美声与通俗的内在联系是什么
帮你找到点材料补充上.不过具体怎么写还是要你自己看.美声 起源于17和18世纪意大利的强调自如、纯净、平稳的发声与灵活和准确的声乐技巧的歌剧唱法。
按字义讲，“bel canto”即优美的歌唱,并兼有美丽的歌曲的含义。
它不仅是一种发声方法，还代表着一种演唱风格，一种声乐学派，因之通常又可译作美声唱法、美声学派。
美声歌唱不同于其他歌唱方法的特点之一，是它采用了比其他唱法的喉头位置较低的发声方法，因而产生了一种明亮、丰满、松弛、圆润，而又具有一种金属色彩的、富于共鸣的音质；其次是它注重句法连贯，声音灵活，刚柔兼备，以柔为主的演唱风格。
美声歌唱的创始人G.卡奇尼在他的《新音乐》的序言中介绍了这种演唱方法。
继而18世纪的P.F.托西、G.曼奇尼，19世纪的F.兰佩蒂、M.加西亚等又著书作了详细阐述。
美声唱法在演唱技术上的特点如下： 呼吸 要求有饱满的气息支持和灵活自如的呼吸控制能力，因此，排斥啜泣时的锁骨部位的呼吸法和胸式呼吸法，主张胸腹混合式的横膈膜呼吸法。
美声歌唱的格言是“谁懂得呼吸和吐字，谁就懂得歌唱”。
正确的呼吸方法是良好发声的基础。
起音 美声学派把轻松、明亮、准确、圆润的起音，看作是正确发声的关键，是调整气息及喉头状态以及集中共鸣的最基本的手段。
起音分软起音和硬起音两种，初学者宜以练软起音为主，跳音练习也是一种很有益的练习，它实际上是一系列的起音，有利于锻炼呼吸支持、喉头的积极配合和集中声音的共鸣。
良好的起音应以最少的消耗取得最大的效果。
在良好起音基础上的演唱，可以使声音有弹性，有持久力，节约声带和体力消耗，延长演唱寿命。
声区 声区的统一是美声歌唱训练中的试金石，美声唱法取得声区统一的主要方法是：强调唱好各声区间的“过渡音”,就是唱上行音阶时,要把前一个声区的最后3个半音,唱得稍带下一个声区的特征（即虚些、假些、暗些）；唱下行音阶时,较高声区的最后下行的3个半音，要唱得稍具有较低声区的特征（即实些、真些、亮些）。
这样逐渐的量变的过渡就可避免由于从这一声区到另一声区的突变而产生的破裂音。
声音的连贯 是气息流畅和喉头稳定、共鸣良好的反映，又是美声歌唱的旋律线条优美动人的主要特点。
破坏声音连贯的原因是多种多样的：起音不准确，滥用滑音；声区不统一，音量忽大忽小，音色忽明忽暗，或出现破裂音；呼吸控制不佳，气息逼紧；母音的共鸣部位的不统一〔特别是“窄”母音(i，e)和“宽”母音(a,o,u)之间的不统一〕等，都影响声音的连贯。
声音的连贯首先是母音间的连贯。
用发子音的部位来唱母音(特别是在高声区)是造成声音不连贯、不统一或“白声”的原因之一。
音量 美声学派注重追求圆润、明亮、优美而抒情的音质，它的格言是“追求音质，音量自然会来”。
它十分重视在一个单音上渐强渐弱的控制能力的训练，这不仅是训练呼吸控制和音量变化的能力，而且还可使声音松弛富有弹性，音色有多样变化，以丰富艺术表现力和促使声区的统一。
声音的渐强渐弱主要是依靠气息来控制，也就是要用呼吸而不是用喉部肌肉来调整音量变化。
用有气息支持的轻声来唱高音也是获得“头声”的良好途径之一。
灵活性 用快速的音阶、琶音、跳音或装饰音练习，或用花腔的华采段来训练歌唱者声音的弹性和灵活性，是美声学派教学中的一个重要内容，它可以促进声音松弛而富青春活力，有利于延长演唱寿命。
音质 明亮、丰富、圆润而又具有金属色彩、富于共鸣的特殊音质，是美声歌唱的特征之一。
人们往往从音质上来检验学派的正统性。
良好的音质是良好的声带闭合、适度的气息冲击、适度的喉的低位置、适度的软腭提起，喉部及咽部肌肉积极但又不僵硬、不紧张的配合,正确的舌位,松弛的下巴和口型，自然而美好的歌唱心理状态等因素的综合的协调一致的产物。
