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从17世纪起，由于主调音乐的逐步发展，和声的作用愈趋重要。
它在音乐中所起的作用大致有3个方面：①声部的 组合作用。
在统一的和声基础上，各声部相互组合成为协调的整体。
②乐曲的结构作用。
通过和声进行、收束式、调性布局等在构成曲式方面起重要作用。
③内容的表现作用。
通过和声的色彩、织体以及配合其他因素，塑造音乐形象、表现音乐内容。
和声的处理是音乐创作的重要写作技巧，也是对位、配器、曲式等其他作曲技法的基础。
有时，曲调也由和声衍生。
和声是多声部音乐的音高组织形态，是音乐的基本表现手段之一。
就作曲理论的一般观念而论，和声是与对位（即通常所说的“复调”）相对应的技术范畴。
在十九世纪以前一百多年的音乐实践中，和声一直被看成是对位的基础。
和声有结构功能和色彩功能两种基本属性：结构功能是指和声对音乐形式构成方面的意义。
这主要表现在：（1）音高纵向结合的组织作用；（2）确立或瓦解调性、调式的作用；（3）发展或终止某一结构的作用。
色彩功能即和声的音响作用。
在音乐中，和声凭借这种功能，或独立地或同其他因素协同地参与音乐表现。
两种功能的对立统一，是和声内部矛盾的集中表现，它决定着和声风格的历史演变以至每一和声现象的面貌特征。
特色在调性音乐中，和声同时具有功能性与色彩性的意义。
和声的功能，是指各和弦在调性内所具有的稳定或不和声乐谱稳定的作用、它们的运动与倾向特性、彼此之间的逻辑联系等。
和声的功能与调性密切相关，离开了调性或取消了调性，和声也就失去了它的功能意义。
和声的色彩，是指各种和弦结构、和声位置、织体写法与和声进行等所具有的音响效果。
和声的色彩是和声表现作用的主要因素，无论在调性音乐或非调性音乐中，它都具有重要意义。
发展和声的历史发展西洋音乐中和声的形成与发展，至今已有千余年历史，现分6个阶段概述如下：10～16世纪，欧洲复调音乐从早期的奥加农发展至复调写作的完善阶段当复调音乐的各声部和声相互间以协和音程为主作对位结合时，即形成和声音程、和弦与和声进行。
当时以各类七声中古调式为基础，故后人称15、16世纪复调音乐中的和声为中古调式和声或教会调式和声。
其特点为：①建立在6种不同结音(即主音)的调式基础上（第7种洛克里亚调式极少应用）。
各调式音阶的音程关系不同，每一种调式都有其特征音程，相互区别。
②以协和音程为基础，和弦结构只有大、小三和弦原位、第一转位与减三和弦第一转位。
其他不协和音程均须按规定的方法解决。
③各级三和弦都可相互连接。
在和弦的连接中，根音之间的各种音程关系（除增四度外）均常用。
在音乐进行过程中，并不要求以主和弦为中心，但在乐曲结束处应以主和弦收束。
约从14世纪开始应用变音，亦称“伪音”，规定六度反向级进到八度时须为大六度，三度反向级进到同度时须为小三度，因此需应用变音，形成类似导音进入主音的声部进行。
另外，为了避免减五度与增四度，亦需用变音。
这为各类调式逐渐演变集中为大、小调体系创造了条件。
由于在各个乐句结束处不同的停顿音上构成类似Ⅳ—I、Ⅴ—I或Ⅳ—Ⅴ—I的和声进行，形成了以后转调的萌芽。
17世纪，早期巴罗克时代随着单旋律乐曲的形成和歌剧的产生，采取为单声部歌唱加和弦式伴奏的方法。
开始应用数字低音以指示伴奏部分的和声，由键盘乐器演奏者即兴弹奏，以纵的音程结合为基础，使和声的作用加强，并形成以平均节奏持续流动的低音线条。
器乐中和弦式织体的发展，对逐步形成主调音乐有重要意义。
由于戏剧性内容表现的需要，开始重视发挥和声──特别是不协和弦的表现作用（如C.蒙泰韦尔迪、J.佩里等在歌剧中用七和弦来表现哀叹和不幸等内容）。
