描写工艺品的句子
描写工艺品的句子1、艺术是花，美丽处处可见，艺术是雪，洁白纯洁让人永生难忘，艺术是海，其中藏着无数珍宝，艺术是灯，为我们照亮前进的路，艺术是一块磁石，将人吸引，艺术是歌，让人沉醉。
2、看着身边的艺术画，我真想变成一朵花，假如我是一朵花，我会让风把我香味送到世界各地，让许多动物闻到香味，我会让雨把我浇的水灵灵的，让我时刻散发香味。
3、语言真是一门学问，如果我们会用欣赏的眼光去看待别人，自然会发现别人身上的闪光点，用智慧的美言与别人交谈，那我们的人际关系不就会更加和谐，更加美好了吗
今天我也“喝”到了一点“美言果汁”了，你“喝”到了吗
4、艺术——神圣的平民，它在每个人心里，与黑影敌对。
它在灰尘里长出绿叶，从污水里发展枝桠，并召唤阳光的来临。
这是一种奇妙的精神感受，它是朦胧的，混沌的，清新而美。
善恶并无分别，这个界限是无理的。
艺术引领着我们去爱，去怜悯这个世界。
5、是谁说过，艺术一定是一场高雅的音乐会一幅昂贵的世界名画呢
我认为，一句幽默的话语一片短小的笑话，它们都是艺术，艺术就在我们身边
6、生活不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛。
往往身边有许多艺术品我们却没有观察到的，不过，一天我们在作文课上，看到了一件艺术品。
描写古代女子闺房的句子
走阁楼，环往四周，那用上好所雕成的桌椅上细致的刻着不同纹，处处流转着所女儿家的细腻温婉的感觉。
\ 靠近竹窗边，那花梨木的桌子上摆放着几张宣纸，砚台上搁着几只毛笔，宣纸上是几株含苞待放的菊花，细腻的笔法，似乎在宣示着闺阁的主人也是多愁善感\ 【菱花铜镜】\ 古书中描写的闺中的女儿家多半是自恋的，在她爱上一个人以前。
她先迷恋的人是自己，她最好的闺友是镜子。
最有名的镜子是一条叫做若耶的小溪吧，那个在溪畔浣纱的姑娘美丽的倒影把鱼儿都羞得潜到了水底，留下了千百年说也说不完的故事。
\ 铜镜在古代用以梳妆照面和照妖辟邪，现存最早的铜镜出土于殷墟的妇好墓，想必一个协夫出征的女子英雄心底也是极爱美的，更不要说世间平凡的女子了。
在西汉年间，人们就开始用铜镜作为男女爱情的表记、信物，取“心心相映”之寓意。
生前互相赠送，“朝夕相伴”，死后随之埋入墓中，以示“生死不渝”。
\ 唐苏鄂《杜阳杂编》里有一个“破镜重圆”的故事，记述了南朝乐昌公主与驸马徐德言历经了磨难与悲欢后终得相聚。
现今仍常用以比喻夫妻失散后重逢或离异后重归于好。
宋代黄坚《沁园春》里写：“镜里拈花，水中捉月，觑着无由近得伊”。
不由得让人想到《红楼梦》里那一场镜花水月的梦境，那一场深深的无望的爱情。
\ 【亵衣】古代女子的内衣最早被称为“亵衣”。
“亵”意为“轻浮、不庄重”，可见古人对内衣的心态是回避和隐讳的。
中国内衣的历史源远流长，最早的史料见于汉朝。
古代女子内衣蕴藏着不尽的昔日情怀，“前圆后方，前短后长，这是应和天地人合一的传统理念；过腰、胸、肩等分别系带，是为了在流动中达到不同的‘塑身修形’效果。
袋口的拼接处，必须绣上小幅图案来遮住线的结点，保持画面完整，这便是所谓‘出境生情’”，且汇聚了绣、缝、贴、补、缀、盘、滚等几十种工艺，用以表达不同的主题。
可惜有些工艺，今天已经失传。
\ 《红楼梦》六十五回写尤三姐“松松挽着头发，大红袄子半掩半开，露着葱绿抹胸，一痕雪脯”和贾珍、贾琏两个牛黄狗宝喝花酒，洋洋洒脱、嬉笑怒骂，把两个不知耻的男人耍了个够。