理想的音质是既明亮又圆润，既结实又松弛，即所谓“又明又暗”。
微颤 歌唱中正常的微颤应是每秒钟6～7次，过快或过慢都会破坏声音的连贯或造成不悦耳的音质。
过慢的微颤又称声音“摇晃”，是喉头压得过低，过份追求声音的“深度”或洪大音量所致；过快的微颤又称声音“碎抖”（亦称“羊声”），是下颌肌肉紧张和过于追求明亮或甚至“白声”所致。
歌唱中微颤的快慢又与歌曲内容及情绪有关，激动时快些，宁静时慢些、平稳些，它又是一种强有力的艺术表现手段。
4个世纪以来,美声歌唱的演唱风格、演唱技巧随着时代、作品的发展而发展，至今仍盛行不衰。
通俗唱法 通俗唱法始于中国二十世纪30年代得到广泛的流传。
开始叫流行歌曲唱法，后来称通俗唱法。
其特点是声音自然，近似说话，中声区使用真声，高声区一般使用假声。
很少使用共鸣，故音量较小。
演唱时必须借助电声扩音器，演出形式以独唱为主，常配以舞蹈动作、追求声音自然甜美。
感情细腻真实。
通俗唱法声音的主要特点是完全用真声唱，接近生活语言，轻柔自然。
强调激情和感染力，演唱时有意借助电声的音响制造气氛，所以很注意话筒的使用方法和电声效果。
通俗唱法以青年为中心，可以说是：写青年，唱青年。
青年唱，青年听。
古己有之的那种通俗唱法，并非我们目前所指的典型意义的通俗唱法。
现代通俗唱法，有两个重要的特性，一是它风格样式国标化；二是它与现代高科技电子技术结合。
二十世纪八十年代，由于政治经济上的改革开放，文化上的禁锢被解除，国门大开，首先是港台通俗音乐一拥而进，形成热潮。
这决不仅仅是因为年轻人在经济上的独立，而是由于流行音乐有青春活力。
展示了人们是如何生活的意愿。
同时，一大批通俗歌手不断涌现，并风格各异，五彩缤纷。
通俗歌曲从此也受到了国家和人民以及音乐界的极大关注和重视。
艺术分类五花八门，流派同样千差万别。
很多时候我们有艺术上的错觉，以为天下功夫尽出少林，少林的和尚一定比青城山上的道士功夫好，有谁想过福建不起眼的林家也会有惊世骇俗的《葵花宝典》呢
美声音乐是音乐，通俗音乐算不算音乐
怎么能一叶瞕目
境由心生，喜欢的就是好音乐，任何一种艺术做得好都能做出内涵。
恩雅世人皆知，她的音乐应该归于何类
空灵、飘忽，可她仅仅有流行与缥缈吗
她的歌声里还有流浪与迁徙，像一种诉说，在不少歌里她还显出坚强不屈的凯尔特人的特质，这些你听出来了吗
是的，很多人听到的总是她有如呓语的表达、如梦似幻的意境，久而久之就以为恩雅不过如此，一个模式而已。
恩雅的首张专辑面世至今已整整20年，这20年变化的是她的声线、她的状态，不变的是她的纯净与坚持，还有骄傲。
如果恩雅没有内涵，她何以风行世界这么久
你要是喜欢，她就是高雅的，流行的高雅。
你不能因为有人用恩雅的歌声做了某次烛光晚宴的背景音乐，就将之定为浅俗与小资。
演唱者Susanna Thomas（苏珊娜·托马斯）是一位演唱歌剧的女高音。
在这张专辑里，她以美声与通俗的完美融合，将这些海的日记演译得有如天籁之声。
整张专辑将人声的美、器乐的美、以及海浪拍岸、海鸥轻鸣等自然音效融为一体，既营造出海的辽阔、秀美和梦幻的意境，也倾诉出人们对海洋母亲的深深依恋． Andrea Bocelli 2006年的新专辑《Amore》发布了 他在这张录音中以美声方式演唱的这些旋律通俗易懂却富有内涵.这张专辑的可听性和曲目质量则都要超过前作，自从上世纪九十年代波切俐凭借其天籁之声及超越流行和古典的歌喉，就一次次让我们刮目相看．
我学美声 很难有些问题 悬赏 50分
你这是初级阶段，每个人都会遇到，不奇怪，也不要泄气。
老师指点的要铭刻在心，用心琢磨。
找那种唱歌的感觉。
你的气为什么放不下呢
最主要的原因是你的气没有沉下来，胸部不放松。
