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一共三篇文章，自己斟酌使用 第一篇：浅谈“尺度概念”在园林中的应用 在园林设计中，尺度是非常重要的掌控手段，也是设计的重要方面之一。
那下面让我们一起来学习一下尺度概念在园林中的应用。
一、空间的组织中的尺度概念 空间是设计的主要表现方面，也是游人的主要感受场所。
能否营造一个合理舒适的空间尺度，决定设计的成败。
1、空间的平面布局 园林空间的平面规划在功能目的及以人为本设计思想的前提下，体现出一定的视觉形式审美特点，诸如比例、对称、均衡、节奏韵律、对比统一等原则的运用，使道路、广场、建筑、设施等与绿地交错分割，充分发挥点、线、面等构成要素的造型作用，勾勒出明确的平面形态轮廓，表现出极具视觉美感的布局形式。
平面中的尺度控制是设计的基本，在设计时要充分了解各种场地、设施、小品等的尺寸控制标准及舒适度。
不仅要求平面形式优美可观，更要具有科学性和实用性。
例如3~4m的主要行车道路，两侧配置叶木的枝叶在靠近道路0.6~1.5m的范围内应按时修建，用于形成较为适当的行车空间。
2、空间的立体造型 园林空间中的立体造型是空间的主体内容，也是空间中的视觉焦点。
其造型多样化从视觉审美及艺术性角度而言，首先要与周围环境的风格相吻合统一，其次要具备自身强烈的视觉冲击力，使其在视觉流程上与周围景观产生先后次序，在比例、形式等构成方面要具有独特的艺术性。
空间的不同尺度传达不同的空间体验感。
小尺度适和舒适宜人的亲密空间，大尺度空间则气势壮阔、感染力强，令人肃然起敬。
二、植物配置中的尺度概念 1、园林中利用植物而构成的基本空间类型 （1）开敞空间--用小尺度植物形成大尺度空间。
仅以低矮灌木及地被植物作为空间的限制因素。
（2）半开敞空间--少量较大尺度植物形成适当空间。
它的空间一面或多面受到较高植物的封闭，限制了视线的穿透。
其方向性指向封闭较差的开敞面。
（3）覆盖空间--高密度植物形成限定空间。
利用具有浓密树冠的遮荫树。
构成顶部覆盖而四周开敞的空间。
利用覆盖空间的高度，形成垂直尺度的强烈感觉。
（4）完全封闭空间--高密度植物形成封闭空间。
此类空间的四周均被植物所封闭，具有极强的隐密性和隔离感，比如配电室、采光井等周围被植物遮蔽，增加隐蔽性和安全性等。
2、植物配置中的尺度，应从配置方式上体现园林中的植物组合方式，体现出植物造景的视觉艺术性。
根据植物自身的观赏特征，采用多样化的组合方式，体现出整体的节奏与韵律感。
孤植、丛植、群植、花坛等植物造景方式都体现出构成艺术性。
孤植树一般设在空旷的草地上，与周围植物形成强烈的视觉对比，适合的视线距离为树高的3~4倍；丛植运用的是自由式构成，一般由5~20株乔木组成，通过植物高低，疏密层次关系体现出自然的层次美；群植是指大量的乔木或灌木混合栽植，主要表现植物的群体之美。
种植占地的长宽比例一般不大于3:1,树种不宜多选。
此外，还有树木高度上的尺寸控制问题，或者纵横有致，或者高低有致，前后错落，形成优美的天际线。
三、铺装设计中的尺度概念 铺装的尺度包括铺装图案尺寸和铺装材料尺寸两方面，两者都能对外部空间产生一定的影响，产生不同的尺度感。
图案尺寸是通过材料尺寸反映的，铺装材料尺寸是重点。
室外空间常用的材料有：鹅卵石、混凝土、石材、木材等。
混凝土、石材等大空间的材料易于创造宽广、壮观的景象，而鹅卵石、青砖等易于体现小空间的材料则易形成肌理效果或拼缝图案的形式趣味。
鹅卵石的尺度较小，适合于小范围的地面铺设或者宽度较小的游步道，施工方法多样，可组成图形也较多，观赏性较强。
混凝土的一个重要用处就是水泥印花地面，是一种造价较低，但形式活泼的地面处理形式。
适合于大范围的广场，可塑造多元化的地形。
石材主要是指花岗岩。
花岗岩的主要尺寸有300mm×300ram、600mm×600ram等，没有500mm×500ram、900mm×900mm等尺寸。
处理方式多种多样，应用相当广泛，各种主要出入口或者重要景观节点都采用花岗岩。
木材的尺寸随需要自行处理的，在廊架、座椅、平台中使用最多，风格休闲，易加工成形，与其他景观可以很好的结合。
铺装材料粗糙的质感产生前进感，使空间显得比实际小，铺装材料细腻的质感则产生后退感，使空间显得比实际大。
人对空间透视的基本感受是近大远小，因此在设计中把质感粗糙的铺装材料作为前景，把质感细腻的铺装材料作为背景，相当于夸张了透视效果，产生视觉错觉，从而扩大空间尺度感。
总的来说，综合运用各种材料，选择合适尺度，足以营造个性、亲切、愉悦的环境特征，使之成为城市的象征并具人性化，提高人们日常生活的空间质量。
小结：园林设计的任务是表达人平视时视力所及范围和所包含的空间场景，这就要始终模拟人的视点去观查和设计眼前的场景，并用接近人视高度的效果图和局部立面或剖面图体现成果，尺度概念的重要性就显而易见了。
在园林设计中，我们应全面考虑到空间、植物配置、铺装等多方面因素，把握好尺度，从而创造宜人的园林环境。
第二篇：浅谈城市景观元素 景观，犹如散落在茫茫大千世界的璀璨星辰，装点着人类的环境。
它们有的是鬼斧神工的天然生成，有的是精雕细琢的人为创造，焕发出不同的奇光异彩，成为人类共享的艺术珍品。
1． 前言 所谓景观，简言之，就是具有观赏审美价值的景物。
它是人类的世界观、价值观、伦理道德观的反映，是人类的爱和恨，欲望与梦想在大地上的投影。
而景观设计是人们实现梦想的途径，是城市设计不可分割的部分，也是形成一个城市面貌的决定性因素之一。
景观设计的内容相当广泛，包括了城市空间的处理，原有场地特点的利用，与周围环境之间的联系，广场、步行街的布置，街道小品以及市政设施的设置等，既涉及功能，又涉及视觉及心理问题。
传统的景观设计概念以绿化为主，随着城市的现代化和城市人口的大量增加，对景观的功能要求日益突出，同时在美学上也要求更加丰富和多样化，所以城市硬质景观大量使用，以效解决这个问题。
2． 城市景观的组成要素 2.1 地面铺装 区别于自然环境中的地面，在城市地面往往都需要做硬质铺装处理。
这除了需要满足高频率、高强度的使用功能之外，还因为铺装是塑造城市景观的基本元素之一。
通过不同铺装材料的运用，可以划分地面的不同用途，界定不同的空间特征，可以标明前进的方向，暗示游览的速度和节奏，同时通过铺装图案的变化，还可以创造视觉趣味，构成空间个性。
在做地面铺装设计的时候，需要考虑以下几因素：首先应当遵循整体统一的原则。