可等她日思夜想了五年的柳湘莲冷脸出现时，她泪如雨下却连一句辩解的话也说不出来，惟有一死表明心迹，可怜“揉碎桃花红满地，玉山倾倒再难扶。
”\ 【青丝情丝】\ 青丝缨络结齐眉，可可年华十五时；\ 窥面已知侬未嫁，鬓边犹见发双垂。
\ 这是《竹枝词》里的句子，古代女子十五岁谓及笄之年，青丝的故事也就此开始，头发是古代女子感情的载体，青丝，就是情丝。
一缕情丝，总是要以所爱的男子为寄托，犹如藤萝之依附乔木。
在古人笔记中传世的爱情故事处处可见古代女子以秀发相赠、以身心俱陈的笃定情长，而这些故事大都以男人的背信收梢。
剪下一缕青丝当做信物赠给情人时，她并不知道那丝丝缕缕最终缠住的只是自己。
有一个上古时代的传说：巴人首领廪君率船队顺清江西征，在盐池与美丽的盐水女神相爱，廪君把自己的一绺头发送给女神说：“结上它吧，我要和你同生共死。
”但廪君不愿停止西征的脚步，女神恋恋不舍化做飞虫拦住了他的去路想挽留他，廪君就在阳石之上一箭射死了女神，女神死时脖颈上还缠绕着他送的头发……“结上它吧，我要和你同生共死。
”【梳篦】中国自古便注重礼仪，人们对自己的仪容装饰十分重视。
梳篦使头发洁净无尘、丝丝相现早在四千年前，我们的祖先便有插梳的习惯。
春秋以前的梳子形制复杂、装饰考究，但外形特征基本一致，都是直竖形：梳把较高，横面较窄，很少作方形或扁平的。
从战国到魏晋南北朝，梳篦的材料一直以竹木为主，尤以木料最常见。
梳篦的造型，多上圆下方形似马蹄。
隋唐五代的梳篦，多作成梯形，高度明显降低，其质料及装饰视用途而别。
宋朝以后，梳子的形状趋于扁平，一般多作成半月形。
明清时期的梳篦样式，基本保持宋制。
\ 【化妆品】战国时期的女子已开始铅粉扑面、黛黑画眉把自己变媸为妍。
宋玉之《大招》中即有“粉白黛黑，施芳泽只。
长袂拂面，善留客只。
”之说。
《韩非子》也云：“故善毛嫱，西施之美，无益吾面，用脂泽粉黛，则倍其初。
”当然，最有名的话还是出自《战国策》中那句“士为知己者死，女为悦己者容”。
\ 古代的妆粉，有两种成份，一种以米粒研碎后加入香料而成，故粉字从“米”，从“分”。
另一种是糊状的面脂，俗称“胡粉”。
因为它是化铅而成，也称“铅粉”。
\ 除米粉、铅粉外，妆粉也有用其它物质制作的。
如在宋代，有以益母草、石膏粉制成的“玉女桃花粉”；在明代，有以紫茉莉花籽制成的“珍珠粉”；在清代，有用滑石及其它细软的矿石研磨而成的“石粉”等等。
粉的颜色也从原来的白色增至多种颜色，并掺入了各种名贵的香料，使之更具迷人魅力。
\ 古代和妆粉配套的主要化妆品是胭脂。
胭脂亦作“焉支”、“燕支”，它是一种红色的颜料，也是妆面的主要用品，类似今天我们用的腮红。
\ 【手帕．穿心合】\ 现在已经没有多少女孩子用手帕了，而手帕于古代的女子是首饰一样的闺私，它通常被叠成同心方胜掖在臂钏里。
手帕是体己而温暖的，因此古代女子结拜金兰姐妹也称“手帕交”。
在手帕的一角缀上圆环其余三角从中穿过，即称“穿心合”，里面装着的或许就是一场女儿家的心事。
《红楼梦》第二十四回写痴女儿小红遗帕惹相思，最终成就了一段情缘。
这一块小小的方巾曾在几千年哑默无声的女性世界里传递了多少情感。
漫讶青衫易湿，红绡更是沾满了泪，唐代李节度使姬的诗《书红绡帕》中写到：\ 囊裹真香谁见窃，绞绡滴泪染成红。
\ 殷勤遗下轻绡意，好与情郎怀袖中。