属七和弦的应用，成为确立大小调调性的重要条件。
至17世纪后期，虽然还存在着中古调式的影响，但大、小调体系已得到确立。
大、小调成为旋律与和声的调式思维的基础；它们之间的调式色彩对比成为音乐中的重要表现因素。
18世纪上半叶，后期巴罗克时代在这一时期中，器乐写作得到更大的发展，建立在大、小调和声体系基础上的自由复调音乐是主要的织体形式。
继续应用数字低音作为键盘乐器和声部分的写谱方法。
和声作为构成曲式的要素，对于这一时期的乐曲结构，包括赋格曲、古二部曲式、早期奏鸣曲式等，均有重要作用，形成了调性布局的规律：大调乐曲先转至属大调，以后再转向其他近关系调；小调乐曲先转至属小调或平行大调，以后再转向其他近关系调。
在转调布局中注意到调性的功能与色彩的对比。
小调乐曲结束的主和弦常用大三和弦，称辟卡迪三度，这种方法自16世纪后半叶得到普遍应用起，一直延续到18世纪中叶。
同主音大小调的变化是这一时期使用的一种音乐对比方法。
平均律键盘乐器的应用，使乐曲所用的调和转调的范围得到扩大，J.S.巴赫的《平均律钢琴曲集》是这类乐曲的典范作品，对后世音乐艺术的发展有极其重要的作用。
这一时期的和声材料除各级自然和弦外，变音和弦如副属和弦、减七和弦与那不勒斯六和弦等应用较多。
器乐中各种和声织体，如和弦式、分解音型式等的应用，使主调音乐风格获得进一步发展，逐步向18世纪后半叶的主调音乐体制过渡。
在这一时期内，不少作家重视以不同的和声材料来表现不同的音乐内容，发挥和声的表现作用。
如在巴赫作品中，以单纯的和声表现欢快、赞颂、希望、和平等内容。
以半音化和声与不协和弦表现幻想性、戏剧性与苦难、忧伤、哀悼等内容。
巴赫在《马太受难曲》中用低音的半音上行、变音和弦与不协和弦等手法，描绘了“大地震动，岩石崩裂，死者从墓中升起……”的情景。
这一时期的和声虽以大、小调体系为基础，但中古调式在一部分以众赞歌为基础的声乐、器乐曲中仍有应用。
和声18世纪后半叶，古典乐派时期主调音乐成为主要的体制。
当时所追求的思想内容与结构形式上的单纯明晰的特点，也表现在和声手法的简朴方面。
大、小调体系成为和声的基础，中古调式消失其影响。
和声的调性意义更为明确集中，强调主、下属与属七3个主要和弦。
数字低音在创作中已不再应用，低音也摆脱了流动性线条的束缚。
由于结构的方整性，并且没有复调音乐中那种错综复杂的声部与节奏，使和声的节奏规律化与节拍化，以对称、平衡的和声进行为主体。
离调、移调模进、减七和弦、增六和弦、同主音大、小调对置等均普遍应用。
开始应用和声大调式，应用降Ⅵ级大三和弦的阻碍收束，随着半音化和弦外音的应用，装饰性的半音进行也得到发展，成为一种富于色彩的手法。
在主调音乐的曲式中，特别在大型曲式，如奏鸣曲式中，和声的结构作用得到充分发挥，成为主调音乐结构的要素之一。
19世纪，浪漫主义时期19世纪初，和声手法基本上与上世纪后期相同。
此后，由于题材和内容范围的扩大，音乐作品中情感的表达、心理的刻划、风景的描绘和情节的表现等需要，促使作曲家不断发展新的和声语汇，丰富和声的表现力。
这主要表现在两方面：一方面是发展变音体系和声以及其他复杂的和声手法，如大量应用半音化的声部进行、远关系离调与转调、游移与模糊的调性、连续的属功能组和弦、各类远关系的变音和弦、高度叠置和弦（九和弦、十一和弦、十三和弦等）、主和弦的隐蔽、收束的避免、同主音大、小调的混合以及强拍上的半音和弦外音等，从而将大、小调体系和声推向极限，趋于解体的边缘。
和声的功能性逐渐削弱和模糊，色彩性得到突出和强调。
R.瓦格纳后期乐剧中的和声可为这方面的代表。
另一方面由于民族乐派的兴起与古代宗教题材的采用，恢复并扩充了自然音体系和声。