无论是铺装材料的选择，还是铺装图案的设计，都应与其他景观要素同时考虑，以便确保铺装地面无论从视觉上还是功能上都有被统一在整体之中。
随意变化铺装材料和图案，只会增加空间的零乱感，所以在没有特殊目的的情况下，不能任意变换相邻近的铺装材料及形式颜色。
第二是安全性。
应当保证铺装功能所必需的强度要求，做到铺面无论在干燥或潮湿的条件下都同样防滑，避免行人发生危险。
第三是外观，包括色彩、尺度和质感。
色彩要做到既不黯淡也不令人烦闷，又不鲜明到俗不可耐。
色彩或质感的变化，只要在反映功能的区别时在可使用。
尺度的考虑会影响色彩和质感的选择以及拼缝的设计。
路面砌块的大小、色彩和质感等，都应与场地的尺度有正确的关系，这点相当重要。
地面铺装材料很多，主要有沥青、混凝土、花砖、天然石、卵石等，可根据不同的要求做出选择。
沥青地面成本低，施工简单，常用于车道、人行道、停车场的路面铺装。
彩色的沥青路面的使用，还可以改变景观的单调性。
混凝土路面因造价低，适用性强而被广泛使用。
现浇混凝土铺地要注意伸缩缝的设置，而混凝土砌块铺装则更加灵活。
花砖路面 的色彩丰富，式样与造型的自由度大，容易营造出欢快、华丽的气氛。
常用于公共设施入口、广场、人行道、大型购物中心等场所的路面铺装。
天然料石，特别是花岗岩铺地，往往可以营造出一种庄严、沉稳的气氛，大多用于城市中的重要地段。
为了避免大面积硬质铺装带来的环境问题，在可能的条件下，还可以结合绿化，形成嵌草铺装。
2.2 台阶、坡道和路缘石 在城市空间环境中，由于各种自然原因或功能需要，常常要改变地坪高度的变化，而地坪高度的变化也往往产生出丰富而美丽的城市景观。
其中改变地坪高度的景观设计有台阶、坡道和地缘石。
台阶和坡道的主要功能是使行人从一个地坪高度转移到另一地坪高度，但同时也具有突出该场地环境特征的巨大潜力。
当台阶设计成狭窄而有亲切感，宽阔时而有雄伟的感觉，可以封闭而神秘，也可以开敞而连绵。
他们将是逐渐引人入胜，以戏剧性的手法诱使行人到达观感高潮的极好手段。
地缘石是一种确保行人安全，进行交通引导，保持水土，保护栽植，以及区分路面铺装而设置在车行道与人行道分界处、路面与绿地分界处，不同的铺装路面的分界处等位置的构筑物。
路缘石的种类很多，有预制混凝土、砖、天然石材等，造型也很丰富。
2.3 雕塑小品 雕塑是构成城市景观的重要元素，它能以其丰富的造型语言，向人们传达着特有的思想感情。
雕塑与城市环境的地理景观、园林景观和建筑景观相互渗透，往往就构成了城市或社区的特征标志。
城市雕塑类型很多，其中一类属于小品式雕塑，其题材大多以人们的生活方式和动、植物为主，注重反映民俗风情和场所特征。
雕塑为了求得与环境相协调，应在规划、构思、制作等方面认真考虑。
第一就是布局：雕塑所处位置与周围建筑及自然环境是否相协调，在景观构图中所在的地位，雕塑所在位置与道路交通的关系等。
第二是造型：雕塑造型如何占有适宜的空间，并以什么造型语言吸引过往行人的视觉并影响他们的观赏心理。
第三是体量尺度：特别小品类雕塑，应同观赏者保持亲切的关系。
雕塑形式通常分为具象与抽象两类。
具象的雕塑（如图）由于能直接为人们接受，所以往往多于抽象雕塑，但许多优秀的抽象雕塑形象比具象雕塑更形象、更概括、更简练、更典型，因而也就更耐人寻味、发人遐想。
传统的雕塑以石、铜材料为主，但现代科技的发展，为雕塑提供了更为丰富的造型手段，具有动态艺术、视幻艺术、电子艺术、光影艺术以及音响艺术表现力的新奇雕塑，更能满足人们不同层面的艺术享受。
3. 结语 目前，我国快速的城市化进程，使城市环境建设面临严峻的挑战。
景观是城市生态系统中的重要组成部分，对城市生态系统功能提高和健康发展有重要作用。
在进行现代城市景观设计的过程中，要充分地从科学的角度分析城市环境的现状。
生态设计是直接关系到景观设计成败以及环境质量的非常重要的一个方面，是创造更好的环境、更高质量和更安全的景观的有效途径。
要科学全面地理解城市景观设计要素的自然属性和其他特征及城市生态平衡的机制，运用现代的艺术理论和创作手法，创造一种源于而高于自然的城市景观来满足人们审美需求。
第三篇：也谈城市景观的植物造景 现代社会是建筑密集、人口稠密的时代，随着生活水平的提高、居住条件的大大改善，人们向往城市森林，渴望投入大自然的怀抱。
目前各地园林化城市建设深入发展，使人们对植物造景的认识不仅停留在对美的欣赏和享受，而且意识到植物对生态环境的重要性，认识到绿色植物是整个自然界生态平衡中最为关键的因素，是任何建筑物都无法代替的。
用生趣盎然，随季节变换的植物来柔和生硬密集的建筑线条，调剂人们精神上的呆滞与疲劳，这就是植物造景的魅力。
实践证明，大量经过艺术配置的各种植物为人们创造出了具有一定内涵和品味的城市景观，也将为城市的发展产生深远的影响。
文化品味极佳的城市景观风格迥异、独具特色，而有品位、有内涵的植物造景点缀、美化着人们的视野与生活，实现人与自然的和谐，同时也是形成城市独特魅力的重要因素。
一、城市植物景观的品味为创造良好的城市植物景观，人们通过对屋顶绿化、墙面绿化、室内绿化、地面绿化形成了一个完整的绿色链，但这些只是园林绿地景观生态系统的内容之一。
城市植物景观应根据该区域居民的容量、居民的文化层次来合理区分生态景观以及视觉景观；应遵循人与自然的和谐统一，做到以人为本、生态为先，坚持空间形态规划；应从建筑风格、环境品质、文化特色和立地环境植物配置多样性，合理应用等方面综合考虑，做到植物与建筑、植物与环境的和谐、功能的完善，使植物景观与建筑环境、人文景观、户外空间系统地交融在一起，创造品味极佳的城市植物景观。
植物景观不是简单地栽一排树，随便造个花坛，草丛中放几块石头即可。
例如：在江西庐山风景区的玉屏峰和天王峰之间，有三棵相传为晋僧所植的古树，一棵银杏，两棵柳杉。
银杏是古活化石，是自然的遗迹，这几棵古树名木是历史象征，又有文化的积淀，于是在它们的周围设计成一个景点——“三宝树”。
这个景点让人感受到了文化气息和品味，有着深远的意境。
城市植物景观应注意保护生态环境，生态保护是一个地方高度文明的象征，使人想到了远古时代的自然景象，草坪中刻意点缀的几块石头让人感受到一种朴实的乡村气息和耐人回味的野趣。
把资源环境生态诸要素结合起来，把建筑的尺度、景观小品的尺度和树木的高度合理地量化，从空间、时间、自然、人文诸要素来规划绿色生态系统。
适度的户外空间对每个人来讲是必需的，人与自然对话，与人对话交流需要户外空间，那就有公众性、开放性和参与性，没有人参与、感知的绿地是苍白的、缺少品位的，最重要的是要改变现在植物景观中千佛一面的状况。
