马潮水、娄天红、童正初、金小邦等。
由于演出人员以男演员为主，所以这一时期的班子，又称“绍兴文戏男班”。
文戏女班 在小歌班向绍兴文戏过度、男班在沪打开局面时，上海开始时兴一种“髦儿戏”，即女子演戏。
在上海“大世界”中，与绍兴文戏同时演出的还有许多女班，如“女子新戏”、“女子申曲”、“女子苏滩”等。
女子登台表演，以其俊美的扮相和甜美的唱腔，在吸引了大批观众的同时，也影响和冲击着绍兴文戏男班。
针对这一现状，艺人们创办女班的想法开始形成。
1923年春天，同为嵊州人的上海升平歌舞台前台老板王金水和艺人金荣水，在艺人们的支持下，回到了嵊州施家岙，准备筹建女子科班。
这时，有男班艺人在离施家岙五里的上碧溪村也办了一副女子科班，但由于是一副子弟班，又没有培养出成名的演员，因此未能给后人留下更多的印象。
而施家岙的女子科班，则获得了巨大的成功，涌现出了施银花、赵瑞花、屠杏花、沈兴妹等一批名演员，开创了女子越剧的先河。
施家岙女子科班在越剧发展史上被称为第一副女子科班。
在1929年以后的几年中，剡溪两岸的女子科班如雨后春笋，不断涌现，班数之多，难以数计。
这些班子，主要流动演出于浙江城乡，尤其是杭嘉湖一带。
这段时间，被越剧史上称为“绍兴文戏女班”时期。
女子越剧 20世纪30年代中期，嵊州（县）农村女子科班（绍兴文戏女班）已十分普及。
据有关资料记载，1935年，嵊州全境40万人，有2万多人参加了女班演出，女班总数达到了200多家。
1938年，日寇侵袭浙江，大批绍兴、宁波一带的人士去上海避乱或谋生，为女班进上海演出提供了大量的观众。
在那段时期，“绍兴文戏女班”接踵涌入上海，影响也逐渐扩大，在报刊、广告上，开始称其为“越剧”。
其实，“越剧”两字早在1925年就已出现，曾与“绍兴文戏”、“的笃班”、“小歌班”等混用了很长一段时间，但因用得很少，没有引起更多人的注意。
女班在上海落脚后，姚水娟等一批艺人开始实行编剧制，轰动了上海，为越剧的蓬勃发展打开了局面。
而“越剧”这一名称，也进一步为观众、舆论界和演员所接受，逐渐替代了其他名称。
1942年，在以袁雪芬为代表的一批越剧演员的倡导下，掀起了一场全面的越剧改革，建立了编导制。
1946年5月，演员们把鲁迅先生的《祝福》搬上了舞台，成功地上演了《祥林嫂》。
在艺人们的不懈努力下，这一时期涌现出了大量的优秀新剧目，并创出了《尺调》和《弦下调》，“女子越剧”开始步入一个崭新的阶段。
改人改制改戏 新中国成立以后，党和政府组织艺人们进行了以“改人、改制、改戏”为中心的“三改”学习，举行了全国、华东地区和浙江省戏曲调演，越剧开始走上全面发展繁荣时期。
随着越剧艺术的广泛流传，越剧演出几乎遍及了全国各省市，并开始走向世界，受到了法、德、美、荷兰、比利时等欧美国家和朝鲜、日本等地观众的欢迎，成为了受国际文化界所瞩目的全国性大剧种。
在这期间，越剧新剧目大量涌现，数以百计的剧目被搬上银幕和屏幕；越剧新秀人才辈出，唱腔流派色彩纷呈。
经过近百年的发展和几代人的努力，越剧艺术终于发展成了戏曲界的一朵奇葩。
二、唱 越剧音乐曲调、流派的发展 音乐是戏曲的重要组成部分。
在40年代的改革中，曾创造了〔尺调腔〕和〔弦下腔〕等新曲调，并开始出现流派唱腔；曾吸收新音乐工作者刘如曾参加，他是受过高等专业音乐教育的新文艺工作者中投身戏曲改革的第一个。
解放后，越剧音乐继续得到发展。
从1950年起，一批新文艺工作者陆续加入华东越剧实验剧团，从事越剧音乐创作及改革，其中有陈捷、薛岩、顾振遐、项管森、高鸣、杜春阳、周茂恒等人，他们为演职人员传授乐理知识，进行识谱视唱训练，提高大家的音乐素养；全面挖掘、收集、整理传统曲调，出版了《越剧曲调》，编印了《越剧老调》、《四工调》、《越剧音乐发展概况》、《曲牌集》、《锣鼓经》机袁雪芬、尹桂芳、范瑞娟、傅全香、徐玉兰、戚雅仙、陆锦花、吕瑞英、金采风等人的唱腔资料集共十多本，为越剧音乐的进一步改革打下基础。
此外，从事越剧音乐改革及创作工作的还有连波、唐惠良、苏进邹、金良、李修等，他们为越剧音乐创新作了不少努力。
