LED灯新出的cob是什么意思啊
cob只有一个灯珠，但亮度很好，光衰更低，灯珠平的跟凸出的有什么
所谓的COB有段时间了。
led灯珠外历了直插、贴片，随着技术进步，顺理成出现了将多个led发光，高度集成直接封装在基板上（电路、散热一体设计），形成结构紧凑、大功率、超大功率led发光元件，这就是“COB”（看似一个灯珠，实际上是一组灯珠）。
亮度更好应该理解为发光点更集中所致，似乎没有COB制造专属的提高光效的技术。
光衰更低，与元件、工艺质量、散热设计密切相关，不能一概而论。
平和凸封装形式而已牌子不在行既然卖新，又有诱人的广告词，价位肯定不低，具体未关心过，不详。
不过电商网站搜一下就清楚了。
关与竞争.合作的名人例子
《中国极多主义》和《念珠与笔触》两个抽象艺术展在北京举行，至今圈子里还在议论这两个展览。
两个展览策展人高名潞和栗宪庭都是中国前卫艺术的“领袖级”人物，也是我的老朋友和在《美术》杂志时的同事。
从展览规模、参展艺术家和展览题目来看，两位策展人都试图对被冷落的各地抽象艺术创作给以关注，并对中国抽象艺术的总体特征加以概括和总结。
两个重量级人物同时关注中国抽象艺术，连参展艺术家都有相当数量属于“资源共享”，自然引起了广泛的关注和议论。
尽管总的来说负面看法比较多，有的甚至相当尖锐，我在和朋友聊天的时候也说过些逍遥话，但展览毕竟提供了一次广泛深入地讨论抽象艺术问题的机会，而且由于两个展览都突出了“中国性”，因此问题也就必然涵盖对“西方性”认识。
我也看到了中西抽象艺术的不同，也认为这个差异非常值得深入讨论，但不想延续二位老朋友的文化学路线，只想从艺术学和艺术史的角度谈谈自己的看法。
二、是“抽象”还是“非具象” 在今天探讨学术问题，几乎不能不从对词的审视开始。
Abstract（抽象）这个词的原义是“从…拉出（抽出）”的意思。
Ab（s）是“从”的意思，tract是“拉”、“抽”的意思，tractor（拖拉机）就是从tract来的。
在实际使用中， abstract 通常是和concrete（具体）对立的概念，指从感性世界提取出的理性认识，由于抽象概念与抽象思维在表述上比较深奥、晦涩、难懂，因此abstract又引申为深奥、晦涩、难懂的意思。
用abstract painting给一种前卫艺术命名，应当说是一种狡猾的策略，它把没有具体形象因而晦涩难懂的绘画悄悄推到哲学的高度，当有人发觉这并不是从具体事物中“抽取”出的形或概念，而是对形的瓦解与纯粹的形式构成，因而应当叫non-fugurative（非具象）的时候，这个命名和被命名事物之间的命名关系已经固化为不可更改的公共约定。
然而，一个准确概念的学术价值肯定要超过一个狡猾命名。
“抽象”一词不存在否定性，所以我们只能说抽象是对具体事物的概括，而不能多对具体事物的否定或者破坏，因此，它更适合指称对行进行了高度概括的大写意中国画，大写意的确是从自然之形中抽取出笔墨之形。
“非具象”一词则不然，它的意思明显是对具象的否定和反运做，而西方的abstract painting的确是对传统具象绘画的否定和反动。
从西方美术史的线索上看，传统、现代、后现代的“三步曲”也的确和figurative、non-figurative 和re-figurative (具象、非具象和再具象) 相对位。
三、西方艺术从具象到抽象的转变 具象阶段追求“按照应有的样子去模仿”。
这里只需要提一句：“模仿”，不是英文的imitation，而是拉丁文的mimesis，这个词首先指幼儿的咿呀学语，大概是西方人的学语不是“咿呀”，而是“咪么”，所以叫做mime-sis。
“按照应有的样子”就是按照理想的样子或者理念的样子。
在源于前苏联的马克思文艺理论中，“模仿”被称为“源于生活”，“按照应有的样子”被称为“高于生活”，模仿的另一种表述“镜子说”则变成了“反映论”。
说白了，“按照应有的样子去模仿”就是既要像，又要完美。
对于手工制作的艺术来说，完美第一要求形象好看，第二要求做工精细（大理石和汉白玉分别成为中西石雕材料，就是因为它们较好地满足做工精细的要求，陶被瓷取代也是因为后者更为精细）。
产生于十七世纪的法文词Beaux-Arts 强调了好看，beau (x) 这个法文词就是英语里的beautiful。
但是英文并没有采用beautiful-arts一词，而是选择了Fine-Arts。
Fine 这个词在英文中不是“美”的意思，而是“精细”的意思，在法文中也是“精细”的意思。
中文的“美术”一词是来自法文的Beaux-Arts 而不是英文的Fine-Arts，如果是来自英文，那中国的所有美术学院就连一天“美术”都没教过，只教过rough-art，即粗糙的艺术，中国美术专业教的画法是德拉克洛瓦以后的画法，fine-arts的标准，这种画法绝对不fine而是rough，以至在当时被称为massacre de peinture (法文，意为“对绘画的屠杀”)。
西方绘画在德拉克洛瓦以前都是追求形似（模仿）、精细和美，这一点与中国的工笔画的追求相一致。
德拉克洛瓦首先从理论到实践上抛弃了精细和以精细为保障的精确，他说：“许多画家，在自己的作品里，尽一切可能不表现笔触，而一味追求轮廓，其理由是认为大自然中并不存在笔触；但轮廓又何尝存在
”同时，他还强调绘画形式要素的“音乐性”：“这种效果由一定的色彩安排，明和暗的转换，也就是说，是由可以称之为画的音乐所创造出来的。
”为了支持这种“音乐说”，他把音乐说成“艺术中最伟大的”，并以音乐的非模仿性质疑“模仿说”。
摆脱形的制约，放弃对精细的追求，无疑是视觉艺术主体化的表现，也是结束工匠艺术+文盲受众的说教艺术史的开始（象形是文盲的文字，象形文字便是最好的证据）。
这段艺术史在西方持续的时间要远远长于中国，原因是西方没有丝绸和纸这种方便的材料和文人这种创作与欣赏主体。
今天，生活在落后的中国的中国人，不可能发现“舞文弄墨”曾经是一项中国文化特权，因为中国有丝绸和纸以及这两种材料缔造的广大“识文断字”群体（羊皮纸这种昂贵材料只能用于抄写最重要的读物《圣经》和缔造少数几个认字的神职人员）；也不可能想象先进的西方推崇的文艺复兴master（大师、巨匠），就是“插上了科学的翅膀”的中世纪手工作坊的顶尖师傅和工匠，所谓master piece，并不是什么“杰作”，而是“师傅的活儿”，painter更不是什么“画家”而是“漆工”，连工具都不是画笔而是漆工刷子，画刀则是漆工刮泥子的刮刀（木版坦陪拉先要糊布刮泥子，后来演变成亚麻布上打底子的油画），所谓“工作室”（studio）不过是中世纪的手工作坊。
我不知道painter（漆工）德拉克洛瓦“对painting的屠杀”是否用了“泥子刀”，但库尔贝把“泥子刀”变成“画刀”肯定是继承和发扬了德拉克洛瓦“对绘画的屠杀”。
如果西方现代艺术史可以分为现代和后现代，那么整个现代就是通过持续不断的 对绘画的屠杀 而持续不断地非具像化，塞尚和毕加索的重要性正是在于他们分别确立了与具象截然相反的非具象理论与实践，凡高的意义则在于他实际上把德拉克洛瓦的 音乐说 演变成表现性的色彩构成，其表现性得到抽象表现主义和波洛克的彻底推进，其色彩构成则与塞尚——毕加索的几何构成共同导致了所谓 热抽象 和 冷抽象 ，因此，无论是 热抽象 还是 冷抽象 ，都可以在作品题目中看到德拉克洛瓦音乐说 的影子：两种抽象作品均喜欢冠以composition多少号的题目，这个词在西语中就是 作曲 的意思，翻译成 构图 x 号 也许是因为译者不知道或者没有注意 音乐说 对现代艺术非具象化的巨大影响。
四、中国的抽象艺术之路 中国东晋顾恺之提出的“以形写神”实际上非常接近古希腊的“按照应有的样子去模仿”，即既解决形似的问题，同时又不照搬自然。
不同的是，前者强调神既对象的活性，后者强调对象在形上的完美。
但顾恺之的“形神论”用了一个“写”字（以形写神），代表自东汉发明造纸术之后识字阶层的迅速扩大，并开始结束文盲画工+文盲受众的初期艺术史。
文盲画工或画匠是只能画（画）不能“写”（字）的，只有识字阶层才能“写”。
这个“写”字不断地被顾之后的画论沿用和巩固，如“以形写形”（宗炳）、“传移模写”（谢赫）、“写山水之纵横”（元帝）、“写百千里之景”（王维），并出现了“写竹”、“写意”、 “写生”之类的术语，甚至对引进的西洋画法也冠以“速写”、“写实”等。
识文断字之士的“写”当然不会像文盲画工和西方文盲“漆工”那样在现成的主题下追求形似、好看和精细，因为这些都不是“写”的目的。
“写”的目的是表达写作主体的思想、观念、情怀等，道出写作主体的“思浩荡”和“神飞扬”（王微），是“畅神而已”而非“以形写形”。
因此，到了工匠式的具象写实发展到宋代《清明上河图》的水平的时候，“论画以形似，见与儿童临”（苏轼）的批判便降临了，“画中有诗”的“意境说”便崛起了，同时，唐诗宋词对意境的发掘也提供了必要的条件和审美价值观。
“意境说”显然更加强调绘画的主体性，“意”本身就代表创作主体，但这种主体又是与客体“境”同一并受其制约的主体，不是随心所欲的主体。