开始的时候咬字都不行，你可以不去咬字，先尝试着用元音去找位置，等位置固定了在把字添上，得多练习，你会进步很快的
为什么学美声唱法的人一般流行歌都唱得好
异美声唱法强调共鸣质，但由于其来自异域，与族的审美观差异，因此还不能被广大群众普遍接受，是一种曲高和寡的声乐演唱形式。
随着我国严肃音乐的推广，现在也逐渐被大家接受和欣赏。
通俗唱法注重直与平，发声自然，崇尚口语化，对声音考究偏于“情”。
关于这种唱法有褒贬不一的争论，但我们相信存在即有道理。
作为一种演唱风格，其平易近人的表演方式和强烈的感染力使其成为一种大众喜爱的演唱方式，是一种客观存在的拥有一大批著名歌手和热爱它的听众的演唱形式。
下面，我们从对美声和通俗两种唱法从多个角度加以比较分析，以找出这两种演唱方法在呼吸、共鸣、喉位、音色等发声技巧的异同，并希冀借此发现两者可借鉴之处。
（一）美声唱法与通俗唱法的异在呼吸上歌唱呼吸包括胸式呼吸、腹式呼吸及胸腹式联合呼吸三种歌唱呼吸法，这是一种运用胸腔、横隔膜和腹部肌肉共同控制气息的呼吸法。
在通俗歌唱中，三种呼吸形式均可适当使用，以自然为好，根据不同的声线与歌唱风格来自由选择，让气息尽可能支撑声带振动体，延长疲劳期，完成较大的演唱量。
美声唱法由于共鸣的需要，对气息能源消耗相对比通俗要大，要求有饱满的气息支持和灵活自如的呼吸控制能力，主张胸腹混合式的横隔膜呼吸法。
美声歌唱的格言是“谁懂得呼吸和吐字，谁就懂得歌唱”。
通俗唱法在呼吸上也要求气息的支撑，譬如通俗唱法中的气声，有气息支持的气声就比无气息支持的气声质量高，但程度不同于美声，过多刻意调动你的所谓呼吸肌，过多用力加劲，会失掉通俗的世态特征。
2.在共鸣上美声唱法在歌唱发声时运用“混合共鸣”的方法，即掌握好共鸣腔的混合运用，使各共鸣腔保持一定程度的平衡，才能获得良好效果。
它强调整体歌唱感，整个声区充分发挥共鸣作用，要求声区统一，转换音区不能有痕迹，因此音量大，穿透力强，不必借助麦克风来扩大音响。
通俗唱法由于借助话筒扩音，不需要强大的共鸣(少数劲歌除外)，轻唱为主，更注重自然或半自然的声音特色，下部共鸣较多，多用口腔共鸣，尽力保持自然状态，就像朗诵、说话一样。
根据作品风格、音乐体裁，喉咽腔的开合状态也有不同。
软腭的状态与喉咽的开合有着紧密的关系，只有在喉咽腔打开的情况下，才能要求软腭的状态。
3.在喉位上美声唱法要求喉头下降，保持在吸气时的低部位，喉咙打开，特别要把喉咙底部打开，发音管拉长，稳定喉器。
美声唱法认为呼吸是歌唱的动力，开喉是发声的关键。
而通俗唱法男女声都以真声为主，喉位普遍偏高，喉咙打开不大，一切服从风格的需要。
4.在声音走向上美声唱法声音成管状，竖向运行，即声音从喉室发响后经过喉腔、口咽腔，往上通过鼻咽腔到上部共鸣腔体(鼻窦、额窦、蝶窦)后再送出来。
美声唱法主张声音从后面上去到头顶，再从前面出来，犹如抛物线，像投掷铅球一样，声音可穿透得更远，取得良好的高位置，反对声音直接从口腔唱出。
而通俗唱法发音管短小，声音靠前，亲切自然。
5.在音域上美声唱法由于上下声区贯通，音域展衍最快，一般能达到两个八度，甚至三个八度。
通俗唱法作品音域大多在十至十二度之间。
部分民歌改编曲音域稍宽，某些劲歌或戏剧性作品音域宽广，嗓音条件一般或未经训练的较难胜任。
6.在咬字部位上美声唱法用它的基本原则之一是在“掩盖”的位置上“亮”出来，要求声音圆润柔和，音色偏“暗”，咬字部位稍靠后，母音讲究“圆”，嘴巴呈圆形，因而产生了一种明亮、丰满、松驰、圆润而又具有一种金属色彩的、富于共鸣的音质。
通俗唱法吐字方法与嘴型和民族唱法相似，是永远在“开放”的状态之下充分地唱出来,不包在嘴里就行,也不一定要求声音亮，有时更靠前些，齿音、唇音较重，强调吐字，因而语言清晰，感情亲切。
