话剧演员都是如何训练自己的表演技巧的
在演员训练过程中，我们通常用各种类型的即演、动拟、人物模拟、观察生活细节和小品表演练习等方式进行各种技巧方面的训练。
而想要成为一名优秀的舞台剧演员，则需具备以下几点。
1.说话首先音量要够大。
话剧和戏剧舞台表演主要是通过对话或演唱来表现的，对白与日常生活中的谈话完全不同，表演又是在规定的时间、地点完成，观众只能听一遍，不能问，如果演员的音量太小，语音不清晰，会整个影响观众的情绪，同时也失去了话剧和戏剧舞台表演的意义。
有时碰到即场表演，又没有扩音设备，或者剧情需要走下舞台，又不方便携带扩音设备，大音量就显得尤其重要。
演员只有做到语音清晰、洪亮、有穿透力，才能让观众听得明白，才能收到较好的演出效果。
因此，演员必须经过严格的语言技巧性训练才能不断提高表演水平。
2.动作话剧(戏剧)是演员在舞台上的表演，观众在舞台下只能从某一个角度观看，并且距离越远，越看不清楚演员的动作。
因此，作为话剧(戏剧)演员舞台表演，要求动作的幅度一定要大，需要做得特别夸张，才能让全场的观众看的清楚、明白。
形体训练已经奠定了夸张动作的基础，但夸张动作的表现应当自然、优美、得体。
符合人物性格。
在舞台表演中，所有外部动作，都是要以内心的情绪来做参考。
有的演员在舞台上会有很多无机的动作，不符合人物的情绪。
还会显得手足无措，这样会影响到角色人物的形象，要尽量避免。
3.表情演员表情的变化时按照剧情人物的需要而做出来的。
不同的剧情人物往往有不同的表情，悲与喜、惊与喜、怒与喜之间的突然转变，这是成为出色演员的重要条件。
演员的表情要转变得快，有意识地去控制，才能让观众跟随演员的情绪变化融入到剧情中去。
4.胆量怯场和紧张是每个演员，特别是初学者必然产生的一种自然心理现象，也是成为一名优秀演员成长过程的不可避免的心理现象。
克服胆怯和紧张情绪，有一点非常重要，就是要排除私心杂念，不要老想着自己的扮相是不是好看，自己的说话语音是不是好听，自己的动作是不是很美，观众会议论自己什么，如果演得不好很丢脸，其他人如果演得比我好怎么办等等;在上场前以及在表演过程中，注意力一定要集中，把自己的心放到刻画人物形象中去，才能自然地去表演。
在表演技能训练过程中，经常性地举办小型表演会或艺术培训机构举办的实践演出锻炼，是排除和克服演员紧张心理的重要途径。
5.想象想象力是每个人都具备的，问题是想象力是否发挥和利用是一个关键。
想象力也是要练的，通过训练可以使我们的想象力更加丰富。
舞台上演员的想象力很重要，例如想象舞台是一间房子，内心就会产生在一定范围内的空间感，没了这个想象，眼神会变得很空很假。
例如想象自己心理最喜欢的人，那就说出来的赞美词才会逼真。
当然，丰富多彩的想象力，是来自日常对生活细节的细心观察，与不断提到个人文化修养和综合素质是息息相关的。
想象是演员做重要的创作能力之一，演员在艺术工作和舞台生活中的每一瞬间都离不开丰富而特殊的艺术想象，无论他在研究角色，还是再现角色。
我们说，想象来源于丰富的生活，来源于演员的心理体验和情绪记忆，来源于演员大胆的幻想与联想。
当然一切想象必须符合生活的真实与逻辑，又符合艺术的规律。
演员必须将培养想象力看作自己毕生头等重要的任务。
因为想象贯穿创作的始末，贯穿演员整个创作生涯。
6.交流表演时绝对要根据规定情境来进行的，不能随心所欲。
在规定的情境中交流，这是许多业余演员很容易疏忽的环节。
交流有很多种：与对手的直接交流;与观众的间接交流;与一个不存在的对象交流;自己和自己交流。
这些都是作为一名演员必需掌握的基本技能。
交流的对象可以是物;可以是人;可以是自言自语。
舞台的表演形式是多种多样的，如果和对手有交流，就是另外一种感觉，必须拉近观众和自己的距离，想象观众是一伙自己要好的朋友，交流起来就比较轻松自如。
如果没有经过这方面训练的演员，是很怕交流的，一看到对手的眼神就觉得不自然。
眼神的交流和心的交流，是表演中不可缺少的关键，真正会表演的人就懂得用眼，望和不望，都可以有其特别的效果，有没有用心交流，也是考核演员对作品人物的理解能力和综合素质水平的能力。
7.肢体语言肢体语言(体态语)也称为态势、身姿语、体语，是通过目光、表情、手势、姿势、服饰等方式传递信息的一种有效的无声语言形式，是人类运用姿态和姿势等辅助言辞表达情感的能力与技巧。