随心之所欲的艺术主张与追求，充分体现在元代倪瓒说的“仆之谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”和“余之竹，聊以抒胸中之逸气耳”。
他说的“画以写胸次之磊落”清楚地说明了“画”就是“写”，“写”就是表达自己。
但是由于“写”自身规定的可识别性，“随心”不可能完全排斥“形似”而成为彻底的非具像，中国草书也是因为受“写”的可识别性的制约而未能成为所谓“抽象书法”。
于是“似与不似之间”就成了中国画颠扑不破的底线，太似便不是“写”而是“画”了，那是文盲画工的事情；不似便违背了“写”的可识别原则，那就不是“写”而是“涂”了。
实际上，中国画是“写”的特质，在谢赫提出的“六法”之中就已经得到了充分体现和完整论述。
在这“六法”中，有“四法”同时适合于书和画，只适合于画的只有“应物象形”和“随类赋采”。
而最重要的第一法“气韵生动”和“古法用笔”绝对是和书法相通相同的法则。
此外还有前面提到过的“传移模写”中的“写”字。
至于中国书画都是从临摹开始，都是记住形而作（胸有成竹）而非边观察边记录（写生），都是在空白上留墨而非在背景色上造型。
也正因为这个“写”的特质，中国石碑的价值要高于石像的价值（无论是中国石像，还是西方的画和石像，都基本上是工匠或巨匠为文盲受众提供的视觉代码）。
长期的“写”的传统、牢固的“写”的价值观与“写”的规定性，使中国艺术家眼睁睁地看着朗世宁和波洛克突破“太似”和“不似”这两条边界，自己却只选择符合中国笔墨趣味的西方品种。
德拉克洛瓦之前的属于“太似”，是匠气的“洋工笔”，不要；毕加索之后的属于“不似”，是不具备“写”的可识别性的“洋欺世“，也不要；二者之间则是“似与不似”之间的“洋写意”。
因此，徐悲鸿——苏派体系实际上就是这种“齐白石折中”的西画版，加在一起可以叫做“齐白石——徐悲鸿折中”，简称“齐徐折中”。
这个“齐徐折中”体系在清代画家邹一桂和当代画家吴冠中对西画的排斥性吸收中得到有说服力的具体体现。
邹一桂提倡“形似”和“入细通灵”，指名道姓地批评“以形似为非”的苏轼“直谓之门外人可也”。
他当时见到的西洋油画符合他“入细”的主张，能够起到“醒法”的作用，避免初学者误入“以形似为非”的歧途。
但因不符合“写”的规则（“但笔法全无”），因此，虽然有工细的优点，但又染上了匠气的毛病，因此不能算做好的作品（“虽工亦匠，故不入画品”）。
这里，邹一桂显然把当时的西洋画当成了匠气的“洋工笔”，如果他见到的作品是德拉克洛瓦画法的“洋写意”，他就不能说“笔法全无”了，最多只说西洋画笔法与我中国不同。
后来的实践证明，中国艺术家的确欣赏甚至崇拜德拉克洛瓦开创的洋笔法。
吴冠中是中国当代艺术中著名的“形式主义”者，反对内容决定形式，形式为内容服务的“内容主义”，因此，充分肯定波洛克纯形式的艺术价值，并将其纳入自己的艺术实践，形成一种波洛克风格的“似与不似之间”。
是青年艺术家迈出了走向彻底非具象的步伐，打破了“写”规定的可识别性。
这迟到的突破既困难又轻松。
困难的是新老传统支持的齐徐折中体系强大、坚固，突破谈何容易；轻松的是千年中国书画“笔墨”经验和在此基础上引进、消化、吸收的油画“笔触”经验使中国艺术家在“抽象水墨”和“抽象油画”创作上具有良好的艺术感觉和分寸把握能力。
但当旧习惯的阻力逐渐减弱之后，笔墨笔触上的轻车熟路又使中国艺术家在光洁材料的非具象与几何构成的非具象方面相对迟钝，使手工感在他们的作品中始终超过工业感。
当然，全球范围的包括现成品、行为等在内的具象符号类作品在理论和实践上强大也在很大程度上弱化了中国乃至全球艺术家在非具象领域的探索：纯形式要素的组合，似乎成了设计师的专利。
五、视觉值：非具象艺术作品的价值所在 我不否认非具象艺术在理论与批评支持上的不利地位，这是因为它实际上创造出的只是一个服务于眼球的“视觉值”，一般观众很难看出个所以然，批评家很难进行社会学联系和阐释（这一点与纯粹服务于听觉的音乐是一致的），这大概就是抽象艺术在完成了对文艺复兴写实传统的致命一击之后自己也失去发展动力的主要原因。
在英文中“值”和“价值”都是value这个字。
实际上，视觉艺术首先是向我们提供一个有区别特征的综合视觉值，这个视觉值决定了一件作品与其他作品的视觉区别，告诉我们这件作品不是其他作品。
所谓具象作品就是其视觉值构成了我们视觉经验中的事物，非具象作品的视觉值则只构成作品本身，不构成我们视觉经验中的任何事物。
当视觉值构成我们经验中的事物时，我们变能够借助我们对事物的看法来读解、欣赏或抨击作品，包括其思想性与技术性；当视觉值只是一种纯粹的视觉构成的时候，我们对事物的经验便失去了读解作品的能力，同时也不会感到制作技术的高低，但不同的视觉值绝对提供不同的视觉感受与视觉心理作用。
视觉值在具象作品中与起表现的事物“绑定”，在设计里则与特定的实用功能形态“绑定”，只有在非具象作品中，视觉值才具有对立的意义，如果说还有什么“绑定”成分或“附加值”，那只能是模糊的视觉心理因素，通俗的说法叫做视觉感受。
在日常生活中这种视觉感受几乎无时无刻不在伴随我们，最常见的便是我们对服装的选择，相同款式的衣服有不同的色彩值供我们选购，每种色彩都有其他色彩不可替代的视觉价值，这时，色彩值就转换成视觉价值。
同理，构成、机理等视觉值也能直接转换成视觉价值。
这种纯视觉意义上的价值是很难用语言陈述的，我们对这种价值的确认通常用“我喜欢”或“拍案叫绝”来表达。
实际上，中国古代画论画评中有大量对视觉值价值的间接确认和肯定，比如用“疏可跑马，密不透风”来肯定布局的视觉价值，用“力透纸背”、“枯笔渴墨”等来肯定墨迹的视觉价值，用“荒寒悠远”肯定意境的视觉价值，等等。
但进入非具象领域，传统的描述与评价用语几乎全部失效，这种间接的价值肯定方式也随之失效，从而造成了巨大的批评困境。
而对于当代艺术来说，一旦失去强有力的批评，艺术品就降低为普通商品，从而在与具象作品的竞争中处于无法逆转的弱势地位。
其实，抽象艺术作品的视觉值就是它的视觉价值，就像服装的视觉值就是服装的视觉价值一样。
具体作品的独特价值就在它与其他作品的视觉差异上面，艺术家的创造性只在于他提供了一个不曾有过的视觉值，并且与过去曾经出现过的作品之间视觉差异越大越好。
六、从《向塞尚致敬》中的悖论看形式变革的意义 1900年，法国艺术家莫里斯.德尼（Maurice Denis，1870-1943）创作一幅题为《向塞尚致敬》的作品，用纳比派的具象象征方式表达了艺术家对塞尚的推崇，而这种方式有恰恰与塞尚的艺术主张与艺术实践相违背的，因为塞尚的道路是否定模仿说的道路，是走向非具象的道路。
因此，真正的向塞尚致敬的是毕加索，尽管他没有画过专门向塞尚致敬的画。
我相信，如果一个人用文言文写一篇“向白话文致敬”的文章，另一个人用白话文写一篇“向文言文致敬”的文章，或者用白话文写一篇反对使用白话文的文章，我们宁可相信用白话文写作更具有否定文言写作的意义，而那篇用文言支持白话文的文章，是以自己的文言写作方式否定了自己提倡白话文的写作内容。
也就是说，德尼是用表达方式上对塞尚艺术的否定来表达对塞尚推崇。
以上分析表明，表述方式比表述内容更具有变革的实在性，现成品、超现实、照相写实、观念摄影、video艺术、行为艺术等等，首先都是表述方式的变革和出新。
艺术品的生产如此，非艺术品的生产也是如此，所谓工业革命，首先是生产方式的革命，而不是生产“内容”的革命。
社会革命也社会组织和运做方式的革命，而不是把一些社会“内容”破坏掉。
中国的农民起义之所以没有革命意义，正是因为他们没有改变社会的组织和运做方式，其结果只能是所谓改变统治“内容”的“改朝换代”。
接下来的问题便是非具象艺术在中国的前卫意义是否已经结束，应当被现成品、行为、观念摄影、video艺术、具象油画之类的具象作品取而代之了。
喧嚣热闹的“抽象水墨”和到处可见的非具象城市雕塑或景观表明，非具象在中国还属于发育期或前卫期，但除了这两个特殊领域，中国当代艺术几乎是现成品、行为、观念摄影、video艺术、具象油画等具象方式的一统天下。
至于与科学理性精神相对位的几何抽象作品更是少而又少。
用“后现代”、“读图时代”、“人文关怀”、 “中国知识分子关注社会的传统”等来解释90年代至今具象作品在中国的压倒优势是没有说服力的。
如果克隆一下所谓西方“后现代”就能把中国当代艺术带入后现代，那么克隆中国青铜器的结果必然是把中国当代艺术带回青铜时代。
如果作品是用来读的而不是用来看的，那么一定出现大量对图象的阅读即精确语义分析，而不是现在这种给不同的图象贴上相同的语言学标签。
“人文关怀”更是一个“放只四海而皆准” 的空洞能指，一个贴到哪里哪里亮的广告词。
实际上，中国当代艺术并未经历深刻的视觉革命，只是从一种歌颂的具象变为讽刺与抨击的具象，这种换汤不换药的方式，与过去用文言（药）提倡文言（汤），现在用文言（不换药）提倡白话（换汤）没有什么不同。
视觉革命走道尽头的标志是确立新的视觉方式在民众心目中的稳固地位（就像扬州八怪从“怪”变为不怪），进而变成新的视觉标准与习惯，这样才能为下一场变革提供前提和意义。
谁还记得顾圣婴
媒体报道：如今在国际乐坛上叱咤风云的钢琴家郎朗，准备斥资千万打造一个极尽奢华的顶级会所，门槛之高，不是社会名流难以进入。
