形容画展场面的句子
1、我用画笔构绘出行云流水的河山；用颜色出天地万物的生命；用着炫墨的纸张心印在纸上，漂染着国画的气息。
2、远看山有色，近听水无声，春去花还在，人来鸟不惊。
3、举凡伟大的艺术，那些用心血、思想和灵魂来进行的创作，言论和行动都充满了精神和生命力的艺术家的作品都向人们提供精神食粮。
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《孤独》 作者：汪国 追求需要思索 思要孤独 有时，凄清的身 便种篷勃 而不是干枯 两个人 也可以是痛苦 一个人 也可以是幸福 当你人寂寞中走来 道路便在你眼前展开 《美妙的孤寂》 作者：恩乾之女 总有一种美好 萦绕在心头 踯躅在华灯初上的街道 幻彩迷醉不休 人是孤单的 心是惬意的 寂寞着快乐 快乐着孤独 不要排斥寂寞 寂寞是妙不可言的思绪 不要惧怕孤独 孤独是无以伦比的洒脱 《山百合》 作者：席慕容 与人无争 静静地开放 一朵芬芳的山百合 静静地开放在我的心里 没有人知道它的存在 它的洁白 只有我的流浪者 在孤独的路途上 时时微笑地想起它来 《放逐孤岛》 作者：舒婷 放逐荒岛 以童年的姿态 重新亲近热乎乎的土地 你捡柴禾，割牧草 种两距瘦伶伶的老玉米 偶尔抬头 送一行行候鸟归路 纽西兰海域此刻无风 你的眼睛起雾了 他们在外面时 你在里面 鲜红的喙无助地叩响高墙 故国的天空 布满你的血痕 现在你到了外面 他们在里面 所有暗门嗒拉上锁 既然你已降落彼岸，就再不能 回到诞生的地方 眺望的方向不变 脚已踩在另一极磁场 黑眼睛妻子 坐在门槛上哺乳 发辫紧紧盘在头顶 有如一朵结实的向日葵 微笑着转动着 寻求你的光源而粲然 你用中山装的衣袖擦擦汗 站稳双足 在命运的轨道上渐渐饱满 渐渐金黄 《这个人》 作者：舒婷 一个挪用音乐 进入永久寂静的人 一个混淆光源 复制并且蒙蔽纯黑的人 一个抽去支架 从楼顶往下派生大厦的人 不是疯子 一个这样的人 看见他站在自己的脚跟上 不由得悲从中来 电话铃声在空旷的房间 笔直地响 宽敞地响 圆周地响 被抻了又抻的 寂静 一次次顽强恢复形状 这个人屏息的耳朵 被它的弹性割得很疼 我们接着投硬币 急得满头大汗 后来都不再给他打电话 寂静 密密布下尘灰 延长半拍 使那个房间更加空旷 整理五色使之龟息墨黑 有如枯守梦境 薄光的平面浮凸轮廓 视和觉 任意长度 深及原生状态 这个人把墨镜当成门票卖给观众 画展永远在 筹备中 在身体内倍受拥挤 在大街上空虚 刚转身离开朋友 就被议论啃得体无完肤 曾经沧海 理当遭爱情巧夺豪取 语言的蜜源萎缩 蜂儿把自己 蜇在菲薄的工资单上 既然这个人 从书架上搬到隔壁落户 我们有义务 帮助他 指导他 并且消解他 我们就这样藏起他的羽衣 然后 尽情嘲弄他的赤身裸体《灵魂有一个孤寂的住所》作者：顾城 灵魂有一个孤寂的住所在那里他注视山下的暖风他注意鲜艳的亲吻象花朵一样摇动象花朵一样想摆脱蜜里的昆虫他注意到另一种脱落的叶子到处爬着，被风吹着随随便便露出干燥的内脏
现代有哪些著名的山水画家
他们的画都值多少
好久要开画展
张仃,2万-3千万 白雪石, 2—3万元龙瑞,郭公达,姚治华,雷正民,陈大章,于志学,官布,林之源，
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中国当代十大画家:国际艺术界2009年选出中国当代十大画家. 资格为对艺术有重大创新, 为国际尊重及欣赏, 仍然活着的画家. 十大画家为吴冠中, 赵无极, 丁绍光, 范曾, 欧豪年, 黄永玉, 范光陵, 陈丹青, 高占祥, 刘国松十位. 排列不分名次.1. 吴冠中 吴冠中，别名荼，1919年，生于江苏宜兴农村。
1942年，毕业于杭州国立艺术专科学校，曾任教于国立重庆大学建筑系。
1946年，考取全国公费留学绘画第一名。
1947年，就读于巴黎国立高等美术学校。
