国画是坐着还是站着画
1、国画最好是站着因为国画画要有劲才行，坐着话，就会画的感觉软绵绵的，而且国画讲究的是一气呵成，不能慢吞吞的，那样就不连贯了；2、用生宣用熟宣取决于画的什么东西，一般来说，写意用生宣，工笔用熟宣；3、公认的练基本功最有效方法是练习书法，因为古人讲书画同源，所以毛笔字也是很重要的。
差不多就这些了，祝你成功喽，O(∩_∩)O~
画国画的步骤是什么
学习中国画的方法步骤 从临摹入手 传统国画，经过长历史的熔治，形成了特有的表现程式。
它是古往今来无数画家师法造化，并以自我的审美理想意趣加以熔铸而成的。
这为中国民族所特有，因而具有鲜明强烈的民族色彩。
所谓程式，就是经过提炼概括而形成的一种表现样式。
如线描中的高古游丝描、钉头鼠尾描、铁线描等，是最初为了表现不同质地的衣着，经过画家长期的潜心体察、琢磨，或从表现其他对象获得启发借鉴而形成的一些表现手段，是以客观对象为依据的主观创造。
其本身已具审美价值，不因时空关系而独立存在。
它便于人们应用这些程式进行艺术的再创造。
由于人有性格、趣味、修养的差别，应用时便出现千差万别，不尽相同。
又有人不满足现成的程式，并加以变化创造，于是又出现各种新的表现程式。
如能经得起历史的考验并为人们所确认，那么老的程式被取而代之，成为历史的陈迹（如人物十八描中不少描法，现时已不适宜移用），而新的程式又将为以后的人们接受或改变创造。
因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此不断地交替向前发展着。
符合人的审美观点、审美标准变化发展的客观规律。
我们讲绘画有程式的表现，即表现某个画材，应当这样画而不应当那样画，这是前人为我们提供宝贵的作画经验，也是艺术的结晶，为我们学习绘画带来借鉴之便。
有借鉴与无借鉴的艺术品，就有高雅粗俗的区别。
所以，学习掌握传统绘画的表现程式，就成为入中国画之门的“敲门砖”了。
对于一个献身于国画事业的初学者来说，有效的捷径当推“临摹入手”。
选择临摹范本，有条件能直接对照真迹揣摩临写最为理想，但没有条件的用复制品或印刷品也是可以的。
要选择艺术水平较高，有临摹价值的古今作品，用以学习掌握传统笔墨技巧，体察古人今人的用心。
但对待临摹不能抱实用主义态度，一般从临摹到掌握及至应用，都有一定的距离，不可能有现成的拿来套用。
任何表现技法都与其内容相适应，将描写彼时彼景的某种技法取来描绘此时此景，用适合表现古代衣着的线描来描绘现代人衣着，就会显得不协调，产生学习与应用的矛盾是必然的。
那末何以要临摹古代大师的作品
一是为了体会进而掌握传统的线描程式美；二是学习古人高度概括的艺术手法，借以启发指导自己的艺术实践；三是为了培养热爱祖国丰富、优秀艺术遗产的思想感情。
面对一件临摹范本，首先进行读画。
分析一下范本的技法特点，是属于苍劲刚健一路还是圆润浑厚一路，找出其笔墨有哪些规律，进而研究临本的布局以及程式因素，做到心中有数，闭目如在眼前。
临画时，不可看一眼画一笔，因水墨写意画笔势连贯，虽笔断而气连，拘泥每笔皆与临本吻合，必定斤斤以形似，而忽视领略临本作者如何冶心情流动与笔墨生发寄兴对象于一炉的精神所在。
我们可以照临不误以至达到乱真的地步，但这不是我们临摹学习的目的，通过临摹掌握一定的笔墨技法，仅仅依靠临得象是解决不了的。
关键在于入我化境，变成自己的东西。
古人的治学精神是值得今人学习的，每见一佳作，若不能面临就靠默记，并一一加以追摹，直至感到有所得而方休。
只有反复细心琢磨，不如我自为我，才能从临摹中收到应有的效果。