新文艺工作者与演员、琴师结合进行的改革，主要体现在如下方面： 1．越剧音乐创作方法的改变 1953年，华东越剧实验剧团顾振遐、陈捷、项管森等选择了传统剧目《粱祝》中的十八相送一折（由傅全香、赵雅麟主演），将全部唱腔进行整理、加工、对伴奏进行配器，首次实行了定腔定谱，从而改变了历来配器由作曲写、唱腔由演员按传统程式即兴演唱、乐队伴奏无固定曲谱的做法。
此后，这种做法在上海各越剧团得到推广。
实行定腔定谱后，每个剧目的唱腔和伴奏音乐有了总体布局，由此，建立起以作曲者为主，与演员、琴师紧密合作的作曲新体制。
这一重要转折对越剧音乐的发展产生了深远的影响。
2．充分运用原有的越剧传统曲调 在创作中，除继续以〔尺调腔〕、〔弦下腔〕为主腔外，根据剧情的需要，广泛地运用越剧原有的传统曲调，包括〔四工腔〕、〔南调腔〕、〔北调腔〕、〔四工唱书调〕、〔呤哦唱书调〕、〔宣卷调〕及山歌小调等，丰富了曲调，增强了表现力。
3．唱腔旋律、节奏、调性、调式的丰富和发展 随着越剧音乐表现力的拓展，扩大了唱腔音区，增强了唱腔旋律性，丰富了腔句的落音变化。
在唱腔节奏方面，切分节奏、弱起强收以及句幅紧缩和扩展手法经常被运用，使原越剧唱腔的方正结构和单一贷板的节奏有所突破；行腔更讲究腔、词、情的紧密结合，从而改变了过去侧重于口语化、旋律变化不大的倾向。
唱腔进行中运用了自然七声音阶，丰富了唱腔调式、调性，唱腔、过门中转调转板等已成为常用手法。
4．完善丰富了原有板式，创立了新板式 建国后，越剧唱腔在慢板、中板、快板的基础上，发展了十余种不同板性、不同速度的板式，唱腔更富有层次感，增强了表现功能。
〔尺调腔•中板〕4／4节拍，四分音符为一拍，一板三眼，速度每分钟84-108拍为中中板，108-135拍为紧中板，182-260拍为快中板，260拍以上为特快中板。
中板的功能随速度不同而异，中中板较为平静，叙述性强；紧中板常以明快的节奏和扩充句幅的手法，使唱腔呈现活泼、轻快的情绪；快中板及特快中板则速度快、节奏强烈，音调简练而明朗。
以上中板都以过门接唱。
见谱例〔尺调腔•中板?quot;辕门外三声炮响如雷震。
〔尺调腔•清板〕清板为无丝弦伴奏、仅以鼓板伴奏（或以某一管弦乐器独奏托腔）的演唱形式。
一般均以主胡等丝弦乐器伴奏的唱腔转入清板，转入清板前必须掼腔，通称掼清板。
〔尺调腔•慢中板〕4／4节拍、一板三眼，速度为每分钟56-68拍；稍快些就称缓中板，速度为每分钟68-84拍，是中板与慢板之间的板式。
慢中板的基本结构与中板相同，因速度较慢，较多在中低音区展开，旋律加花趋繁，行兴更为曲折委婉，长于表达低沉抑郁的情绪。
〔尺调腔•慢板〕4／4节拍、一板三眼，速度为每分钟28-56拍。
慢板的曲体结构与中板相同，一般由引唱过门起唱，速度慢，旋律加花扩展句幅，装饰音运用频繁，行腔柔婉细腻，唱腔音区大都在中低音区。
〔尺调腔•慢板〕为越剧唱腔中抒情性最强的板式，长于表现哀伤、悲痛、深沉的情绪。
〔快板〕2／4节拍、一板一眼，速度在每分钟135拍以上，节奏强烈，音调简练有力，均为七字句，各乐句紧相连接，直至结束句。
〔一字板〕1／8拍或1／4拍，有板无眼的快速板式，一字一拍，情绪强烈，比快板更为紧张急切，一般用在多板式唱段的最后部分，造成唱腔的戏剧性高潮。
〔嚣板〕1／4拍或4／8拍，中速以上，伴奏过门中吸收融化了绍剧的〔流水〕节奏和音调，为无定次反复式伴奏过门。
唱腔旋律落音均与中板相同，节奏自由，可快可慢，演唱可随时进入。
50年代末，〔嚣板〕的唱腔及伴奏渐趋规范化。
〔嚣板〕既可抒发高亢、激愤之情，亦可表现思索、焦虑的情绪，同时还发展运用了多种音型的伴奏形式，如2／4节拍的摇板伴奏形式和1／4节拍的流水板伴嘈问剑
求描写霓裳羽衣舞的句段
舞者身穿镶满珠玉等饰物的孔雀羽衣，淡色彩裙，披霞帔，头戴“步摇冠”。
唐代诗人白居易于元和年间（公元713～741）在宫廷内宴上目睹了的演出盛况后赋诗赞曰：“……飘然转旋回雪轻，嫣然纵送游龙惊，小垂手后柳无力，斜曳裙时云亦生。
烟娥敛略不胜态，风袖低昂如有情；上元点鬟招萼绿，王母挥袂别飞琼……。