1950年，留学归国，任教于中央美术学院。
1953年，任清华大学建筑系副教授。
1956年，任教于北京艺术学院。
1964年，任教于中央工艺美术学院。
1970年，“文革”期间被下放到河北农村劳动。
1973年，调回北京参加宾馆画创作。
1978年，中央工艺美术学院主办“吴冠中作品展”。
1979年，当选中国美协常务理事。
1987年，香港艺术中心主办“吴冠中回顾展”。
1991年，法国文化部授予其“法国文艺最高勋位”。
1992年，大英博物馆打破了只展出古代文物的惯例，首次为在世画家吴冠中举办“吴冠中——二十世纪的中国画家”展览，并郑重收藏了吴冠中的巨幅彩墨新作《小鸟天堂》。
1993年，法国巴黎塞纽奇博物馆举办“走向世界——吴冠中油画水墨速写展”，并颁发给他“巴黎市金勋章”。
1994年，当选为全国政协常委。
1999年，国家文化部主办“吴冠中画展”。
2000年，入选法兰西学院艺术院通讯院士，是首位获此殊荣的中国籍艺术家，这也是法兰西学院成立近二百年来第一位亚洲人获得这一职位。
吴冠中在美术创作和美术教育上取得了巨大成就，致力于油画民族化和中国画现代化的探索，在海内外享有很高声誉。
多次在中国美术馆和全国十余个主要城市举办个人画展，并先后在新加坡国家博物馆、香港艺术中心、美国旧金山中华文化中心、伯明翰博物馆、堪萨斯大学艺术馆、纽约州圣约翰博物馆及底特律博物馆、大英博物馆、巴黎市立塞纽奇博物馆等举办画展。
已出版个人画集50余种、个人文集有《吴冠中谈艺集》、《吴冠中散文选》、《美丑缘》、《生命的风景》、《吴冠中文集》等十余种，曾写《桥之美》。
2. 赵无极 赵无极1921年生于北平一书香世家。
其家族渊源久远，族谱可直溯宋朝皇燕王。
赵无极自小即天资聪颖、对文学、中外历史极感兴趣。
他的家人，尤其是他的父亲和叔父，对绘画艺术都十分重视。
他的父亲常不厌其烦地从美学及技巧的观点向子女解释一幅作品的伪劣，他的叔父则经常从巴黎带回一些仿制名画的明信片送给赵无极。
在一个知识份子家庭中，大家都对绘画艺术倍感兴趣与好奇，他便是在这种环境下激发起成为画家的抱负。
1935年14岁时，他入杭州美专就读，六年之中，由素描石膏像、素描模特儿到画油画，其中也学习国画临摹、画法理论及西洋艺术等课程。
他的早期作品主要以塞尚、马蒂斯、毕加索为师，画风比较接近西方印象派。
也就是人们所谓的“ 具象”时期。
1941年，赵无极举行首次个展，但他不满意明清以降的传统中国画。
他盼望有一种更令他满意的训练。
于是他在1948年与第一任妻子谢景兰前往巴黎。
在巴黎的日子里，他结识了许多画家，如拉吉、哈同、布兰姆等人，与当时的巴黎塞尔努奇美术馆长艾利塞夫熟悉，与诗人米修结为莫逆，而他与第三任妻子梵思娃也在巴黎结识。
他的绘画在巴黎获得全面开展，1949年5月即在克滋画廊举办首次个展。
他一面作画、一面思索，西方绘画发亦已达到一个必须突破的关口，于是他由克利的画中得到启示，一跃而入抽象的世界。
他继续探索绘画的可能性，而在中国水墨的渲染方式及空间观念中得到认识，将他的绘画带到另一个阶段。
之后，他的画以色彩和空间分配，领着观者进入一个似无形又有形的无限世界。
赵无极从塞尚、毕卡索过渡到克利，此时艺术也从架构一个完整的世界过渡到随机创作的阶段。
至此，观众已无法直接从视觉形象来定义作品的内涵，1952年的作品“静物”，即是此类转型作品的典范。
画面中随意置放一些乾树枝及杂物，造型奇特且充满荒凉、神秘的气氛。
对艺术家而言，静物是色彩与符号，在一定光线下，配上各种冷暖色调的合，他摆脱了具象画风，从分解主观的外表，使客观的形体以简单的形式出现。
1958年的作品“云”之后，赵无极的作品不再有标题，他仅在画布背面注明创作日期。
他六七十年代的作品，逐渐摆脱一切法则，恣意地挥洒他的自由，以各种创新组合的方式去表达内在的需求与感受。