由于中国古代人物画自元代已趋向衰落，所存画迹能供我们现时临摹学习的实在太少，现代的水墨人物画技法，需要从山水、花鸟画技法中借鉴。
业余学画者，选择临本的画，不妨宽点为好，临摹基础打得越坚实越好，便于把握笔墨这一关。
白描人物与工笔设色人物，素来为写意人物入门必修基础课，不容忽视，必须安排一定数量的临摹作业。
只要有可能，多涉足博物馆、各类展览会，通过反复的分析比较，把自己摆进去，从中悟出学画道理来，明白自己应该学和不应该学的东西。
在学习吸收期间，不可以个人的好恶来看待一切艺术品，力求从每件艺术品里得到启发，学到点东西。
认真解决造型关 要学好人物画，临摹只是学习过程中一个重要，如何解决人物造型问题才是学习道路上最难攻取的一关。
我们主张现实主义艺术创作方法，就需要有坚实的造型基础，奠定一定的写实基础是必要的。
讲写实，决不能曲解为见白画白，见黑画黑，不要任何艺术处理的自然主义。
中国绘画是始终沿着现实主义道路发展的，文人画兴起，增加了表现主义万分，但仍不失为现实主义作为发展的基础。
传统绘画主张用夸张变形的手法来加强艺术的感染力，而非不着边际以变形夸张为目的，因而能为中国人民所乐意接受。
不过，在造型上过早追求夸张变形，因学养不深而带在片面性，欲攀艺术高峰恐有内功不足之虞
为此，在毕生的艺术生涯中，最初用上短暂的数年时间，屏弃好高骛远，急功求利杂念，而扎扎实实打好厚实基础，以便建起自己艺术的金字塔。
怎样提高人物造型能力
笔者的体会是，需要有个严格造型基础训练过程。
就是通常所讲的要学点素描。
对于学习中国画人物画要不要学素描，数年前在美术教育界曾有过争论。
但莫衷一是。
不主张学者认为“先入为主”不利于掌握民族传统；主张学者认为西洋素描训练方法系统科学，便于较快提高造型能力。
两种观点孰是孰非，姑且不去论定。
但笔者以为，学习效果好坏，方法固然重要，但更主要取决于自己的理解吸收能力，学习态度以及反映能力等主观因素。
尽管学点西洋素描可能给学国画带来某种消极不利影响，然而却可以学到科学的观察方法，解剖透视知识，以及正确把握形体的方法。
本着这些去学素描，就有了明确的目的性。
素描是指单色的绘画，可以用不同的工具不同的表现方法。
现在，普通采用以线描为主，适当借助明暗体面，侧重分析研究形体结构的素描方法，作为学习国画人物的造型基础训练，这是比较能结合专业行之有效的训练方法。
同明暗体面法塑造对象相比较，用线概括造型的难度要大得多。
笔者认为先学一阶段的明暗体面素描，掌握一定的体面塑造技能，并对此有所理解而后再逐渐过渡到用线造型，有助于将来更成熟地吸收旁系艺术营养，思路广阔，视野远大。
与此同时，经常不断地进行速写锻炼，对于学国画人物显得特别重要。
勤画速写，不仅能培养敏锐的观察能力，且能提高用线的艺术概括能力。
速写还对灵感与感受的生发，及至主观感情的表露，增加甚多的锻炼机会。
在美术界可以发现，一个速写能力强者，其造型能力必定不是弱者。
目前一些美术工作者，经常借助照相机收集创作素材，此举当然不容非议，但是，对于一个造型能力尚且薄弱之学画者，也仿照这么做，他就得不到速写所带来的良益，又如何能较快有效地提高自己的造型能力呢
愿初学者从严要求，养成随时随地勤画速写的良好习惯。
无论是画素描还是画速写，长时期面对模特儿写生，如果说有什么不利的话，莫过于作画的信赖性，画一件平常熟悉的东西，也非得对景写生不可，不相信记忆中的形象。
根据写意画的特点，要求首先必须对被描绘对象的深入观察理解，牢记其组织结构，下笔方能一气呵成，画家的思想感悟，笔墨技巧才得以充分顺畅地发挥出来。
如果只能面对正襟危坐的模特儿写生，注意力势必被一些表现现象所困扰、分散。