国内另一个钢琴家李云迪也正在将“红色钢琴”奏响四方，染红世界。
他们二人的艺术声誉正如日中天，鲜花和掌声此起彼伏，要将他们的琴声淹没。
对于他们的艺术成就，国人当然应该感到高兴和骄傲，大熊猫是国宝，难道他们不是吗
我相信，只要认真的沿着严肃的艺术道路走下去而不被过度的娱乐化，他们二人都会成为真正的大师的。
不由得使我想起新中国的另一个女钢琴家：顾圣婴。
这个充满圣洁的名字，现在大概只有热爱音乐的人才知道，不像郎朗李云迪妇孺皆知。
但顾圣婴的艺术成就，绝不在他们二人之下。
她出生名门，父亲顾高地是将军，母亲是知识分子，从小受到了良好的教育，音乐天赋极高。
她多次获得国际大奖：1957年在莫斯科第六届世界青年联欢节钢琴比赛中荣获金质奖章；1958年10月参加日内瓦第十四届国际音乐比赛，获女子钢琴赛最高奖，名震世界乐坛。
1960年3月参加华沙第六届肖邦钢琴赛获很高评价。
波兰政府曾将异常珍贵的肖邦手模赠送给她。
匈牙利的评论家说:“她给贝多芬的乐曲注入了魅力和诗意，在听众面前表现了巴赫的严肃、舒曼的丰富和德彪西的澄明和优美”。
保加利亚的评论家说：“她的演奏着重诗意和发自内心的感受……肖邦的乐曲在她的手下呈现了不可再得的美”。
更有国际权威评论称她是“天生的肖邦演奏家，真正的钢琴诗人”，是“高度技巧和深刻的思想性令人惊奇的结合”。
这些都是国际权威的评价，不像现在国内的媒体，广告中，随便一个演员就称为“国际巨星”。
书香门第里出来的钢琴家，从小受到了全面的教育，在各种艺术文化的熏陶下长成，善于从姊妹艺术中吸取营养，使她的艺术表现充满了非凡的品质和趣味，她的钢琴演绎，诗意盎然，气韵浓郁，较好的表现了乐曲的内涵。
她对艺术的喜爱是由衷的、诚挚的，不像现在的众多琴童和家长，把艺术当成名利的敲门砖。
顾圣婴在法国演出时，把零花钱都买了唱片，有一张拉二的唱片，就花了325法郎，还买了几张歌剧。
想起多年前我和女儿在少年宫，听美国的钢琴教授示范讲课，当时的李云迪尚未成名，教授称赞了李云迪的演奏后问他，听了哪些钢琴家的录音，李云迪摇摇头，一脸茫然。
教授马上说道：你喜欢足球从不看比赛
当场给了李云迪一记棒喝。
这次经历，肯定让李云迪受到了影响，后来他赢得肖邦大奖后，在德国深造，又同国际大指挥家、音乐家们接触，音乐追求趋于全面，据说他在汉诺威的住所里，一面大墙全是CD唱片，既有钢琴，也有交响曲和歌剧。
我想说的意思，那些千万琴童家长也许永远不会也不愿意懂，李云迪是幸运的，顾圣婴更是凤毛麟角。
然而，顾圣婴和郎李二人的际遇却截然不同、天壤之别。
在那特殊的年代，像法国大革命一样，名门望族往往是杀身之祸的起因。
就在顾圣婴准备参加国际大赛的时候，公安局的人闯入家里，把一副冰冷的手铐戴在将军父亲的手上，他因潘汉年冤案牵连入狱被判无期。
顾圣婴强忍内心的苦痛参加大赛，获得的是金奖。
尔后的荣誉接踵而至。
怎奈风云突变，文革的乌云笼罩了神州大地。
暴风骤雨首先要摧毁的，当然是“资产阶级”、“四旧”等等，那是当时一切高雅文化的代名词。
于是，残酷的迫害开始了。
在一次批斗会上，纤弱娇小、美丽端庄的顾圣婴突然被拽了上去，“白专典型”、“里通外国的叛徒”、“修正主义分子”、“历史反革命子女”......那么多沉重的帽子连同种种不堪忍受的折磨和凌辱飞向了这个艺术象牙塔里的娇小姐。
她的家人也没有幸免，面对侮辱，他们选择了逃避，去到了一个人间罪恶鞭长莫及的地方。
1967年1月31日，批斗当天，一个阴晦的晚上，顾圣婴和她的妈妈、弟弟，三人在家里抱成一团、泣不成声，随后，打开了煤气阀，冰清玉洁的钢琴家和她的家人一起，从此香消玉殒......。
顾圣婴死时不满三十岁，她的父亲，此时尚在狱中，不知噩耗。
由于早夭，顾圣婴录音不多。
大约二十几年前，我在上海买了顾圣婴的两盒磁带，被她的演奏所吸引，感觉她的触键灵动轻快又柔曼多姿，富于诗情画意。
她的肖邦，特别的优雅，又含着一丝忧怨，细腻、隽永，特别是《幻想波兰舞曲》，有一种梨花带雨的感觉，湿沉沉的，别有一番滋味；《F大调练习曲》，轻快之中也暗含愁绪，令听者动容；她弹的德彪西的《欢乐岛》，呈现一种幻想风格，又带着一种沉思的韵味，是我听过的同曲目中最感人的演绎；李斯特的《第12首匈牙利狂想曲》，弹得技巧凌厉而又意气风发，触键明净轻快且力透千钧，又有一种苍茫感。
这几年，听了太多的演奏，听顾圣婴的奇妙感受，常常回味在心里。
那两盒磁带，现在被中唱公司出版成CD唱片，曲目有小的变动。
可惜没有听到顾圣婴弹的协奏曲，据说她的拉二，悠远细腻、辽阔壮美。
说老实话，国内钢琴家中，我觉得只有顾圣婴和傅聪的演奏，最有境界和诗意，最使人神往，其他的就不好说了，总觉得缺了一点什么。
艺术家的修养啊，没有是装不出来的。
在中国，多少艺术的奇葩毁于政治的风暴之中，悲夫
2012年4月20日 附： 顾圣婴叹 疾风摧折百合花 你啊，不该在那时落下
当绝望 恶魔般地闯入心底， 你中断音乐 从钢琴边站起， 天使一般地 飞进黑暗 隐入静寂。
留下永远的休止符。
也留下 热情明净的肖邦 意象繁复的德彪西 和 永恒命运的 一声叹息
2010.12.27.
国画与浮世绘的比较
中国传统绘画的主要种类。
从美术史的角度讲，民国以前的国画都统称为古画。
中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。
近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。
它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。
中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。
中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。
中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
浮世绘，也就是日本的风俗画，版画。
它是日本江户时代(1603～1867年间，也叫德川幕府时代)兴起的一种独特民族特色的艺术奇葩，是典型的花街柳巷艺术。
主要描绘人们日常生活、风景、和演剧。
浮世绘常被认为专指的木版画（日语称为锦绘），但事实上也有手绘的作品。
在亚洲和世界艺术中，它呈现出特异的色调与丰姿，历经三百余年，影响深及欧亚各地，十九世纪欧洲从古典主义到印象主义诸流派大师也无不受到此种画风的启发，因此．浮世绘具有很高的艺术价值。
浮世绘的艺术，初期原为肉笔浮世绘，即画家们用笔墨色彩所作的绘画，而非木刻印制的绘画。
肉笔的浮世绘，盛行于京都和大阪，这个画派的开始，是带有装饰性的。
它为华贵的建筑作壁画，装饰室内的屏风。
在绘画的内容上，有浓郁的本土气息，有四季风景、各地名胜，尤其善于表现女性美，有很高的写实技巧，为社会所欣赏。
这些大和绘师的技术成就，代代相传，遂为其后的浮世绘艺术，开导了先路。
江户时代是日本封建社会的晚期，它和我国的清代相吻合。
由于经济的增长，城市里首先产生一种“町人文化”(即市民文化)．由于市民文化迅速得到发展，作者云起，需要量扩大，大量印制，以供需求。
从而使肉笔浮世绘进入版画浮世绘阶段。
浮世绘版画的印刷技巧，初为单纯的墨摺本，以后发展有丹绘和漆绘，用彩笔添入的。
真正的套色版画锦绘，在公元1643年至公元1765年前后出现，浮世绘的印刷技术，达到一个高潮，如锦绣万花，绚烂多彩，代表了日本民族在艺术上的高度成就。
浮世绘的题材极其广泛，有社会时事、民间传说、历史掌故、戏曲场景和古典名着图绘，有些画家还专事描绘妇女生活，记录战争事件或抒写山川景物……它几乎是江户时代人民生活的百科全书，而所有这些题材的基调则是体现市民的思想感情。
一些追求自由恋爱和讽刺封建礼教的作品在民间流布极广。
浮世绘木刻归纳起来大致有两种形式：“绘本”和“一枚绘”。
所谓“绘本”，即是插图画本。
它在江户初期是以古典小说的插图为开端，后来陆续出现通俗的插图读物，到万治年间，随着市民小说的产生，这种木刻绘本更加迅速发展。
民间画师便是这种“绘本”的创始人。
“一枚绘”，即单幅的创作木刻，它给单独欣赏一幅画开创了条件，画工也更精细一些。
尺寸大小不等，总计有二十束种，均按刻制方法、套色多寡不同而分为“墨绘”、“丹绘”、“漆绘”、“浮绘”、“锦绘”、“蓝绘”等品种。
浮世绘木刻技法不追求木刻的刀味，却注意木质纹理的表现效果，而且对于线条的流畅放在极主要的地位，往往需要画、刻、印三者共同合作来使作品达到尽善尽美的境地。
他们创造的木纹法、光泽法、云母粉法、印刷法等等都是在力求线条与配色取得高度和谐这一目的上总结出来的作画经验，摆脱了过去向来使用毛笔的束缚。
日本浮世绘是顺应市民经济文化高涨的年代而产生的，对社会生活有深刻的影响，因此，它具有很强的生命力。
浮世绘的作者都出身民间，没有一个御用画家，但到了十九世纪二十年代，由于资本主义的经营方式盛行，致使这种艺术失去了健康的内容，追求色情和低级趣味，渐渐地终于走向衰亡。
浮世绘今虽已被现代印刷术所代替，但它那丰富的艺术成果依然为各国人民所珍视。