二、城市植物景观造景的原则植物造景设计同样遵循着绘画艺术和造园艺术的基本原则。
即统一、调和、均衡和韵律四大原则。
(一)统一的原则：也称变化与统一或多样与统一的原则。
植物景观设计时，树形、色彩、线条、质地及比例要有一定的差异和变化，显示多样性，但又要使它们之间保持一定相似性，引起统一感，这佯既生动活泼，又和谐统一。
变化太多，整体就会显得杂乱无章，甚至一些局部感到支离破碎，失去美感。
过于繁杂的色彩会引起心烦意乱，无所适从，但平铺直叙，没有变化，又会单调呆板。
因此要掌握在统一中求变化，在变化中求统一的原则。
运用重复的方法最能体现植物景观的统一感。
如街道绿带中的行道树绿带，用等距离配植同种。
同龄乔木树种，或在乔木下配植同种，同龄花灌木，这种精确的重复最具统一感。
一座城市中树种规划时，分基调树种、骨干树种和一般树种。
基调树种种类少，但数量大，形成该城市的基调及特色，起到统一作用；而一般树种，则种类多，每种量少，五彩缤纷，起到变化的作用。
如在竹园的景观设计中，众多的竹种均统一在相似的竹叶及竹竿的形状及线条中，但是丛生竹与散生竹有聚有散；高大的毛竹、钓鱼慈竹或麻竹等与低矮的箐竹配植则高低错落；龟甲竹、人面竹、方竹、佛肚竹则节间形状各异；粉单竹、白杆竹、紫竹、黄金间碧玉竹、碧玉间黄金竹、金竹、黄槽竹、菲白竹等则色彩多变。
这些竹种经巧妙配植，很能说明统一中求变化的原则。
(二)调和的原则：即协调和对比的原则。
植物造景设计时要注意相互联系与配合，体现调和的原则，使人具有柔和、平静、舒适和愉悦的美感。
找出近似性和一致性，配植在一起才能产生协调感。
相反地，用差异和变化可产生对比的效果，具有强烈的刺激感，形成兴奋、热烈和奔放的感受。
因此，在植物景观设计中常用对比的手法来突出主题或引人注目。
当植物与建筑物配植时要注意体量、重量等比例的协调。
一些粗糙质地的建筑墙面可用粗壮的紫藤等植物来美化，但对于质地细腻的磁砖、马赛克及较精细的耐火砖墙，则应选择纤细的攀缓植物来美化。
一些与建筑廊柱相邻的南方小庭院中，宜栽植竹类，竹竿与廊柱在线条上极为协调。
一些小比例的岩石园及空间中的植物配植则要选用矮小植物或低矮的园艺变种。
反之，庞大的立交桥附近的植物景观宜采用大片色彩鲜艳的花灌木或花卉组成大色块，方能与之在气魄上相协调。
色彩构图中红、黄、蓝三原色中任何一原色同其它两原色混合成的间色组成互补色，从而产生一明一暗，一冷一热的对比色。
它们并列时相互排斥，对比强烈，呈现跳跃新鲜的效果。
用得好，可以突出主题，烘托气氛。
如红色与绿色为互补色，黄色与紫色为互补色，蓝色和橙色为互补色。
我国造园艺术中常用万绿丛中一点红来进行强凋就是一例。
在很多自然风景林中常以阔叶常绿树为骨架，其中很多属叶片质地硬且具光泽的照叶树种，与红、紫、黄三色均有的枫香、乌桕配植在一起具有强烈的对比感，致使秋色极为突出。
公园的人口及主要景点常采用色彩对比进行强调，恰到好处地运用色彩的感染作用，可使景色为之增色不少。
黄色最为明亮，象征太阳的光源。
幽深浓密的风景林，使人产生神秘和胆怯感，不敢深入。
如配植一株或一丛秋色或春色为黄色的乔木或灌木，诸如桦木、无患子、银杏、黄刺玫或金丝桃等，将其植于林中空地或林缘，即可使林中顿时明亮起来，而且在空间感中能起到小中见大的作用。
红色是热烈、喜庆、奔放，为火和血的颜色。
刺激性强，为好动的年轻人所偏爱。
园林植物中如火的石榴、映红天的杜鹃，开花似一片红云的凤凰木都可应用。
蓝色是天空和海洋的颜色，有深远、清凉、宁静的感觉。
紫色具有庄严和高贵的感受，如园林中常用紫藤、紫丁香、蓝紫丁香、紫花泡桐、勿忘我等进行配植。
白色悠闲淡雅，为纯洁的象征，有柔和感，使鲜艳的色彩柔和。
园林中常以白墙为纸，墙前配植姿色俱佳的植物为画，效果奇佳。
绿地中如有白色的教师雕像，则在周围配以紫叶桃、红叶李，在色彩上红白相映，而桃李满天下的主题也极为突组成，最受中老年人及性格内向的年轻人欢迎。
园林中植物种类繁多，色彩缤纷，常用灰叶植物很能达到统一各种不同色彩的效果。
(三)均衡的原则：这是植物造景的一种布局方法。
将体量、质地各异的植物种类按均衡的原则配植，景观就显得稳定、顺眼。
如色彩浓重、体量庞大、数量繁多、质地粗厚、枝叶茂密的植物种类，给人以重的感觉；相反，色彩素淡、体量小巧、数量简少、质地细柔、枝叶疏朗的植物种类，则给人以轻盈的感觉；根据周围环境，在配植时有规则式均衡（对称式）和自然式均衡（不对称式）。
规则式均衡常用于规则式建筑及庄严的陵园或雄伟的皇家园林中。
如门前两旁配植对称的两株桂花；楼前配植等距离、左右对称的南洋杉、龙爪槐等；陵墓前、主路两侧配植对称的松或柏等。
自然式均衡常用于花园、公园、植物园、风景区等较自然的环境中。
一条婉蜒曲折的园路两旁，若在一侧种植一棵高大的雪松，则邻近的另一侧须植以数量较多，单株体量较小，成丛的花灌木，以求均衡。
(四)韵律和节奏的原则：植物造景时配植有规律的变化，就会产生韵律感。
最能体现的是在园路或小径两旁的植物配植。
如两种树种相间配植，象杭州白堤上的桃柳相间；或几棵同种树间植另一种树。
这样，沿路（径）游赏时就会感到不单调，而有韵律感的变化。
三、城市景观的植物造景手法良好的植物造景是提升城市景观品味的重要一环。
植物造景要做到突出生态，尽量保留原有的植物群落和生态群落，做到乔、灌、草、花卉合理搭配，切实发挥绿化的生态功能，而且要充分利用建筑小品、城市雕塑等造园的手段，表现出具有深厚文化内涵的城市景观。
植物造景者应深入自然山林采风，用心去体会自然界中的各种事物，细心研究自然植物群落组合，把有价值的东西带回城市，引入城区。
众所周知，盆景是我国传统的优秀园林艺术珍品，是无声的诗和立体的画。
盆景园艺师运用“缩龙成寸”、“小中见大”的艺术手法，达到“聚景于盆”的艺术效果，给人以“一峰则太华千寻，一勺则江湖万里”的艺术美感。
我们也完全可以借鉴盆景的手法来进行植物造景，让植物景观也从盆景造型艺术中获取更为丰富的内容，体现植物造景的作用，展现愉悦的生活空间。
1、紧缩式造景：自然生长的树木大多枝叶零散，花果稀疏，欣赏价值欠佳。
因此，植物造景时可采取株型紧缩的办法，除选用枝繁叶茂、树冠紧凑的树种外，还必须加以精心地整形修剪，尤其是绿篱和绿球的造型、修剪更应精细，使其枝密叶挤，见叶不见枝。
2、摸拟式造景：供绿化栽培的花木除行道树、独立树、林带、树丛、竹丛等外，可进行矮化处理。