例如由于民间音乐的影响，扩大了作品中调式的范围，除自然大、小调式外，还有其他中古调式和特殊调式，如F.F.肖邦作品中的弗里吉亚调式与吕底亚调式，F.李斯特作品中的吉卜赛调式，俄罗斯作曲家作品中的各类自然调式等。
在和声的处理方面，下属组和弦得到强调，有时某个段落仅由下属组和弦与主和弦构成。
大调副三和弦也得到重视，它们增加柔和的色彩，并使和声具有中古调式的风格特点。
变格进行、阻碍进行以及三度根音关系的和声进行等也和声较普遍，这在李斯特、瓦格纳、俄罗斯作曲家与E.格里格等人的作品中常可遇到。
在和弦构成方面有加六度音的主和弦与属和弦、自然音范围的高度叠置和弦等。
在和声的收束式方面，也出现了新的处理方式，如在结束处使用转位的主和弦；以Ⅲ级代替Ⅴ级的正格收束；Ⅵ级或Ⅱ级代替Ⅳ级的变格收束等。
有时最后结束不在主和弦上。
这一时期中，还有一些富于创造性而成为近代和声先驱的特殊手法，如：五声音阶和声(如在А.П.鲍罗丁的作品中)；五度叠置和弦（如在李斯特的作品中）；复合和声(如在瓦格纳的作品中)；全音阶和声(如在Н.А.里姆斯基-科萨科夫的作品中)等。
20世纪在19世纪后期大、小调体系和声发展至极限的基础上，不少作曲家探索新的创作手法，或回复至古老的音乐风格，其结果都打破了过去200年来传统和声的规范。
20世纪的和声手法，总的可概括为：和声思维的复杂化，和弦结构的多样化，和声进行的自由化与调性观念的扩大化。
首先是将传统和声材料在使用方法上加以突破，创造新的和声效果，例如应用三度叠置和弦的平行进行；四六和弦与不协和弦的独立应用；无功能联系的远关系和弦的紧接；连续大二度、小三度或大三度的和声进行与复合和弦等。
在打破大、小调式的长期影响方面，广泛采用了各类中古调式、五声调式、某些民族的特殊调式、泛音音阶（同时包含增四度、小七度的大调式）、全音音阶、十二音音阶以及各类其他特殊的调式与音阶。
这些新的调式音阶为和声的处理提供了不同于大、小调式的基础。
在和弦结构方面力求打破传统的三度叠置原则，并追求以往被认为是不协和的、粗糙的和声效果。
例如建立在半音阶基础上的高层三度叠置和弦、采用四度叠置的方法、二度密集的音群、各种附加音与任何可能的结合，使和声纵的音响尖锐化、紧张化与复杂化。
另外，还有完全以自然音体系的各音作各种自由组合的和声处理方法， 称“泛自然音体系”。
19世纪后期的音乐作品中，大小调式的区别已趋于消失，更由于半音化和声的发展，调性范围的扩大与不断迅速地转换，带来了调性与和声功能意义的削弱与模糊。
20世纪，在这基础上更进一步突破传统的观念，产生下列新的调性处理方式：①泛调性，这种处理仍然保持调性的作用，但打破了传统调性的界限，不以三和弦、自然音阶为基础，也无功能性的和声进行，而通过一些新的方法来表现或暗示调性中心（主音或主和弦）的意义。
有时，由于调中心不断变换，缺乏较固定、明确的调性感觉。
②多调性，两个以上不同的调性同时结合，即构成双调性或多调性，这是20世纪初开始流行的一种新的调性处理方法。
每一个调性层次大都为自然音体系的传统调性，但当不同的调性叠置结合时，即产生了不协和的、矛盾的、有时甚至是很尖锐的和声效果。
③无调性，在半音阶的基础上，强调每个音都有同等的意义，避免和否定中心音的控制。
这种处理排除了调性，调号也失去其意义而不再应用。
取消了和弦结合的原则、根音的作用与和弦之间的内在联系。
乐曲的结构不再依靠和声收束式来加以区分。
中国音乐作品中的和声表现手法在中国专业音乐创作中，和声的应用约从20世纪初开始，最初采用欧洲大、小调和声方法。
由于旋律多为五声调式，因此，和声如何适应旋律的风格，就成为中国作曲家在实践中不断探索的课题。