赵无极在其80年代以后的作品，随著年龄及阅历的增长，注入了较多的温情与灵逸。
激情与对立则逐渐溶进云彩或水气中，1986年的重要作品“向马蒂斯致敬”，人们可以发现他的改变，他较注重画面的调和，色彩更为流畅。
如果说文字符号是他们创作的里程碑，则色彩的运用则扩张了艺术家的绘画语言。
一直到今天，年届80多的赵无极仍孜孜不倦地创作，他曾说：“我不怕老去，也不怕死亡，只要我还能拿画笔、涂颜料，我就一无所惧，我只希望能有足够的时间完成手上的画，要比上一幅更大胆、更自由。
” 3. 丁绍光 (1939.10—)生于陕西，祖籍山西运城。
是以中国现代重彩画之神韵领世界画坛之风骚的艺术家。
1962年毕业于中央工艺美术学院。
1962-1980年，任教于云南艺术学院。
1979年为北京人民大会堂创作大型壁画《美丽、丰富、神奇的西双版纳》，同年出版《丁绍光西双版纳白描写生集》。
1980年7月，赴美定居。
自1986—1996年在世界各国举办个人展400次以上，作品收藏遍及五十个国家及地区。
各国报刊、电视、广播、书刊杂志专题介绍上千余次。
1990年在日本世界艺术博览会上，被选入自十四世纪以来百名艺术大师排行榜，名列第二十九位，是唯一入选的华人艺术家。
1993-1995年，连续三年被选为联合国代表画家。
1993年，联合国向全球发行丁绍光作品《人权之光》限量出版画，纪念联合国世界人权宣言。
1994年，联合国向全球发行丁绍光作品《母性》限量版画，纪念国际家庭年。
1995年，联合国向全球发行丁绍光作品《宗教与和平》限量版画。
联合国邮政局向全球发行丁绍光的作品《西双版纳》和《催眠曲》、《和平，平等，进步》、《文化与教育》六幅作品的邮票，以纪念联合国第四次世界妇女大会。
首日封和邮票在日内瓦万国宫博物馆永久珍藏。
联合国连续三年撰文向世界一百六十个国家介绍丁绍光的艺术与生活。
1995年，联合国在艺术与集邮项目总结报告中提名表彰了联合国成立五十年来二十九位当代艺术大师，丁绍光是其中唯一的亚洲艺术家。
1998年他第四次受邀创作《美丽的梦》以纪念联合国人权宣言发表五十周年。
由联合国世界联合会向全球发行限量丝网版画，联合国邮政总局发行首日封。
2001年再次受联合国少年儿童基金会委任创作《童年》，并向全球发行限量丝网版画为联合国少年儿童基金会义卖。
丁绍光现任中外十余所大学名誉和客座教授，国际中国美术家协会会长，美国世界美术家联盟首任主席。
各国政府和社会团体颁发给丁绍光几十个奖状，包括荣誉市民，金钥匙，命名丁绍光日等。
1996年，经中国文化部批准在中国美术馆举办《丁绍光奖全国美术大展》。
中国、美国、日本、法国、新加坡、台湾、香港分别出版丁绍光画集。
1995年日本NHK出版社出版的《丁绍光作品集》获世界文化交流金奖。
4. 范曾 1955年考入南开大学历史系，1957年转入中央美术学院美术史系，半年后转入中国画系，1962年毕业，分配在中国历史博物馆工作，随沈从文编绘中国历代服饰资料，并临摹优秀绘画作品多件。
1978年调入中央工艺美术学院任教。
1984年调天津南开大学东方艺术系，任系主任。
曾捐款400多万元人民币建设该系。
为中国美术家协会会员。
擅长中国人物画，兼长诗文、书法。
《灵道歌啸图》等藏于日本冈山范曾美术馆，《八仙图》等藏于中国美术馆，《秋声赋》等藏于美国伯明翰博物馆。
出版有《鲁迅小说插图集》、《范曾书画集》、《范曾画集》、《范曾吟草》、《范曾书画集》、《范曾怀抱》、《范曾自述》等。
1979年他首访日本，被日本誉为“近代中国十大画家之一”。
1982年获日中文化交流功劳纪念杯，1986年获日中艺术交流特别贡献金奖。
5. 欧豪年 欧豪年 出生于广东茂名，一九七0年定居台湾。
当今台湾画坛第一人。
欧豪年十七岁师从岭南画派巨擘赵少昂，力学精研，卓然自成大家，其绘画题材兼善画花鸟、山水、人物、畜兽，对书法与诗文亦多有研究，艺术成就多元而丰富。