我们必须把优美的肢体动作和丰富的面部表情很好地结合在一起，才能获得良好的表演效果。
肢体语言是在无声中表达极为丰富的、微妙的感情世界，是一种非词语性的人类社会交际工具，肢体语言的表现应当简练鲜明、自然适度。
面部表情是肢体语言表现的核心，是心灵的屏幕，我们要通过富于变化的眼神目光、脸部表情、和肢体动作的协调统一，加之精彩的口语表达，从视觉和听觉两个渠道留给观众深刻的印象。
看完了“大魔王”麻枝准的催泪三部曲后，我的内心真的被深深的感动……
2010年播出的 （以下简称AB）乃著名galgame脚本家、作曲家麻枝准首次参与制作的原创TV动画，凭借key社催泪三部曲的名声吸引了众多人气。
一直以来，AB这部作品毁誉参半，一面因登场人物生前悲惨的命运和催泪感人的后期展开被AB厨key厨麻厨誉为“世纪明灯”，另一面又因不明所以的搞笑、通篇糟糕的节奏以及过度煽情“强行催泪”的嫌疑遭到抨击。
然而AB不俗的销量证明了商业上的成功。
紧接着，为补完AB动画笔墨较少涉及的SSS次要角色，key社推出总共多达6卷的游戏，这圈钱的手段令人唏嘘不已，粉丝也只能乖乖掏腰包。
五年后，麻枝准再度与P.A.WORKS合作推出另一部原创动画。
麻枝准曾大放厥词：“Charlotte是对抨击AB的人的revenge。
”Revenge成功与否，一切尽在不言中。
【人设】二者人物原案都是key社的原画师Na-Ga。
相比key社另一位原画师樋上至（恶名昭著的桶妈脸），Na-Ga的画风显得更萌。
客观上说，AB的动画人设对Na-Ga的画风还原度更高，但头发上的一圈反光光晕看起来确实很别扭。
个人还是偏向由关口可奈味（PA脸元凶）操刀的Charlotte的人设——没有关口的PA脸才不是好PA脸
青春三部曲以及人设这么萌，关口的功劳不容小觑。
【OP\\\/ED\\\/插入曲】论歌曲本身，AB的OP第一句钢琴独奏可以封神（鄙人就是被AB的OPED吸引而去补番的），而Charlotte的OP虽然也是Lia主唱却没有AB吸引人；多田葵的两首ED持平。
论演出，Charlotte的逼格更胜一筹。
插入曲方面，不管是AB的Girl Dead Monster还是Charlotte的How-Low-Hello和ZHIEND都反映了麻枝准的某种恶趣味——卖歌。
AB插入live的方式近乎脑残（第3话），但靠插曲强行催泪却毫不手软，一首不知感动了多少观众（第10话），在这点上可以与最终话一争高低。
而Charlotte插歌的时机也蛋疼无比，柚咲的一段PV打乱了整集节奏（第8话），ZHIEND演唱会糟糕的切歌让只对麻枝准的曲子有所期待的观众也心烦不已（第9话）。
总之，麻枝准的策略是“就算动画BD\\\/DVD销量不好也要卖CD”。
看看人家某JIN爹亲自写作全话脚本的第五世代乡非超能力阳炎boom就该吸取点教训，好好的一个作曲家写什么动画脚本
只可惜麻枝准作曲水平还不如折户伸治……【角色】AB的主人公音无结弦堪称galgame男主“怎么看都只是个吐槽系普通少年”的标准模板。
女主角“天使”立花奏，银发、三无、手刀的人设还有爱吃麻婆豆腐的属性固然是萌点，但怎么看也也都只是个“天然呆萌少女”的标准模板。
另一位女主角游离子酷似某SOS团团长的人设和黑丝长腿倒是比较吸引人。
相比之下Charlotte的主要角色设置更为新颖。
乙坂有宇，开播前便号称“key社史上最下作男主”。
果不其然，本来只是一介凡人的男主妄图用超能力作弊、把妹、走向人生巅峰却又惨遭吃瘪，这位人渣着实给人眼前一亮的感觉。
而女主角友利奈绪的毒舌小恶魔属性也是符合当今萌属要素的style，佐仓的配音更为这个角色增色不少。
配角方面，AB的“死后世界战线”中的次要角色只是零星几笔带过，很多明明很有意思的角色如TK、眼镜兄贵、肤浅姐皆寥寥几笔带过，没有任何交代就从死后世界消失了。
尽管如此，岩泽、日向、由依、直井等重要配角依旧给人留下了深刻的印象。
Charlotte的配角则不容乐观。
高城丈士朗和西森柚咲虽说是名义上的男二和女二，但只能沦落为卖萌耍宝搞笑的角色。
奈绪的哥哥与看似是前任超能力者的ZHIEND主唱最终也惨遭路人化。
露脸后人气激增的熊耳领便当后引起人神共愤，本来有勇有谋的哥哥仅因痛失挚友而崩溃这一点也令他在观众心目中的形象一落千丈。