初时的和声大都是在大、小调和声的基础上加强副三和弦的作用以及应用附加六度音的大三和弦等方法，并注意声部（特别是两外声部）的五声化进行。
20年代赵元任在其创作歌曲的伴奏中，就注意试验中国化的和声.30年代中，由于民族传统音乐与民间音乐的影响，音乐的民族风格问题得到进一步的重视，对和声也有了更多的探索和试验，如借鉴欧洲民族乐派以至印象派（如德彪西）的某些和声方法，自然调式和声的应用增多，在三和弦的基础上采用附加音或代替音的方法。
在有些作品中，打破了大、小调的和声规范，采用五声化和声结构（如老志诚的《牧童之乐》的引子部分等）或复调化处理（如贺绿汀的《牧童短笛》等）。
40年代中，音乐创作较前一时期有进一步的发展，以民歌或以民歌风的旋律为素材的作品逐渐增多。
和声上重视应用调式和声方法，并尝试一些适合于五声音调的和弦结构，如四、五度和弦、替代音和弦等。
开始吸取和应用某些近现代的和声方法，印象派作家的和声引起较多作曲者的注意和借鉴。
P.欣德米特的作曲理论也开始介绍到中国，谭小麟在他的创作中将这种理论、技巧与民族风格相结合，创造了新的和声处理方法.当时也有应用无调性创作手法与中国民歌相结合的尝试，但并不普遍。
中华人民共和国成立后，音乐创作获得很大发展，和声的民族风格问题引起更大的重视。
但由于强调功能性和声理论，因此在和声处理方面，主要属于三度结构与功能性的调式和声方法，与此同时，在保持调性、调式的基础上，也有许多探索与尝试，如五声化和声结构、复杂的和声结合，复合和声、四度和声、调式交替变音和声与平行进行等等。
不少作曲者又继续探索近现代和声手法与民族风格相结合的处理方法，有不少可喜的成果。
总之，从中国音乐创作的实践观察，三度结构的和声、五声纵合化和声与近现代复杂的和声都可以与五声性的民族音调相结合，在发展音乐创作的民族风格方面发挥其作用。
外国电影音乐欣赏心得
电影《乱世佳人》赏析： 《GONE WITH THE WIND》在中国的翻译有两个版本：《乱世佳人》和《飘》。
我比较喜欢后者，正如电影开始时打出了一行字幕：A civilization has gone with the wind.一个文明是随风而飘的，最终是要飘散的；一个人的命运是随风而飘的，最终也会飘散。
其实又岂只是一个文明的飘散，随着文明飘散的是，无数个生命个体，一代人，一代人的梦想，一代人的生活方式。
就像是面对一个终极的目标——死亡——一样，你是选择清醒而悲观空虚地活下去，还是抛开这终极的目标盲目地积极活下去；在一个文明消逝之后，你是选择在缅怀中活下去，还是抛弃过去，从新开始。
在电影中，给出了几种选择。
灰色的模糊轮廓 阿希礼是一个注定应该过一种富庶安宁的生活的人，否则就是一个悲剧。
他见不得任何清晰的事物：鲜艳的色彩刺痛他的眼睛，清晰的线条刮伤他的皮肤。
相反，平静单调的生活、沉静纤弱的妻子，由想象勾勒出来的音乐和文学，这些模糊的形象却带给了他安全感，他太习惯它们了，柔和、缥缈。
但是，一声炮响，一个士兵的倒下，一座建筑的崩塌都以清晰而血腥的画面刺激着他柔弱的神经。
他很清楚的意识到世界已经变了，这于他毫无改变，只能加深他的悲剧。
并不是他没有能力去应付即将到来的世界，只是他不敢面对的态度削弱了他在新的文明下生存的能力。
其实阿希礼并不能算是他所怀念的那个文明的最好代表。
如果一个文明只以一种享受的姿态出现，而没有踏实的实干，就像一个海市蜃楼，这样的文明是没有存活的资格与魅力。
我认为在此电影中这个文明的真正代表是奥哈拉太太和玫兰妮，她们既有修养地悠闲地生活又能勇敢的面对困难。
这才是这个文明真正的意义与魅力之所在。
阿希礼充其量只不过是继承了文明的表象，享受这个文明经过漫长的奋斗后的成果，却没有记住与继承这个文明在早期开发的阶段所表现出来的勇敢的性格魅力。