二十岁左右即参加东南亚巡回展，往后数十年不断应邀在海外各地展出，备受国际艺坛之肯定与推崇，并于一九九三年荣膺法国国家美术学会巴黎大宫博物馆双年展特奖。
6. 黄永玉 黄永玉，1924年7月9日出生在湖南省凤凰县城沱江镇。
土家族人。
笔名黄杏槟、黄牛、牛夫子。
土家族人，受过小学和不完整初级中学教育。
因家境贫苦，12岁就外出谋生，流落到安徽、福建山区小瓷作坊做童工，后来辗转到上海、台湾和香港。
14岁开始发表作品，以后一段时间主攻版画，其独具风格的版画作品饮誉国内外。
十六岁开始以绘声绘色画画及木刻谋生。
曾任瓷场小工、小学教员、中学教员、家众教育馆员、剧团见习美术队员、报社编辑、电影编剧及中央美术学院教授、中国美术家协会副主席。
黄永玉1952年偕同夫人张梅溪由香港回北京，被安排在中央美术学院工作。
先后担任副教授、教授、中国美术家协会副主席。
1956年就出版过《黄永玉木刻集》，其代
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保罗·塞尚(Paul Cezanne，1839—1906)，后印象主义的代表画家，出生于法国南部城市埃克斯—普罗旺斯。
其父是一位富有的银行家，曾一心想把儿子培养成律师。
然而塞尚却对法律不感兴趣，而特别醉心于绘画。
1862年，23岁的塞尚终于冲破家庭阻挠，来到巴黎专攻绘画。
他经好友左拉介绍，结识马奈、毕沙罗等印象主义画家，并多次参加印象主义画展。
后来，他由于不满于印象主义的艺术追求，而与印象主义者分道扬镖，从此专心于自己的艺术探索，并在绘画上取得巨大成就，成为西方现代美术史上一位卓越的、划时代的画家。
\\\ \\\ 塞尚的画具有鲜明的特色。
他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成。
通过绘画，他要在自然表象之下发掘某种简单的形式，同时将眼见的散乱视象构成秩序化的图象。
为此，他进行了一系列艺术探索。
首先，他强调画中物象的明晰性与坚实感。
他认为，倘若画中物象模糊不清，那么便无法寻求画面的构成意味。
因此，他反对印象主义那种忽视素描、把物象弄得朦胧不清的绘画语言。
他立志要“将印象主义变得象博物馆中的艺术那样坚固而恒久”。
于是，他极力追求一种能塑造出鲜明、结实的形体的绘画语言。
他作画常以黑色的线勾画物体的轮廊，甚至要将空气、河水、云雾等，都勾画出轮廓来。
在他的画中，无论是近景还是远景的物象，在清晰度上都被拉到同一个平面上来。
这样处理，既与传统表现手法拉开距离，又为画面构成留下表现的余地。
其次，他在创作中排除繁琐的细节描绘，而着力于对物象的简化、概括的处理。
他曾说： “要用圆柱体、圆锥体和球体来表现自然。
”他的作品中，景物描绘都很简约，而且富于几何意味。
有人认为，这是由于他不擅长于精细描绘而采取的做法。
然而，即使这种说法是事实，也说明他具有扬长避短的本领，从而在形式构成方面发挥出创造才能。
其三，为了画面形式结构，他不惜牺牲客观的真实。
他最早摆脱了千百年来西方艺术传统的再现法则对画家的限制。
在塞尚画中，经常出现对客观造型的有意歪曲，如透视不准、人物变形等。
他无意于再现自然。
而他对自然物象的描绘，根本上是为了创造一种形与色构成的韵律。
他曾说：“画家作画，至于它是一只苹果还是一张脸孔，对于画家那是一种凭借，为的是一场线与色的演出，别无其他的。
” 塞尚重视绘画的形式美，强调画面视觉要素的构成秩序。
这种追求其实在西方古典艺术传统中早已出现。
而塞尚始终对古典艺术抱着崇敬之情。
他最崇拜法国古典主义画家普桑。
他曾说：“我的目标是以自然为对象，画出普桑式的作品。
”他力图使自己的画，达到普桑作品中那种绝妙的均衡和完美。
他向着这方面，进行异常执着的追求，以致于对传统的再现法则不以为然。