如绿篱、花篱、香篱、果篱及盆花、盆景等，均应采取控土、控肥和断根修剪等办法，常年保持规定的高度和大小。
其中盆景的矮化培管更为重要，如迎宾松、劲松、梅桩等树桩盆景都是模拟老树的自然姿态造型，常年进行定型修剪，才使老态常存。
3、衬托式造景：“秋水共长天一色”，这是古诗人用蓝天陪衬秋水的诗句，我们在植物造景中也可运用这种手法。
如在白色围墙旁边种上先花后叶的紫花一行，培育出低干型的修长枝条，编成大孔花篱，在开花时红白相衬，更显花篱美态。
又如用高矮不同的常绿松柏树种，双行分段间植于白色围墙前，按照山恋起伏姿态，进行定型修剪，使山头高矮悬殊，有的与围墙等高，有的仅及墙高的一半，更有的高矗墙头之上，以白墙和蓝天为背景，更可显示形象的逼真感。
4、比喻式造景：在花坛或绿篱的绿化基础上，模拟动物形态或自然景象，使花坛和绿篱美上加美，好似锦上添花。
如在大型的花坛当中用竹木铁丝扎成各式模具，用藤本花卉攀缘其上，构成“雄狮怒吼”、“生龙活虎”、“快马加鞭”、“万马齐鸣”等场面。
或在平静的绿篱上修剪成“浮光跃金”、“后浪推前浪”、“波涛汹涌”、“伏地长龙”、“蟠龙出洞”等气势蓬勃的景象。
5、形象式造景：林荫车道的隧道造型是形象式造景的一个范例。
先在行人道的外缘栽上一行矗立的松柏、白桦、水杉等直立性树种，成林后再在行人道与车道之间再各栽一行枝丫伸展的法国梧桐、香樟等，逐年加以整枝修剪，使两旁的树枝伸向车道当中，构成拱桥式的绿色隧道，使行车、行人如入隧道当中，别具一番风趣。
6、联想式造景：寓动于静、静中有动，这是植物造景中启人深思的艺术手法。
如临风飘拂的垂柳，往往是画家的描写对象和诗人笔下的柳帘。
若将垂柳种植于湖池水畔，向水倾斜，并加以适量整形，使修长的柳条在枝头三五簇生，呈帘状地高悬水面，迎风飘拂，则形影映微波而忸怩。
若在水面的枝头上，用塑料细丝系上两三个水秀花盘，随风飘荡，更富诗情画意。
还如“含羞起舞”也是静中求动的典型造型。
即将含羞草与菊共栽一盆，将菊的枝条增减得弱不禁风，不设伸长支柱，这样，当菊迎风起舞时，则含羞草便会在旁代为含羞。
7、遮掩式造景：春兰的小朵香花在叶丝中半遮半掩地隐现，比之剑兰花葶的全形裸露，别有一番雅趣。
因此在增减花篱、果篱时采用隐现法设计、使可更显娇姿美态。
如用常绿灌木的栀子花作花篱的边行树种，两边行的中间栽一行矮化的花桃、花石混植，则可在绿色丛中时常隐现各类鲜花。
在女贞的双行绿篱中间植一行矮化的八月桂或月月桂，开花时不但可从绿色丛中隐现小朵黄花，而且还可喷出扑鼻的清香。
在常绿的银边七里香或金心七里香的双行绿篱中栽一行枸骨冬青，到深秋果熟时，则可在黄绿斑斑的七里香叶丝组锦中隐现朱红色的果带图案，为秋冬增添了新的景色。
8、点缀式造景：高矗云天的龙柏、匍匐横生的地柏、枝枒扭曲的龙爪柳和龙爪槐、树叶绉折如绸的银杏、树干白如霜雪的白桦、一树成林的榕树，以及奇形怪色的方竹、罗汉竹、紫竹、泪竹等都是园林绿化的独特材料，各具独特风彩，若使各安其所，便可各显身手地增添景色。
若能仿照深山老林的自然景象，在林木中进行人工美化造型，增减些“和合树”、“连理枝”、“藤缠树”，以及“天桥”、“自搭桥”等在一般园林看不到的景物，则可更为独特地引起人们的雅趣。
把平凡的自然景物点缀得富有诗情画意，使人们获得自然美的艺术享受。
城市植物景观设计和建设，代表着一个地域或地区的文化底蕴，也代表着一种时尚和发展潮流，对城市可持续发展具有非常重要的意义。
现代植物景观设计与建设更应该关注的是以“人”作为设计主题的内容，不断探索生活气息更为浓重的城市景观内容，更为亲情化的多方位的创作题材。
通过植物造景手段，以突出城市生态环境效益为宗旨，以提升城市景观品味和内涵为目标，充分展示现代城市生态风景艺术美，努力营造植被森茂，林冠霸日，姹紫嫣红，群芳斗艳，不是自然却胜似自然的城市环境。
睹若森林华冠，郁葱萧然，处处鸟歌虫吟，蜂飞蝶舞，使自然山林佳景，溶入城市社区，这样才能营造一种高科技含量的“合成自然”——一个生态优美健全、人与“自然”和谐的现代化城市。
目测他俩谁个子更高一些
因为生活中男女差不多高的时候大家都觉得女的高
所以看电视时候差不多时候我们自动认为男的高
而且很多镜头为了唯美也是会采用近大远小，或者“身高差”来表现
很多男的拍戏脚底都会踩凳子呢
运用对比描写写人物，突出人物特点。
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写文章离不开写人。
写人千万不能写成纸人，站立不起来，鲜活不起来。
写人要把人物写鲜活起来，要写得有血有肉。
怎样才能把笔下的人物写得鲜活起来呢
第一招：正面描写 正面描写是把镜头直接对准描写对象进行刻画，或写肖像，或写语言，或写动作，或写心理。
正面描写是忌平淡、忌拖沓，须形神俱备，生意勃勃。
写肖像是指描写人物的外形，包括容貌、体态、表情、服饰等。
写肖像要善于抓特征，生动逼真，以形传神，刻画思想性格。
如《故乡》中的杨二嫂：凸颧骨，薄嘴唇；两手搭在髀间，没有系裙，张着两脚，正像一个画图仪器里细脚伶仃的圆规。
寥寥几笔，就绘出了她的外貌特征，通过这个特征，可粗知她尖酸刻薄的性格。
准确而逼真地写出人物的语言，能生动地表现人物的思想性格。
写语言要切合人物的身份，要个性化，否则难以表现内心世界。
老舍在《我怎样学习语言》中说：“对话就是人物的性格等等的自我介绍。
”对话巧妙，无需描写人物的模样，就能使读者好像目睹了说话的那些人。
鲁迅的《聪明人和傻子和奴才》，通篇是对话描写，通过对话，聪明人、傻子、奴才这三种人的思想性格活脱脱地被端到读者面前。
直接写心理，不能说一些浮泛的空话，要能把内心深处的精妙倾诉出来，使人物的思想性格得以深刻揭示。
如鲁迅的《一件小事》，当作品中的“我”看到车夫送老女人向巡警分驻所走去时，有这样一段心理描写：“我这时突然感到一种异样的感觉，觉得他满身灰尘的后影，刹时高大了，而且愈走愈大，须仰视才见。
而且他对于我，渐渐地又几乎变成一种威压，甚而至于要榨出皮袍下藏着的‘小’来。
”按正常的视觉形象，应该是近大远小，而在“我”的感觉里，却一反正常的视觉形象，是“愈走愈大”，用连续转动的镜头更换画面，突出车夫形象的高大。
“大”形成威压，榨出“小”，在纯真的车夫面前，“我”自惭形秽。
这种内心活动的直接描写，深刻地揭示了一名知识分子在“一件小事”中心灵的震动和觉醒，对“我”思想性格的塑造起灵魂作用。
第二招：侧面描写 侧面描写是着意写对象的周围事物，或以物衬物，或以景物烘托人物，或借助他人来刻画此人，使所描绘的对象更为鲜明，更为突出。