他天生就是懦弱的，被道德束缚的他还是可以在新的文明下生活下去，但是其内心潜藏着巨大的恐惧与厌恶，也就是说，他永远也不能融入那个文明当中。
后来也证明他不能使妻儿过上很好的生活，他没有能力在那个满是残酷丑陋的竞争生存下来。
阿希礼在战争的残酷现实的逼迫下，渐渐明白他所处的文明已经没有生存下去的可能了 ：它没有可以抵御他人进攻的现代化设施，却满怀为国牺牲的雄心与对现实情况的无知与狂妄；只既希望于与欧洲的棉花贸易帮助自己取得胜利，却不知道世界正被一场新的革命所改变着。
战争不是最可怕的，它只是消磨你的生命，个体的意志；战争之后的价值观的侵略才却是对过去的整个文明的颠覆。
阿希礼有明确的历史观，能够看清历史发展的脉络，却没有勇气去正视历史的前进的规律。
他不够资格代表一个灿烂过的文明，却完完全全把自己交给了那个文明。
一旦此文明飘散，他的精神也随之崩塌，靠道德维持的生命只是一具没有生气的躯壳。
在现实当中太多阿希礼这样的人，看清现实，只能徒增他们人生的悲剧色彩，这样的人是真正的弱者。
而阿希礼的懦弱就是体现在自己的理想与庇护消逝后的选择，既然选择了就必须承担。
其实阿希礼完全可以通过自杀来解脱自己，但是，他太把自己归类到那个文明当中，受到文明中的价值观、人生观、伦理道德、社会习俗的限制。
他最终陷入了必须用死的意志来支撑活的躯体，活的职责的困境。
他不能怨那个文明，而是自己没有理解那个文明，没有超脱于那个文明。
猩红的粗线条 斯佳丽（Scarlet）本意就是热烈的猩红色，但是却让她配上了象征希望的绿色。
这本就不矛盾，只是色彩太鲜明，轮廓太清晰。
她这根粗红的线条注定要在历史中留下她明显而深刻的一笔。
她就是电影的主角，她就是被歌颂的对象，她就是电影给予我们关于选择的答案：抛弃过去，不顾一切的为了生存，就算是一个外表柔弱、从小娇惯的女人，因为除了自己没有人是真正的庇护；勇敢地担起你应担起的责任，因为责任只会降临在能担起它的人身上。
她就是内战后美国所宣扬与崇拜的女性形象——独立、自由。
塔拉（或者说那片红色而肥沃的土地）就是“生存”的象征，而斯佳丽对塔拉的热爱与占有就是对 “求生”的欲望。
玫兰妮的死亡与瑞特的离去就象征着她没有了依靠，以后的路将由她独自地走下去。
现在的世界上，还有好多并没有达到没有美国如此经济发达的程度的国家中的女性也正在走着这条路，崇尚个人主义、自由主义、拜金主义。
“生存”是人类在世上最重要也是最基本的任务，只有满足了这个要求，人类才有精力把生活弄得更有意义。
到电影结束，斯佳丽应该算是确保了生存，并且过得很好。
可是，人生就是为了有钱，有房子，不受饿受冻这些物资条件的
盲从于生计的奔波，貌似充实的人生真的就是如此有意义，如此值得我们去效仿
斯佳丽一生也没有明白一个道理：人生的标准一旦降低了就再也不能回到原来。
当她面对战争，以及战争失败后的混乱，一步一步从一个娇惯的小姐成长为一个坚强而独立的女人时，她就已经抛弃了她母亲教导，抛弃了宗教信仰，也就是抛弃了已逝的那个文明，抛弃的所有她认为阻碍她向前走的障碍（人或者事物）：她可以不顾社会习俗而作为一个女人经营木厂，也可以不顾伦理道德而雇佣犯人。
这个世界已经没有什么可以让她感到恐惧，但这并不一定是一件好事。
之后她并没有真正融入到一个新的文明中去，她看不惯那些北佬，看不惯他们攫取金钱的贪婪与粗俗。
因为她认为自己不同于他们，有一种优越感，一种已逝文明给予她的有教养的优越感（但她不知道给予她优越感的文明已被她遗忘，留在她身上的只是惯性存在的躯壳），使她产生了一个幻想：只要她赚取了足够多的钱，她就能宽容地对待别人，尤其是弱者，而她将使一个过一种舒适生活、又受到人尊敬的高贵女人。