论反派……AB的疑似死后世界boss和Charlotte中的“恐怖组织”智商皆掉线（竟然都是第11话），凡是带着智商看番的观众可以自行体会，不多加评论了。
【日常剧情】对于一般的galgame来说，先有共通线的日常铺垫，才能进入个人线的高潮与结局。
而这一套标准不能用来衡量动画。
AB前期的搞笑剧情近乎脑残。
用四个字的灵魂译名概括，就是“殴打天使”。
利用“在死后世界可以死而复生”的设定，SSS一个个前仆后继地围剿天使，未免有些残忍；最后只留下音无一个人，无疑给了音无和天使增进感情的机会，简直摸不着头脑。
最差的是作为BD特典的两话TV未放送话，脑残儿童欢乐多。
而Charlotte前期日常缓和了搞笑的力度，也有明确的目的——寻找这个城市的超能力者并训诫他们不能滥用超能力，并不断为主线埋下伏笔。
观感比AB好了些，但日常剧情太多太臃肿依旧是硬伤。
【主线剧情】麻枝准早已预告：第6话会有神展开。
现今“发便当”已成为“神展开”的代名词。
一部主打剧情的动画要想吸引人，不一上来死个一两个角色就不痛快。
第一话就死妹子如，也有完美贯彻“三集定律”的。
当然也有便当发得比较成功的如。
Charlotte的“神展开”则延滞到了一季的中期——第6话。
多么糟糕的节奏。
前面早有暗示的哥哥的登场所带有的是一项逆天的能力——时空跳跃。
Loop系可谓galgame界最俗的设定之一，但要做好loop并不容易，做得比较成功的如《命运石之门》；原创动画中，也有靠loop神展开的《魔法少女小圆》。
这里就不得不提Key社的另一部作品《Little Busters》。
LB中的枣恭介和Charlotte的隼翼都是作为主角的兄长形象登场，为了拯救主角（以及世界），一次又一次地轮回。
鄙人只看过LB动画，在第一季配音、演出、剧本节奏无比糟糕的情况下，第二季终于走上正轨，各位女主角个人线过后才揭露真相的Refrain线所带来的震撼还是不小的。
Charlotte由于有一个明确的超能力设定，loop本可以做得更加出色，却反倒成为了败笔。
AB的主线剧情比较朴实，逻辑上虽有硬伤，催泪还是有的。
音无遭遇车祸捐献器官的第9话，不管你们怎么说强行催泪，反正鄙人是真心感动到了。
【感情线】key社的作品以催泪爱情为主打，以亲情、友情、生命等闪耀着人性光辉的主题加以点缀，将背景设置在喜闻乐见的校园，并辅以一定的超自然元素。
但key社作品对具体世界观的说明几乎都有些不明晰的倾向，但只要能认真讲好一个故事，谁管它呢
AB和Charlotte的感情线都显得有些太过匆忙。
AB13话的篇幅硬是塞了两对恋人的感情线，太赶啦
Charlotte呢，有宇因为自己自暴自弃时奈绪一直如影随形的陪伴才喜欢上了奈绪。
但动画中以奈绪为第一视角的感情描写也不足，始终未能“奈绪是如何喜欢上有宇”这一点。
这里想说一下出自另一位galgame脚本家林直孝之手的动画《可塑性记忆》，同样也只有13话。
这部作品对于大多数观众也属于“失望大于期望”的类型，强行加了一个“人造人只有9年寿命”的设定，看似要探讨什么严肃的话题却又不了了之，“反派”也给人一种“卧槽
”的感觉。
说是这么说，单论恋爱主线而言的确是有亮点的。
司是如何喜欢上艾拉的，艾拉是如何喜欢上司的，司和艾拉交往后的甜蜜和心酸，观众都能从动画中的小细节当中体会到。
简而言之，就是秀恩爱、虐单身狗，《可塑性记忆》在这方面做得不逊于《俺物语》《赤发白雪姬》等情感细腻的少女漫。
13话的篇幅，就算别的地方薄弱，讲好一个恋爱故事也是绰绰有余的。
【总结】不是每一个写得好galgame的人都能写得好TV动画脚本。
Charlotte和AB皆有各自的亮点，却犯了一样的错误——没有掌握住13话的季番应有的节奏。
时隔五年，麻枝准没有任何进步，所谓的revenge沦为笑谈。
但“无论你们怎么说，我还是喜欢Charlotte”——麻枝准如此说道。
就算key社发行Charlotte的galgame，就算五年后再来一次“对抨击Charoltte的人的revenge”，麻枝准依旧是强行无视自己的缺点——嘘，这不就是某进军影视界的小说家一个德行吗
相比强行虐或者发便当，鄙人是极度反感强行HE的。
然而看到Charlotte最终的HE竟有种如释重负的感觉。
怎么说呢，追番和补番的感觉终究还是不一样的吧。
也多亏了有宇归来后奈绪的那一句“我是你的恋人”，鄙人也不至于给Charlotte太差的总评。