侧面描写对描写对象周围的事物须慎加选择，要选择确能起烘托作用或产生对比效果的事物，忌一般化，无显明特点的事物。
如汉乐府诗《陌上桑》中描写采桑女罗敷美貌到极点，不是正面刻画，而是用她周围的人的神态、动作来烘托、渲染。
诗中这样描绘：“行者见罗敷，下担捋髭须。
少年见罗敷，脱帽著头。
耕者忘其犁，锄者忘其锄。
来归相怨怒，但坐观罗敷。
”描写行者、少年、耕者、锄者见到罗敷时的神态与动作，种种表现聚焦在一点，即采桑女罗敷貌美惊人。
如果正面刻画，就不够含蓄，不能留给读者更多的想象余地。
又如《范进中举》一文中对范进中举时的描写一连进行了三次侧面描写。
一写众人的看法：“原来新贵人欢喜疯了。
”一语点破发疯的原因。
二写为范进治疯。
报录人出主意，提出治病的药方——打掉范进的欢喜，只说并不曾中；胡屠户执行，打范进的嘴巴，并凶神似的说：“该死的畜生
你中了什么
”疯是欢喜得痰迷心窍，是心病，治心病就是从侧面烘托出范进中毒之深，醉心于科举、功名而不可自拔。
这就从深一层次进行揭露。
三是胡屠户打范进嘴巴时众人和邻居的反应：“忍不住的笑。
”三个方面从不同角度刻画了范进追求功名利禄可怜、可鄙、可悲、可笑的形象。
多角度地对人物加以刻画，人物的个性特征就得到充分的展示。
第三招：简笔勾勒 简笔勾勒就是用极简洁的语言把人物的基本特征勾勒出来，不着颜色，不加烘托，给人以清晰的印象，这种方法也叫白描。
运用这种技法，应“有真意，去粉饰，少做作，勿卖弄”，以少许的笔墨取胜。
如《一面》中描绘的鲁迅肖像：“黄里带白的脸，瘦得叫人担心；头上直竖着寸把长的头发；牙黄羽纱的长衫；隶体‘一’字似的胡须；左手里捏着一枝黄色烟嘴，安烟的一头已经熏黑了。
”瘦，直直的头发，隶体“一”字似的胡须，抓住人物肖像的这些特征几笔勾勒，一位健康被艰苦工作毁坏的老战士的坚毅形象就突现在眼前。
第四招：工笔细描 工笔细描着力于精雕细刻，用细腻的笔法雕刻人物，使所描写的对象纤毫毕现，给人以真切的感受。
老舍《牺牲》一文中有这样一段描写：“他的脸，在我试问他的时候，好像特别的洼了。
从那最洼的地方发出一点黑晦，慢慢地布满了全脸，像片雾影。
他的眼，本来就低深不易看到，此时便更往深处去了，仿佛要完全藏起来。
他那些彼此永远挤着的牙轻轻咬那么几下，耳根有点动，似乎是把心中的事严严地关住，惟恐走了一点风。
然后，他的眼忽然发出些光，脸上那层黑影渐渐地卷起，都卷入头发里去。
‘真哪
’他不定说什么呢，与我所问的没有万分之一的关系。
他胜利了，过了半天还用眼角撩我几下。
”作者对人物的脸、眼、牙作了精细的描写，脸洼到什么状况，眼深藏到什么程度，牙严严地关到什么情况，一笔一笔细雕，把这个人物深藏自己的阴冷的性格刻画得惟妙惟肖。
第五招：细节描写 细节描写就是指某些细小的举止、行动或对细微事件的描写。
它是文学作品完整地描绘人物性格、事件发生和环境景物的一种不可缺少的手段。
如契诃夫的《变色龙》中有一个精彩的细节描写，这就是主人公奥楚蔑洛夫身上穿的新的军大衣的穿、脱、穿的描写。
这个细节不影响故事情节的发展，但在刻画人物上很起作用。
主人公一出场穿的就是新的军大衣，暗示出这个警官是刚爬上去的；随着狗主人的不同而一再更换对狗的称呼、对狗的褒贬时，这件军大衣大起作用。
警官听首饰匠赫留金告狗咬人的状后俨然要严惩“罪犯”，但一听说是将军家的狗时，立刻态度大变，说：“席加洛夫将军
哦
……叶尔德林，帮我把大衣脱下来……真要命，天这么热，看样子多半要下雨了……”于是，掉转话头，指责赫留金。
人群中议论狗，说不是将军家的狗，警官又大发议论，要好好教训“罪犯”，又听说“没错儿，将军家的”结论时，大衣又发挥作用了——“哦
……叶尔德林老弟，给我穿上大衣吧……好像起风了，挺冷……你把这条狗带到将军家里去，问问清楚。
就说这狗是我找着，派人送上的。
”脱了的大衣又穿了起来。
最后真情大白，狗的主人是将军哥哥。
于是，警官恐吓赫留金，“我早晚要收拾你”，并裹紧大衣，穿过广场径自走了。
这个细节贯串全文，多方面刻画人物的思想性格。
出场穿新的军大衣，显示警官的耀武扬威的气焰；变化无常的过程中，军大衣一会儿脱，一会儿穿，为自我解嘲作阶梯，生动地反映出警官对权势显赫的将军的恐惧，趋炎附势、媚上压下的狗类性格显露；狗咬人的案件不了了之，警官“裹紧大衣”走了，恐吓赫留金是虚张声势，灰溜溜地走是实质，趋炎附势的狗性决定了他不敢也不能公正地断这个案子，只能溜走。
一件军大衣的细节描写，成了警官变色的保护物，成了贯串全文的思想性格的侧面写照，在文中发挥的光和热难以估量。
鲜活笔下人物“五大绝招”，可根据人物塑造，选用一种方法，也可多种方法综合运用。
怎样运用才能取得良好效果，关键在于平时观察能否细致入微，自己有无独特的感受。
美术语言规则有哪些
美的规律和法则从某种意义上说，规律与法则是一致的，因为法则体现了事物的规律性，而规律则是通过法则呈现出来的。
对美的规律和法则的认识和总结在古希腊的时候就已经开始，当时主要体现在建筑和雕塑之中，以后逐步扩展到绘画，形成造型艺术产生艺术美和形式美的基本规范。
在古希腊，艺术的法则有三个特点：(1)被认为是最完美的艺术形式规范，是达到完美艺术的保证；(2)它是以比例的形式体现的，并且可以用具体的数量来表现，例如事物各部分之间的比值和黄金分割率；(3)它是灵活的，可以随着人的审美的变化和视觉的需要加以适当的调整，但只有一个相对的空间。
这样的研究对造型艺术创造自身的艺术美和形式美提供了重要的依据和手段，艺术家可以根据这样的美的规律和法则创造出符合人的视觉感受的美的形象。
也就是说，美的规律和法则是按照自然并符合人的比例关系创造出来的，是对自然界的艺术的表达方式，这就是这种规律和法则的普适性。
在这其中人们又总结出了变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等规则。
审美价值即审美对象中能够满足人的审美需要，从而引起审美感受的价值属性。
审美价值是建立在人和对象的实践关系上的，凭借美的规律，使人的本质力量得到对象化，即在对象中确证自己的存在和价值，由此获得自我享受。
但审美价值的观念是在历史的发展过程中逐步形成的，因此就受制于时代性、阶级性和民族性，即不同时代、阶级和民族的审美价值观念存在着差异，因此，在对美的认识、想象和期待上就不同。
变化与统一形式美法则的高级形式，又称多样统一，也叫和谐。
从整一律、对称均衡到多样统一，类似一生二、二生三、三生万物。