\ 身心并陈的思念就是如此真切的泪如雨下，贞顺自守、寂寞无声的时光里，尺素绫帕承载了古代女性蕴籍绵长的相思和离愁，一程又一程山高水长的等待……【合欢被】亦作“ 合懽被 ”。
织有对称图案花纹的联幅被。
象征男女欢爱。
《古诗十九首．客从远方来》：“文采双鸳鸯，裁为合懽被。
”唐 白居易 《庾顺之以紫霞绮远赠以诗答之》：“不如缝作合欢被，寤寐相思如对君。
”唐 温庭筠 《织锦词》：“为君裁破合欢被，星斗迢迢共千里。
”\ 《红楼梦》作者曾很细致的描写过探春的闺房：“三间房子并不曾隔断。
当地放着一张花梨大理石书案；案上磊着各种名人法帖，并数十方宝砚。
各色笔筒笔海内插的笔如树林一般。
那一边设着斗大的一个汝窑花囊，插着满满的一囊水晶 的白菊花。
西墙上当中挂着一大幅米襄阳烟雨图，左右挂着一幅对联，乃是颜鲁公的墨迹。
”
描写一件工艺品的作文 要求语句优美
前几年，爸爸从大连买回了一匹铜马，它就摆放在我家大厅的柜子上。
虽然柜子里有许多漂亮的工艺品，但要数我最喜欢的工艺品还是那匹既是最引人注目又最威武高大的铜马了。
这匹铜制的马，矫健驰骋起来的样子威武.耀眼。
它的两只眼睛炯炯有神，神采奕奕，永远折射出两道闪闪发光的光芒，特别有精神。
两只小三角形般的耳朵机敏地竖立着，仿佛在随时聆听着周围的动静。
身上的鬃毛一排一排的。
更令人想不到的是，这匹铜马肥健的身子后面拖着一条棕色的大尾巴，只要轻轻一甩，就像一道闪电一般在你眼前一晃，真是潇洒极了
前面一只马蹄凌空而起，另一只则微微弯曲，另外两只马蹄用力地使自己的身躯往前奔驰。
这驰骋的姿态真是威风凛凛，霸气十足。
这匹马让人有了信心，每当我失去了信心，看到它，立即让我信心十足。
这匹铜马象征着“勇往直前”，象征着“马到成功”，只要做什么事都有信心就一定能够成功。
这匹铜马一直激励着我，它将陪伴我走过风风雨雨，它将陪伴着我通过成功的彼岸，，永不服输。
描写古代男子外貌、衣着的句子有哪些
一、飞动之美 中国古代工匠喜欢把生气勃勃的动物形象用到艺术上去。
这比起希腊来，就很不同。
希腊建筑上的雕刻，多半用植物叶子构成花纹图案。
中国古代雕刻却用龙、虎、鸟、蛇这一类生动的动物形象，至于植物花纹，要到唐代以后才逐渐兴盛起来。
在汉代，不但舞蹈、杂技等艺术十分发达，就是绘画、雕刻，也无一不呈现一种飞舞的状态。
图案画常常用云彩、雷纹和翻腾的龙构成，雕刻也常常是雄壮的动物，还要加上两个能飞的翅膀。
充分反映了汉民族在当时的前进的活力。
这种飞动之美，也成为中国古代建筑艺术的一个重要特点。
《文选》中有一些描写当时建筑的文章，描写当时城市宫殿建筑的华丽，看来似乎只是夸张，只是幻想。
其实不然。
我们现在从地下坟墓中发掘出来实物材料，那些颜色华美的古代建筑的点缀品，说明《文选》中的那些描写，是有现实根据的，离开现实并不是那么远的。
现在我们看《文选》中一篇王文考作的《鲁灵光殿赋》。
这篇赋告诉我们，这座宫殿内部的装饰，不但有碧绿的莲蓬和水草等装饰，尤其有许多飞动的动物形象：有飞腾的龙，有愤怒的奔兽，有红颜色的鸟雀，有张着翅膀的凤凰，有转来转去的蛇，有伸着颈子的白鹿，有伏在那里的小兔子，有抓着椽在互相追逐的猿猴，还有一个黑颜色的熊，背着一个东西，蹲在那里，吐着舌头。
不但有动物，还有人：一群胡人，带着愁苦的样子，眼神憔悴，面对面跪在屋架的某一个危险的地方。
上面则有神仙、玉女，“忽瞟眇以响象，若鬼神之仿佛。