浮世绘不仅是江户时代最有特色的绘画，而且由于它对西方现代美术的推进作用而闻名世界，在西方甚至被作为整个日本绘画的代名词。
从制作手段上看，浮世绘分为两种：木版画和肉笔画。
前者是刻制印刷而成，后者是手绘而成。
江户时代的人们更珍惜比版画产量小的肉笔画，也留下许多优秀作品。
但是，浮世绘之所以能在长达两个世纪以上的时间内保持旺盛的生命力，很大程度上是因为在木版画这一未开拓的领域中追求新技法和新形式的各种可能性。
因此，浮世绘样式的展开，主要是在版画中进行的。
在形式方面成为浮世绘版画母胎的，是木版插图本。
在内容上成为其母胎的则是宽永风俗画。
木版画在日本曾用于佛画，17世纪以来受到新传入的明朝木版插图本的影响，在宽永年间形成日本木版插图的初步阶段。
17世纪后期，成为浮世草子前驱的新插图本适应市民阶级的要求陆续刊行，并取宽永风俗画样式。
江户以1657年的大火为契机，市民阶层掀起移植京都文化并创造独自文化的热潮，大量刊行各种色情插图本，在木版插图上也出现新鲜的创造意欲。
直至师宣出现时，风俗画制作的据点仍然在京都，与浮世绘版歪相关的插图本新动向也首先在京都兴起。
但是由于传统环境的原因，木版单张印刷业不太发达，致使浮世绘木叛画始祖的桂冠戴到了的头上。
京都的西川袖信（1671～1751）的业绩同样值得注意，但活动年代稍迟于师宣。
袖信除了肉笔画外，还有大量的歪本、插图本，可与江户浮世绘师抗衡。
并且大多为墨印，题材大部分是美人风俗图。
他擅长以京都风格的细致柔软的曲线将女性柔美的姿态表现在版画上，因此具有新的意义。
他的美人画极大的刺激了奥村政信、石川丰信等江户浮世绘师，特别是对于铃木春信美人画样式的建立起着重要的作用。
在江户继清信、清倍、安度等人后登场的是：奥村政信（1688～1754）、西村重长（
～1756）、石川丰信（1711～1785）、乌居清满（1755～1785）等。
在他们活跃的时期内，浮世绘版画中又产生了红绘、漆绘，由原来的丹绘发展为更先进的手工着色方法，再发展为初级彩印——红印阶段，在表现方法上还受京都浮世绘的影响，整体上纤细化，抒情化。
红绘，是用红颜料代替丹，再加上其他四五色细心分色描绘的方法。
漆绘，是在红绘中的头发和衣带的着墨部分掺胶而发出漆一样的光泽，再撒金粉而增添光彩。
由于红绘这一名称易与红印绘混同，故普遍将它包括在漆绘中。
漆绘创造者，据说是奥村政信。
他既是浮世绘师，又是出版商，富于幻想。
起初采用西川袖信的画风，制作柔和的墨印和丹绘，1715～1720年间，用漆绘手法制作美人画和演员画，直接推广了这种新方式。
比这稍迟而于1730年代出现的浮绘，据说也由政信首创。
浮绘是将欧洲的透视远近法好奇地用于描绘街景、游廊、剧场，大概最早采用了当时京都和江户市民引为珍贵的“蒂机械”（一种聚光观测镜）。
这充分反映出他注意社会动向的性格。
发明红印，大约是1740年，可能受到从长崎输入的中国彩印版画的启迪。
当初是采用红和绿及其他少数色彩，奥村政信、西村重长很早就吸取这种新手法制作出优秀作品。
红印从1760年顷逐渐增加色彩，向多色彩印发展。
它作为以后锦绘的准备阶段具有重要意义。
它的渊源来自原有的“大和绘”。
“大和绘”是专供贵族鉴赏和在上层社会中盛行的一种带有浓厚装饰性的艺术；而浮世绘是表现民间日常生活和情趣的一种艺术形式。
浮世绘最初以“美人绘”和“役者绘”（戏剧人物画）为主要题材，后来逐渐出现了以相扑、风景、花鸟以及历史故事等为题材的作品。
画面的着色，开始只有黑白两色，逐步发展为简单彩色，最后成为多色的“锦绘”。
日本元禄时期的是浮世绘艺术的创始人。
为日本绘画史打开了新的境界。
浮世绘一经出世，就受到了广大市民的喜爱。
这种版画的构成，与我国古代版画的画印方法相同，由画师、雕师、拓师按顺序分工合作来完成。
首先由画师作画，再由雕师刻版，最后由拓师按照画面不同的色彩分别拓印成画。
这种在木板平面上刻出复杂而又精致的线条，再彩拓成画的高超技术，曾被西方画家视为一种不可思议的技艺。
随着浮世绘艺术的发展，涌现出许多著名画师，除了创始人菱川师宣外，比较著名的还有揭开浮世绘的黄金时代帷幕的铃木春信；美人绘大师鸟居清长与歌吕；戏剧绘巨匠：还有写实派大师，以及将风景绘技巧推向顶峰的一立斋广重等名师。
以上六人被称为“六大浮世绘师”。
浮世绘艺术占据日本画坛二百六十余年，直至明治维新拉开序幕前逐渐消退。
这颗跨越三个世纪的东洋艺术明珠，在世界美术史上占有它光辉的一页。
编辑本段【浮世绘的简介】 雪暮(1962年) 伊东深水从其绘画素材看，70%以上内容是妓画（暂称为“美人画”）和伎画（暂称为“艺人画”），也就是说，作品主角是娼妓和艺伎，女性，裸体，性感美，色情是其标志性特征。
用现代艺术眼光看，可算“人体绘画艺术”，但其中大量的性爱交媾题材尚不能与中国“春宫画”相提并论，缺少艺术性，技法拙劣，但对于欣赏性感美还是具有一些审美意义的。
浮世绘的艺术渊源，一来自绘画，师承了中国的“春画”，房中术绘画也；一来自文学，浸染了“浮世草子”（草子：小说），西鹤《好色一代女》、《好色一代男》和近松《曾根崎情死》、《情死天网岛》，是文学“浮世写”直接彰显，主题和题材无非色情和妓女（当然，文学价值与作品题材并非正比例关系）。
因此，“浮世绘”是一个绘画艺术的专有名词，有其特定的内涵外延。
近现代西方人体绘画艺术借鉴了日本“浮世绘”主题和技法，这是积极的方面，有着艺术审美的价值。
望文生义的理解“浮世绘”，想当然的以为就是关于尘世风俗的绘画，类似于中国《清明上河图》那种风俗画。
再扩大到文学领域运用这个专有名词，泛化为关于尘世风俗的描写，则偏离约定俗成的语义越来越远，差不多等于是错别字了。
搞绘画的人很难接受这样的定义，日本人当诧异一个日本词汇出口到中国以后居然发生了那么大的歧义。
编辑本段【浮世绘的历史】 “浮世”来自佛教用语，本意指人的生死轮回和人世的虚无缥缈。
即，此岸或秽土，即忧世或尘世。
日本语言中自“浮世”一词出现开始，就一直含有暗指艳事与放荡生活之意。
因此浮世绘即描绘世间风情的画作。
浮世绘画师以、土佐派出身者居多，这是因为当时这些画派非常显赫，而被这些画派所驱逐、排斥的画师很多都转向浮世绘发展所致。
初期 明历大火（1657年3月2日）至宝历年间（1751年~1763年）。
此时期的浮世绘以手绘及墨色单色木版画印刷（称为墨折絵）为主。
菱川师宣绘制的代表作《见返り美人図》 17世纪后半，后世尊为“浮世絵の祖”的菱川师宣绘制了许多人气绘本及浮世草子，其中《见返り美人図》为其代表作。
在井原西鹤所撰的《好色一代男》（1682年刊行）中，有一段关于浮世绘绘在有12根扇骨的折扇上的描述，是目前（2005年）已知的资料中最早出现浮世绘一词的文献。
到了鸟居清信时代，使用墨色以外的颜色创作的作品开始出现，主要是以红色为主。
使用丹色（红褐色）的称丹絵，使用红色的称红絵，也有在红色以外又增加二、三种颜色的作品，称为红折絵。
值得一提的是，当时鸟居派与歌舞伎业紧密合作，为歌舞伎设计、绘制看板，直至今日，现代歌舞伎的看板仍保有当时流传下来的风格。
中期 明和2年（1765年）至文化3年（1806年）。
锦絵在此时期诞生。
因为画历（絵暦）在俳句诗人及爱好者间十分受欢迎，明和2年开始有了画历交换会的社交活动。
为因应这种大量需求，铃木春信等人以多色印刷法发明了东锦絵，浮世绘文化正式迈入鼎盛期。
由于多色印刷法需反覆上色，因此开发出印刷时如何标记“见当（记号之意）”的技巧和方法，并且开始采用能够承受多次印刷的高品质纸张，例如以楮为原料的越前奉书纸、伊予柾纸、西野内纸等。
另外在产能及成本的考量下，原画师（版下絵师）、雕版师（雕师）、刷版师（刷师，或写做折师）的专业分工体制也在此时期确立。
此时期的人物绘画风格也发生变化，由原本虚幻的人偶风格转趋写实。
年间（1772年—1780年），北尾重政写实风格的美人画大受好评。
胜川春章则将写实风带入称为“役者絵”的歌舞伎肖像画中。
之后著名的歌麿更以纤细高雅的笔触绘制了许多以头部为主的美人画。
宽政2年（1790年），幕府施行了称为“改印制度”的印刷品审查制度，开始管制印刷品的内容。
宽政7年（1795年），因触犯禁令而被没收家产的出版家茑屋重三郎为了东山再起，与画师东洲斎写楽合作，出版了许多风格独特、笔法夸张的役者絵。
虽然一时间造成话题，但毕竟风格过于特异，并未得到广泛回响。
同时期最受欢迎的风格是歌川豊国所绘的《役者舞台之姿絵》的歌舞伎全身图系列。
而歌川的弟子们也一跃形成浮世绘的最大画派—“歌川派”。
后期 文化4年（1807年）至安政5年（1858年）。
蒲原夜之雪《东海道五十三次》之一，绘。
歌麿死后，美人画的主流转变为渓斎英泉的情色风格。
而胜川春章的门生则在旅行话题盛行的带动下，绘制了著名的《冨岳三十六景》。
受到启发，也创作了名作《东海道五十三次》、《富士三十六景》。
此二人确立了浮世绘中称为“名所絵”的风景画风格。
冨岳三十六景 在役者絵方面，歌川国贞师承歌川豊国，以更具力道的笔法绘制。
另外，伴随着草双纸（类似现代的漫画书）所引发的传奇小说热潮，歌川国芳等人开始创作描绘武士姿态的“武者絵”。