变化统一体现了生活、自然界中对立统一的规律，整个宇宙就是一个多样统一的和谐的整体。
“变化”或“多样”体现了各个事物的个性的千差万别，“统一”体现了各个事物的共性或整体联系。
多样统一是客观事物本身所具有的特性。
事物本身的形具有大小、方圆、高低、长短、曲直、正斜；质具有刚柔、粗细、强弱、润燥、轻重；势具有疾徐、动静、聚散、抑扬、进退、升沉。
这些对立的因素统一在具体事物上面，形成了和谐。
多样统一的法则的形成是和人类自由创造一种复杂的产品时要求把多种的因素有机地组合在一起一样，既不杂乱，又不单调。
多样统一使人感到既丰富又单纯，既活泼又有秩序。
这一基本法则包含了对称、均衡、对比、调和、节奏、比例等因素。
所以一般都把“变化统一”或“多样统一”作为形式美的基本法则。
比例造型各部分之间的尺寸关系。
部分与部分之间、部分与整体之间、整体的纵向与横向之间等相互之间尺寸数量间的变化对照，都存在着比例。
适度的尺寸数量间的变化对照，都存在着比例。
适度的尺寸数量的变化可以产生美感，例如“黄金比例”是比较典型的。
黄金分割率造型艺术中的一种分割法则，简称黄金率。
它的分割方法为：将某直线段分为两部分，使一部分的平方等于另一部分与全体之积，或使一部分对全体之比等于另一部分对这一部分之比。
用数字来表示，即它的比值约为1.618∶1或1∶0.618，被称为黄金比。
黄金比最早是由古希腊人发现的，直到19世纪被欧洲人认为是最美、最协调的比例。
黄金比广泛用于造型艺术中，具有美学价值，尤其在工艺美术和工业设计的长和宽的比例（如书籍开本）设计中容易引起美感，故称为黄金分割。
20世纪中，法国建筑师科布西埃发现黄金比具有数列的性质。
他将其与人体尺寸相结合，提出黄金基准尺。
法国还产生了冠名为黄金分割画派的立体主义画家集团，专注于形体的比例。
对称与均衡“对称”是一个轴线两侧的形式以等量、等形、等距、反向的条件相互对应而存在的方式，这是最直观、最单纯、最典型的对称。
自然界中许多植物、动物都具有对称的外观形式。
人体也呈左右对称的形式。
对称又分为完全对称、近似对称和回转对称等基本形式，由此而延伸还有辐射对称等，如花瓣的相互关系。
“均衡”是指布局上的等量不等形式的平衡。
均衡与对称是互为联系的两个方面。
对称能产生均衡感，而均衡又包括着对称的因素在内。
然而也有以打破均衡、对称布局而显示其形式美的。
对比与和谐在造型的各种因素（线形、体量、空间、质地、色彩）中，把同一因素中不同差别程度的部分组织在一起，产生对照和比较，称其为对比。
对比只能在同因素的两种差别之间产生，例如体量的大小对比、线形的曲直对比。
在两种不同因素之间，不能产生对比关系，例如色彩就不能与线形对比。
同一因素差异程度比较大的条件下产生对比，差异程度小则表现为协调。
对比强调差别，以达到相互衬托、彼此作用的目的。
和谐是事物和现象的各方面相互调和与协调一致，多样变化中的统一。
和谐在造型中泛指一切组成部分有机联系，是优秀作品的重要特征之一。
现实本身合乎规律的过程是和谐的本源。
古希腊美学家毕达哥拉斯认为“美就是和谐”。
和谐是对立面的协调和统一，产生于相互之间差别的融合，是构成造型形式美的原则之一。
和谐的观念来自对生活和艺术用审美观念去观察和理解的结果。
人类早期的造型活动，依据的标准是对称、均衡、节奏等，都包含着和谐的因素，并促使创造的对象产生和谐的关系。
和谐不是具体的和偶然的特征，而是取得形式美的普遍的必然的规律，既有直观的表现，也有潜在的作用。
节奏与韵律本指运动过程中有秩序的连续。
构成节奏有两个重要关系：一是时间关系，指运动中的这种强弱变化有规律地组合起来加以反复便形成节奏。
有规律的反复，是形成节奏感的基本条件之一。
此外，运动中轻重疾缓变化的恰当的安排，也可以造成节奏感。
层次变化以及连续中的停顿，也是产生节奏感的重要因素。
反复、变化、层次、停顿等，如果运用得当，不但可以产生鲜明的节奏，而且会呈现鲜明的韵律感。
在美术中，是运用形、色、线、轮廓等的反复对比与呼应，以及构图或形象特征的动态化表现来显示其节奏。
著名建筑学家梁思成就曾经认为，中国的古塔就非常具有像音乐旋律一样强烈的节奏感。
造型艺术中潜在的感染力和表现力，属于形式美感中深一层的现象，更多地着重于一定情感、气势或韵味的表现。
造型艺术中的韵律有多方面的表现，各种构成因素有规律的变化、有节奏地递增或递减、相互之间的反复和呼应，都能够产生韵律。
有起伏变化的韵律，有连续变化的韵律，有渐次变化的韵律，有分割变化的韵律。
韵律是各种不同方式变化中产生的，有意识地利用变化中的节奏，有所强调和控制，并与整体融会和谐，自然会显现出韵律。
理解两个概念：美术欣赏和美术鉴赏 “欣赏”与“鉴赏”： o 《辞海》对“欣赏”与“鉴赏”的解释 o 欣赏：领略；玩赏。
鉴赏：人们通过特定媒介与艺术形式逐步进入对作品的具体感受、体验、欣赏和鉴别的精神活动。
“美术欣赏”与“美术鉴赏”： o 美术欣赏与美术鉴赏，都是人对美术作品与美术现象所产生的情感活动与思维活动。
o 区别：活动过程完成的不同 美术作品与美术现象 感知 —— 想象 —— 情感体验 —— 理解 美术欣赏（感性） 美术鉴赏（理性） “美术鉴赏”： o 美术鉴赏是在美术课程中“欣赏?评述”学习领域的基础上更高层次的拓展与延伸。
o 在美术鉴赏中，人们总是自觉不自觉地根据一定的审美理想、审美标准、审美趣味，从作品中获得对于艺术形象的具体感受和体验，展开联想和想象，并伴随一系列的情感反应，从而对作品作出某种审美评价，得到某种精神上的满足，即审美享受。
因此，美术鉴赏在具体要求上，比美术欣赏要更高一些。
“美术鉴赏”的含义： o美术鉴赏是运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。
美术鉴赏的两种方法 前面讲到，美术鉴赏是运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。
美国乔治大学教授，著名美术理论家和批评家费德门(Edmund Burke Feldman)提出了一种美术鉴赏程序。
（1）费德门的美术鉴赏程序分为四个步骤：叙述、形式分析、解释、评价。
(2)、比较鉴赏法： o 比较鉴赏是指在美术鉴赏过程中运用比较的方法，对作品内部和外部的情况进行比较性的分析、解释、评价等研究，以达到深入理解作品的目的，并在这个过程中提高鉴赏能力。
艺术美艺术美是由艺术家通过美术的语言元素和语言规则创造出来的艺术所特有的美。