”在作了这样的描写之后，作者总结道：“图画天地，品类群生，杂物奇怪，山神海灵，写载其状，托之丹青，千变万化，事各胶形，随色象类，曲得其情。
”这简直可以说是谢赫六法的先声了。
不但建筑内部的装饰，就是整个建筑形象，也着重表现一种动态，中国建筑特有的“飞檐”，就是起这种作用。
根据《诗经》的记载，周宣王的建筑已经像一只野鸡伸翅在飞(《斯干》)，可见中国的建筑很早就趋向于飞动之美了。
二、空间的美感之一 建筑和园林的艺术处理，是处理空间的艺术。
老子就曾说：“凿户牖以为室，当其无，有室之用。
”室之用是由于室中之空间。
而“无”在老子又即是“道”，即是生命的节奏。
中国的园林是很发达的。
北京故宫三大殿的旁边，就有三海，郊外还有圆明园、颐和园等等，这是皇帝的园林。
民间的老式房子，也总有天井、院子，这也可以算作一种小小的园林。
例如，郑板桥这样描写一个院落： “十笏茅斋，一方天井，修竹数竿，石笋数尺，其地无多，其费亦无多也。
而风中雨中有声，日中月中有影，诗中酒中有情，闲中闷中有伴，非唯我爱竹石，即竹石亦爱我也。
彼千金万金造园亭，或游宦四方，终其身不能归享。
而吾辈欲游名山大川，又一时不得即往，何如一室小景，有情有味，历久弥新乎?对此画，构此境，何难敛之则退藏于密，亦复放之可弥六合也。
”(《板桥题画竹石》) 我们可以看到，这个小天井，给了郑板桥这位画家多少丰富的感受!空间随着心中意境可敛可放，是流动变化的，是虚灵的。
宋代的郭熙论山水画，说“山水有可行者，有可望者，有可游者，有可居者。
”(《林泉高致》)可行、可望、可游、可居，这也是园林艺术的基本思想。
园林中也有建筑，要能够居人，使人获得休息，但它不只是为了居人，它还必须可游，可行，可望。
“望”最重要。
一切美术都是“望”，都是欣赏。
不但“游”可以发生“望“的作用(颐和园的长廊不但引导我们“游”，而且引导我们“望”)，就是“住”，也同样要“望”。
窗子并不单为了透空气，也是为了能够望出去，望到一个新的境界，使我们获得美的感受。
窗子在园林建筑艺术中起着很重要的作用。
有了窗子，内外就发生交流。
窗外的竹子或青山，经过窗子的框框望去，就是一幅画。
颐和园乐寿堂差不多四边都是窗子，周围粉墙列着许多小窗，面向湖景，每个窗子都等于一幅小画(李渔所谓“尺幅窗，无心画”)。
而且同一个窗子，从不同的角度看出去，景色都不相同。
这样，画的境界就无限地增多了。
明代人有一小诗，可以帮助我们了解窗子的美感作用。
一琴几上闲， 数竹窗外碧。
帘户寂无人， 春风自吹入。
这个小房间和外部是隔离的，但经过窗子又和外边联系起来了。
没有人出现，突出了这个小房间的空间美。
这首诗好比是一幅静物画，可以当作塞尚(Cyzanne)画的几个苹果的静物画来欣赏。
不但走廊、窗子，而且一切楼、台、亭、阁，都是为了“望”，都是为了得到和丰富对于空间的美的感受。
颐和园有个匾额，叫“山色湖光共一楼”。
这是说，这个楼把一个大空间的景致都吸收进来了。
左思《三都赋》：“八极可围于寸眸，万物可齐于一朝。
”苏轼诗：“赖有高楼能聚远，一时收拾与闲人。
”就是这个意思。
颐和园还有个亭子叫“画中游”。
“画中游”，并不是说这亭子本身就是画，而是说，这亭子外面的大空间好像一幅大画，你进了这亭子，也就进入到这幅大画之中。
所以明人计成在《园冶》中说：“轩楹高爽，窗户邻虚，纳千顷之汪洋，收四时之烂漫。
” 这里表现着美感的民族特点。