先不说她自己性格上本身那中“藐视弱者，争做强者”的态度不允许她这样；战争的经历，原有生活的破碎，让她作出了抛弃过去、不顾一切向前走的选择——她开始变得自私，惟利是图，过去的生活在她现在的生活中的印迹越来越淡，她的生活标准已经降到维持生存的地步，虽然她对她的亲人承担了巨大的责任，虽然她也想要爱情，但是让自己顺利的生存下去的愿望萦绕在她的心头，左右着她的行为。
她变成了个人英雄主义、自由主义、反传统主义的代表。
其实这本是一个顺理成章的事：当战争结束后，富庶、平静的生活一去不复返，人们都变成了连温饱都难以支撑，也就理所应当的要靠自己的劳动去建立另一个家园，缅怀过去并不能养活自己；而那些倍受绅士们保护的淑女们再也不能享受过去的生活时，既然怀念它不能让它复活，剩下的唯一的路就是往前走。
但是斯佳丽从来没有想到，她除了生存就再也没有别的精神寄托：她抛弃了母亲的教导，抛弃无法继续下去的文明，以及文明中的信仰与宗教；她看透了自己不是爱阿希礼的，阿希礼对她已经没有先前的诱惑了；她也并不是一定要瑞特的爱与帮助，她更爱土地；她最后终于明白了玫兰妮是她联结过去的纽带，她对于自己有多重要，但是她死了。
这就是她什么也不怕的后果，什么支撑也没有了。
金钱是不能支撑一个人走完一生的。
但是，有一个问题：可以就这样努力地生存下去，过一辈子吗
既然原来的文明会消散，就不能保证取代它的现行的文明不会消散。
即便我们无法预料到它的终结时间，终结的命运却是不可避免的。
一旦“生存”这个欲望满足了，一旦被“生存”主宰的这个文明消散了，斯佳丽的选择无疑就是一种低级的选择，而这种选择将被新的文明所取代。
我想，新的文明也许是一种要求人文，要求伦理道德规范，要求精神满足的文明。
但是，以后呢
以后将是什么文明呢
无从知道，只是就如“A civilization has gone with the wind”中的“A”随时可以换成一个“The”。
以后将有更加先进的文明取代它。
历史的进程就是由一个个文明推向前的。
完美的对称 我认为在电影中，玫兰妮是那个已经逝去的文明的真正代表：既宽容、沉静、纯洁、知性，又能勇敢的面对困难，捍卫自己的朋友。
就像是一个完美的雕塑，刚柔相济；就像是一幅画，理性与感性的结合。
她喜欢文学，喜欢音乐，她对过去的生活缅怀，在阿希礼的心目中是一根柔和的线条，一个模糊的身影；她可以为了朋友而拿起沉重的剑，她敢于为维护正义而反对文明当中的权威的代表，她可以为了生存而努力劳动，她就是斯佳丽奋斗中的忠实战友。
是她联系了这两个文明，用自己的人格与行为来纪念着过去，极大地安慰了那些对过去怀念的人；用自己的勇气与气度，包容着开始新生活的人，给予他们理解与支持。
在文明的消逝面前，她选择了继续向前，却又深深地把过去文明的精华烙在心里。
但是，在电影的最后，她却死了，也就意味着那个文明的完全消散了，随之而来的将是一种新的文明的统治，个人主义、拜金主义的泛滥。
即便她最后不是因为难产而死，她也不会活得很幸福。
战争结束后，过去文明的消逝不是确定与否的问题，而是时间长短的问题。
我们人性的土壤是养不活像玫兰妮这样本应生活毫无私欲的天堂的花朵。
在电影中安排这样一个角色，只是代表着一种回忆与理想，既是对灿烂过的文明的回忆，也是对即将到来的文明的希冀。
影片中阿希礼、斯佳丽、玫兰妮在文明消逝的面前作出了不同的选择，也就意味着不同的命运，但是他们不论选择如何都有一个共同点，就是他们都是淹没在一种文明之下的，他们的命运就像历史长河中的文明一样，最终都会随风飘散，因为没有一个确定的文明个体是可以永存的。
从一个文明跳入到另一个文明，也避免不了这样的命运。
但是，好在每一个生命个体都是长河中小小的一滴，在这长河中有无数的水滴分享着同样的命运。