歌川国芳的水浒传系列非常受欢迎，在当时的日本引爆了水浒传风潮。
在嘉永6年（1853年）所刊行的《江戸寿那古细见记》中有一句“豊国にがほ（似颜絵）、国芳むしや（武者絵）、広重めいしよ（名所絵）”，简单而直接地为此时期的风格做了总结。
终期 安政6年（1859年）至明治45年（1912年）。
此时期因为受到美国东印度舰队司令佩里（或译：培里）率领舰队强行打开锁国政策（此事件日本称为“黒船来航”）的冲击，许多人开始对西洋文化产生兴趣，因此发轫于当时开港通商之一的横滨的“横滨絵”开始流行起来。
另一方面，因为幕末至明治维新初期社会动荡的影响，也出现了称为“无残絵（或写做无惨絵）”的血腥怪诞风格。
这种浮世绘中常有腥风血雨的场面，例如歌川国芳的门徒月冈芳年和落合芳几所创作的《英名二十八众句》。
河锅暁斎等正统画师也开始创作浮世绘。
而后师承河锅暁斎的小林清亲更引入西画式的无轮廓线笔法绘制风景画，此画风被称为光线画。
歌川派的歌川芳藤则开始为儿童创作称为玩具絵的浮世绘，颇受好评，因而被称为“おもちゃ芳藤（おもちゃ为玩具之意）”。
但是由于西学东渐，照相技术传入，浮世绘受到严苛的挑战。
虽然很多画师以更精细的笔法绘制浮世绘，但大势所趋，终究无法力抗历史的潮流。
其中，月冈芳年以非常细腻的笔法和西洋画风绘制了许多画报（锦絵新闻）、历史画、风俗画，有“最后の浮世絵师”之称。
月冈本人也鼓励门徒多多学习各式画风，因而产生了许多像镝木清方等集插画、传统画大成的画师，浮世绘的技法和风格也得以以不同形式在各类艺术中继续传承下去。
编辑本段【浮世绘的发展】 江户时代，描写风景及百姓的风俗人情，主要是多彩的版画被称为“浮世绘”。
此名称的由来是因为当时描绘“浮世”的歌舞伎和花街柳巷的风俗。
1670年菱川师宣将单一墨色印刷的木版画卖出，故被称为“浮世绘”的创始人。
浮世绘的特点是以木版印刷，大量生产，价钱廉宜，并易于购买。
起初，市场上仅有单一墨色印的画（墨摺绘），但不久出现了[赤版]，以红为主色，再加印黄和绿，在日本绘画史上打开了新的境界。
18世纪中叶，由于歌舞伎的繁盛、木版技术的进步以及浮世画深受人们欢迎，铃木春信创造出的浮世绘----锦绘。
于是以画美女而闻名的大师铃木春信、鸟居清长和喜多川歌磨先后出现。
他们都能绘画出非常雅致而美丽的日本女性，但是他们的作品没有个性、缺乏活力，而且往往暗示出那是个颓废的社会。
也是一位有名的绘画家，他以高度的艺术性描绘出歌舞伎演员的表情变化乃至内在的性格，但他的作品在他自己的时代并不太受欢迎。
正当人物和风俗的主体已近枯竭时，葛饰北斋和安藤广重为浮世绘带来了新的风格——风景画。
葛饰北斋受到西洋铜版画的影响，立志风景画的创作，他在《富岳三十六景》，采用大胆的构图和色彩，受到了人们的喜爱，此后描写了各地的名胜系列画。
安藤广重在《东海道五十三次》的系列里，以叙情的笔调丰富地描绘了日本的自然的旅行者，他的名望甚至超过了北斋。
以后又创作了《木曾路六十九》等以日本各地为题材的系列画。
编辑本段【题材与种类】 美人画 以年轻美丽的女子为题材。
主要是描绘游女（妓女）和茶屋的人气看板娘（招牌女郎），后来也有街头美女的题材。
役者絵 以著名的歌舞伎演员为题材。
肖像画与广告传单的形式都有。
戏画 以滑稽有趣的事物为题材，常见拟人化的手法，也可包括下文的鸟羽絵。
另外有时也有讽刺画的性质，但还是以娱乐性为主。
鸟羽絵 得名自鸟羽僧正，常常将人物的手足画得很长、很滑稽，属戯画的一种。
类似现代的漫画，因此现代的漫画在发展初期亦被称为鸟羽絵。
漫画 即绘画教学手册，有各式各样的题材，定义和现代的漫画不同。
春画、あぶな絵 春画是以性爱场面及相关事物为题材，亦可见将性器拟人化的手法。
这类画作在实用上也有做为情趣用品目录及嫁妆之用。
在当时的乡村地区提到锦絵的话，多半就是指春画。
あぶな絵则是较为含蓄的情色画，有美人出浴、罗衫轻解等题材。
名所絵 除了满足当时无迁徙和旅行自由的民众对名山秀水的憧憬之外，也有做为旅行手册的应用。
花鸟絵 以花、鸟、虫、鱼、兽为题材。
武者絵 以传说、传奇、历史小说中的武士为题材，在传奇热潮后特别流行。
但幕府规定不得绘制织田信长、丰臣秀吉时代以后的武士。
历史画 以历史上著名的事件为题材。
明治维新后，为了更加巩固天皇家的正统性，也有以历代天皇为主题的创作。
玩具絵 因为应用在玩具制作上，所以种类很多，有双六（游戏方法类似大富翁，但游戏内容不同）、めんこ（即尪仔标）、人气浮世绘的小型版、变装游戏的纸娃娃、尽くし絵（绘有妖怪和武者的卡片收集）等。
见立絵 取材自既有的历史故事，但以当时的人地事物仿套。
相扑絵 以相扑为题材，也有相扑力士的肖像画。
张交絵 一张纸上区分成数个大小不一的区块，各区块中皆有独立的主题。
张交絵常常是多位画师共同完成的作品，因此同一张画上可以看到多位画师的画风。
死絵 名人去世时的追悼肖像画。
子供絵 以小孩子游玩时的情景为题材。
长崎絵、横滨絵 以长崎、横滨的异国风情为题材。
风刺画 以时事为题材，例如安政大地震（1855年）后出现的鲶絵，因为当时日本人相信地震是鲶鱼所引发的。
又例如讽刺幕末社会动乱的あわて絵、把戊辰战争描绘成小孩子嬉闹的戊辰戦争の絵皆是。
疱疮絵、麻疹絵 做为防治天花及麻疹的护身符之用。
団扇絵 绘在团扇上的装饰图。
编辑本段【制作方法】 浮世绘是版画的一种，由原画师、雕版师、刷版师三者分工协力完成。
原画师将原图完成后，由雕版师在木板上雕刻出图形，再由刷版师在版上上色，将图案转印到纸上。
要上多少色就必须刻多少版，因此颜色越多，制程就越繁杂。
虽然是协力完成的作品，但一开始只有原画师才能落款，后来也有刻版师的落款。
另外由于幕府实行的审查制度，准许刊行的浮世绘上也会有幕府审查标章及刊行者的印记。
浮世绘的制作过程可分为5个步骤。
一、绘制原图 由原画师构思设计，然后以黑色描绘轮廓。
古时此步骤完成后即需送交幕府审查内容。
审查通过的话，幕府就会盖上合格印记。
二、雕刻墨板 审查过的原图交给雕版师后，雕版师会将原图反过来贴在山樱木制的木板上并浮雕出图案，此板即称为墨板。
为应付将来反覆印刷、多次上色的制程需要，日本人发明了标示“见当（记号之意）”的方法。
该方法的起源有2说： 1744年出版物批发商上村吉右卫门所发明。
1765年一名叫做金六的刷版师所发明。
三、选定色彩 墨板交给刷版师后，刷版师会用薄美浓纸印出做为雕刻色板的底图之用的校合折数张，张数则依原画师计划使用的颜色数目而决定。
原画师会在校合折上以红笔指定心中所构思的色彩。
四、雕刻色板 校合折交给雕版师后，雕版师会以同样的方法雕出所需的色板。
五、刷版 墨板和色板都到齐后，刷版师便开始一色一色反覆印刷上色。
依画面所用的颜色多寡，印刷次数也不同，一般约需刷10到20多次。
色彩重叠的部份以由淡而浓、由小（面积）而大的原则处理。
编辑本段【浮世绘的影响】 梵高所绘的《唐基老爹》中有许多浮世绘画作（1887年）唐基老爹。
19世纪中期开始，欧洲由日本进口茶叶，因日本茶叶的包装纸印有浮世绘版画图案，其风格也开始影响了当时的印象派画家。
1865年法国画家布拉克蒙（FelixBracquemond）将陶器外包装上绘的《北斎漫画》介绍给印象派的友人，引起了许多回响。
梵高可能是著名画家中受浮世绘影响最深的人。
1885年梵高到安特卫普时开始接触浮世绘，1886年到巴黎时与印象派画家有往来，其中马奈、罗特列克也都对浮世绘情有独钟，例如马奈的名作《吹笛少年》即运用了浮世绘的技法。
同样地，梵高也临摹过多幅浮世绘，并将浮世绘的元素融入他之后的作品中，例如名作《星夜》中的涡卷图案即被认为参考了葛饰北斋的《神奈川冲浪里》。
神奈川冲浪里 无独有偶，在音乐方面，古典音乐的印象派作曲家克劳德·德彪西亦受到《神奈川冲浪里》的启发，创作了交响诗《海》(LaMer)。
浮世绘的艺术风格让当时的欧洲社会刮起了和风热潮（日本主义），浮世绘的风格对19世纪末兴起的新艺术运动（ArtNouveau）也多有启迪。
浮世绘版画对世界美术史的作用，应该提到它对当时欧洲画坛的巨大影响。
早在喜多川歌磨死去仅6年的1812年，他的作品就出现在巴黎。
19世纪后半期，浮世绘被大量介绍到西方。
当时西方的前卫画家，如马奈、惠斯勒、德加、莫奈、劳特累克、凡高、高更、克里木特、溥纳尔、毕加索、马蒂斯等人都从浮世绘中获得各种有意义的启迪，如：无影平涂的色彩价值，取材日常生活的艺术态度，自由而机智的构图，对瞬息万变的自然的敏感把握。
对日本艺术的崇拜，以致在西欧产生日本主义热潮，它不仅推动着从印象主义到后印象主义的绘画运动，而且在西方向现代主义文化的发展中发挥着广泛的影响。
编辑本段【代表画师】 铃木春信 东洲斋写乐 歌川广重 葛饰北斋 喜多川歌麿 菱川师宣 溪斋英泉 歌川国芳 月冈芳年
我们上班处有好多老缅 又脏 又吸毒 我又被这里的蚊子咬了 会不会怎么样啊
台湾配音演员虽然和大陆有着截然不同的地方，但依然和日本保持着一定区别。
日本声优不顾自己容貌自己牙齿频频抛头露面的状况绝不少见，他们也不是单纯意义上的幕后工作者了，这种趋势在日本女性声优中尤为明显。