【超·总结】Charlotte最终话播出之际，宣布了key社又一部galgame《Rewrite》动画化的消息。
各大网络社区Charlotte吐槽不再，取而代之的是铺天盖地的罚抄。
麻枝准这3个月的时间只为田中ロミオ做宣传。
如果罚抄动画制作不佳遭到原作党和非原作党的一致恶评，仅写了一首曲子的麻子还得为staff背下一锅。
不愧是大魔王，感人至深
跳舞的时候朋友们总是说我跳的很随便，没什么力度。
看别人跳舞跳的非常好，而且表情也很丰富，放得开。
为
街舞不是用来耍帅泡妞的，很多人都是觉得街舞很酷很炫产生了兴趣，然而真正进入其中你才会体会到舞蹈的魅力，会去渴望知道它的文化背景，发展历史所有的技术元等等等一切。
那些一开始就准备把街舞当做装逼和泡妞工具的人对街舞的热情往往坚持不了多久，因为你并不爱它。
2.请不要问我XX岁了还能不能学街舞
我是女生能不能学街舞。
很多十几二十岁开始学的人现在已经成为了高手，Popping的创始团体Electric Boogaloos（EB）的几位元老都已经50多岁仍然可以跳得非常NB，所以只要你愿意去学下功夫去学，年龄不是问题。
请不要问我XX岁了，我是胖子\\\/我很瘦应该跳什么舞种，除了Breaking对身体的力量要求较高以外，所有舞种都不是限定给特定性别特定类型的人准备的，男生中的Jazz高手很多，国外跳Popping很NB的女popper也有不少。
再者无论是身体协调能力还是力量都是可以练出来的。
要跳什么舞种应该问你自己，喜欢什么就跳什么，连自己的爱好都要别人来帮你决定难道不觉得悲哀么
有人会说我不了解街舞也不知道街舞各个舞种的区别，那么请你去百度一下各个舞种的的介绍和视频，自己选择你究竟要跳什么。
3.请不要把明星艺人和职业舞者拿来做比较，明星的相当一部分精力被放在音乐上，演出中，各种娱乐节目里，而职业舞者的全部精力都在舞蹈中，就算最好的明星舞者的舞蹈水平也很难和大多数职业舞者相比较。
而论影响，曝光率等等舞者远远比不上明星。
所以把明星和舞者放在一起讨论是很可笑的事，完全没有可比性。
4.请不要随便给任何人扣上舞王舞神之类的大帽子，对于明星而言这些往往是明星的娱乐或者媒体的炒作而已，对于任何一个人职业舞者来说恐怕都不敢说自己是王是神，Popping创始团体Electric Boogaloos元老PoppinPete的舞蹈室门口有一副中文对联：“强中自有强中手，一山更比一山高”，这就是的态度。
4.街舞是舞蹈艺术不是体育运动，表现音乐，传达情感是终极目的。
Breaking中的Powermove（俗称大招）诸如Flare（俗称Tos托马斯），Windmill（风车），Air FLare（大回环）等等包括各种空翻之类的东西只是点缀，Stylemove才是必须掌握好的。
那些新手与其去琢磨如何打出Tos不如好好练练Toprock，Footwork这些基础内容，学会怎样去踩节奏，玩音乐，在此基础之上再去学习Powermove，否则你只能被人当成一个玩杂耍的而不是真正的B Boy。
对于Popping等其他舞种更是如此，切记Dance To The Music是舞蹈的根本，脱离了音乐你做的什么都不是。
5.Popping不能叫机械舞，作为早期街舞文化进入中国时的片面翻译，机械舞这个词已经彻底被抛弃了，机械只能代表Popping中的Robot style，Popping的核心是pop，他包含着很多的元素和技术，远远不是Wave（电流），Robot（机器人），Slide（滑步太空步）这几种东西能概括的，这些也不是Popping中最重要的元素。
另外，Popping，Poppin’，Poppin分别是这个词的完整拼写和省略写法，Popin曾经在这个舞种出现的最早期被使用过，然而因为不符合英语语法形式如今基本已被废除，只有个别人仍在使用。
6.对于很多想学Popping的新手，你应该首先学的东西是Groove（律动，这也是每一个舞种所必须掌握的），Pop，Roll，Lock，Dimestop，Walkout，Twist，Flex，这些才是最重要最基本的，其次再是Wave等其他元素，至于滑步，可学可不学，无关痛痒。
关于这些词的含义详见置顶帖，也可以通过百度视频查找一下。