从而影响技巧的施展。
对此，我们历来提倡默写锻炼，以提高形象记忆能力。
速写时遇到动作频繁变化是不允许看一点画一笔的，必须凭记忆画下去，对一瞬即过的形象或动作，也只有通过刻苦默记锻炼，才能逐渐捕捉下来。
一次默写不正确，复又观察对照，如此往返多次印象深刻，掌握形象的结构，透视及动态规律，就更加有把握，因而创作中遇到的困难更少一些。
最终才能达到徒手作写意画的目标（即不用起稿，象画写意花鸟画那样信笔拈来）。
学习的效果，进步的快慢，往往取决学习的方法和学习所走的道路。
讲默写重要，就一个劲地专在默写上，记忆力是加强了，但不知久而久之，画出来的形象极有可能犯类同干瘪、不深刻的弊病。
因此要同样重视现场写生作深入刻画的练习。
确实有些创作能力强而又造型本领不错的青年，但不会画写生，或者能画小幅不能画大幅，显示自己的技巧容量不大。
论学画，当然不可以此为满足而影响将来更上一层楼。
总之，我们努力达到的目标是明确的：造型生动准确，既要具有较强的写生能力，又有默记并能自由造型的本领，以此调整安排好学习进程，高标准要求自己，去处理好慢写与速写、写生与默写的关系。
关于用笔用墨 用笔 学习国画，首先要学用笔。
我们在比较中西绘画用线的本质区别之后，已加深了国画用笔的理解，有助于探讨古代和现代中国绘画用笔方法。
“书画同源”说，为我们提供了有益的启示，从学习书法用笔的起承开合、气势脉络、收放转折、有藏有露、一波三磔等悟出绘画用笔要领。
如一幅画的用笔锋芒全露，直来直去，便不符用笔美感要求；下笔处处皆收笔、笔笔都藏锋、犹同蚯蚓布满画面就毫无趣味可言。
所谓收放、藏露……表明用笔亦须符合事物对立统一的客观发展规律。
笔毫在纸面上运行，能轻能重，能粗能细，可竖可卧，可正可侧，可顺可逆……变化无常，而展现的笔迹名册千姿百态，变幻莫测。
但万变不离其宗，不能离开“骨法用笔”这一条，亦即是区别非中国画用笔（线）的本质不同点。
概括地说，国画用线造型须按特定的审美要求，依循用笔本身的规矩方圆，运笔须有法度，我们称之为“笔法”。
但“笔法”的格趣，有高雅甜俗之分。
就雅避俗是历来论画与习画者所关注的艺术发展的方向道路问题。
当今学习国画如何提高自己的眼力，识别什么样的笔法值得效法，是至关重要的。
因为它关系到画画的笔路能否正确的问题。
笔路不正，一旦养成习惯，如同入了“俗窟”便很难自拔了。
为练就一手好笔法，从初学开始，应认真注意落笔起手如何顿挫，运行中如何保持用力均匀坚挺，转折处如何转锋不露而呈曲铁状，起锋收笔怎样控制。
这些用笔起码要求，应时刻不可疏略地贯穿到临摹、写生中去，严格有意识地进行用笔练习。
最初运笔不妨慢些，注意心觉气舒，不急不躁，同时要保持正确的执笔姿势，坐要正，站要挺，肩、肘、腕、指各关节都要放松，使力能顺畅地传递到笔端。
运笔行进中，还要随时辅以局部关节的转动，使笔法生动而有变化。
如若某一关节紧张，就会分散部分力度。
常见初学者不是腕僵，就是臂僵，误以为在用力，结果适得其反，笔死力浮，不得运笔要领。
凡事起头难，严格用笔方法，久而久之，便成为下意识的举动，出笔不论快慢，是点是线或是块面都能达到用笔技巧美要求。
各种运笔方法各有不同的趣味，选择和发现适合自己脾胃的笔法，常常是构成自己画风的一大重要因素。
如运笔潇洒活泼、顿挫挑剔强烈，与运笔沉着缓慢敦厚，二者的绘画风格有显著区别；用侧锋笔或逆锋笔画画，其趣味亦大为不同。
但这并不意味着一幅画只能允许一种笔法，用圆笔、中锋笔就不能兼用侧锋笔。
事实上，仅用一种笔法作画反而音调少变化。