”宋人王灼在中的描述更为生动，他说：“宫妓佩七宝璎珞舞此曲，曲终珠玉翠可扫。
”记载中有独舞、双人舞和群舞多种形式。
玄宗宫中，杨贵妃、张云容均以独舞“霓裳”著称；白居易在宫中内宴上所见，为双人舞；文宗宫中，教坊常以数百名19岁以下少女舞“霓裳”，场面蔚为壮观。
据考证，五代王建（公元884～918）墓汉白玉棺床上所雕两名舞妓的动作与神态，即为表演时的舞姿。
——————————————————————————————————————————白居易 我昔元和侍宪皇，曾陪内宴宴昭阳。
千歌百舞不可数，就中最爱霓裳舞。
舞时寒食春风天，玉钩栏下香案前。
案前舞者颜如玉，不著人家俗衣服。
虹裳霞帔步摇冠，钿璎累累佩珊珊。
娉婷似不任罗绮，顾听乐悬行复止。
磬萧筝笛递相搀，击擫弹吹声逦迤。
散序六奏未动衣，阳台宿云慵不飞。
中序擘騞初入拍，秋竹竿裂春冰拆。
飘然转旋回雪轻，嫣然纵送游龙惊。
小垂手后柳无力，斜曳裾时云欲生。
烟蛾敛略不胜态，风袖低昂如有情。
上元点鬟招萼绿，王母挥袂别飞琼。
繁音急节十二遍，跳珠撼玉何铿铮。
翔鸾舞了却收翅，唳鹤曲终长引声。
当时乍见惊心目，凝视谛听殊未足。
一落人间八九年，耳冷不曾闻此曲。
湓城但听山魈语，巴峡唯闻杜鹃哭。
移恋钱唐第二年，始有心情问丝竹。
玲珑箜篌谢好筝，陈宠语栗沈平笙。
清弦脆管纤纤手，教得霓裳一曲成。
虚白亭前湖水畔，前后只应三度按。
便除庶子抛却来，闻道如今各星散。
今年五月至苏州，朝钟暮角催白头。
贪看案牍常侵夜，不听笙歌直到秋。
秋来无事多闲闷，忽忆霓裳无处问。
闻君部内多乐徒，问有霓裳舞者无。
答云七县十万户，无人知有霓裳舞。
唯寄长歌与我来，题作霓裳羽衣谱。
四幅花笺碧间红，霓裳实录在其中。
千姿万状分明见，恰与昭阳舞者同。
眼前仿佛睹形质，昔日今朝想如一。
疑从魂梦呼召来，似著丹青图写出。
我爱霓裳君合知，发于歌咏形于诗。
昔不见我歌云，惊破霓裳羽衣曲。
又不见我诗云，曲爱霓裳未拍时。
由来能事皆有主，杨氏创声君缘谱。
君言此舞难得人，须是倾城可怜女。
吴妖小玉飞作烟，越艳西施化为土。
娇花巧笑久寂寥，娃馆苎萝空处所。
如君所言诚有是，君试从容听我语。
若求国色始翻传，但恐人间废此舞。
妍媸优劣宁相远，大都只在人抬举。
李娟张态君莫嫌，亦拟随宜且教取。
【注释】（1）磬萧筝笛递相搀，击擫（yè）弹吹声迤逦（yǐlǐ）：是凡唐朝的法曲开始演奏时，磬（唐代指铜钵）、筝、箫、笛等金石丝竹逐一发声，霓裳羽衣曲也是这样。
“擫”古同“擪”，表示用手指压按的弹奏方法。
（2）散序六奏未动衣，阳台宿云慵不飞：散序部分共奏六支曲子，没有节拍，所以尚未开始跳舞。
（3）中序擘（bò）騞（huō）初入拍，秋竹竿裂春冰拆：乐曲从中序（也称拍序）开始打节拍，这时舞蹈也开始了。
“擘”表示拨弹琴弦的指法，用拇指抬弦称擘。
“騞”表示暴裂声。
“擘騞”其实就是用拇指抬弦后迅速切音，这样乐器会发出类似暴裂的声音。
（4）飘然转旋回雪轻，嫣然纵送游龙惊。
小垂手后柳无力，斜曳裾时云欲生：这四句都是形容刚开始起舞时的姿态。
（5）上元点鬟招萼绿，王母挥袂别飞琼：“上元”是指上元夫人，传说中的神女；在天宫中的地位仅次于王母娘娘。
“萼绿”、“飞琼”分别是萼绿华和许飞琼，都是天宫中的仙女。
（6）繁音急节十二遍，跳珠撼玉何铿铮：霓裳羽衣曲的第三部分“曲破”为十二遍，然后乐曲结束。
（7）翔鸾舞了却收翅，唳鹤曲终长引声：一般的曲子都是急音收停，而霓裳羽衣曲结尾时节奏再次放慢，然后拖长一音后才结束，如长空鹤唳。
（8）湓城但听山魈语，巴峡惟闻杜鹃哭：“湓城”指江州（今江西的九江）；“巴峡”指忠州（今重庆忠县）。
唐元和十四年(公元819年)，诗人白居易由江州司马升任忠州刺史。
（9）玲珑箜篌谢好筝，陈宠觱（bì）篥（lì）沈平笙：商玲珑、谢好、陈宠、沈平四人都是杭州的歌妓。
“觱篥”为古代的一种管乐器，形似喇叭，以芦苇作嘴，以竹做管，吹出的声音较凄凉。
又名“筚篥”、“悲栗”、“笳管”。
（10）惊破霓裳羽衣曲：白居易在中的诗句：“渔阳鞞鼓动地来，惊破霓裳羽衣曲。
”。
（11）曲爱霓裳未拍时：白居易在中的诗句：“宴宜云髻新梳后，曲爱霓裳未拍时”。