古希腊人对于庙宇四围的自然风景似乎还没有发现。
他们多半把建筑本身孤立起来欣赏。
古代中国人就不同。
他们总要通过建筑物，通过门窗，接触外面的大自然界。
“窗含西岭千秋雪，门泊东吴万里船”（杜甫）。
诗人从一个小房间通到千秋之雪、万里之船，也就是从一门一窗体会到无限的空间、时间。
像“山川俯绣户，日月近雕梁。
”（杜甫）“檐飞宛溪水，窗落敬亭云。
”（李白）都是小中见大，从小空间进到大空间，丰富了美的感受。
外国的教堂无论多么雄伟，也总是有局限的。
但我们看天坛的那个祭天的台，这个台面对着的不是屋顶，而是一片虚空的天穹，也就是以整个宇宙作为自己的庙宇。
这是和西方很不相同的。
三、空间的美感之二 为了丰富对于空间的美感，在园林建筑中就要采用种种手法来布置空间，组织空间，创造空间，例如借景、分景、隔景等等。
其中，借景又有远借，邻借，仰借，俯借，镜借等。
总之，为了丰富对景。
玉泉山的塔，好像是颐和园的一部分，这是“借景”。
苏州留园的冠云楼可以远借虎丘山景，拙政园在靠墙处堆一假山，上建“两宜亭”，把隔墙的景色尽收眼底，突破围墙的局限，这也是“借景”。
颐和园的长廊，把一片风景隔成两个，一边是近于自然的广大湖山，一边是近于人工的楼台亭阁，游人可以两边眺望，丰富了美的印象，这是“分景”。
《红楼梦》小说里大观园运用园门、假山、墙垣等等，造成园中的曲折多变，境界层层深入，像音乐中不同的音符一样，使游人产生不同的情调，这也是“分景”。
颐和园中的谐趣园，自成院落，另辟一个空间，另是一种趣味。
这种大园林中的小园林，叫做“隔景”。
对着窗子挂一面大镜，把窗外大空间的景致照人镜中，成为一幅发光的“油画”。
“隔窗云雾生衣上，卷幔山泉人镜中”(王维诗句)。
“帆影都从窗隙过，溪光合向镜中看”(叶令仪诗句)。
这就是所谓“镜借”了。
“镜借”是凭镜借景，使景映镜中，化实为虚(苏州怡园的面壁亭处境偏仄，乃悬一大镜，把对面假山和螺髻亭收入境内，扩大了境界)。
园中凿池映景，亦此意。
无论是借景，对景，还是隔景，分景，都是通过布置空间、组织空间、创造空间、扩大空间的种种手法，丰富美的感受，创造了艺术意境。
中国园林艺术在这方面有特殊的表现，它是理解中华民族的美感特点的一项重要的领域。
概括说来，当如沈复所说的：“大中见小，小中见大，虚中有实，实中有虚，或藏或露，或浅或深，不仅在周回曲折四字也”(《浮生六记》)。
这也是中国一般艺术的特征。
中国古代园林的艺术特色 一、造园艺术，师法自然 师法自然，在造园艺术上包含两层内容。
一是总体布局、组合要合乎自然。
山与水的关系以及假山中峰、涧、坡、洞各景象因素的组合，要符合自然界山水生成的客观规律。
二是每个山水景象要素的形象组合要合乎自然规律。
如假山峰峦是由许多小的石料拼叠合成，叠砌时要仿天然岩石的纹脉，尽量减少人工拼叠的痕迹。
水池常作自然曲折、高下起伏状。
花木布置应是疏密相间，形态天然。
乔灌木也错杂相间，追求天然野趣。
二、分隔空间，融于自然 中国古代园林用种种办法来分隔空间，其中主要是用建筑来围蔽和分隔空间。
分隔空间力求从视角上突破园林实体的有限空间的局限性，使之融于自然，表现自然。
为此，必须处理好形与神、景与情、意与境、虚与实、动与静、因与借、真与假、有限与无限、有法与无法等种种关系。
如此，则把园内空间与自然空间融合和扩展开来。
比如漏窗的运用，使空间流通、视觉流畅，因而隔而不绝，在空间上起互相渗透的作用。