7.关于MJ，这是世界上最伟大的流行音乐家，他的称是King Of Pop（流行音乐之王）也是个出色的舞蹈家，他的舞蹈元素很多，糅合了Popping，Locking，Jazz，踢踏等等，他的Popping老师是Electric Boogaloos（EB）原成员PoppinTaco,很多最顶尖的街舞舞者都曾经教过他或做过他的编舞老师。
后滑步起源于年之前的早期喜剧表演中，其他的一些滑步技巧诸如前滑，侧滑，菱形滑也来自于一些街头舞者，在MJ把它搬上舞台之前就已经存在了（详见《Funk Styles History & Knowledge》，《不羁的灵魂》等书），他不是太空步的发明者也不是改良者，但是是最著名的把太空步表演和推广者。
顺便讲一下他最著名的那个45°倾斜，原理是舞台地面伸出来的钩子和藏着机关的特制鞋子，这个被MJ在美国申请了专利，专利名为“摆脱地心引力的幻想”，这个动作除了特殊的鞋和机关外还需要舞者有良好的身体素质和协调性。
8.关于自学，任何一个舞种都很难自学出来，事实上是几乎所有的高手都有老师指导，自学成才的寥寥无几（至于那个美国选秀节目里身体很变态的Robert Marine，他跳的更本称不上是Popping），很多自学了一两年甚至更久的到了舞团里老师都会告诉他“你完全练错了，从基本功开始重新学吧”，这种例子见得太多了。
因为毕竟视频和真人手把手教学差的太多了，视频里很多细节是看不出来的，有些要点也未必讲清楚了，而且大多数高水品的教学是国外的，他讲授的东西你完全听不懂。
新手即使一定要自学，最好也先去一个专业舞团学习基本功，再在此基础之上去自学才不容易走入误区。
9.关于寻找老师，对于，上海，广州，武汉，郑州等几个街舞发展最好的城，都有几个全国一流的团体，而一些中小城的朋友在寻找老师的过程中请多查询网上的资料，去找舞团，舞蹈工作室而不要去XX健身中心...对于一些连中的舞蹈分类及介绍的名词都不准确的地方还是不要去了。
针对很多新手在网上留找老师的现象说几句。
只有你来找老师，老师是不会来找你的，很多高手你加他他都不会理你更何况让他主动来加你呢
再者舞蹈是跳出来的，网上单凭说话打字如何教你
最多能做到的就是交流和探讨以及一些问题的指导，要用打字教会一个人跳舞我相信任何一个高手都做不到。
所以请新手停止这种行为，真的毫无意义。
10.关于一些英语名词，街舞中很多的英语名词本身就没有准确的受到大众认可的中文说法，部分中文翻译都是很外行很不准确的说法，大家平常交流这些词汇也都是用英文，这不是装逼抑或其他，请新人慢慢适应，不就是几个英语单词么
只要你愿意，很容易就能记下来
什么是舞蹈?
此曲完成于1807年末1808年初，是贝多芬最为著作品之一。
本曲之高，演出次数之多谓交响曲之冠。
贝多芬在交响曲第一乐章的开头，便写下一句引人深思的警语：“命运在敲门”，从而被引用为本交响曲具有吸引力的标题。
作品的这一主题贯穿全曲，使人感受到一种无可言喻的感动与震撼。
贝多芬在第三交响曲完成以前便已经有了创作本曲的灵感，一共花了五年的时间推敲、酝酿，才得以完成。
乐曲体现了作者一生与命运搏斗的思想，“我要扼住命运的咽喉，他不能使我完全屈服”，这是一首英雄意志战胜宿命论、光明战胜黑暗的壮丽凯歌。
恩格斯曾盛赞这部作品为最杰出的音乐作品。
整部作品精炼、简洁，结构完整统一。
全曲共分四个乐章：第一乐章，灿烂的快板，C小调，2\\\/4拍子。
奏鸣曲形式。
乐章的开始由单簧管与弦乐齐奏出著名的四个音动机，并发展为第一主题，即命运主题，极富男性粗壮的气息。
通过圆号对第一主题的号角式变奏，引出明朗、抒情的第二主题。
第二乐章，稍快的行板，降A大调，3\\\/8拍子，自由变奏曲。
第一主题抒情、安祥、沉思，由中提琴和大提琴奏出。
与之对应的第二主题先由木管奏出，后由铜管乐器奏出豪迈的英雄凯旋进行曲，表现了战士们的信心和勇气。
第三乐章，快板，C小调，3\\\/4拍子。
诙谐曲形式。
在这一乐章中，命运主题的变奏依然凶险逼人，但在大提琴和低音提琴跃跃欲试的曲调后，乐队奏出旋风般的舞蹈主题，引出振奋人心的赋格曲段，象征着人民参加到与命运斗争的行列中，黑暗必将过去，曙光就在眼前。
在低音乐器震撼人心的渐强声中，不间断地进入第四乐章。
第四乐章，快板，C大调，4\\\/4拍子。
奏鸣曲式。
乐章的主题是乐队以极大的音量全奏出辉煌而壮丽的凯歌，如长河般浩浩荡荡，表现了这一场与命运的斗争最终以光明彻底的胜利而告终。
民族唱法和通俗唱法有什么不同???