（12）吴妖小玉飞作烟，越艳西施化为土：吴王夫差的女儿小玉夭折后，化为人形来见吴王，小玉的母亲想去抱她，她化成轻烟飞走了。
（13）李娟张态君莫嫌，亦拟随宜且教取：李娟、张态均为苏州的歌妓。
全诗串讲：我侍奉宪宗皇帝于元和年间，并曾在宫中参加廷宴。
见过的宫廷歌舞不可胜数，其中最喜爱的是霓裳羽衣舞。
当时正是寒食节的春天，她们舞蹈于玉钩阑下的香案前。
香案前的舞女容颜如玉，穿的不是人间的普通衣服。
舞女们身著彩虹般的衣裳，头戴珠步摇的饰冠；身上有许多璎珞和玉佩，舞动时佩声珊珊。
舞女们的身形娉婷袅娜好似不胜罗衣，倾听舞曲行止有矩。
磬、萧、筝、笛等乐器相继奏起，击、擫、弹、吹、等声音悠长旖旎。
音乐演奏散序六遍，舞女们的舞衣如阳台峰上驻留的宿云片片。
中序的乐曲和入节拍，其声如秋竹暴裂，如春冰化开。
轻盈旋转的舞姿如回风飘雪，嫣然前行的步伐如游龙矫捷。
垂手时像柳丝娇柔无力，舞裙斜飘时仿佛白云升起。
黛眉流盼说不尽的娇美之态，舞袖迎风飘飞带着万种风情。
就象是上元夫人招来了仙女萼绿华，又象是西王母挥袖送别仙女许飞琼。
十二遍的曲破繁音急促而华丽，就象跳动的珍珠敲击玉片铿锵有力。
舞罢如飞翔的鸾凤收敛彩翅，终曲的长鸣声如空中鹤唳。
刚看此舞时惊心眩目，观赏完了意犹未足。
岂知自从降官到民间至今八九年，再也没机会观赏此曲此舞。
在江州只能听到山魈夜语，在忠州只听到杜鹃啼哭。
后来出任杭州刺史，才有机会和心情重温此技。
商玲珑的箜篌、谢好的筝；陈宠的觱篥、沈平的笙，这四位擅长吹弹管弦乐的歌妓，经我调教后霓裳曲终于练成。
在虚白亭前的湖水畔，她们前后三次表演了霓裳曲的弹唱。
我后来离开杭州是因为任期已满，听说她们如今已各自分散。
今年五月出任刺史来苏州，光阴似箭催我白发满头。
批阅公事常常工作到深夜，无暇听歌一直忙到深秋季节。
秋日公事较少反而心情闲闷，想起霓裳曲却不知去何处询问。
听说你们越州有很多吹弹好手，请问问是否有人懂得霓裳羽衣舞。
您回答越州七县十万户，懂霓裳舞曲的一个也无；而您却寄了一首长诗给我，诗的题目是霓裳羽衣谱。
四张信笺的颜色为绿色间红，霓裳诗句录于其中。
好似霓裳舞的实况都在其中展现，与当年在宫中所见相同。
我的眼前仿佛看见当年舞女的体态和高雅气质，今朝昔日，宛然如一。
象是在梦中遇见，又象是在画中显现。
您也知道我对霓裳曲非常热衷，并常把霓裳曲写入诗中。
您应该还记得，里有“惊破霓裳羽衣曲”，诗中有“曲爱霓裳未拍时”。
从来一切技能之事均有创造之主，杨敬忠依律创声，明皇亲自造谱。
您说这种舞很难物色表演人才，必须要美丽倾城的可爱少女。
可惜吴王夫差的女儿小玉已化青烟，而西施也早就化为尘土。
很久没看到绝世佳人的音容笑貌，馆娃宫及苎萝村已成空所。
也许您说的情况确实如此，但还是请您听我诉说：如果要找到美人才肯传授，此舞就不可能在人间流传长久。
女人的美丑优劣其实相差不远，大多还是需要他人的栽培和抬举。
我这里有李娟和张态，请您别嫌她们不可爱；我想将就一下，把她们训练成才。
原名为，微之是唐朝大诗人元稹的字；也就是说白居易的这首诗是为了唱和元稹的“霓裳羽衣”诗写的，但元稹的这首诗已失传。
霓裳羽衣舞是唐朝最著名的宫廷舞之一，它融诗歌、音乐、舞蹈于一体。
唐诗中常能看到有关霓裳羽衣舞的记述；白居易在他的多首诗中都提到了霓裳羽衣舞及曲子，并且说：“千歌百舞不可数，就中最爱霓裳舞”；而这首诗是迄今为止我们所能看到的对此舞及曲子最详尽的描述，也是研究唐朝宫廷舞及音乐相当珍贵的资料。
下面我先详细的介绍一下。
霓裳羽衣曲的来历有多种不同的说法；（唐）郑嵎中说：“叶法善引明皇入月宫，闻乐归，笛写其半，会西凉府杨敬忠进，声调脗合，按之便韵，乃合二者制”。
叶法善是唐朝很著名的修道士，据说道术通玄。
另外在《明皇杂录》、柳宗元的《龙城录》、《集异记》中也有类似的记述。
郑嵎的记述与白居易诗中写的：“由来能事皆有主，杨氏创声君造谱”比较吻合；开元年间，河西节度使杨敬忠，将经西域辗转传入凉州的天竺佛曲《婆罗门曲》依律创声，献给唐明皇。