他走向极端，脱离了西方艺术的传统。
正是如此，他被人们尊奉为“现代绘画之父”。
特征一：绘画的表现形式从具象转变为抽象或意象 现代主义绘画与传统绘画相比有相当大的区别，以毕加索的《格尔尼卡》和德拉克洛瓦的《希奥岛的屠杀》为例。
前者是现代主义绘画立体主义的代表作，后者是传统绘画浪漫主义的精典作品，两幅绘画同样都是表现战争题材，但是从作品的表现形式来看，却是大相径庭。
《希奥岛的屠杀》运用了明暗造型的方法，真实地刻画了耀武扬威的侵略者和倒在血泊中绝望挣扎的孤立无助的受压迫者的残状，是具象的画面。
而《格尔尼卡》的画面满是单纯的几何形和游动的曲线，相互交错、拼帖成近似于抽象的牛头、马头及一些肢离破碎的妇女、儿童，带有平面的装饰性特点，是半抽象的画面。
由此可见，现代主义绘画的特征之一是，绘画的表现形式从具象转变为抽象或意象。
毕加索为什么不用写实的手法来表现呢
他眼睛里所看到的德国法西斯轰炸西班牙小镇的景象显然不是象他画中所描绘的那个样子，那他为什么要进行变形呢
其实只要懂得和理解中国写意文人画的人，是很容易理解这一点的。
中国写意画的最高境界是妙在“似与不似”之间，中国画家常画的“梅兰竹菊”等，就与自然界的花卉植物不一样，其中赋予了画家的主观情感和人格化的东西。
如中国明代画家徐渭的《墨葡萄图》，那狂草般的笔法，水墨淋漓的效果，更多 的表现了笔墨韵味和画家的心态，即通过变形的葡萄发泄出了画家心中的郁闷之气，是画家仕途不得志和对当时明朝黑暗政治感到悲观失望的一种心情写照。
那点点墨迹哪里是画，分明就是徐渭的泪迹。
这就是中国写意画的特点――“借物抒情”。
我们既然能理解徐渭的《墨葡萄图》，也就不难理解毕加索的《格尔尼卡》了。
特征二：由再现客观世界转变为表现主观世界 《格尔尼卡》正是以象征性的手法、变形的形体和灰暗的色调，表现了战争的罪恶和灾难的悲剧。
五个西方现代绘画流派名称，特征，代表人物的代表作品
1、“后印象主义”(Post—Impressionism) “后印象主义”被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出者有塞尚、凡高、高更和劳特累克等。
实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美学纲领和宣言，而且画家们的艺术风格也是千差万别。
之所以称之为“后印象主义”，主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。
后印象主义者不喜欢印象主义画家在描绘大自然转瞬即逝的光色变幻效果时，所采取的过于客观的科学态度。
他们主张，艺术形象要有别于客观物象，同时饱含着艺术家的主观感受。
塞尚认为：“画画——并不意味着盲目地去复制现实；它意味着寻求诸种关系的和谐。
”他所关注的，是在画中通过明晰的形，来组建严整有序的结构。
凡高和高更则专注于精神性与情感的，其作品渗透着某种内在的表现力和引人深思的象征内涵。
后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，启迪了两大现代主义艺术潮流，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。
所以，在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。
代表人物及代表作品： 保罗·塞尚(Paul Cezanne，1839—1906)《戴帽的自画像》《圣维克多山》； 凡高 (Vincent van Gogh，1853—1890)《自画像》；《向日葵》； 高更(Paul Gauguin，1848—1903)《带光环的自画像》；《黄色基督》； 2、“立体主义”(Cubism) 在西方现代艺术中外，立体主义是一个具有重大影响的运动和画派。