民族唱法是以民族语言为基础，嗓音甜、脆、宽、亮为特征，行腔韵味为特色，情、声、字、腔融为一体，并伴以形体表演的一种演唱方法。
民族唱法继承和吸取了传统戏曲、曲艺、民歌的演唱精华，借鉴并吸取了美声的科学方法，适合演唱民族创作歌曲及中国歌剧。
通俗唱法，又叫自然唱法或流行唱法，是指演唱通俗歌曲和流行歌曲所运用的表演手段，演唱注重直与平，发声自然、崇尚口语化、对声音偏重“情”。
演唱时主要使用中低声区，凭借现代音响设备，常掺用气声、轻声唱法，根据作品内容要求，运用各种舞蹈节律，加入或伴随形体动作，唱、动结合，并善于通过歌唱和听众产生交流。
民族唱法与通俗唱法作为歌唱艺术的演唱方法，在许多方面有着联系和区别。
两种方法在其发声、呼吸、共鸣、吐字咬字以及歌曲演唱风格、艺术处理方面许多异同之处。
一、两种唱法的共性（一）呼吸运用的共同性：呼吸是歌唱艺术的基础，深呼吸是发声的动力，是声乐表现的手段之一，在中国古代音乐典籍上早有“气动则发声”“气沉丹田”“善歌者必先调其气”等记载。
民族唱法讲究吸气深、存气多、运气足、用气灵活等特点。
目前教师多采用美声唱法的呼吸，如闻花感觉和叹气式的呼吸等感觉启发学生将气沉下来，用深呼吸去歌唱。
作为声乐演唱方法之一的通俗唱法同样离不开气息的支持，而呼吸乃是关键，是根本。
所以，两种唱法在呼吸运用方面是一致的，虽然两种唱法在呼吸运用存在深浅上有所差异，但所达到的目的是相同的。
（二）声音走向的共性：民族唱法要求音色明亮，声音走向普遍较靠前，歌唱时追求亲切、自然、直接，也很讲究高位置，忌“窝”着唱或“包”着唱。
通俗唱法同样要求声音明亮靠前，亲切自然，主要用口腔共鸣，发音管短小。
（三）咬字部位的共性：民族唱法发音较靠前，声音反射在硬腭部位，嘴型呈微笑状态，咬字清晰明亮，通俗唱法吐字方法及嘴型与民族方法相同，有时更靠前一些，齿音、唇音较重，强调吐字，因而语言清晰，感情亲切。
（四）作品表演的共性：民族唱法一贯 强调唱曲要唱情，所谓“丝不如竹，竹不如肉”，这就说明了歌唱比其他乐器更能传情达意。
动情的歌声“余音绕梁，三日不绝”是对歌者传情的生动描述，这也是民族唱法重在对作品表现的一个主要特点。
通俗唱法注重作品情感的表达，为了生动细腻的表达感情，有时可舍弃嗓音，有重情轻声的倾向，因此，感情起伏跌宕，感染力强，舞台表演大方，生动活泼。
两种唱法在作品的表现上都注重了一个“情”字。
（五）审美品位的共性：民族唱法和通俗唱法均属于声乐艺术范畴，是一种纯艺术活动，一种自我表达的形式。
但在社会主义精神文明的建设中，声乐艺术将影响着人民的精神、道德、情操、是非观念、美丑选择等。
因此，两种唱法在声乐表达艺术作品的思想内容上，都应该是积极向上、激人奋进的。
在表演形式上，应该是健康多样、优美动听的。
任何一首声乐作品都有一定的内容，表现一定的情感，并且和现实生活息息相关。
因此，声乐曲目的演唱都必然负有社会的责任，影响观众（听众）审美情感。
任何音乐题材的声乐作品，都应在内容形式上提供给观众具有高品位的审美情趣，能陶冶人们的情操，并激励人们积极上进的好作品。
这是所有表演艺术都应该共同遵循或努力去做的。
通俗唱法亦不例外。
二、两种唱法的区别（一）共鸣运用的不同：民族唱法多用局部共鸣，中低声区用真声较多，换声区和高音采用混合声和假声，并形成独有的风格，民族传统的唱法中称头腔共鸣为“脑后音”，胸腔共鸣称为“膛音”。
因此混合共鸣作为歌唱发声的原则，它能最有效地发挥各共鸣腔体的作用，发出明亮、饱满、优美的声音，最大限度地开拓音区，使声音统一、自如，具有丰富的表现力和感染力。
通俗唱法则不同,它多用真声轻唱为主，口腔共鸣较多，尽力保持自然状态，似朗诵、说话，由于歌唱时借助话筒扩音，不需要强大的共鸣（除少数劲歌外）。
(二）喉位运用的不同：民族唱法讲究声音要流畅，自然上下贯通，这就要求歌唱时要打开喉咙，不能千篇一律的要喉咙开多大，允许上下移动，喉位的高低或喉咙打开的大小，要根据作品的风格要求去调整。