李隆基获曲后，结合自己所听到的仙乐，加以润色并制词，亲自创制成了这首梨园名曲。
天宝十三年，他又易曲名为《霓裳羽衣曲》。
综上所述，《霓裳羽衣曲》应是一首神传舞曲。
另外，《霓裳羽衣曲》也是唐朝法曲中的精品。
法曲又称法乐，始见于东晋《法显传》（东晋僧人法显的游记）一书，因用于佛教的法会而得名，法曲在隋朝时由印度传入中国。
又据《新唐书·礼乐十二》记载：“初，隋有法曲，其间清而近雅，器有挠、钹、磬、钟、幢很箫、琵琶。
......玄宗既知音律，又酷爱法曲，选坐部使子弟三百教于梨园，声有误者，帝必觉而正之。
......其后，河西节度使杨敬忠献《霓裳羽衣曲》十二遍，凡曲终必遽，唯《霓裳羽衣曲》将毕，引声益缓。
......开元二十四年，升胡部于堂上。
而天宝乐曲，皆以边地名，若《凉州》、《伊州》、《甘州》之类。
后又诏道调、法曲与胡部新声合作。
”；这些记载也都与白居易诗中的描述比较吻合。
《霓裳羽衣曲》全曲共分三十六遍（段），由《散序》（六遍）、《中序》（十八遍）、《曲破》（十二遍）三部分构成，融歌、舞、器乐演奏为一体。
《散序》的六遍为前奏曲，全是自由节奏的散板，由磬、箫、筝、笛等乐器独奏或轮奏，不舞不歌，即所谓的“磬、箫、筝、笛递相搀，击、擫、弹、吹声逦迤”，“散序六奏未动衣，阳台宿云慵不飞”。
《中序》，又称《歌头》或《拍序》，它是一个慢板的抒情乐段，中间也有由慢转快的几次变化。
它有歌有舞，也有器乐伴奏，就是按乐曲节拍边歌边舞，即所谓的“中序擘騞初入拍，秋竹竿裂春冰拆”。
《曲破》又名《舞遍》，是全曲高潮，以舞蹈为主，只有乐器伴奏而没有歌唱，乐音铿锵，速度从散板到慢板再逐渐加快到急拍。
开始时，有散板的引起，称为“入破”。
白居易的《卧听法曲（霓裳）》诗称：“朦胧闲梦初成后，婉转柔声入破时”，可见其曲调是相当抒情的，不过很快就转入“繁音急节十二遍，跳珠撼玉何铿铮”的快板部分。
这一部分在转入快板前有一个由散板入快板的过渡段“虚催”，中间也还有由快转更快的几次变化。
此曲结尾时节奏再次放慢，然后拖长一音作结，白居易自注云：“凡曲将毕，皆声拍促速，唯霓裳之末，长引一声也”，可见《霓裳羽衣曲》由于舞曲的要求，结尾处没有像别的大曲那样采用极快的“煞衮”作结，尾音拖得很长。
《霓裳羽衣曲》在唐宫廷中倍受青睐，在盛唐时期的音乐舞蹈中占有重要的地位。
在宫廷中表演时，玄宗亲自教梨园弟子演奏，由宫女歌唱，采用群舞形式。
此舞后来传到民间，也有采用单人或双人舞形式。
有关此曲的表演情景，白居易、元稹等人的诗中均有精彩描写。
此曲的伴奏乐器，除了前面提到的磬、箫、筝、笛以外，白居易还提到“玲珑箜篌谢好筝，陈宠觱篥沈平笙。
清弦脆管纤纤手，教得霓裳一曲成”，就是说还用到箜篌、筚篥、笙等乐器。
而在唐玄宗时代的宫廷表演时，却用了玉磬四簴（架）与琴、瑟、筑、箫、跋膝管、笙、芋各一件。
看来其乐队编制比较接近清乐的系统。
此曲传到民间，也有采用单一乐器演奏，如用琵琶、筝、笛等乐器；也可采用几件乐器合奏，如：箜篌、筚篥、笙、筝等。
《霓裳羽衣曲》歌舞十分注重表演者的服饰，“不著人家俗衣服”，裙色如虹，身上披的丝帔如飞云流霞，佩着黄金装嵌璎珞珠串，响声泠泠，清脆悦耳；秀发梳成双鬟，头上饰金嵌的珠花，舞姿轻盈柔美，进退飘忽，长袖翩翩似弱柳扶风，裙裾轻曳像缭绕流云，饰羽毛的舞装随双臂挥动，如鸾凤展翅。
《霓裳羽衣曲》表明唐代大曲已有了庞大而多变的曲体，它的艺术表现、意境创造以及对外来音乐的吸收与融化都显示了唐代宫廷音乐及舞蹈所取得的辉煌成就。
——————————————————————————————————————————“谢谢你，肖尧。
”圆圆岂会不知肖尧这是在保护她，避免不必要的麻烦。
“我答应过你，不会让你受到任何的伤害，我岂会不记得，不会做到吗
好了，什么都别想了，一切都有我和圆圆呢，你就只要到那里，完成你的舞蹈就好。
”肖尧交代到。
圆圆没再说什么，她记得了肖尧对她的好，同时按照肖尧的示意，缓缓的走到舞台的中间，给灯光师一个手势之后，瞬间摄影棚全部黑了下来，几秒钟的时间之后，一束追等，打在圆圆身上，于此同时霓裳曲也缓缓的响起。