其艺术追求与塞尚的艺术观有着直接的关联。
立体派画家自己便曾声称：“谁理解塞尚谁就理解立体主义”(哈德史·奥斯本《20世纪艺术中的抽象和技巧》，四川美术出版社，1978年，第87页)。
立体派画家受到塞尚“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”的思想启示，试图在画中创造结构美。
他们努力地消减其作品的描述性和表现性的成分，力求组织起一种几何化倾向的画面结构。
虽然其作品仍然保持着一定的具象性，但是从根本上看，他们的目标却与客观再现大相径庭。
他们从塞尚那里发展出一种所谓“同时性视象”的绘画语言，将物体多个角度的不同视象，结合在画中同一形象之上。
例如在毕加索的《亚维农的少女》一画上，正面的脸上却画着侧面的鼻子，而侧面的脸上倒画着正面的眼睛。
一般说来，《亚维农的少女》是第一件立体主义的作品，而立体主义运动则通常可分为两个阶段。
一个阶段是1912年之前的所谓分析立体主义。
画家们继承塞尚对绘画结构进行理性分析的传统，试图通过对空间与物象的分解与重构，组建一种绘画性的空间及形体结构。
1912年以后，立体主义运动进入第二阶段，通常称为综合立体主义。
此时在画中色彩起了有力的作用，但形体仍然支离破碎，只是更大和更富于装饰性。
画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言，进一步加强了画面的肌理变化，并向人们提出了自然与绘画何者是现实，何者是幻觉的问题。
立体主义虽然是绘画上的风格，但对20世纪的雕塑和建筑也产生了深远的影响。
代表人物： 毕加索(Pablo Picasso，1881—1973)《亚维农的少女》；《格尔尼卡》； 乔治·布拉克(Georges Braque，1882—1963)《埃斯塔克的房子》； 莱热(Fernand Leger，1885-1955)《三个女子》； 格里斯(Juan Gris，1887--1927)《吉他与乐谱》； 3、“野兽派”或名野兽主义(Fauvism) 自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。
它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。
野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。
野兽主义得名于1905年巴黎的秋季沙龙展览，当时，以马蒂斯为首的一批前卫艺术家展于同一层厅的作品，引起轩然大波。
有人形象地将这些画称作“一罐颜料掼在公众的面前”。
而那位后来创出“立体主义”名称的《吉尔·布拉斯》杂志的记者路易·沃塞尔，则突发灵感地想到了这一恰也合适的名称。
他在那个被刺目的色彩弄得喧嚷不已的展厅中央，发现马尔凯(Albert Marquet)所作的一件具有文艺复兴风格的小型铜像，不由得惊叫起来：“多那太罗被关在了野兽笼中!”(多那太罗系意大利文艺复兴时期杰出雕塑家：笔者注)。
不久，这一俏皮话便在《吉尔·布拉斯》杂志登出，而“野兽主义”的名称也很快被广“泛地认同。
翌年当“笼子”里的“野兽”倾巢而出，举行一个接一个惊人的展览时，野兽主义则已是影响巨增，势头高涨了。
这一初含讽刺意味的名称，后来也逐渐失去了它的贬义。
代表人物及代表作品： 马蒂斯(Henri Matisse，1869—1954)《带绿色条纹的马蒂斯夫人像》；《红色中的和谐》； 弗拉芒克(Maufice de Vlaminck，1876—1958)《塞纳河畔的采石场》； 德兰(Andre Derain，1880—1954)《威斯敏斯特桥》； 4、表现主义(Exprisseonism) 表现主义(Exprisseonism)一词，是德国艺术评论家威廉·沃林格(Willem Worringer)在其发表于1911年8月号《狂飚》杂志的一篇文章中首次采用的；他把这个词，与塞尚、凡高和马蒂斯等人的艺术联系在一起。