但台湾的配音演员则不然，比起女性配音演员，男性受欢迎的程度更为广泛，但也仅限于受欢迎而已，没见过什么台湾配音演员去拍个含情脉脉的写真集的。
而台湾本土的配音演员绝不像日本那样受人关注，他们所配的许多片子，都被厂商要求不能在剧末打上配音演员的名单。
这点大陆都相对要出色，起码我们还知道“陈大千”“郝琳杰”是谁。
而最过分的，台湾配音演员在配音前，须签署放弃制作权的合同书。
所谓的配音团队，就是指一群同时为某个动画“献声”的配音演员们。
这时就必须有领班来指派所配的角色。
台湾不比日本，配音演员混得并不出色，不能像某某动画的“领衔主演”一样被打成广告到处招摇，就必须“声”兼数职，就必须有领班来调度了，如果排得不好的话……你可以想象明日香一秒钟前正在张牙舞爪，一转身后就成了凌波的静如处子。
比较不幸的，由于水桶各个木板的参差不齐，导致整个团体的质量下降的情况屡见不鲜。
例如〉中的加油场面，日本的原声听着非常爽，到了台版，顶多四个人要充几百个人的场面，当然备受批评。
影片的代理商和电视台可以说是配音公司的最大客户了，虽然配音员有时还会为广告配音或接点其它的活，但这依然只是杯水车薪而已。
而事实上，相对于动画，外国的电视剧和电影才使这些配音演员的最大收入所在。
“哦，服部平次在韩剧里谈恋爱了。
”诸如此类…… 不再和日本比了，井上喜久子和久川绫上个广播节目还边吃蛋糕边聊天，而台湾配音演员能进入广播领域的可谓是凤毛麟角。
除了刘杰和于正升两位当红的配音演员外，其他人根本只能靠着为电视电影或卡通配音来赚钱。
除了电台以外，对于杂志和写真集，台湾配音演员同样备受冷落。
日本又八本最出名的声优杂志。
而台湾应该是“0”本吧。
至于写真集，怕是到了下辈子，都不会有这种情况发生在台湾配音演员身上了(越说越凄凉……) 大陆对于台湾配音的动画是深恶痛绝的,撇开不习惯他们拖腔拉调的语言方式不说,一人分饰几角且个个烂透的事实就让人极度不满。
但仔细想来,台湾配音演员由于没有良好的运作体制,没有受到足够重视,导致了急功近利的事实,给予配音演员的待遇又不高(作为周星驰专署配音的石班瑜以前也曾为<机动警察>配过音)自然会产生这个体系的恶性循环。
而台湾的两大电视台”台视”和”中视”又常常打架,结果造成经常一个动画配成两个版本,且后配的较之前者完全没有提高,严重浪费了人力资源。
虽然事实非常不尽如人意,但台湾配音演员中依然有着为数不少的佼佼者： 刘杰 真实姓名\\\/刘鹏杰 艺名\\\/刘杰 血型\\\/B型 生日\\\/1969.8.31 绰号\\\/朋朋 最喜爱的颜色\\\/白色 最喜爱的食物\\\/冰咖啡 从事配音工作\\\/17年 配音表: 狮子王2辛巴的荣耀~丁满 小熊维尼~小猪(只是暂时的) 宇宙英雄奥特曼~迪卡 头文字D~藤原拓海 灌篮高手(OVA版,非TV版)~樱木花道 幽游白书~浦饭幽助 名侦探柯南~工藤新一、元太(告诉我这不是真的!!!) 神偷卡门~柴克 阿德日记~阿德 棒球英豪~上杉达也 流星花园~花泽类 犬夜叉~犬夜叉 刘杰应该是我们最熟悉的台湾配音演员了,明明是个笑容可掬的大叔,没想到他的声音居然能这样年轻和动听,当初名侦探柯南一出,就已经让少女们纷纷倾倒.说句实话,虽然刘杰在表演上明显不及山口胜平,但在声音上则占了绝对的优势.不过只要日语原音是山口胜平的,到了台湾就几乎成了刘叔叔的任务了. 于正升 配音表: 罗宾汉大冒险~小约翰、吉尔巴特、塔克、查理(四个……) 狮子王2~努卡 H2~国见比吕、城山教练 蜡笔小新~园长、野元广志 猫眼三姐妹~内海俊夫 阿德日记~奇特 忍者乱太郎~土井教练 城市猎人~寒羽良 机器猫~静的爸爸 美少女战士(VIDEO版)~地场卫 福星小子~诸星当 浪客剑心~剑心 足球小将~太空翼 灌篮高手~樱木花道、水户洋平、安田 魔幻游戏~鬼宿、角宿 与刘杰齐名的于正升，声音没有刘杰那么脆弱和独特，但依然可以培养出一群恋声癖大众的。
所扮演的角色以青年男子为主，经常和官志宏，刘杰三人一起出现，心细的应该可以发现吧。
此外他也担任了台湾综艺节目的旁白，涉猎够广的…… 于正昌 上杉和也，柏叶英二郎 仙道彰，宫城良田 幼稚园园长 国见比吕，城山义明 说起于正昌，大家的反应好像总是与张卫健联系起来，其实于正昌在给张卫健配音之前很早就进入配音界了，据他自己说是1991年出道，一些著名作品里不难听到于正昌的声音，比如：电视剧方面，于正昌也不仅仅给张卫健配音，陈志朋、陈浩民的国语配音都曾由于正昌担当。
于正昌的声音，我觉得是米黄色，个人喜欢比作牛奶麦片，色泽纯净，香气馥郁，TOUCH应该是年头比较早的作品了，和也的声音带着锐气，单纯而温润，吉田刚和佐佐木之所以让于正昌来配，大概就是看中于正昌音质纯净这一点吧，佐佐木的声音有一种书卷气，前期的吉田声音单纯中带些稚气，至于后来嚣张起来的吉田那种盛气凌人的气焰，于正昌的把握就有些差强人意了，毕竟还是出道不久吧，演技略有些青涩。
于正昌好像是从开始为张卫健配音，之前给张配音的是刘杰，从电视剧里的演绎能明显地感觉出于正昌演技的进步，只可惜个人实在对这类电视剧的情节提不起兴趣，也就没有再细细口味…… 于正升和于正昌是亲兄弟，哥哥生于1970年12月13日，弟弟生于1973年09月23日，兄弟二人的声音十分相似，许多人常常将两人的声音混淆，两人的声音都很纯，但还是有着细微的差别，于正升的声音相对高亢，富于变化，于正昌的声音相对沉郁，水波不兴。
而且我感觉哥哥的声音好像比弟弟的还显年轻一些。
刘杰评价于正昌的声音时用过“黄莺出谷”一词，我倒觉得用来形容于正升更合适一些，于正升的声音像黄莺的叫声，婉转清脆，如果比作食物的话，我以为是蛋黄派，色泽鲜亮，松软可口（怎么听着像广告
） 樱木花道应该是于正升配过的角色里在大陆人气最高的吧
只可惜当年我一眼SLAM DUNK都没看过，为了写这篇声评，昨天刚从校园网上DOWN了几集恶补了一下，看得太少，我就不发表意见了，从SLAM DUNK的高人气来看，于正升的表现无疑是值得称道的，大家多补充吧
里的大空翼，这种纯纯的形象当然要用于正升纯纯的声音，声音里有些稚气，像牧童的短笛，婉转而细腻。
里的诸星当，我最先听过的是刘杰那个版本的，可能是先入为主吧，总觉得于正升的声音太纯了，所以不太适合这个角色，说起来，像诸星当这样卑鄙无耻下流×荡的人渣，除了刘杰谁能演活了
（这叫什么话……-_-） 小新的爸爸后期由于正升配音，不过还是觉得声音太过年轻了，定位成青年男人而不是中年男人 个人还是看好前期魏伯勤的那个版本（不排除先入为主的可能性）不过于正升的动感超人感觉很可爱：“呀～～～动感连环踢～～～动感光波～～～哈哈哈哈……” 官志宏 配音表: 阿拉蕾~孔泰 棒球英豪~松平孝太郎、新田明男 、上杉信悟 流星花园~道明寺 H2~橘英雄、木根龙太郎、广田胜利、明和教练、雅铃的爸爸（我突然发现很有必要看看这个版本的H2） 浪客剑心~十太 七龙珠~达尔、西鲁 名侦探柯南~毛利小五郎、服部平次（） 足球小将~若林源三 灌篮高手~流川枫、田冈教练、清田信长、相田彦一（……） 魔幻游戏~星宿、心宿、轸宿、氐宿（又来了又来了） 大雄的爸爸 刘备 《乱马1\\\/2》九能 《还珠格格三》乾隆 个人觉得优秀的配音员重在音质和演技，台湾男性配音员里论演技，个人首推官志宏，就我看过的角色里，官志宏的表演永远是不瘟不火、恰到好处，实在是佩服他怎么能将角色把握得如此精准到位，（当然某些电视剧我就不说了，因为没有心思看，觉得那拙劣的情节实在太糟蹋这些台湾配音员的声音了）。
论声音，官志宏也是出类拔萃的，变声能力更是一流。
，最常见的是青年人的声音，个人感觉像萨克斯风，稳重、宽厚、儒雅，充满绅士风度和诗的气质，又如同穿行在身体里的丝丝电流，带来温暖和轻微麻痹的感觉……这类声音的角色常是一些贵族或大财团家的公子哥，这种声音稍冷一点，就是流川枫。
另外一大类就是脱线秀逗的中年老爸，比如TOUCH里的上杉老爸和西尾教练，最著名的就是《CONAN》里的毛利小五郎了（前期和后期的，中期的好像不是），还有瓮声瓮气的胖子，比如TOUCH里的松平孝太郎，《CONAN》里的小岛元太（前五集），老气横秋的，有SLAM DUNK里的安西教练，偶尔还有一些细声细气的猥亵男生，比如TOUCH里的细川。
官志宏变化声线时几乎找不到一点痕迹，，不仅声线变了，连语气和说话的方式都完全变了，我最初查到官志宏在TOUCH里同时给新田明男和松平孝太郎配音时，几乎不相信自己的眼睛，后来仔细听，才勉强找出一点相似之处。
说起官志宏和刘杰，还有一个有趣的现象，那就是两人的角色常常是对头，而且一般刘杰配高人气的主角，而官志宏的配角往往有着不亚于主角的人气。
抛开TOUCH里的达也和新田不说，其它作品里还有 《SLAM DUNK》里的樱木花道VS流川枫（这里说一句，TV版的灌篮里配樱木的是于正升，刘杰配的是剧场版里的樱木），《CONAN》里的工藤新一VS服部平次、怪盗基德（后两者都是官志宏），《流星花园》里的花泽类VS道明寺（是动画，不是电视剧），《犬夜叉》里的犬夜叉VS杀生丸。
前一阵翻电视偶尔翻到《青河绝恋》，其中听到官志宏在里面配梁永昌大夫，是个大反派，青年时的梁，官志宏用的还是前面说的绅士的声音，，而其中却加入了一种邪邪的味道，阴险而狠毒，之前我一向以为这种声音只能诠释正人君子，当时听到官志宏的这种声音真是又惊又喜。