大凡合乎对比变化和谐统一的形式法则，用笔是正，是逆，是拖，是侧，都不应受到框框的束缚。
兹举以下几种笔法，请比较一下各自所具的格趣：（1）中锋笔—笔锋在上居中，笔根先行，有浑厚刚韧劲挺趣味；（2）侧锋笔—笔锋在左、笔根在右，笔杆向右倾运行，反之亦然；或笔锋在上笔根在下、自左至右或自右至左运行，有松动、秀逸的味道；（3）逆锋笔—笔锋在前笔杆向后倾斜，朝笔锋方向运行，有苍茫古朴老辣之意；（4）顺锋—笔杆横卧，顺笔杆方向横抹或顺拖，有洒脆活泼利落的感觉。
此外，运笔的轻重徐疾，能为各种笔法增加更多的感情色彩。
如有的画家作画窸窣有声，放纵狂逸，其笔调似有感情奔放之态；有的则心静气觉，运笔徐徐，不急不躁，笔不妄下，笔调又有一番质朴无华、精神内敛之意。
由于发现用笔能直接关系到客观对象的再加工和物我交融的主观情思的抒发，以及本身所具有的美学价值，在中国画里，对用笔的重视与研究之深，是古今世界一切绘画中绝无仅有的。
前人经验告诉我们，用笔熟练才能挥洒自若，得心应手。
但过熟便偏向油滑，易流入华而不实。
比如原来用中锋笔，一经熟练，势必偏向快速，运笔速度一快，笔锋接触纸面，在单位面积内时间少，所承接的压力也就少了，笔力难以入木三分，线条因凝不住而显得流动光滑。
这般滑溜的线条，给人有轻浮单薄的感觉，不合国画用笔的审美要求。
避免用笔纯熟之后，容易产生的弊病，一般总是考虑适当地从习惯用笔的对立面方向，加以调节补充。
如行笔太快，线条油腻，则应予收敛，行笔迟缓些，以增加线的质朴感。
画论还告诫我们，用笔熟练不是目的，还须“熟后生”。
生者，用现代观点看，就是要变革，不能满足老一套。
但一味求“生”，亦可能走向反面，为生而“生”，不免有股做作气，缺少真切，自然的美感
用笔因人而异，每人都有他特有的笔法。
其间，有可能成为与众不同的艺术风格的有机组成部分，也有可能成为一种坏习气。
追究习气产生的原因，在于缺乏较高的文化艺术修养，阅历见识不广博，没有一定的艺术鉴赏力。
在学习前人的笔法中，追求表面的象似，不分对象，不按需要，生搬硬套，时间一久且不能好自为非，必然积习难除。
作画时，每每下笔都流露出习惯的那一套，就该引起警惕，努力加以突破。
所以，对笔法技巧能否区分什么是习气，将会直接影响画格的雅俗。
用墨用墨不得法，浓淡变化不当，非平即花。
用墨有方，浓淡变化得体，则墨色活泼精神，有光彩，妙趣横生。
前人论画谓“气韵生动”，常以用墨佳劣为主要衡量标准不是没有道理的。
当然，一幅画是否达到“气韵生动”，还包括画体的内在精神刻画，作者情感的传递，以及用笔能否恰如其分地再现主客体的谐调一致。
所有这些最终还是要靠墨色的变幻来体现的。
中国画借用墨来描绘对象，是率先掌握人类心理活动特点的结果。
它无须照搬映入我们眼帘的红红绿绿的外部世界，而是通过墨色的变化和线条的刻画，唤起人们对以往经验的记忆。
古往今来的画家们，对用墨问题无不加以精心的研究，极为精辟地总结“墨分五色”作为墨问题无不加以精心的研究，极为精辟地总结“墨分五色”作为用墨指导原则。
当一幅画具备浓淡枯湿焦等墨色变化并达到和谐统一时，用墨上才被看作完美的。
所谓“墨韵”就在其间了。
我们理解“墨分五色”，并非让墨色变化在画面上均匀地出现。
必须保证某一墨色在画面的优势。
例如以湿墨为主，间以适当的干枯墨便显得统一有生气。
用墨与用笔一样，千变万化无定法，关键是要掌握墨色的对比关系。
用墨有浓无淡，或有淡无浓，无以对比，墨色便平；有湿墨而无枯墨则墨色不活……掌握对比的分寸，要避免半斤对五两势均力敌的对比。
怎样把握住对比因素的主与次，并由此产生的整体效果与节奏韵律感，不仅是初学者也是画家需要经常不断地加以学习和探讨的问题。