美术作品中的艺术美不是同等于现实中的“漂亮”和“好看”，而是通过特定的美术现象表现出来的艺术自身的“美”。
美术作品除了艺术美之外还有形式所传达出的美，即形式美，它不仅包含在艺术美中，其本身也是具有独立的审美价值。
“形式”一词具有两个方面的含义，一是指形体、形态，即个别事物呈现出来的样子；一是指形体或形态借助语言手段和语言规则呈现出来的整体的艺术形象。
美术形象美术形象既是指一件美术作品中个别的、具体的、完整的艺术形象，也是指一件美术作品中由这种个别的、具体的、完整的艺术形象所形成的综合的、整体的艺术形象。
构成形式的主要三个方面:1，美术的语言元素2，美术语言规则3，美术语言整体和基本语言的 关系 1， 美术的语言元素什么是美术作品的艺术语言 美术语言是一种特殊的语言，他主要由形体、明暗、色彩、空间、材质、机理等视觉语汇组成。
美术作品的艺术语言不同与文学语言，在文学中，每个词都有自己的独立意义，比如美丽漂亮，而美术语言就必须经过艺术家的有机组合才能成为艺术语言。
比如一条圈，一条不规则的曲线或一条直线，这是毫无意义的，但是如果通过一定的创造法则，那么就完全不一般了。
用有变化的线条为艺术语汇，通过画家的组合，形成一种独特的艺术语言。
基本的美术语言符号： 1、 形体： 几何学抽象出的基本概念点、线、面、体，（点、线、面、体的关系）在美术作品中，都是作为美术语汇存在的，它们在美术作品中是和形象结合在一起的，通过这些语言来表现物象的轮廓和结构。
如《韩熙载夜宴图》 、《朝元图》中人物的塑造都是用线来完成的，这也是中国传统人物画中工笔画的重要特征。
《格尔尼卡》中，也是大量的通过点、线、面来传达信息的。
体的运用就主要集中体现在大量的雕塑、建筑作品当中。
2、明暗： 明暗本来是自然界的物理现象，物体由于受到光的作用而产生明暗变化。
（它的基本内容就是：三大面，五大调的规律）自从达?芬奇总结出明暗造型法以后，它就成为绘画（特别是西方绘画）表现立体感的一种主要的虚拟语言。
最典型的代表作《蒙娜丽莎》：在作品中作者就是充分的利用明暗这一语言来传达蒙娜丽莎神秘的微笑的。
3、色彩： 色彩是最具有感染力的美术语言。
它可以分为：固有色、条件色、表现性色彩和装饰性色彩等不同的类型。
固有色：就是物体本身所具有的色彩。
在西方绘画中，19世纪以前的大量绘画作品中所表现出的色彩都是以固有色为主。
条件色：是指物体周围环境对物体的色彩影响。
在很多的写生作品中我们就能明显的感觉到条件色在作品中的运用。
如：法国画家塞尚的《静物：苹果和橘子》，在作品是的白盘子和白布上明显的有环境色对它的影响。
表现性色彩：通过作者对色彩的独特感受和概括，在作品中大胆的运用色彩来表现主题。
如19世纪挪威画家蒙克的《呐喊》中急促、焦躁、压抑的色彩，《舞蹈》中单纯、明快的色彩，都是极具表现力的。
装饰性色彩：主要运用于工艺美术和建筑作品中。
如中国传统建筑中，常用到的色彩就有黄、红、表、绿等色彩。
如 中国古建筑。
另外在商业美术、工业美4、空间： 空间是物质存在的一种形态，具有多维的性质。
作为美术语言，它是以视觉感觉为特征的。
建筑、雕塑和环境艺术都以空间排列体现不同的美感。
如：中国传统的园林，民居等；在西方绘画作品中，主要以焦点透视（基本原理：近大远小）来虚拟性的表现空间感。
如《拾穗》，通过透视表现了农场的辽阔。
而在中国画中，则多采用散点透视（多视点）的方法来表现作品内容。
如《韩熙载夜宴图》、《清明上河图》等。
5、材质、肌理： 材质，是指材料本身的质地；肌理，又称质感，由于物体的材料不同，表面的排列、组织、构造各不相同，因而产生的粗糙感、光滑感、软硬感等，肌理是形象的表面特征。
人们对于肌理的感受一般是以触觉为基础的，但由于人们触觉物体的长期体验，以至于不必触摸，便会在视觉上感到质地的不同。
我们称之为视觉性质感，肌理在现代绘画与设计中越来越受到重视，肌理本身常常变成了设计作品。
中外美术家创造艺术形象都与使用的物质材料有关。
如西方传统绘画离不开画布和油彩的表现力，如《麦田》，中可以明显的看到油画材料的特征。
中国画也一样离不开笔墨和宣纸的性能。
雕塑作品也一样，如《佛罗里达州的顾客》，这里作者采用的是一种新型塑料（聚合树脂）和玻璃纤维为材料来完成的。
西方美术简史一，具象艺术的概念 较写实，有形象可辨美术作品，具象艺术是比较宽泛的概念。
二，具象艺术的特点：1，视觉的真实性、客观性2，艺术形象的典型性3，情节性，又称叙事性三，典型具象艺术形式 古典油画、中国工笔画、写实雕塑四，具象艺术的典型----照相写实主义代表画家：克洛斯（美国）五，具象艺术的极端----超级写实主义代表画家：冷军(中国）六，具象艺术的历史价值及意义1，当记录作用，特别在没有照像机之前2，具有社会干预的作用，如中国革命时期，起宣传作用，因为是大众能够理解的艺术形式3，现代，具象艺术并非最前卫，但它仍然是主流抽象艺术抽象，是指一些艺术家们，从自然的诸形态，渐进升华至抽象，而达到的一种非具象的观念。
两种抽象艺术 （一）冷抽象蒙得里安（187--1944），荷兰抽象主义画家，其艺术被称为“冷抽象艺术”或“几何抽象”。
1913年后的绘画以几何性符号式的绘画为主，他在平面上把横线与竖线相结合，形成直角或长方形，并在其中安排红、黄、蓝三原色及灰色。
这些新造型主义的抽象艺术及其理论，不仅影响了西方抽象绘画和雕塑，还对现代广告、家具、服装设计、印刷和建筑产生了深远的影响。
（二）热抽象康定斯基（1866--1944），俄国抽象主义画家，“抽象艺术之父”，其艺术被称为“抽象艺术”或“抒情抽象”。
康定斯基擅长油画、水彩画和版画。
早期作品采取印象主义技法，1910年开始采用音乐名称，形象几乎是用色彩的块面和线条图案暗示出来，如《即兴曲》等。
以后则是纯抽象的绘画，后又转向几何的抽象，其画风充满着幻想、幽默的趣味。
印象主义早期印象主义印象主义(impressionl9n)在19世纪60一70年代以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒是反对陈陈相因的古典画派和沉缅在中世纪骑士文学而陷入矫揉造作的浪漫主义在19世纪现代科学技术(尤其是光学理论和实践)的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现。