另外有一件趣事，《CONAN》里有一集，基德假扮成一个胖子参加聚会，变形前的基德和变形后的胖子同是官志宏配音，不知道这是不是说明官志宏的变声能力和基德的变身能力一样出神入化呢
^_^ 冯友薇 配音表： 名侦探柯南~柯南 小小露露秀~托比 樱桃小丸子~小丸子（经典） 蜡笔小新~小新（经典中的经典） 浪客剑心~弥彦 城市猎人~牧村香 她的名字也许是为我们所陌生的，但是从她的演出经历来看,这是一位绝不亚于日本声优的配音演员，冯友薇所演出的小丸子和小新，一直为广大爱好者所津津乐道，而小新的演出更是远远超出了日本原声配音。
说台湾配音界无人的，到了冯友薇这边最好闭嘴。
友薇姐的小新可是在大陆享有盛誉，我看过不少评论说她的演绎的小新超越原版，小新那闷声闷气的声音已经是深入人心了，所以关于音质和演技，我就不再赘述了，单说友薇姐给小新配音时的用心程度。
大家都记得第一集里小新的《大象歌》吧
（我汗……）“大象\\\\大象\\\\你的鼻子怎么那么长\\\\妈妈说鼻子长\\\\才是漂亮”，最后一个“亮”字，友薇姐发成“ngang”的音，小孩子那种奶声奶气的味道一下子就出来了。
这么细枝末节的地方都处理得如此精致，其用心程度可见一斑。
其实我最早听到友薇姐的声音是《樱桃小丸子》里的小丸子，（小新、小丸子……两大儿童卡通“偶像”都占了……一个字：弓虽
）那种小女孩赖了吧叽的声音，带着慵懒与任性，真是可爱至极。
前期的柯南（又是一个高人气角色啊……）。
前面说过方雪莉的柯南，个人觉得音质比冯友薇的清亮一些，但冯友薇的柯南，声音更圆润一些，语气上更果敢一些，相比这下方雪莉的那版声音偏向糯软…… 冯友薇的变声能力在《CONAN》里也有展现，《连续两大杀人事件》那四集里，冯友薇担当了九十九元康的太太、女儿，凶手三好麻子，还有柯南的母亲工藤有希子等诸多角色。
个个精彩纷呈，大家不妨留心听听。
《秀逗魔导士》我没看过，不过我听有人评价冯友薇的莉娜不输给原版的林原惠……这是什么概念就不用我说了吧
地方台以前还播过一部动画好像叫《怪侠苏洛》（“苏洛”其实就是“佐罗”，台湾的翻译……汗），其中女主角叫……叫什么来着……好像是叫“罗莉塔”（看过的人帮忙纠正……实在记不起名字了）是个年轻美丽的大小姐，友薇姐少女的声音，像百灵鸟一般，清脆悦耳，面对不争气的男朋友迪亚哥时，略有些无奈和暴力，而面对迪亚哥变身的佐罗时则有些羞赧有些花痴……对这种妙龄女子的把握非常到位。
冯友薇现在也离开台湾，定居香港，好像还时有配音作品与大家见面，听说《天脉传奇》里的杨紫琼的角色就是友薇姐担当配音，我找了很久还是没有找到，真的很想听听看。
吕佩玉 《TOUCH》新田由加，上杉晴子 《福星小子》拉姆 《乱马1\\\/2》天道茜 《蜡笔小新》小新的妈妈 妮妮 《名侦探柯南》毛利兰（前期） 元谷光彦（前期） 个人感觉吕佩玉擅长一些又酸又暴力的女性，看看《福星小子》里的拉姆，一口一个“达令”叫得人心醉，可是发出电击来的声音可是十分野蛮，再看看《乱马》里的小茜，《TOUCH》里的由加，《CONAN》里的小兰，哪一个不是有一身的好功夫
尤其值得一提的是《蜡笔小新》里的野原美牙，典型的悍妇，有名的“美牙瞬狱杀”一闪，小新的土豆脑袋上就得多一个大包。
说起来吕佩玉把美牙简直演神了，对小新时而爱抚，时而愤怒，时而无可奈何……各种不同的情绪拿捏得十分准确。
还有小新的同桌妮妮，吕佩玉把声音收得很尖很细，用以模拟这种两三岁小女孩的声音，显得天真可爱。
到了TOUCH里的西尾佐知子，声音则变得成熟美艳、清亮秀丽，甚至还有一点性感，而西村玲子的声音就又粗又浑浊，而且口齿不清。
反串方面，TOUCH里幼年的达也和也都是吕佩玉，另外还有《CONAN》里的元谷光彦（前期） 据刘杰说，吕佩玉现在定居上海，不知道她是不是还在参与配音工作…… 魏晶琦 《CONAN》毛利兰（后期）元谷光彦（后期）灰原哀 《欢喜游龙》小江儿，多罗格格 《明成皇后》闵慈英 《圣斗士星矢》瞬，魔铃，春丽 《流星花园》牧野杉菜 《新樱桃小丸子》小丸子的妈妈，永泽，小玉 后期的毛利兰，由魏晶琦演绎，个人觉得比前期的吕佩玉更适合这个角色。
比起吕佩玉略有些嗲的声线，魏晶琦的声音更清澈一些，感觉像薄荷汽水，清凉澄澈。
有时候会令我联想到中药里的甘草和冰片，微甜微凉，有提神醒脑，清热解毒之功效。
（呵，玩笑了） 与此相似的是《明成皇后》里的闵慈英，也就是明成皇后。
声音是春天山涧里消融的雪水，里面漂浮着少许的冰凌，有着隐隐的锋芒。
这种声音里透着一股执着和坚强的意志。
小兰在执着地等待着新一的归来，明成皇后也在坚强地守护着自己的国家。
嗯……都是“铁娘子”或“女强人”一类的角色。
魏晶琦的灰原哀似乎并不太为大家所认可。
这也是在所难免。
一者灰原哀的日本声优是女王级的林原惠，演技可说是有口皆碑的，二者囿于经费问题，台湾方面不得不尽量压缩配音阵容，（这点刘杰在他的《翡翠湖》节目中多次提到……这也是台湾配音方面面临的一个障碍），个人虽然也觉得魏晶琦的灰原哀不如原版，但还是觉得能配成这个样子已经十分不易了。
很多地方还是可圈可点。
我的一个朋友认为：魏晶琦的哀是那种柔弱中的冷漠，不及林原的酷，但把外表坚强内心却脆弱的女生形象把握得很到位，而且在表现哀冷静智慧与温柔交替时，语气转换得很圆润。
《欢喜游龙》里的小江儿和多罗格格是两个性格截然不同的角色。
小江儿内心纤细柔弱，魏晶琦用了古典淑女的声音，丝毫没有毛利兰的锋芒。
多罗格格则是一个娇生惯养的千金大小姐，任性妄为，喜欢胡闹。
魏晶琦让声音变换得有些尖利，有些野性，恰如这个角色，是一个心理年龄还处在孩提时代的少女。
方雪莉 《TOUCH》浅仓南 《CONAN》江户川柯南（中期） 《天空之城》希达 《忍者乱太郎》乱太郎 方雪莉给小南配音时，声音像水晶一般，十分清亮，冰“雪”伶“莉”（真是声如其名啊……），甚至有些太过于清亮了，反倒让我觉得不太适合小南这个角色，倒是更接近心目中《ROUGH》里二之宫亚美的形象，听起来像苹果汽水一样爽心，就是略嫌甜（这好像也是许多帖子里台湾配音为人诟病的地方） 中期《CONAN》里的柯南，让我们见识到了方雪莉的反串功力。
个人感觉声音比前期的冯友薇可爱一些，有一种珍珠般晶莹的光泽，也有着“大珠小珠落玉盘”的清脆。
香港电影《烈火战车》（又名《暴走战士》）里梁咏琪演的阿仪，其配音工作正是由方雪莉担当。
典型的淑女的声音，很讨人喜欢。
据刘杰说方雪莉现在定居上海，可于正昌又说她定居北京……反正现在不在台湾了。
（可惜） 褒也罢，贬也罢，他们依然是我们荧屏生活的一部分，我们从各个电视台所收集的动画中，除了广州、辽宁以及少数上海配音班子外，剩下的就是台湾配音演员的成果了。
虽然有很大因素阻碍着我们对他们的喜爱，但这之中依然有很多惊喜我们的事情，毕竟一棒子打不翻一船人。
三全私厨素水饺广告的三个女主角分别叫什么啊
李玛克，中德混血，李崇霄女儿，参加过2014年中国汉字听写大会，2000年生，学生，兼职模特，德国国籍，现居北京。
日本留学专业选择读新闻靠谱么
不同的学校和专业的申请，要求的成绩情况是不一样的。
要根据你学的专业和选的学校而定，无论如何只要自己的硬件实力，包括GPA、留学考试满足院校基本要求，在包括文书老师的对文书的调整、润色，基本上是没有问题的。
非具象的造型元素分析。
。
非具象艺术（Non-figurative）是指人类对事物非本质因素的舍弃和对本质因素的抽取，通常在形式与造型上介于抽象与具象艺术的两极之间。
非具象艺术往往是在抽象的笔触、狂奔的意念之间，意旨凝结于具体形象所暗含的隐喻之上。
非具象艺术是Jean Bazaine 为自己的艺术的定义，他经常受到他的老朋友画家Charles Lapicque的鼓励提携，41年组织了展览《法国传统的20名青年画家》，这次展览确定了这个流派的独立性， 这20个画家的作品非具象也非抽象，试图在表现事物的现实性，从而反映出自己内心的情感。
在他们看来没有必要区分抽象和具象。
对大自然的各种形状的模范和复制，甚至改变的绝对摒弃。
是一种没有生命的几何。
拒绝将外在的世界引入他们的创作之中，努力摆脱一切外在影响，构建内心的色彩表现。
要画出事物的各个部分，在一个静止的空间里构建一种活生生的、流动的时间走廊。
艺术家表现大自然的形状，在日常生活中提取灵感。
流派里有着各种别的流派的交织，立体，野兽，抽象相互融入。
采用了玻璃画的透视，放弃了线形透视。
Jean Bazaine 是代表画家，从自然元素吸取灵感，这如他所说：绘画是一种存在方式，在一个无法呼吸的世界中呼吸。
至于音乐是非具象行艺术，我不怎么很懂，到网上找了资料： 音乐是瞬间艺术 听完了 就过去了 而且看不到 摸不到 只有去体会 所以说音乐是一种非具象艺术西方绘画在德拉克洛瓦以前都是追求形似（模仿）、精细和美，这一点与中国的工笔画的追求相一致。
德拉克洛瓦首先从理论到实践上抛弃了精细和以精细为保障的精确，他说：“许多画家，在自己的作品里，尽一切可能不表现笔触，而一味追求轮廓，其理由是认为大自然中并不存在笔触；但轮廓又何尝存在