如演唱山歌或某些风格作品时，允许喉位略向上移。
通俗唱法男女声以真声为主，喉位普遍偏高，喉咙打开不要求过大，需要形成管状，一切服从歌唱风格的要求，这是两种唱法的不同之处。
三）语言咬字、吐字方面的不同：民族唱法以民族语言为基础，在歌唱中咬字、吐字十分讲究，强调以字带声，以字传情，其中咬字是行腔的灵魂，咬字是行腔的手法。
可见准确、清晰的咬字与吐字是民族唱法的首要条件。
明朝魏良辅在《曲律》中已明确阐述：“曲有三绝，字清为一绝，腔纯为二绝。
板正为三绝。
”即在演唱中虽然经过字头、字腹、字尾的发声、延长与归韵，仍能保持准确的发声与清晰的吐字。
也就是说，歌唱的咬字、吐字中字头是很能表现情绪的，着重声母部分的力量，用力要比讲话更集中、夸张一些，使声母的阻气更有分量。
如舞剧《白毛女》选段，喜儿哭爹爹中“刹时间天昏地又暗”刹字的字头——声母sha字用力在齿的部位，在咬这个字头时做到喷口有力、结实，特别能表现歌曲中喜儿忽闻爹爹惨死时无比悲愤的情感，犹如抽泣，以表现出那种呼天喊地般的哭喊声。
通俗唱法一般音域不宽，讲究吐字清晰“出字、归韵、收声”的咬字、吐字过程，字字清晰，朴实无华。
一般都比较生活化、口语化，即使是带有诗情画意、意蕴较深的歌曲，也都从歌曲的总体氛围上来刻画、追求。
而歌词的本身也尽量做到口语化、生活化，因而很注意歌词的语言性。
许多优秀的通俗歌曲表达意境与氛围十分浓郁，其歌词十分通俗易懂，不刻意雕琢。
如《弯弯的月亮》歌词：“遥远的夜空有一个弯弯的月亮，弯弯的月亮下面，是那弯弯的小桥”。
这首歌的歌词是公认的文学品位颇高的上乘之作。
歌词咬字、吐字亲切自然、强调语气上的感染力。
它可说是诗化了语言，口语的表达方式。
歌词逻辑重音、感情重音、句与句之间的衔接与停顿，语气的鲜明与准确以及连贯性与整体性，都是通过语言特征的把握来予以表现。
（四）演唱风格的不同：民族声乐艺术不仅是一门听觉艺术，而且还是一门表演艺术。
一首优秀的歌曲在优美的旋律和感人的基础上，必须经过歌唱者的演唱，才能让听众了解它，接受它，欣赏它。
也就是说，必须经过演唱者的二度创作才能准确、完整地表达作品的所有内容，这也是表演艺术的本质。
当然，表演艺术因时代、民族、地区、人物、风土习俗、精神面貌和表现形式的不同，风格上也表现出多样化。
民族唱法要求演唱和处理要达到字正腔圆、声情并茂、情景交融的艺术境界，以戏曲、曲艺、表演体系为主体并吸收其他艺术种类表演经验，并根据民族声乐在表演方面的自身原则要求及手段加以创新发展，从而形成了“唱作”一体和韵律统一的独特表演艺术风格。
在民族唱法中“唱作”一体主要从三方面把握：其一从外部形体看，虽然表演（做）的幅度要比戏曲中的“做” 要小得多（歌剧表演另论），但是歌唱风格与手、眼、身、法、步风格的基本统一仍然很重要。
如在民歌唱法中眼神、手指、身段、站法都具有民族特色，在女声表现中尤为明显。
其二是亦歌亦舞的表演唱。
有些地方色彩较浓的曲目，要歌舞一体。
其三也是更重要的，即表演心理活动：“不做而做”“不表而表”的心理表演感觉，虽然形体上并未把动作做出来或做完全，但在心理上必须到位。
这种心理表演感觉是歌唱者欲表不露、外静内动、含情内蓄，具有丰富的审美内涵。
同时这种心理感觉不但影响形体感觉，而且也影响歌唱心理，是歌手欲放还收，欲扬还抑，在一种统一的审美要求中把“歌声”和“形体”融为一体，形成了民族唱法的表演风格特点。
而通俗唱法则要求除音准、节奏、吐字清晰外，常运用声音或形体的动作强化来达到情感的表现，往往借助夸张的表演，电声乐器的强力伴奏把这种夸张表演形式推向高潮。
其表演形式多姿多彩，没什么规定性或约束，往往歌手是根据歌曲的内容及个人喜爱而采取某种表演形式。
第一种以歌唱型为主的表演风格，即以唱为主，着重对歌曲内容及情感本身的体现，歌唱型的表演对声音基本功及演唱表现方面要求比较高。