绘画的各种艺术效果，不是单由掌握要领就能轻易获得的。
熟能生巧，大量的实践才得以熟，生巧才有基础。
古人有“惜墨如金”之喻，意即用墨须有分寸，不可滥用。
要恰到好处，唯有过硬熟练技巧，方能做到这一点。
有的老画家，在一幅画完成后，水盂中的水仍然是清的。
初学水墨画，在生纸上作画最不易掌握水分，用笔蘸墨后先在废纸上披试一下是必要的。
但这样作画，终究有种畏惧心理，生怕控制不了水分而缩手缩脚。
对于一个水墨画家，最忌匠气用墨，浓是浓，淡是淡，界限分明，变化生硬而少自然天趣。
一条说来简单做则不易的经验是：要善于随机应变，将湿就湿，将干就干。
当笔豪饱和墨汁，落笔时不必担心墨汁渗透如何，径自画下去直至干枯，自有变化自然之妙。
设计一幅画的墨色分布，须注意统调优势，如大面积墨块对小面积墨块，大湿墨调对小干墨调，其余类推。
一笔见浓淡的笔法，宜用在构图简洁，着笔不多的画体，否则显现不出每一笔所具有变化丰富的艺术趣味。
读者可参看图例中几种用墨的不同效果，结合实践，注意不断积累自己用墨经验。
国画白描 帮忙写一篇小结谢谢了
下面的答案都是百度的哦，我根据自己多年的绘画经验发表一下自己的看法，因为我现在创立的别漾品牌手绘包就是也中国风为特色的，也算有点发言权：白描就是单纯用线条来表现的艺术手法，线条的粗细、长短、取值、轻重缓急都有它所表达的特殊意义。
需要注意的是白描注重一气呵成，专业语言就是注重风神气韵，记得我当时练习的时候都是需要撇气的，必须要一气呵成。
白描给人最大的感觉也就是特点就是朴素简洁、概括明确。
简单的线条也要能看出画面的层次 ，练习的时候别强调书法用笔，书法同源就是这个意思，如果您练习过书法，就比较容易找到感觉。
都是自己的一些感受希望对您有用。
练练这个对于性格急躁的也能修身养性的哦。
画水彩若不用留白胶.又要求连贯的色彩尽量不留空.怎么做到呢.
水粉画静物写生的着色步骤水粉画易于修改，初学者往往思想松懈，缺乏严格的方法步骤。
应当每一步都不马虎潦草。
有了严格的训练，才能进步得快，否则欲速则不达。
（1）起稿开始象画素描一样，先用铅笔定位置和比例，不必用橡皮，以免损坏纸面，影响着色效果。
接着用颜色定稿，根据静物的色调，用赭褐或群青色定稿皆可。
色线可略重一点，并可用定稿之色薄薄地略示明暗，为下一步的着色作铺垫。
造型能力强一些的，也可直接用色线起稿，不示明暗，直接着色。
（2）铺大色调定稿之后，迅速地观察一下整体色调和大色块关系，做到胸有成竹，尽快地薄涂。
此刻不要考虑形体与笔触，根据新鲜的色彩印象大胆挥洒，造成画面的色彩环境。
有的人在完成上一遍色后，就急于具体刻划。
应进一步调整大色块的关系，使色彩之间的关系和总的色调，与实际感觉相吻合。
（3）具体塑造在大关系比较正确的基础上，进一步进行具体塑造，从画面主体物着手，逐个完成。
集中画一件物体干湿变化易于掌握，也易于塑造其受光与背光不同面的色彩变化。
此时眼睛要随时环扫周围，从局部入手但不能陷入局部，顾此失彼。
要看该物体与背景和春他物体的关系，掌握分寸，细节可留下一步刻划。
这一遍色用色要适当加厚，底色的正确部分可以保留，增加画面的色彩层次。
（4）细节刻划对琐碎多余的细节固然可省略，但对表现物象特征与质感的重要细节应加强刻划，画龙点睛。
细节要综合到整体之中。
最后的笔触最为重要，它将不被覆盖而显露给欣赏者。
（5）调整、完成画室外一幅静物写生，作为基本练习一般以八小时为宜，力求深刻准确。
熟练之后三、四个小时也可以表现得比较充分。
作画时间较长，眼睛容易疲劳，色感容易减弱，具体刻划又容易忘记整体。