在追灯的示意下，只见圆圆头戴金花翠玉桂冠，插着玲珑步摇，身着镶满珠玉等饰物的孔雀羽衣、肩披五彩霞帔，配以如霓虹般淡彩色的舞裙，袅袅婷婷的站在舞台中央，轻轻的随袖而动，就只是那一瞬，圆圆就吸引住众人的目光。
随行的小宛轻轻的言语着：案前舞者颜如玉，不着人家俗衣服。
虹裳霞帔步摇冠，钿璎累累佩珊珊。
音响师播放着由圆圆小宛共同演奏的霓裳羽衣曲，曲调悠长抒情、意境绵远，圆圆随着乐声翩翩起舞。
此时众人终于体会到，为何会称霓裳羽衣舞为华夏唐代的法曲精品，音乐舞蹈史上一颗璀璨的明珠，它描写的是唐玄宗向往神仙而去月宫见到仙女的神话，其舞、其乐、其服饰著力描绘虚无缥缈的仙境和舞姿婆娑的仙女形象，给人以身临其境的艺术感受。
白居易在《霓裳羽衣舞歌和微之》中，对此曲的结构和舞姿作了细致的描绘：全曲共分为三十六段，散序（六段）、中序（十八段）和曲破（十二段）三部份，融歌、舞、器乐演奏为一体。
他曾有幸观赏了一对美丽舞者表演此舞，对她们时而点头相招聚拢，时而挥袖散开的精采表演，曾发自内心的赞叹道：“千歌万舞不可数，就中最爱霓裳舞。
”众人并不是没有欣赏过现代的霓裳羽衣曲的群体表演。
怎么形容呢
在烟雾和灯光的艺术配合下，只觉相去几十米远的舞台俨然是仙境的入口——仙乐飘飘，美女如云，如梦如真
如今圆圆在舞台上跳的则是传说中的独舞，据说，霓裳羽衣舞最初本是独舞，杨贵妃最善此舞。
相传，当年唐玄宗李隆基梦游月宫时，听到天上有仙乐奏曲，身穿霓赏羽衣的仙子翩翩起舞。
仙女的歌声玄妙优美，跳舞的仙女舞姿翩翩。
李隆基醒来后，对梦中的情景记忆犹新，便依此作出了《霓裳羽衣曲》。
唐玄宗作《霓裳羽衣曲》后，能歌善舞的杨玉环稍加浏览，便依韵而舞，翩若天女散花，飘渺神奇。
她还曾写过一首七绝：“罗袖动香香不已，红蕖嫋嫋秋烟里。
轻云岭上乍摇风，嫩柳池边初拂水”来形容此舞。
遗憾的是安史之乱后《霓裳羽衣曲》失传，到中唐时期，已被世人淡忘。
随着唐朝的衰落崩溃，一代名曲竟“寂不传矣”。
五代十国时，南唐后主李煜意外寻得残谱与皇后周娥皇凭着自身的音乐天赋，和乐师曹生按谱寻声，补缀成曲，并一度整理排演，复原了失传200年的《霓裳羽衣曲》。
称得上音乐史上一大奇迹，却也失去了当年唐玄宗和杨贵妃共创辉煌的原滋原味。
此时圆圆跳的可不是那复原后的《霓裳羽衣曲》，而是由唐玄宗和她共同创造的辉煌，“娉婷似不任罗绮，顾听乐悬行复止。
磬萧筝笛递相搀，击擫弹吹声迤逦。
”
越剧的资料
越剧，剧种。
因发源于浙江省绍兴地区嵊县，即古所在地，故名越剧。
它由说唱“落地唱书”发展而来。
清光绪三十二年(1906)春节期间，嵊县农村6 名说唱艺人首次化妆登台，串演《十件头》、《赖婚记》、《倪风煽茶》等，唱腔仍以“落地唱书调”（即“吟哦调”）为主，只用笃鼓、檀板按拍击节，的笃之声不断，故被称为“的笃班”，又名“小歌班”。
后流行于桐庐、富阳、海宁、杭州一带。
剧目多半反映农村生活，主要有《卖婆记》、《卖青炭》、《箍桶记》、《养媳妇回娘家》等。
随着小歌班在浙东南各城市流传，剧目逐渐改取坊间唱本或移植乱弹剧目，如《珍珠塔》、《双珠凤》等。
曲调也由用帮腔演唱的“吟哦调”向乐队伴奏发展。
1916年后，小歌班数度进入上海，到1921年为区别于“绍兴大班”，以“绍兴文戏”名义演出于升平歌舞台。
艺人魏梅朵等采用板胡（后改平胡）、斗子伴奏（定弦do、 sol，称“正调”），在唱腔上吸取了绍剧、余姚清腔、武林调的音乐成分，丰富板式，创制了倒板、快板、清板、还阳调等。
在表演上也借鉴绍剧、京剧的艺术特长。
从此男班进入黄金时期。
1923年，艺人金荣水受京剧“髦儿戏”的影响，在嵊县施家岙办起第一个女子科班，短期训练后即以“绍兴文戏”、“文武女班”名义进入上海演出，不久退回农村。
1928年后，女子文戏科班大量涌现。
因女声音域与男声相差四、五度，所以吸取京剧西皮la、mi定弦，创造出“四工调”，一时与男班展开竞争。
1936年后，女班终因扮相俊美，曲调流畅，而取代了男班，盛行于浙江和上海。
抗日战争爆发后，上海沦为孤岛，江浙绅商多集中于此，市面畸形繁荣，一时涌入上海的女班竟达30余个，时称“女子文戏”。