在漏窗内看，玲珑剔透的花饰、丰富多彩的图案，有浓厚的民族风味和美学价值；透过漏窗，竹树迷离摇曳，亭台楼阁时隐时现，远空蓝天白云飞游，造成幽深宽广的空间境界和意趣。
三、园林建筑，顺应自然 中国古代园林中，有山有水，有堂、廊、亭、榭、楼、台、阁、馆、斋、舫、墙等建筑。
人工的山，石纹、石洞、石阶、石峰等都显示自然的美色。
人工的水，岸边曲折自如，水中波纹层层递进，也都显示自然的风光。
所有建筑，其形与神都与天空、地下自然环境吻合，同时又使园内各部分自然相接，以使园林体现自然、淡泊、恬静、含蓄的艺术特色，并收到移步换景、渐入佳境、小中见大等观赏效果。
四、树木花卉，表现自然 与西方系统园林不同，中国古代园林对树木花卉的处理与安设，讲究表现自然。
松柏高耸入云，柳枝婀娜垂岸，桃花数里盛开，乃至于树枝弯曲自如，花朵迎面扑香，其形与神，其意与境都十分重在表现自然。
师法自然，融于自然，顺应自然，表现自然——这是中国古代园林体现“天人合一”民族文化所在，是独立于世界之林的最大特色，也是永具艺术生命力的根本原因。
中国诗文与中国园林艺术 中国园林，名之为“文人园”。
它是饶有书卷气的园林艺术。
北京香山饭店，是贝聿铭先生的匠心。
因为建筑与园林结合得好，人们称之为有“书卷气的高雅建筑”，我则首先誉之为“雅洁明净，得清新之致”，两者意思是相同的。
足证历代谈中国园林总离不了中国诗文。
而画呢
也是以南宗的文人画为蓝本。
所谓“诗中有画．画中有诗”，归根到底脱不开诗文一事。
这就是中国造园的主导思想。
南北朝以后，士大夫寄情山水，啸傲烟霞，避嚣烦，寄情赏，既见之于行动，又出之以诗文。
园林之筑，应时而生。
续以隋唐、两宋、元、直至明清，皆一脉相承。
白居易之筑堂庐山，名文传诵。
李格非之记洛阳名园，华藻吐纳。
故园之筑出于文思。
园之存，赖文以传。
相辅相成，互为促进，园实文，文实园，两者无二致也。
造园看主人。
即园林水平高低，反映了园主之文化水平。
自来文人画家颇多名园，因立意构思出于诗文。
除了园主本身之外，造园必有清客。
所谓清客，其类不一，有文人、画家、笛师、曲师、山师等等。
他们相互讨论，相机献谋，为主人共商造园。
不但如此，在建成以后，文酒之会，畅聚名流，赋诗品园，还有所拆改。
明末张南垣，为王时敏造“乐郊园”，改作者再四。
于此可得名园之成，非成于一次也。
尤其在晚明更为突出。
我曾经说过那时的诗文、书画、戏曲，同是一种思想感情，用不同形式表现而已。
思想感情指的主导是什么
一般是指士大夫思想，而士大夫可说皆为文人，敏诗善文，擅画能歌，其所造园无不出之同一意识，以雅为其主要表现手法了。
园寓诗文，复再藻饰，有额有联，配以园记题咏，园与诗文合二为一。
所以每当人进入中国园林，便有诗情画意之感。
如果游者文化修养高，必然能吟出几句好诗来，画家也能画上几笔明清逸之笔的园景来。
这些我想是每一个游者所必然产生的情景，而其产生之由就是这个道理。
汤显祖所为《牡丹亭》而“游园”、“拾画”诸折，不仅是戏曲，而且是园林文学，又是教人怎样领会中国园林的精神实质。
“遍青山啼红了杜鹃，那荼靡外烟丝醉软”，“朝日暮卷，云霞翠轩，雨丝风片，烟波画船”。
其兴游移情之处真曲尽其妙。
是情钟于园，而园必写情也， 文以情生，园固相同也。
清代钱泳在《覆园丛话》中说：“造园如作诗文，必使曲折有法，前后呼应。