从生理上说这是由于喉头位置要求不同形成的；从感觉上说，唱美声是垂直(竖)和水平(横)意识的综合,唱流行歌则始终在水平意识中进行，口型永远是“横”的。
）美声唱法与通俗唱法的同美声唱法的二大特点：“点”、“间”、“根”，“点”(集中)、“间”(打开)和“根”(气息)；通俗唱法的支柱只是“点”“根”；美声二大支柱中最“核心”的是“点”，那么流行唱法的技巧基础依然是“点”，也就是声带调节，从这角度上说，美声和通俗唱法是完全一致的，如：迈克尔·杰克逊、爱尔兰女歌手恩雅、芭芭拉、史翠姗的声音和美声唱法比较接近。
美声唱法有两种模式：以真声和边缘振动的声音为主体的唱法和以局部振动的声带为主体的唱法；而通俗唱法正巧也有这两种唱法，40、50年代的爵上乐唱法，几乎大多是用真声和边缘振动的唱法，如：平克劳斯贝、爱迪、威廉姆斯，国内的林忆莲等。
此外，通俗唱法与美声唱法的相似之处还在于要求歌者有良好的乐感和表达能力。
总之,唱通俗歌时声带张力比唱美声小，唱通俗时声道只要不堵塞,不需要有意识去创造一个共鸣空间。
气息支持在唱通俗时，并不需要唱美声那样强的阻抗,因此,从生理机能立场上说,二者除了共鸣要求不同外,并无本质上的矛盾。
民声和美声有什么不一样
[编辑本段]一、美声·定义 起源于17和18世纪意大利的强调自如、纯净、平稳的发声与灵活和准确的声乐技巧的歌剧唱法。
按字义讲，“bel canto”即优美的歌唱,并兼有美丽的歌曲的含义。
它不仅是一种发声方法，还代表着一种演唱风格，一种声乐学派，因之通常又可译作美声唱法、美声学派。
美声歌唱不同于其他歌唱方法的特点之一，是它采用了比其他唱法的喉头位置较低的发声方法，因而产生了一种明亮、丰满、松弛、圆润，而又具有一种金属色彩的、富于共鸣的音质；其次是它注重句法连贯，声音灵活，刚柔兼备，以柔为主的演唱风格。
[编辑本段]二、美声·唱法 美声歌唱的创始人G.卡奇尼在他的《新音乐》的序言中介绍了这种演唱方法。
继而18世纪的P.F.托西、G.曼奇尼，19世纪的F.兰佩蒂、M.加西亚等又著书作了详细阐述。
美声唱法在演唱技术上的特点如下： 呼吸 要求有饱满的气息支持和灵活自如的呼吸控制能力，因此，排斥啜泣时的锁骨部位的呼吸法和胸式呼吸法，主张胸腹混合式的横膈膜呼吸法。
美声歌唱的格言是“谁懂得呼吸和吐字，谁就懂得歌唱”。
正确的呼吸方法是良好发声的基础。
起音 美声学派把轻松、明亮、准确、圆润的起音，看作是正确发声的关键，是调整气息及喉头状态以及集中共鸣的最基本的手段。
起音分软起音和硬起音两种，初学者宜以练软起音为主，跳音练习也是一种很有益的练习，它实际上是一系列的起音，有利于锻炼呼吸支持、喉头的积极配合和集中声音的共鸣。
良好的起音应以最少的消耗取得最大的效果。
在良好起音基础上的演唱，可以使声音有弹性，有持久力，节约声带和体力消耗，延长演唱寿命。
声区 声区的统一是美声歌唱训练中的试金石，美声唱法取得声区统一的主要方法是：强调唱好各声区间的“过渡音”,就是唱上行音阶时,要把前一个声区的最后3个半音,唱得稍带下一个声区的特征（即虚些、假些、暗些）；唱下行音阶时,较高声区的最后下行的3个半音，要唱得稍具有较低声区的特征（即实些、真些、亮些）。
这样逐渐的量变的过渡就可避免由于从这一声区到另一声区的突变而产生的破裂音。
声音的连贯 是气息流畅和喉头稳定、共鸣良好的反映，又是美声歌唱的旋律线条优美动人的主要特点。
破坏声音连贯的原因是多种多样的：起音不准确，滥用滑音；声区不统一，音量忽大忽小，音色忽明忽暗，或出现破裂音；呼吸控制不佳，气息逼紧；母音的共鸣部位的不统一［特别是“窄”母音(ｉ，ｅ)和“宽”母音(ａ,ｏ,ｕ)之间的不统一］等，都影响声音的连贯。