1912年在狂飚美术馆举行的“青骑士”画展，再次被冠以这个名词。
从此，该词便成为德国艺术中诸多偏于情感抒发的倾向的名称。
从广义上说，表现主义可用于所有强调以色彩及形式要素进行“自我表现”的画家，但其特指的含义，则是基于二十世纪初叶德国的三大艺术运动，即“桥社”(Die Brucke)、“青骑士派”(Der Blaue Reiter)和“新客观派”(Die Neue Sachlichkeit)。
桥社1905年成立于德累斯顿，1913年解体。
其成员有基希纳、黑克尔、施密特一罗特卢夫、布莱尔、佩希斯泰因和诺尔德等。
“桥社”一词是由施密特一罗特卢夫从尼采的名著《查拉斯图拉斯如是说》中引用而来。
作为一个旨在开辟艺术与生活新途径的艺术社团的名称，其含义是，“联结一切革命和活跃的成分，通向未来。
”1905年，桥社发表宣言称：“凡觉得必须表现内心的信念，并是自发而真正诚意的表现者，都是我们中的一员。
”1907年，桥社致函诺尔德说：“桥社宗旨之一一一如它的名称所意指的——是容纳现在孕育中的一切革命因素。
”对桥社艺术家影响最大的，是挪威画家蒙克那充满强烈悲剧情感的画作。
桥社画家对于社会问题极为关注，其作品强烈地反映了当代生活极端平淡及令人不安与绝望的一面，体现出“北方艺术的焦虑”。
“该派画家均具有病态的敏感与不安，被宗教的、性的、政治和精神的烦扰所折磨。
”(雷蒙、柯尼亚等合著，徐庆平等译：《现代绘画辞典》，人民美术出版社，第46页)。
虽然桥派画家曾受到法国野兽派画家的影响，然而其作品风格却显然与野兽派画风迥异。
野兽派即使是最狂放的作品，也总是保持构图的和谐、色彩的装饰性与抒情性，而桥派画家则早把这一切抛到九霄云外。
在他们作品中，扭曲的造型与浓烈的色彩，体现了某种朦胧的创造冲动以及对既有绘画秩序的反感。
基希纳曾在1913年写道：“我们相信，所有的色彩皆直接或间接地重现纯粹的创造冲动。
”因而，桥派绘画往往呈现出一种粗犷及狂风骤雨般的气势，这是较古典的法国气质所没有的。
青骑士社，得名于康定斯基1903年所作的一幅画的标题，1911年从慕尼黑新艺术家协会分离出来。
其成员有俄国人康定斯基、雅夫伦斯基、德国人马尔克、麦克、闵特尔以及瑞士人克利等。
青骑士社画家总的来说并不关注于对当代生活困境的表现，他们所关注的是表现自然现象背后的精神世界，以及艺术的形式问题。
在宣告该派成立的画展目录上，写着下面这句代表该派宗旨的简单声明：“我们要确认一种固定的形式；目的是在再现的形式的多变中表明艺术家如何以各种各样的方法表现其内在的灵感。
”奥古斯特·麦克也这样写道：“艺术的目的不是科学地仿造和检查自然形态中的有机因素，而是通过恰如其分的象征创造一种缩略的形式。
”(《世界艺术百科全书·I》，上海人民美术出版社，第73页)。
新客观派出现于1923年。
严格说来，它不是一个画派的名称，而是一个展览会的名称。
该名称是由德国曼汗艺术馆馆长哈特劳伯(C、F、Hartlaub)提出；他在1923年所策划组织的那个新现实主义画展，便被冠以“新客观派，表现主义以来的德国绘画”的标题。
参加展览的这批画家主要有格罗斯、迪克斯和贝克曼等。
这是一群不满于现实的艺术家。
他们大多出生于1890年前后，青年时代正逢第一次世界大战和战后德国的政治动荡时期，因此，他们不象其表现主义前辈那样只关心形式与精神的问题，而是热衷于用艺术表现他们所处的现实，揭示社会的腐朽和阴暗。
佩希斯泰因以下一段陈述，清楚表达了新客观派画家的思想：“我们画家和诗人必须在神圣的团结中与穷苦大众保持密切联系。
我们许多人懂得饥饿的痛苦和羞辱。
我们觉得在一个无产阶级社会中更加安心。
我们不想依靠资产阶段收藏家的怪念头……我们必须是真正的社会主义者，必须激起最高尚的社会主义美德——四海之内皆兄弟。