最忌堆砌，最忌错杂，方称佳构。
”一言道破，造园与作诗文无异，从诗文中可悟造园法，而园林又能兴游以成诗文。
诗文与造园同样要通过构思，所以我说造园一名构园。
这其中还是要能表达意境。
中国美学，首重意境，同一意境可以不同形式之艺术手法出之。
诗有诗境，词有词境，曲有曲境，画有画境，音乐有音乐境，而造园之高明者，运文学绘画音乐诸境。
能以山水花木，池馆亭台组合出之。
人临其境，有诗有画，各臻其妙。
故“虽由人作，宛自天开”。
中国园林，能在世界上独树一帜者，实以诗文造园也。
诗文言空灵，造园忌堆砌。
故“叶上初阳干宿雨，水面清圆风荷举”。
言园景虚胜实，论文学亦极尽空灵。
中国园林能于有形之景兴无限之情，反过来又生不尽之景，恍筹交错，迷离难分，情景交融的中国造园手法。
《文心雕龙》所谓“为情而造文”，我说为情而造景。
情能生文，亦能生景．其源一也。
诗文兴情以造园。
园成则必有书斋、吟馆，名为园林，实作读书吟赏挥毫之所。
故苏州网师园有看松读画轩，留园有汲古得绠处，绍兴有青藤书屋等。
此有名可徵者。
还有额虽未名，但实际功能与有额者相同。
所以园林雅集文酒之会，成为中国游园的一种特殊方式。
历史上的清代北京怡园与南京随园的雅集盛况后人传为佳话，留下了不少名篇。
至于游者漫兴之作，那真太多了，随园以投赠之诗，张贴而成诗廊。
读晚明文学小品，宛如游园。
而且有许多文字真不啻造园法也。
这些文人往往家有名园，或参予园事，所以从明中叶后直到清初，在这段时间中，文人园可说是最发达，水平也高，名家辈出。
计成《园冶》，总结反映了这时期的造园思想与造园法，而文则以典雅骈骊出之。
我怀疑其书必经文人润色过，所以非仅仅匠家之书。
继起者李渔《一家言·居室器·玩部》，亦典雅行文。
李本文学戏曲家也。
文震亨《长物志》更不用说了，文家是以书画诗文传世的，且家有名园，苏州艺圃至今犹存。
至于园林记必出文人之手，抒景绘情，增色泉石。
而园中匾额起点景作用，几尽人皆知的了。
中国园林必置顾曲之处，临水池馆则为其地。
苏州拙政园卅六鸳鸯馆、网师园濯缨水阁尽人皆知者。
当时俞振飞先生与其尊人粟庐老人客张氏补园，(补园为今拙政园西部)，与吴中曲友顾曲于此，小演于此，曲与园境合而情契，故俞先生之戏具书卷气，其功力实得之文学与园林深也。
其尊人墨迹属题于我，知我解意也。
造园言“得体”，此二字得假借于文学。
文贵有体，园亦如是。
“得体”二字，行文与构园消息相通。
因此我曾以宋词喻苏州诸园：网师园如晏小山词，清新不落套；留园如吴梦窗词，七层楼台，拆下不成片段；而拙政园中部，空灵处如闲云野鹤去来无踪，则姜白石之流了；沧浪亭有若宋诗；恰园仿佛清词，皆能从其境界中揣摩得之。
设造园者无诗文基础，则人之灵感又自何来。
文体不能混杂，诗词歌赋各据不同情感而成之，决不能以小令引慢为 长歌。
何种感情，何种内容，成何种文体，皆有其独立 性。
古代凤袍的样貌详细描写的句子，
早在原始社会向奴隶社会过渡期间，华夏民族的部族联盟首领在举行重大庆典、祭祀等礼仪活动时，必须穿着绘绣有日、月、星辰、山、龙、华虫（雉鸡）图纹的上衣和有宗彝、水藻、火、米粉、黼、黻图形的下裳（裙）礼服，后世称为“十二章服”并形成定制。
进入春秋战国时期，刺绣工艺渐趋成熟，这可从近百年来的大量出土文物中得到印证。
这一时期的刺绣有经过夸张变形的龙、凤、虎等动物图案，有的则间以花草或几何图形，虎跃龙蟠，龙飞凤舞，刻画精妙，神情兼备；布局结构错落有致，穿插得体，用色丰富，对比和谐，画面极富韵律感。