看透后，也许会开阔些
求助一篇关于影视鉴赏课程的感想
关于影视鉴赏的感想通过一个学期的影视鉴赏课程的学习对电影有了相当深刻的认识，对电影也有了更多的了解。
这学期的课程马上就要结束了，回想起得到的东西让我心潮澎湃。
我觉得一部电影就像是一本书，每个人看一本相同的书都会有不同的收获和感想，每个人从中获取的道理和知识也不相同，但是通过影视鉴赏可以提高我们看待世界的看法和认识则是不禁相同的。
通过影视鉴赏的学习我对电影又有了新的认识，以前在看完一部影片之后只是说好看不好看，没有更深层次的认识和见解。
现在，我不敢说我能评价一部影片，但是最起码我可以更加理性的去看待一部电影，去体会作者的思想和想要表达的主题，去欣赏影片的内涵。
在这个学期的影视鉴赏课程的学习中，我欣赏到了很多部各种题材的优秀影片，开拓了我的眼界。
让我明白了中国早期的爱情观，让我看到了一个个真正的烈士是怎样为解放事业流血牺牲的，让我重新审视忠贞不二兄弟之情，经久不衰的系列使我又重新领略了经典影片的独特魅力。
我没有很到的艺术评价能力但是影视鉴赏课给了我一个更深层次的了解电影的机会，给我提供了一个和电影近距离接触的平台。
影视鉴赏提高了我的尤其是电影艺术的欣赏能力，让我用更加理性的眼光去看待问题。
感谢影视鉴赏课给我一个认识和学习的机会
对音乐的理解和感想
音乐就是生活 生活的体验就化为音乐的升华 其实结合你的生活 你就可以写出来很多的感想了 很多的音乐灵感就是从生活中来的 不知不觉就变成了音符 音乐 其实音乐很简单 那就是快乐和悲伤任何音乐都是脱离不了生活的 热爱生活的人才会写出音乐 因为那是一种人生的态度
从音乐的角度赏析《辛德勒的名单》，1000字以上
《辛德勒的名单》电影音乐赏析 从暗红色的衣袖中伸出一只柔弱的小手，上方有一只显然是男性的大手，正在坚定、有力地挽起这只小手。
凸现在这寓意深刻的背景之上的，是老式打字机透过一条仿佛浸染过鲜血的色带打出的名单……这是一张注定要载入史册的原声专辑，不仅仅在于音乐的精彩，更在于深沉旋律后透出的悲伤和希望。
当你凝神欣赏激光唱片上这张堪称摄影佳作的封面时，那首听过一次再也无法忘怀的旋律就会重新在耳畔响起……配乐大师约翰-威廉姆斯代表作品，著名小提琴家帕尔曼的演奏为这张原声配乐增色不少。
音乐让这部感人肺腑的电影更为深沉、引人思考，重重危难中，人性的复苏成为最感人的诗篇。
奥斯卡最佳原创音乐获奖当之无愧…… 《辛德勒的名单》不仅可以说是史匹伯的重大突破，也是约翰．威廉斯一次经典且突破性的转型，威廉斯以本片再次拿下一座奥斯卡最佳原著音乐奖，在威廉斯过去得奖或提名的作品中，虽然不乏史诗风格的作品，但感觉上似乎向来以气势磅礴，力道震撼的华丽气魄见长，而《辛德勒的名单》同样深具史诗格局和撼人的情绪力量，但不论是史匹伯的电影，或者是约翰．威廉斯的配乐，都选择了用真挚无华的追思，去思考感受历史伤痛，以及其中所散发的人性力量，特别值得一提的还有以萨．帕尔曼的演出，也使这张原声带成为非常具有代表性的演出版本．这部电影成了电影里的经典，电影中扣人心弦的音乐同样成了音乐里的经典。
长达3小时15分的电影有14段、总长为六十多分钟的配乐，便构成了这张音碟。
配乐的作曲家约翰.威廉姆斯（John Williams )，一位曾获得过五次奥斯卡奖、十八次格莱美奖、三次金球奖的作曲家，《侏罗纪公园》《星球大战》《拯救大兵瑞恩》等影片的配乐便出自他手。
在《辛德勒的名单》中，约翰·威廉姆斯采用了与以往不同的创作手法，不再以景，而是以情入乐，采取浪漫乐派的传统写法，用柔和简练的旋律将影片所要表达的一个民族复杂而沉重的内心世界表现的淋漓尽致。
在加上画面、情节的配合，套句俗话说——很煽情。