在写生接近完成的时候，恢复一下第一印象，检查一下画面：在深入刻划时是否有些地方破坏了整体，局部和细节的色彩有没有“跳出”画面，还有没有其他毛病。
检查后，调整、修改、加工。
错误之处，如画得太厚，要洗掉再画，直至完成。
水粉画中干和湿的技法应控制到什么程度?有哪些应用范围?水粉画运用的干湿技法，主要指调色时含水和白粉量的多少。
干画法：就是说水少粉多的意思，这种画法多采用挤干笔头所含水分，调色时不加水或少加水，使颜料成一种膏糊状，先深后浅，从大面到细部，一遍遍地覆盖和深入，越画越充分，并随着由深到浅的进展，不断调入更多的白粉来提亮画面。
干画法运笔比较涩滞，而且呈枯干状，但比较具体和结实，便于表现肯定而明确的形体与色彩，如物体凹凸分明处，画中主体物的亮部及精彩的细节刻画。
这种画法非常注重落笔，力求观察准确，下笔肯定，每一笔下去都代表一定的形体与色彩关系。
干画法也有它的缺点，画面过多的采用此法，加上运用技巧不当，会造成画面干枯和呆板。
但干画法的色彩干后变化小，对于练习色彩收效较大，也容易掌握。
(附图) 干画法 湿画法：此法与干画法相反，用水多，用粉少。
它吸收了水彩画及国画泼墨的技法，也最能发挥水粉画运用“水”的好处，用水分稀释颜料渲染而成。
湿画法也可以利用纸和颜色的透明来求得像水彩那样的明快与清爽。
但它所采用的湿技法比画水彩要求更高，由于水粉颜料颗粒粗，就要求湿画时必须看准画面，湿画部位一次渲染成功，过多的涂抹或多遍涂抹必然造成画面灰而腻。
但这种画法运笔流畅自如，效果滋润柔和，特别适于画结构松散的物体和虚淡的背景以及物体含糊不清的暗面。
如发挥得当，它能表现出一种浑然一体和痛快淋漓的生动韵味。
它的色彩借助水的流动与相互渗透，有时会出现意想不到的效果。
为制造这种湿效果，不但颜料要加水稀释，画纸也要根据局部和整体的需要用水打湿，以此保证湿的时间和色彩衔接自然。
有关湿画法的控制及实际操作运用，上述画法步骤中已讲得很多，不再一一细述。
水粉画干湿画法的特点以及应用范围，基本上如前所述。
要特别说明的是：干画法与湿画法的分界是以画笔含水量的多少来决定，一般人认为用粉及用色多了，画得厚了，就是干画法，这不准确，因为必须是粉多、色多、水少才成为干画法。
也有人认为粉少、画得薄就是湿画法，这也不确切，只有稀释颜料用水多的情况下才能成为湿画法。
因此，可以说有粉多的干画法，也有粉少的干画法。
与此相反，湿画法也有粉多湿画法和粉少的湿画法。
但不管干也好，湿也罢，仍然以粉使用之得当为佳，这样才不失水粉画的特点。
干画法和湿画法，二者在作画时应交叉运用，只是根据画面实际需要，有的湿画法运用多一些，有的干画法运用多一些。
如果一幅画用水过多，全部采用湿画法来处理画面，就容易造成失控，使物体松散，并失去色彩光泽。
同样，全部采用干画法，靠堆积的颜色和白粉不断加厚画面，就会出现死板、干裂和颜色脱落的情况，画面也难以长期保存。
总之，干、湿画法只有根据作画步骤，由湿到干、由薄到厚的顺序合理运，才能发挥干、湿技巧的最佳效果。
这是一般的作画过程所遵守的原则，真正运用还要在实践中根据画面要求灵活掌握。
水粉静物画技法第一步：这种平摆浮搁的构图给人的感觉很自然，也是一种构图形式。
单色起底。
用色要注意，造型要准确。
第二步：这是一幅紫颜色的画面，紫色不易反复画．第一遍的颜色要争取画准确，使下一步能有一个好的基础。
黄与紫是强对比色，通过玻璃盘的灰紫色；把两种对比较强的颜色连接起来，把粉紫色衬布上的梨和桔子的暗部色画得偏桔偏暖、形成对比，很有颜色感、瓷瓶和瓷碗的反射能力较强，在背光的暖颜色加了紫色的成分，使整体颜色处在变化统一的色彩气氛中，很响亮鲜明。