第二种自弹自唱是通俗唱法常用的一种形式，并已形成多种风格，个人弹奏与集体演奏皆有之。
演唱者要求熟悉自弹乐器的演奏技巧，包括调弦定调及指法的掌握运用。
在表演中，歌唱与弹奏衔接自然，相得益彰，各自展示其长处，歌唱时弹奏为辅，歌停时，弹奏强化，以达到互为补充，和谐完美的表演效果。
在通俗唱法的形成和发展中，我们要吸取借鉴民族唱法的科学、规范的发声方法，以规范通俗唱法在用声方面的欠缺，民族声乐教育家金铁霖教授曾讲过：“在掌握了科学发声方法的同时，就要结合民族声乐的个性，去引导和训练。
”同样在两种不同的唱法中，我们要互相取长补短。
综上所述，民族唱法与通俗有共同之处，也有不同之处，既有区别又有联系。
我们在学习两种唱法的过程中，一定要掌握好两者的关系及他们的共性和个性，区别在演唱中的风格特点。
演唱者在演唱这两类声乐作品时，应该从各个方面进行研究、分析，并从各自的不同特征入手，掌握它们的演唱风格，才能使声乐作品演唱有针对性、有目的性，准确合理地进行。
总之，无论哪种唱法都应积极健康向上，通俗易懂，在建设社会主义精神文明中发挥作用。
世界十大钢琴曲
弹的：1.拉赫玛尼诺夫的《第三钢琴协奏曲》2.李的《帕格大练习钟》3.里姆斯基-柯萨科夫的蜂飞舞》4.拉威尔的《水妖》5.勃拉姆斯《降B大调第二钢琴协奏曲》6.巴拉基耶夫的《伊斯拉美》7.麦可斐尼西的《EnglishCountry-Tunes》8.贝利尼《诺玛的回忆》.9.伊萨克·阿尔贝尼兹《伊比利亚》10.《一根烟》最著名的：1:肖邦：“军队”波兰舞曲2:拉赫玛尼诺夫：帕格尼尼主题狂想3:李思特：爱之梦4:莫扎特：第二十一钢琴协奏曲5:柴可夫斯基：第一钢琴协奏曲6:勃拉姆斯：匈牙利舞曲第五号7:贝多芬:第十四钢琴奏鸣曲“月光”8:肖邦：“英雄”波兰舞曲9:莫扎特：第八钢琴协奏曲10:圣桑:第二钢琴奏鸣曲
怎么唱歌
每天怎么练
怎么练嗓
关于如何练嗓子，可以概括为三个字：喊、念、调，即喊嗓、念白和调嗓。
一般喊嗓子总是喊“依”、“啊”两个音，“依”属脑后音，越喊越高，把“依”音练好对使用高音就有基础了。
“啊”是张嘴音，它可以锻炼嗓子的亮音。
过去我喊嗓子，老先生教导我除去练好“依”、“啊”两个音外，还让我练好“二”、“三”、“四”、“五”，一直到“十”几个音。
我的体会是，从“一”到“十”，几个音练好了，不仅能够掌握各个部位的发声特点，而且可以锻炼在发声时各部位肌肉的运用。
有些同志不大注意用话白练声，实际上念白在练声中是起着重要作用的，尤其是念京白更见功夫。
过去有的老先生说京白伤嗓子，我的体会是京白比起韵白更难念一些，韵白语调比较缓慢，旋律性强，加上有锣鼓配合，较易念好。
念京白如走坎坷路，高音、中音、低音都有，而且是忽高忽低，跳跃性很强，再加上语调较快，没有锣鼓伴奏，就不大容易念好了。
但是，多念京白确实有好处，它一方面可以练不同部位的发声．同时又可以练嘴皮子的劲头，是一举两得的事。
关于调嗓子首先注意的是不要贪高调门，一味贪高调门嗓子越唱越狭，而且容易发闷，要注意把低音、中音唱实在了，然后循序渐进地提高调门。
另外，从练声的角度来讲，在调嗓子的时候，还应当尽量找一些熟戏，因为这样可以尽量减少由于唱腔的生疏而影响练声。
在练嗓子过程中，还应当注意的就是持之以恒。
在戏曲界往往有这样的情况，有的演员嗓音的天赋条件好，可是不如那个嗓音差一点的耐久，原因就是嗓音条件差一些的经常锻炼的结果。
有一句老话，“苦心天不负”，功不枉用，一分努力，一分收获。
过去我们锻炼嗓子，都是经过三冬四夏，在酷暑严寒的日子里，也从不间断，天还没亮就到郊外去喊嗓子，冬天把嘴都冻木了还要坚持着，喊完嗓子回到家里以后，喝些开水，润一润声带，再调嗓子。
总之，在我们运用声带的时候，无沦是唱还是念，都必须探讨和遵照它的科学道理。
在保护和锻炼嗓音上，既要耐心，又要细心，万万不可由于急躁而过于激烈地使用声带