著名演员有施银花、赵瑞花、王杏花、屠杏花、姚水娟、筱丹桂、马樟花等。
常演剧目以才子佳人戏为主，如《梁山伯与祝英台》（又名《双蝴蝶》）、《龙凤锁》、《碧玉簪》、《三看御妹》等。
1938年秋，已用“越剧”名称代替“女子文戏”。
1942年，袁雪芬在大来剧场首倡改革，聘请吕仲、韩义、郑传鉴等为编导；以剧本制代替幕表制；建立导演制度；改革服装；采用油彩化妆；改进舞台布景、灯光；充实乐队，并与琴师合作创造定弦 sol、re的尺调腔，成为新越剧的声腔基调。
演员在表演上也吸收昆曲和话剧表演艺术之长，使越剧得到丰富和发展。
1945年组成雪声剧团，建立了较正规的剧务部，在演员与编剧、导演、音乐、舞美的协作下，使越剧艺术在综合各种艺术手段，丰富表现力方面得到进一步的发展。
这时范瑞娟在演《梁祝哀史》中，与琴师周宝才创造定弦do、 sol的“弦下腔”，丰富了越剧曲调。
1946年 5月，雪声剧团把鲁迅的《祝福》改编为《祥林嫂》上演，引起文艺界很大反响，得到中国共产党的关怀和支持。
1947年夏季，为反对旧戏班制度，筹建剧场和戏校，发展越剧事业，“十姐妹”（尹桂芳、袁雪芬、筱丹桂、范瑞娟、傅全香、徐玉兰、竺水招、张桂凤、徐天红、吴筱楼）义演《山河恋》，并与破坏越剧改革的国民党反动派展开了一场斗争。
这一时期，在剧目上出现了一些较好的戏，如雪声剧团的《红粉金戈》、《凄凉辽宫月》、《万里长城》；尹桂芳、竺水招的芳华剧团的《石达开》、《葛嫩娘》、《浪荡子》;范瑞娟、傅全香的东山越艺社的《天涯梦》、《长陵怨》、《孔雀东南飞》；徐玉兰、王文娟的玉兰剧团的《国破山河在》、《红娘子》等。
在演员演唱艺术上也逐步形成各自的流派，其中影响较广的有袁派、尹派、范派、傅派、徐派，以及稍后的戚雅仙派等。
剧团组合时有变化，到1949年上海有近30个剧团，其中雪声、东山、玉兰、云华（竺水招与戚雅仙）、少壮（陆锦花等）被称为“五大剧团”。
同一时期，中国共产党领导的浙东四明山地区对越剧也进行了改革，组成社教队，编演新戏，在部队和农村演出。
江南新四军北撤时，越剧也随部队到了山东。
社教队采取男女合演形式，演出了不少反映现实斗争的剧目。
梁祝音乐鉴赏
引子：乐曲一开始由长笛奏出了华彩的旋律，呈现出一派春光明媚、鸟语花香的景象。
由双簧管奏出的主题音调，取自越剧的过门音乐。
呈示部：主部主题——在竖琴的伴奏下，小提琴演译出纯朴而美丽的“爱情主题。
”（这段旋律在整部作品中起到了举足轻重的作用。
多少人听了段旋律都为之陶醉。
作者在选取这段主题时可是费了一番苦心。
当年他们还是上海音乐学院作曲系的学生。
何占豪曾在杭州越剧团当演员，他对越剧音乐既熟悉又喜爱。
在创作《梁祝》时，故事流传在浙江一带，越剧是浙江的代表剧种，他决心从越剧音乐中取材。
据平时的观察，许多越剧名演员，不论他们演出任何剧目，只要唱到一段唱腔时，台下都会博得热烈地掌声为之呼应。
作者抓住了这段唱腔作为《梁祝》中“爱情主题”的基本音调。
这段主题是全曲的核心的音调。
） 副部主题——与柔美、抒情的主部主题形成鲜明的对比。
音乐转入活泼、欢快的回旋曲。
独奏与乐队交替出现，描写梁祝同窗共读时的生活情景。
（传说中祝英台女扮男装去读书，在途中与梁山伯相识后两人情投意合，结拜为兄弟。
这段音乐主题就是表现梁祝同窗三载共读共玩时的情景。
）在这段快板过后，音乐转入慢板，副部主题中的结束部。
在弦乐颤音的衬托下，梁祝二人同窗三载就要分别，音乐表现十八相送、长亭惜别的依恋之情。
（传说中二人在临别时，祝英台假意说家中有个妹妹愿嫁与梁山伯，约梁山伯去探望。
故事就这样发展了下去。
）低沉的音响预示出不详的事情就要发生。
展开部：由三部分构成，抗婚、楼台会、哭灵投坟。
（祝英台的父亲逼祝英台嫁与官僚马府少爷马文才，祝英台抗婚不嫁。
）铜管乐奏出了表现残暴的封建势力的主题。
紧接着小提琴采用戏曲的“散板”节奏，奏出英台惶惶不安和痛苦的心情。
乐队以强烈的全奏，衬托着主奏小提琴猛烈的切分和弦奏出反抗主题。