第三步：用干画法表现塑造桃子的质感。
用小笔调一下的黄绿色，画出桃子的微妙变化；如背光、反光、倒影、桃子之间的缝隙。
而粉紫衬布上的黄梨颜色调得很饱和，水分适当．如浅黄加白至中黄过渡到桔加绿，在颜色湿的时候进行衔接，笔触含蓄，表现出梨的光泽质感和韵味。
花瓶受光部分的花纹可画虚些，偏蓝紫味．而转折部画的实些，背光带绿味。
这一步要注意画面的虚实、强弱、冷暖变化。
第四步：这一步是收口工作，要求准而精、一定要整体观察．影响整体关系的地方要毫不犹豫改掉，如花瓶背光的调整，调普蓝加熟褐画出背光里的花纹变化，边缘处调点紫色，明度与后边的衬布接近，使之边缘线含到背光里面，空间感比原来要好多了。
桃子之间的关系有些过实，缝隙过重可带点暖色减弱些。
玻璃酒杯的边缘用小笔细心画出细线，提出质感、粉衬布靠里边一些地方加了些冷灰色。
白碗里的梨边缘也带了几笔。
前后形成色彩的透视变化和画面的整体协调感。
使画面更完整。
第五步：调整画面，细部的地方，大体的画面要处理好，杂乱的东西要除去。
水粉画技法艺术表现的方法无论从历史的发展还是从每个艺术家成长的过程进行分析，都要经历一个从无到有又从有到无的演变过程。
无法乃至法，对于技巧娴熟，造诣高深的艺术家来说，草草数笔似漫不经心地随意涂抹，然笔笔皆合法度，妙趣横生。
有欣赏能力的人不难看出，这种漫不经心与不负责任的胡涂乱抹有着本质的区别。
欲无法，必先有法，最大的表现自由产生于严格的基础训练之中。
一张水粉画无论其形式结构多么复杂，其色彩变幻多么使人眼花缭乱，只要我们认真分析，大都可以找到运用技法的踪迹。
研究为了应用，下面我们从构成画面的基本形式要素入手，进一步探求相应的表现技法。
1.平涂在大面积的底子上均匀地涂布颜色是绘制宣传画、装饰画时经常遇到的课题，在写生中，也是必须掌握的一种基本技法。
平涂看来似乎简单，做起来并不容易。
那么怎样才能把颜色涂得匀呢
第一要把颜色一次调足，第二要稀稠合适，第三要尽量使用大些的笔（涂大面积可使用板刷）有秩序地涂抹，用力要均匀，使笔笔衔接不留痕迹。
如将画板侧立保持一定倾斜，使颜料微微流动，则更有利使笔触融合。
2.渐变由一种颜色向另一种颜色缓慢的过渡推移称之谓渐变。
自然界中的许多色彩，如天空的霞色、水果的表皮、球体的明暗等，都有明显的渐变特征。
绘画中的渐变，可分为明度渐变、色相渐变、纯度渐变及包含多种因素的复合渐变。
表现渐变的方法很多，例如：①将纸面涂水打湿，趁湿依次涂以不同的颜料，借助水分的流动使各种颜色互相渗化，形成自然过渡。
②在已平涂好的色底上，趁湿用蘸有另一种颜色的画笔从一个边缘开始与底色相混合，并逐步向对面方向移动，直到混合均匀。
③用板刷（或画笔）笔锋的两端分别蘸取不同的颜色，一笔下去，两色交融，变化自然。
此种方法常用于表现花瓣、水果上颜色过渡。
④阶梯式渐变：在调色板上调好两色之间的一系列过渡色阶，按顺序依次排列笔触，形成渐变系列过渡。
所谓干画法的多层着色，大体上属于这种方法。
⑤空间混合式渐变：两种颜色通过点状或线状的交互排列，通过疏密多寡的变化利用空间混合的视觉原则，造成渐变的效果。
点彩画法及喷绘中的混色法，大都属于此种类型。
3.叠色在第一遍颜色干后叠加第二遍、第三遍色，是水粉画中常用的方法，叠色方法有两种情况：使用浓厚的颜料将某一部分底色覆盖或以稀的半透明色层罩染，各有不同的效果。
但无论采取哪一种方法，实际操作时都要动作敏捷，下笔力求准确，以避免将底色搅起，使用丙烯颜料就不存在这种问题。