进入秦汉时期后，刺绣工艺已相当发达。
特别值得一提的是东汉王充在《论衡·程材篇》中所描述的：“齐郡世刺绣，恒女无不能；襄邑俗织锦，钝妇无不巧。
日见之，日为之，手狎也”。
齐郡临淄（今山东临淄）为汉王室设官服三所，织工数千人，每年耗资万万。
在前汉武昭之世，不但帝王之家是“木土衣绮绣，狗马被缋（毛织品）”，就连一般的富人也服用“五色绣衣，缛绣罗纨、素绨冰锦”，而且坐卧的席子也要“绣茵”，床上帐幔也是“黼绣帷幄”、“锦绨高张”，甚至死后殉葬的口袋也是“缯囊缇橐”。
民间如此，朝庭贵族更不待言，他们的宫室以丝织藻绣装饰，以至“屋不呈材、墙不露形”，甚至“柱槛衣以绨锦”，其奢侈程度可见一般。
汉代剌绣的空前繁荣，使刺绣的艺术处理又前进了一大步，在马王堆一号汉墓里的竹简“遗册”中记载着三种刺绣名称：“信期绣、乘云绣、长寿绣”。
到了汉末、六朝时期，中国便开始进入“像教弥增”（佛教因造像众多，故也称之为“像教”）的时代，因而兴盛了绣制佛像之风。
1965年在敦煌莫高窟发现了北魏的一佛两菩萨说法图刺绣残片一件，用几种彩色丝线绣出佛像、菩萨、供养人和相应的文字，供养人的长衫上绣有忍冬纹和卷草纹，示意着以佛教为代表的外来文化与本土文化的相互交融贯通，并在刺绣中得到反映。
说到这一时期的刺绣，不得不说说三国时期吴王赵夫人的“三绝”――机绝、针绝、丝绝。
据张彦远的《历代名画记》中记载：“吴王赵夫人，丞相赵达之妹。
善书画，巧妙无双，能于指间以彩丝织为龙凤之锦，宫中号为“机绝”。
孙权尝叹，蜀魏未平，思得善画者图山川地形，夫人乃进所写江湖九州山岳之势。
夫人又于方帛之上，绣作五岳列国地形，时人号为“针绝”。
又以胶续丝发作轻幔，号为“丝绝”（见壬子年《拾遗记》）。
汉末、六朝剌绣的另一个显著特点是开始出现了人物形象，为今后的人物绣品开了先河，具有十分重要的艺术意义。
唐宋时期的刺绣已向着精致化的方向发展。
这主要由它的社会环境所决定的，在男耕女织的封建社会里，女孩子都要学习女红，都要掌握刺绣，正因如此，那些深宅大院的小姐们，刺绣便成了她们消遣、养性和从事精神创造活动的唯一活动。
闺绣的产生并不是偶然的，明代屠隆在《考磐余事》中写道:宋之闺绣画，山水人物楼台花鸟，针线细密，不露边缝，其用绒止一、二丝，用针如发细者为之，故眉目毕具，绒彩夺目，而丰神宛然，设色开染，较画更佳。
女红之巧，十指春风，迥不可及。
由于参加刺绣对象的进一步扩大、作者的文化修养和物质条件不同，加上文人们开始参与，剌绣到了唐、宋期间获得了长足的发展，某种程度上可以这么说，它由日用与观赏两者兼容并蓄，发展到日用与观赏分而治之，特别在观赏方面成就最大，由于文人们的积极参与，使书法和绘画艺术结合得更为紧密，形成了画师供稿、艺人绣制，画绣结合精品倍增的新趋势。
明、清时期，全国城乡出现了众多的商品性生产的专业作坊。
尤其是明代，官府手工业的衰落，却促进了民间手工业的发展，从缺乏竞争力的官府院落手工艺品，到商业性作坊的专业化生产，加上唐宋期间文人艺人结合刺绣工艺品的巨大影响，刺绣技术和生产获得了全所未有的活力，达到了空前的繁荣，进入了中国传统刺绣的颠峰时期。
出现了对后世影响非常之大的几个艺术流派，如上海的顾绣、北京的京绣、开封的汴绣、山东的鲁绣等，以及后人誉为的四大名绣即苏绣、粤绣、湘绣和蜀绣。