逐渐形成了矛盾冲突的高潮，越来越激化，但音乐突然停顿下来，又转入慢板乐段——“楼台会”（传说中正在此时，梁山伯来祝家探望，得知祝英台为女子也得知祝英台的痛苦，二人楼台相会互诉衷肠。
）这时大提琴与小提琴对答式的手法“一问一答”，如诉如泣的曲调。
接下去音乐急转而下——哭灵投坟，乐曲运用戏曲中的紧拉慢唱的手法，将祝英台悲切的心情表现得淋漓尽至。
（传说中在梁山伯归家后不久病故，祝英台得知后悲痛万分，她已下定了决心选择了一条道路，她与父亲约定，穿素服上花轿，并绕道梁山伯的坟前祭奠，父亲同意。
那天祝英台来到坟上向苍天哭诉后碰碑自尽。
）锣、鼓、管、弦齐鸣表现祝英台纵身投坟，全曲达到了最高潮，乐队奏出赞颂的音调。
再现部：乐曲出现了引子的音乐素材，而这已不是人世间的美景，而把我们带入了神化的意境。
“化蝶”（当祝英台撞向石碑，墓穴突开，祝英台纵身投入后，从坟墓中飞出一双蝴蝶），我们又再次听到了那段熟悉的“爱情主题”。
许多艺术家用不同的艺术形式表现这一动人的情节。
下面我给同学们朗读一段“化蝶”的歌词。
碧草青青花盛开，彩蝶双双人徘徊，千古传颂深深爱，山伯永恋祝英台。
同窗共读整三载，促膝并肩两无猜，十八相送情切切，谁知一别在楼台。
楼台一别恨如海，泪染双翅身化彩蝶翩翩花丛来，历尽磨难真情在，天长地久不分开
跪求浙江筝派的高山流水
这就是浙江派的高山流水 跟改版后的古筝考级书上的曲谱弹得是一样的～
中国曲艺有多少曲种
各是什么
曲艺是中华民族各种说唱艺术的总称。
曲艺在中国有着深远的渊源。
它是由民间口头文学和歌唱艺术经过长期发展演变形成的一种独特的艺术形式。
其主要特征是通过说、唱敷演故事和刻画人物。
经过唐、宋、明、清的朝代更迭和历史演变，流传至今在民间的曲艺品种400个左右，大致可归纳概括为评书、相声、快板、鼓曲、说唱等五大类。
评书类 评书的特点是由一个演员讲故事，只说不唱。
演员在故事的讲述中时常穿插一些评说议论。
评书通常使用普通话讲述。
但也有苏州评话、扬州评话、四川评书、湖北评书等使用方言讲述的种类。
评书演出时，台上一桌一椅，桌上有醒水、折扇、手帕三件道具。
演员表演或坐或站。
评书表演十分强调“满台风雪吼，全凭一张口”的效果。
评书一般均为长篇大书，其艺术结构严谨，情节紧张，故事生动，段落之间要有悬念，在表演中往往还需借助演员的身段形体及面部表情变化来塑造人物，借助道具模拟各种物件。
相声类 相声具有轻松、活泼、滑稽、幽默的特点。
通常有一人说的单口相声；两人一逗一棒的对口相声；三人以上的群口相声。
中国南方的独角戏和四川的谐剧，也属于相声一类。
相声的特点是引人发笑，一段相声必须要有几个大的“包袱”即笑料，才能达到最好的艺术效果。
说、学、逗、唱是相声必须具备的四种基本功。
快书快板类 快书主要是指发源于山东省西南部的山东快书。
山东快书是一种使用山东方言、说中有唱、唱中有说，似说似唱的曲艺形式。
表演时，一名身着长衫的演员立于舞台中央，手中持两块半月形的铜质鸳鸯板，击打出各种节奏配合其叙述和表演。
山东快书故事性强，风趣幽默，通过误会、巧台、自相矛盾等手段制造笑料。
快板是由一位右手持两块大竹板，左手持五块小竹板的演员，使用竹板击节说唱的曲艺形式。
另外，数来宝、天津快板、竹板书等也是这类说唱艺术的不同表演形式。
鼓曲类 鼓曲类包括弹词、大鼓、渔鼓、琴书、杂曲等，是以演唱曲词为主且音乐性较强的一种的曲艺形式。
说唱类 主要指长篇连续性的大部头曲目，表演时演员须连说带唱，有说有唱。
如西河大鼓、河南坠子、评弹、福州评话等。
20世纪80年，随着电视在中国百姓生活中的普及，曲艺艺术也借助这一新的传播媒介表现和发展自己。
电视台的“电视书场”、“曲艺杂坛”等栏目的开播；相声MTV的出现，都为曲艺艺术的普及发展提供了新的契机。
中国曲艺团其蕴含丰富的民间性、群众性，不仅得到中国人民的珍爱，也引起了世界各国对东方文化怀有兴趣的学者和朋友们的青睐，近2O年来，中国曲艺艺术家纷纷走出国门，将这一饶有兴味的中国民；司艺术介绍给国外观众；而众多的外国专家也来中国求学，专门学习和研究中国曲艺。
中国曲艺艺术发展演变的事实说明，真正的民族艺术最终都是属于世界的。