”同时，他还强调绘画形式要素的“音乐性”：“这种效果由一定的色彩安排，明和暗的转换，也就是说，是由可以称之为画的音乐所创造出来的。
”为了支持这种“音乐说”，他把音乐说成“艺术中最伟大的”，并以音乐的非模仿性质疑“模仿说”。
如果西方现代艺术史可以分为现代和后现代，那么整个现代就是通过持续不断的 对绘画的屠杀 而持续不断地非具像化，塞尚和毕加索的重要性正是在于他们分别确立了与具象截然相反的非具象理论与实践，凡高的意义则在于他实际上把德拉克洛瓦的 音乐说 演变成表现性的色彩构成，其表现性得到抽象表现主义和波洛克的彻底推进，其色彩构成则与塞尚——毕加索的几何构成共同导致了所谓 热抽象 和 冷抽象 ，因此，无论是 热抽象 还是 冷抽象 ，都可以在作品题目中看到德拉克洛瓦音乐说 的影子：两种抽象作品均喜欢冠以composition多少号的题目，这个词在西语中就是 作曲 的意思，翻译成 构图 x 号 也许是因为译者不知道或者没有注意 音乐说 对现代艺术非具象化的巨大影响。
中国东晋顾恺之提出的“以形写神”实际上非常接近古希腊的“按照应有的样子去模仿”，即既解决形似的问题，同时又不照搬自然。
不同的是，前者强调神既对象的活性，后者强调对象在形上的完美。
但顾恺之的“形神论”用了一个“写”字（以形写神），代表自东汉发明造纸术之后识字阶层的迅速扩大，并开始结束文盲画工+文盲受众的初期艺术史。
“写”的目的是表达写作主体的思想、观念、情怀等，道出写作主体的“思浩荡”和“神飞扬”（王微），是“畅神而已”而非“以形写形”。
到了工匠式的具象写实发展到宋代《清明上河图》的水平的时候，“论画以形似，见与儿童临”（苏轼）的批判便降临了，“画中有诗”的“意境说”便崛起了，同时，唐诗宋词对意境的发掘也提供了必要的条件和审美价值观。
“意境说”显然更加强调绘画的主体性，“意”本身就代表创作主体，但这种主体又是与客体“境”同一并受其制约的主体，不是随心所欲的主体。
随心之所欲的艺术主张与追求，充分体现在元代倪瓒说的“仆之谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”和“余之竹，聊以抒胸中之逸气耳”。
他说的“画以写胸次之磊落”清楚地说明了“画”就是“写”，“写”就是表达自己。
但是由于“写”自身规定的可识别性，“随心”不可能完全排斥“形似”而成为彻底的非具像，中国草书也是因为受“写”的可识别性的制约而未能成为所谓“抽象书法”。
于是“似与不似之间”就成了中国画颠扑不破的底线，太似便不是“写”而是“画”了，那是文盲画工的事情；不似便违背了“写”的可识别原则，那就不是“写”而是“涂”了。
后来的实践证明，中国艺术家的确欣赏甚至崇拜德拉克洛瓦开创的洋笔法。
吴冠中是中国当代艺术中著名的“形式主义”者，反对内容决定形式，形式为内容服务的“内容主义”，因此，充分肯定波洛克纯形式的艺术价值，并将其纳入自己的艺术实践，形成一种波洛克风格的“似与不似之间”。
是青年艺术家迈出了走向彻底非具象的步伐，打破了“写”规定的可识别性。
这迟到的突破既困难又轻松。
困难的是新老传统支持的齐徐折中体系强大、坚固，突破谈何容易；轻松的是千年中国书画“笔墨”经验和在此基础上引进、消化、吸收的油画“笔触”经验使中国艺术家在“抽象水墨”和“抽象油画”创作上具有良好的艺术感觉和分寸把握能力。
但当旧习惯的阻力逐渐减弱之后，笔墨笔触上的轻车熟路又使中国艺术家在光洁材料的非具象与几何构成的非具象方面相对迟钝，使手工感在他们的作品中始终超过工业感。
当然，全球范围的包括现成品、行为等在内的具象符号类作品在理论和实践上强大也在很大程度上弱化了中国乃至全球艺术家在非具象领域的探索：纯形式要素的组合，似乎成了设计师的专利视觉值：非具象艺术作品的价值所在 我不否认非具象艺术在理论与批评支持上的不利地位，这是因为它实际上创造出的只是一个服务于眼球的“视觉值”，一般观众很难看出个所以然，批评家很难进行社会学联系和阐释（这一点与纯粹服务于听觉的音乐是一致的），这大概就是抽象艺术在完成了对文艺复兴写实传统的致命一击之后自己也失去发展动力的主要原因。
在英文中“值”和“价值”都是value这个字。
实际上，视觉艺术首先是向我们提供一个有区别特征的综合视觉值，这个视觉值决定了一件作品与其他作品的视觉区别，告诉我们这件作品不是其他作品。
所谓具象作品就是其视觉值构成了我们视觉经验中的事物，非具象作品的视觉值则只构成作品本身，不构成我们视觉经验中的任何事物。
当视觉值构成我们经验中的事物时，我们变能够借助我们对事物的看法来读解、欣赏或抨击作品，包括其思想性与技术性；当视觉值只是一种纯粹的视觉构成的时候，我们对事物的经验便失去了读解作品的能力，同时也不会感到制作技术的高低，但不同的视觉值绝对提供不同的视觉感受与视觉心理作用。
视觉值在具象作品中与起表现的事物“绑定”，在设计里则与特定的实用功能形态“绑定”，只有在非具象作品中，视觉值才具有对立的意义，如果说还有什么“绑定”成分或“附加值”，那只能是模糊的视觉心理因素，通俗的说法叫做视觉感受。
在日常生活中这种视觉感受几乎无时无刻不在伴随我们，最常见的便是我们对服装的选择，相同款式的衣服有不同的色彩值供我们选购，每种色彩都有其他色彩不可替代的视觉价值，这时，色彩值就转换成视觉价值。
同理，构成、机理等视觉值也能直接转换成视觉价值。
这种纯视觉意义上的价值是很难用语言陈述的，我们对这种价值的确认通常用“我喜欢”或“拍案叫绝”来表达。
实际上，中国古代画论画评中有大量对视觉值价值的间接确认和肯定，比如用“疏可跑马，密不透风”来肯定布局的视觉价值，用“力透纸背”、“枯笔渴墨”等来肯定墨迹的视觉价值，用“荒寒悠远”肯定意境的视觉价值，等等。
但进入非具象领域，传统的描述与评价用语几乎全部失效，这种间接的价值肯定方式也随之失效，从而造成了巨大的批评困境。
而对于当代艺术来说，一旦失去强有力的批评，艺术品就降低为普通商品，从而在与具象作品的竞争中处于无法逆转的弱势地位。
其实，抽象艺术作品的视觉值就是它的视觉价值，就像服装的视觉值就是服装的视觉价值一样。
具体作品的独特价值就在它与其他作品的视觉差异上面，艺术家的创造性只在于他提供了一个不曾有过的视觉值，并且与过去曾经出现过的作品之间视觉差异越大越好。
从《向塞尚致敬》中的悖论看形式变革的意义 1900年，法国艺术家莫里斯.德尼（Maurice Denis，1870-1943）创作一幅题为《向塞尚致敬》的作品，用纳比派的具象象征方式表达了艺术家对塞尚的推崇，而这种方式有恰恰与塞尚的艺术主张与艺术实践相违背的，因为塞尚的道路是否定模仿说的道路，是走向非具象的道路。
因此，真正的向塞尚致敬的是毕加索，尽管他没有画过专门向塞尚致敬的画。
我相信，如果一个人用文言文写一篇“向白话文致敬”的文章，另一个人用白话文写一篇“向文言文致敬”的文章，或者用白话文写一篇反对使用白话文的文章，我们宁可相信用白话文写作更具有否定文言写作的意义，而那篇用文言支持白话文的文章，是以自己的文言写作方式否定了自己提倡白话文的写作内容。
也就是说，德尼是用表达方式上对塞尚艺术的否定来表达对塞尚推崇。
以上分析表明，表述方式比表述内容更具有变革的实在性，现成品、超现实、照相写实、观念摄影、video艺术、行为艺术等等，首先都是表述方式的变革和出新。
艺术品的生产如此，非艺术品的生产也是如此，所谓工业革命，首先是生产方式的革命，而不是生产“内容”的革命。
社会革命也社会组织和运做方式的革命，而不是把一些社会“内容”破坏掉。
中国的农民起义之所以没有革命意义，正是因为他们没有改变社会的组织和运做方式，其结果只能是所谓改变统治“内容”的“改朝换代”。
接下来的问题便是非具象艺术在中国的前卫意义是否已经结束，应当被现成品、行为、观念摄影、video艺术、具象油画之类的具象作品取而代之了。
喧嚣热闹的“抽象水墨”和到处可见的非具象城市雕塑或景观表明，非具象在中国还属于发育期或前卫期，但除了这两个特殊领域，中国当代艺术几乎是现成品、行为、观念摄影、video艺术、具象油画等具象方式的一统天下。
至于与科学理性精神相对位的几何抽象作品更是少而又少。
用“后现代”、“读图时代”、“人文关怀”、 “中国知识分子关注社会的传统”等来解释90年代至今具象作品在中国的压倒优势是没有说服力的。
如果克隆一下所谓西方“后现代”就能把中国当代艺术带入后现代，那么克隆中国青铜器的结果必然是把中国当代艺术带回青铜时代。
如果作品是用来读的而不是用来看的，那么一定出现大量对图象的阅读即精确语义分析，而不是现在这种给不同的图象贴上相同的语言学标签。
“人文关怀”更是一个“放只四海而皆准” 的空洞能指，一个贴到哪里哪里亮的广告词。
实际上，中国当代艺术并未经历深刻的视觉革命，只是从一种歌颂的具象变为讽刺与抨击的具象，这种换汤不换药的方式，与过去用文言（药）提倡文言（汤），现在用文言（不换药）提倡白话（换汤）没有什么不同。
视觉革命走道尽头的标志是确立新的视觉方式在民众心目中的稳固地位（就像扬州八怪从“怪”变为不怪），进而变成新的视觉标准与习惯，这样才能为下一场变革提供前提和意义。