”(《世界艺术百科全书选译》，上海人民美术出版社，第74页)新客观派画家曾受桥社和青骑士社画家影响。
不过，他们并不极端地分解和歪曲客观现实，而往往关注于对细节的真实描绘，同时，他们也把抽象的绘画语言，运用于对客观现实的真实揭示之中。
代表人物及代表作品： 爱德华·蒙克 (Edvard Munch，1863—1944）《呐喊》； 思索尔(Jams Ensor，1860—1949)《1889年基督进入布鲁塞尔》； 施密特一罗特卢夫(Karl Schmidt—Rottluff,1884—1976)《戴单眼镜的自画像》； 5、未来主义(Futurism) 未来主义(Futurism)首先是一场文学运动，它最初由意大利诗人马里内蒂(Filippo Tommaso Marinetti，1878—1944)一手炮制。
在1909年2月20日的《费加罗日报》上，马里内蒂以浮夸煽情的文辞推出了“未来主义宣言”，号召扫荡一切传统艺术、创建能与机器时代的生活节奏相合拍的全新艺术形式。
未来主义自此诞生，并迅速由文学界蔓延渗透至美术、音乐、戏剧、电影、摄影等各个领域。
在一连串形形色色的宣言、声明的强力扶持下，它一度声势喧赫、影响深广。
未来主义热情讴歌的是现代机器、科技甚至战争和暴力。
他们迷恋运动和速度，要求“摧毁所有的博物馆、图书馆和科学院”，割断历史以白手起家，创造全新的艺术。
在他们看来，“这个世界由于一种新的美感变得更加光辉壮丽了，这种美是速度的美。
……如机关枪一样风驰电掣的汽车，比带翅膀的萨莫色雷斯的胜利女神像更美。
”(1909年，未来主义宣言)如何把这种文字描述的画面展示在画布上，使之成为一种真正的视觉形式——绘画呢?这是聚集在马里内蒂周围的那些画家们所努力探寻的。
未来主义画派的中坚力量是五位意大利人：波丘尼、卡拉、巴拉、塞韦里尼、鲁索罗。
1910年2月11日，《未来主义画家宣言》发表，并于3月3日在都灵的一家剧院公开宣布。
4月11日，《未来主义绘画技法宣言》再度出炉。
这五位画家都在宣言上签了名，展示他们跃跃欲试的抱负。
1912年2月，在巴黎颇有名气的伯恩海姆——让画廊举办了首次未来主义画展，这意味着未来主义画派正式确立。
随后，在伦敦、柏林、布鲁塞尔、维也纳、芝加哥、阿姆斯特丹、海牙、墨尼黑等地相继举办了多次未来派画展。
如此，未来派逐渐走出国门而成为世界现代主义运动的重要组成部分。
未来主义绘画致力表现的是“现代生活的漩涡——一种钢铁的、狂热的、骄傲的、疾驰的生活。
”(1910年，未来主义绘画宣言)画家们努力在画布上阐释运动、速度和变化过程。
空间不再存在，物体从不静止，它们永不停歇地运动并相互穿插，一如那些画家们所描述的，“我们的身体穿透我们所坐的沙发，沙发也穿透我们的身体。
”在把理论变为实践的过程中，未来主义深受新印象主义和立体主义的影响。
它借鉴了新印象派的点彩技术，其色彩大多比较强烈，如被棱镜分解过一般呈现出某种特别的闪烁波动。
它也借鉴了许多立体主义的形式语言，并与立体主义一样，致力于传达现代工业社会的审美观念。
然而它们之间的不同也是显而易见的：立体主义是一种静止的几何构成，它通过分解重构展示机械的静态美，而未来主义追求运动和变化，那些令人眼花缭乱的五光十色的场景诉说了艺术家对工业文明的狂热和激情。
1914年爆发的战争意味着未来主义画派的解体。
随着画派的重要人物波丘尼于1916年意外死亡，这个集团便再无可能重新组织起来。
但其影响并未随之而逝。
代表人物及代表作品： 贾科莫·巴拉(Ciacomo Balla，1871—1958)《被拴住的狗的运态》； 翁贝特·波丘尼(Umberto Boccioni，1882—1916)《城市的兴起》； 吉诺·塞弗里尼(Gino Severini，1883—1966)《塔巴林舞场有动态的象形文字》；