印象主义画家提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，从而据弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己眼睛的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。
在印象主义内部存在着两种类型的画家群。
一是以莫奈为代表，一是以德加为代表。
莫奈1840年在巴黎出生，少年时代在面对英吉利海峡的港口城市拉?阿布尔度过。
1874年4月，莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚、莫里索、基约曼等青年画家，在巴黎卡普辛大街借用摄影师那达尔(Na—dar)的工作室举办展览，他们自称为“无名的画家、雕塑家和版画家协会”。
在展品中莫奈的油画<印象?日出>的标题被一位保守的记者路易?勒鲁瓦在文章中借用作为嘲讽，称这次展览是“印象主义画家的展览会”，“印象主义”由此而得名 。
他一直是印象主义画家集团的核心人物，直到1926年以86岁高龄去世。
新印象主义印象主义之后，在法国出现了被称之为“新印象主义”和“后印象主义”的思潮和派别。
新印象主义的发起人为修拉和西涅克，他们试图用光学科学的实验原理来指导艺术实践。
原来学建筑的西涅克， 与修拉密切合作，共同进行分割色彩理论和实践的探索，创造点彩派的体系。
后印象主义被称作后印象主义的画家有，塞尚、高更、凡高、雷东等。
这些画家经常在一起参加展览，但从未组成过团体，即使象印象主义那样松也没有。
“后印象主义”一词是在20世纪20年代后才被普遍使用的。
它被用来泛指印象主义之后在观念和实践上与印象主义相左的艺术潮流。
“后印象主义”画家曾一度受印象主义画风的影响，但又不满足于印象主义的法则，试图另辟蹊径，他们从各个角度探讨艺术表现的本质。
印象主义绘画作为一种艺术思潮，在人类艺术进入20世纪以前，无论从观念还是形态上，都做了有益的尝试，尤其是后印象主义在主观与客观、艺术与自然的关系上的观念变革，具有划时代意义。
? ? ? ? ? 美术的概念和种类 美术，是以一定的物质材料，塑造可视的平面或立体形象，以反映客观世界和表达对客观世界的感受的一种艺术形式，因此，美术又称之为‘造型艺术’、‘空间艺术’。
在艺术分类中，美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。
它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。
它主要包括绘画、雕塑、工艺、建筑等类型。
? 美术的社会功能 自然界的万事万物本身并没有什么美与不美的界限，就像色彩本身无所谓美与不美一样。
事物和色彩之所以有美与不美的区别，都是在和人的社会生活发生关联之后才显现出来的，所以，美与不美是人自己的生活观念及价值取向的一种标准，特别是作为社会人的一种意识反映。
人在进行审美活动的过程中离不开对对象的形象联想，创作者在作品中注入了自己的情感，因而艺术作品已经不再是对象的简单模仿和复制，总是带着作者强烈的审美情趣，也唯因此，才能在欣赏者中引起共鸣。
所以，黑格尔说美是人类最早的老师，美的教育具有解放思想的品质。
没有审美的过程，谈不上美术的功能。
因此美术的审美功能是它最主要的功能。
当然，由于美术与社会生活联系的广泛性以及美术创作的多样性，美术的社会功能也不是单一的审美功能，而是体现在多方面的。
概括地说，美术主要具有认识功能、教育功能和审美功能。
好，接下去我们就欣赏作品来理解一下美术的社会功能。
（1）詹建俊的《狼牙山五壮士》形象地再现了抗日战士英勇战斗、宁死不屈的革命英雄主义气概，无疑能激发起人们的爱国主义精神和热情。
公益招贴画《维系生命的泉--粮食》以鲜明、醒目的形象突出揭示了珍惜粮食的含义，教育和提醒着人们 注意养成勤俭、节约的品质和作风。
通过形象的感染与激发效能，启发观者的意识与情意活动，从而达到提高思想、品德和情操的目的。
-----教育功能。
（2）张择端的《清明上河图》：美术的素材取自于现实生活，现实生活中的素材本是分散的，艺术家把这些分散的素材集中起来，用自己的构思去丰富它，用自己的构图来提炼它，使现实生活的某个断面更加典型，呈现出来的画面、形象都以典型化了的特点而打动欣赏者。
反过来说，欣赏者在这些典型的作品中之所以能够被打动，就是因为可以从中更清晰地认识到生活的本质。
-----认识功能。
（3）《蒙娜丽莎》《虎座鸟形鼓架》当我们惊叹于达?芬奇是如何捕捉住蒙娜丽莎容貌与内心的迷人魅力的时候，当我们佩服于我国先民是以何等巧妙的智慧创造出那优美而又寄寓着美好愿望的凤鸟形象的时候，或者是置身于具有深刻文化内涵的建筑环境中的时候，就会从这些美的创造中获取到全身心的审美满足和巨大的精神力量。
-----审美功能。
当然，“审美功能”还决定于欣赏者的“心境”和“情绪”状态。
同样的自然山川在一些人看来，可以是“山河无限好”，在另一些人看来，又可以是“满目萧条”的“残山剩水”。
大自然作为“审美客体”本身其实并没有什么本质的变化，之所以在不同的人看来会有如此大的区别，完全与审美主体的心境、情绪和他们不同的生活阅历有关。
但是，不论他们的感受有多么大的不同，作为美术审美功能“，其作用都能使审美主体在或优美、或恬适、或悲壮、或苍凉、或雄浑、或冷寂的一种”意蕴“中得到”审美“体验，从而在精神上得到某种解脱慰籍。
这三个方面又是互相联系的，因为美术的认识作用和教育作用主要是依靠情感的引导和美的感染潜移默化地实现的，而培养美感和陶冶情操也起着认识和教育作用。
事实上，具体作品更加明显地体现哪种功能，是各有侧重的。
总起来说，美术的社会作用就在于它可以帮助人们认识世界，普及教育，开拓文明，陶冶情操，全面提高人的精神素质，对社会主义精神文明和物质文明建设有着不可或缺的重要作用。
关于素描的一些试卷题。
如下：
不论是风景素描还是静物素描都要注意以下几点：一：取景，选景时可用一个跟画纸比例相当的距形框来取景，简单的方式就是用手脂组成距形框来取景，构图时注意所要表达的主体在画纸上不要太偏（左、右、上、下）二：形体结构，大的形体结构要准，这是素描最基本也是最重要的地方。
例如画一幅有建筑的风景，首先绘出建筑的形体，透视要准，按照由主到次由大到小的顺序画三：明暗调子，明暗是素描的灵魂，分黑、白、灰三大调子，例如风景画里由远到近是由亮到暗的原则四：虚实，例如风景画由近到远、由主到次都是由实到虚来画，近处的画的具体写实点，远处的画的要括些虚一点五：线条，例如风景画，近景笔处细且重，远景笔处粗且轻