声音的连贯首先是母音间的连贯。
用发子音的部位来唱母音(特别是在高声区)是造成声音不连贯、不统一或“白声”的原因之一。
音量 美声学派注重追求圆润、明亮、优美而抒情的音质，它的格言是“追求音质，音量自然会来”。
它十分重视在一个单音上渐强渐弱的控制能力的训练，这不仅是训练呼吸控制和音量变化的能力，而且还可使声音松弛富有弹性，音色有多样变化，以丰富艺术表现力和促使声区的统一。
声音的渐强渐弱主要是依靠气息来控制，也就是要用呼吸而不是用喉部肌肉来调整音量变化。
用有气息支持的轻声来唱高音也是获得“头声”的良好途径之一。
灵活性 用快速的音阶、琶音、跳音或装饰音练习，或用花腔的华采段来训练歌唱者声音的弹性和灵活性，是美声学派教学中的一个重要内容，它可以促进声音松弛而富青春活力，有利于延长演唱寿命。
音质 明亮、丰富、圆润而又具有金属色彩、富于共鸣的特殊音质，是美声歌唱的特征之一。
人们往往从音质上来检验学派的正统性。
良好的音质是良好的声带闭合、适度的气息冲击、适度的喉的低位置、适度的软腭提起，喉部及咽部肌肉积极但又不僵硬、不紧张的配合,正确的舌位,松弛的下巴和口型，自然而美好的歌唱心理状态等因素的综合的协调一致的产物。
理想的音质是既明亮又圆润，既结实又松弛，即所谓“又明又暗”。
微颤 歌唱中正常的微颤应是每秒钟6～7次，过快或过慢都会破坏声音的连贯或造成不悦耳的音质。
过慢的微颤又称声音“摇晃”，是喉头压得过低，过分追求声音的“深度”或洪大音量所致；过快的微颤又称声音“碎抖”（亦称“羊声”），是下颌肌肉紧张和过于追求明亮或甚至“白声”所致。
歌唱中微颤的快慢又与歌曲内容及情绪有关，激动时快些，宁静时慢些、平稳些，它又是一种强有力的艺术表现手段。
4个世纪以来,美声歌唱的演唱风格、演唱技巧随着时代、作品的发展而发展，至今仍盛行不衰。
为什么格林卡被称为“俄罗斯音乐之父”
格林卡（1804—1857），俄罗斯作曲家，俄罗斯古典音乐的奠基者。
1804年6月1日诞生于一个贵族家庭。
他幼年就表现出对音乐的喜爱，从庄园的乐队中熟悉了许多俄罗斯民间音乐和外国作曲家的作品。
13岁时到彼得堡一所学校读书，课余不断从事音乐研究，学钢琴，学唱歌，研究音乐理论，并尝试创作。
毕业后，在铁路局工作，同时仍积极参加业余音乐活动。
他与普希金等文艺界人士的交往活动，大大地促进了他的创作发展。
为了发展俄罗斯音乐和研究意大利、德国和西班牙音乐，曾先后出国游历达四五次之多。
他悉心研究意大利歌剧和美声唱法，于1836年写成的第一部歌剧《伊凡?苏萨宁》，就是根据俄罗斯的题材，用俄罗斯的音乐写出的民族风格歌剧。
该剧描写的是一个普通的农民为国捐躯的史实，受到广大群众称赞。
与此同时，他又着手写作了第二部歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》，这两部不同题材的歌剧，开辟了俄罗斯歌剧的发展道路。
他深受本国人民爱国思想的影响，创立了俄罗斯民族乐派。
他的作品反映了人民的生活和人民英雄的性格，以及人民对祖国的无限忠诚和热爱。
他有句伟大的格言：“创作音乐的是人民，而我们艺术家只是把它编一下而已。
”他不仅是一个伟大的作曲家、一个出色的钢琴演奏家，而且还是一个优秀的歌唱家和声乐教师，也是俄罗斯声乐学派的创始人之一。
他的作品除两部歌剧外，还有一首奠定了俄罗斯交响音乐风格的幻想曲《卡玛林斯卡亚》，一首幻想圆舞曲，两首西班牙序曲，几十首钢琴曲和80余首抒情独唱曲等。
格林卡于1857年2月3日病逝于柏林。
他是伟大的作曲家，他和俄罗斯人民有着亲密的感情。
由于他对俄国民族音乐的发展做出了杰出的贡献，成为俄罗斯古典音乐伟大的奠基者，因而被誉为“俄罗斯音乐之父”。