严格说来，颜料的透明性是相对的，当然这与所用颜料的性质有关、与涂色的厚薄及浓度也有关系。
素描小技巧素描是一切绘画的基础，其训练绘画者对线条的描绘、物件轮廓的掌握及光线的协调和变化，以视觉所及的范畴用笔来诠释、表现物品的立体感、远近感。
素描不仅是表现物件的真实感而且也要加入笔触强调其所表现的艺术感～总之，师傅引进门，修行在个人。
只要不断的练习并体会光线的变化、加入适当的笔触技巧才能画出一幅好的素描。
素描学的好，其他的绘画技巧以此类推，原理相同；并运用到各式各样的画才都一样能画出好作品。
水彩小技巧重点：掌握水与颜料的浓度比例及变化是画好水彩画得不二法门。
1.防止彩盘乾裂：加Gum Arabic(阿拉伯胶)或蜜或Glycerine(甘油)2.加快水彩乾：加酒精，例如Gin(杜松子酒)3.缓乾：加Ox-Gall(牛胆汁)或Flow-Medium(注流液)4.水中加阿拉伯胶；颜料不易流动、易混色。
5.加肥皂或浆糊增加不透明性。
6.渲开法：将颜料刷在看似乾而未乾的区域。
7.亮面处理：1.用打字，用擦子擦(强化细节部分)2.湿布擦拭(ex棉布)有柔和的亮面效果ex阳光的锋芒3.以小刀剔除颜色->刮擦法8.留白处理：1.使用留白胶2.将报纸铺在欲留白处.....9.保养笔刷：泡於肥皂水粉彩小技巧粉彩：顾名思义即是运用有颜色的粉末来进行绘画，其最大特色即是容易混色。
ㄅ.先上一层较浅的颜色在叠上较深的颜色可以得到很好的混色效果。
ㄆ.可以在混色完的的画层尚在加上笔触这样会使画面更生动。
ㄇ.亦可用油性的溶剂或水来制造渲染效果。
ㄈ.如和其他画材如水彩，可以制造出层次的感觉。
关于画画的作文
画画比赛 今天下午两点半，由于上次报了名，所以今天要去参加画画比赛。
这次比赛，是先到一个地方集中把画在风筝上，然后放飞画好的风筝，最后上交。
我由于这次比赛是关于奥运的，所以我这次要画的是一个奥运福娃——妮妮。
到了那里后，我很快就碰到了一个同学，然后，我们又很快找到了其他的两个同学，她们也正在找我们呐。
过了一会儿，我们就开始画了。
我在心中暗想：还好，前面爸草图“赶制”了出来，不然现在我一定不知道从何下手呢，我正开起笔，可又被一个问题给难住了，我不知道要从哪一面开始画，正面嘛比较，难画，但放飞的时候比较好看；背面嘛，虽然比较好画，但放飞的时候不好看。
终于，我决定从正面画，虽然比较难画，但是放飞的时候很好看，不会像从背面画那样反过来。
我迅速把草稿——妮妮放在风筝下面，用油性勾线笔“描”了起来，可还没两下我就发现：我的勾线笔描得越来越淡，越来越不明，就像没笔水了一样，颜色都快变成灰色了。
于是，我赶紧向别人借了一把勾线笔来，这把勾线笔可比我那把“强”百倍了，就像一个是年轻人，而另一个则是个年迈的老人一样，我很快就爸一边描好了，可这时，一个又难关“跳”了出来——两面隔了个放线的地方，很是不好画……过了一会儿，我就想出了应对的法子来了，我一只手抓起那个放线的地方，一只手则在那里描两边有衔接的地方。
很快，我就描好了，立即开始上色，由于我画的草稿上图色图得有几个地方不清楚，一个同学的弟弟见了就把他的帽子拿了出来（因为他的帽子上有福娃妮妮的图象），让我看着上面上色……很快，我就把大部分上好了色，只有几个地方我没有颜料上色（我只带了4种颜料），当我问我旁边的一个同学时，她马上就应允了，还为我提供了放颜料的地方。
什么是东巴
美术是艺术的种类之一,它和人类社会有着密切的关系,美术创造是人类文明发展的重要而鲜明的标志之一。
美术是对生活的一种反映，是思想与艺术的结合。
美术就是美丽与艺术的结合.