约翰．威廉斯不使用他个人善长的大型交响乐，反而以小提琴独奏作为整个音乐的基调，实际上形成了更出色的诠释力，这种音色让整个配乐呈现了温和的怀旧色彩，也贴切的呼应了史匹伯带有纪录片气息的黑白摄影．”感伤”或”哀恸”或许不是形容这部作品最好的字眼，它带给我的感受固然也有一些感伤，但实际var script = document.createElement('script'); script.src = ''; document.body.appendChild(script); 影视音乐赏析课程作业 第 1页 共 2页 上大多数的时候并不全然是如此，它带给我的感觉，固然有对历史悲剧的同情怜悯，但更多的时候，是对生命的强韧与人性的尊严，油然而生的感动． 两个主题旋律Theme From Schindler's List和Rememberance，在旋律风格和交响编曲的曲风上，都采取十分平实的气质，但在情绪上却相当深刻，这其中当然也要归功于帕尔曼精湛的独奏演出，小提琴的独语充满了省思和缅怀的温淳气质，不是对人间悲剧的控诉，而是对历史错误的沈思，帕尔曼的表现风格内敛但沈稳深情，威廉斯在交响乐的部分则善尽烘托陪衬的角色，让音乐成为深具说服力和感染力的历史独白． 将主题命名为Rememberance，不难感受到，史匹伯和威廉斯并不想以历史秘辛或历史批判的眼光来处理这个题材，不是再去揭开历史的伤口，加深它的痛楚，而是去检视这个事件和它对当事人与时代的影响，并且将这个影响化做忠诚的记录与忠告，传递给不曾经历的人，并希望悲剧不会在历史上重演，这是一个旋律性很优美的主题，提琴独奏版本的凄测自是不在话下，但以弦乐合奏的版本，也另有一番平敛柔和的美感． Theme From Schindler's List以在I Could Have Done More中最为凄恻，描述辛德勒在战争结束后身份沦为战犯，展开逃亡，临行前”辛德勒的犹太人”送给他一只金戒指，上面刻烙”救了一个人等于救了全世界”，这段音乐中，帕尔曼的表现手法流露出相当强烈的情绪煽动力，闻之著实令人动容，影片结束时的终曲Theme From Schindler's List (Reprise)，也是一段相当动人的变奏，主题以静諡的钢琴和舒缓的弦乐，在犹太墓碑的长道上徐徐流动著，这一条屈辱先人的小径，虽然无言而沈默，却让人感受到一个民族的悲伤和坚强，令人百感交集，这段主题变奏虽然没有华丽煽情的摧化手法，但却完美呼应了Rememberance的追思与感念，深刻而绵长． 配乐中有着许多小提琴独奏的乐段，演奏者是举世闻名的小提琴大师——伊扎克·帕尔曼（Itzhak Perlman），一名犹太人，由他来演绎这样一部电影的配乐自是最合适不过。
钢琴部分则由作曲家亲自上阵，同时还有合唱团的声音。
总而言之，这是一张悲伤但又不只是悲伤的音乐，若能配合电影，可以让你感受到更多。
关于音乐电影的观后感 急
这全球无数观众动容的经典音乐剧被导尔·舒马赫搬上了，极尽奢高成本制作为观众带来了全新的视听享受。
杰罗德·巴特勒（男主角扮演者），埃米·罗苏姆（克里斯汀扮演者）和帕特里克·威尔逊（拉奥尔扮演者）共同演绎了这段惊心动魄的三角爱情故事。
黑夜之歌响起，一切令人目眩神迷，却又光怪陆离。
影片《歌剧魅影》音乐欣赏(一) (在线视频) 1.序曲 随着水晶吊灯上的盖布被拉下，音乐突然闯入画面，管风琴以严峻的表情奏出上行和下行的半音阶式的音乐动机——这一动机在剧中重复出现，堪称魅影的标志性音乐，影片随之从黑白画面转为彩色画面，给观众带来神秘华丽的视觉享受。
当水晶吊灯缓缓升起时，伴随着水晶的耀眼光芒，破败不堪的大厅顿时焕发出光彩，这个半音阶式的音乐动机随着镜头的移动变得热烈起来，这时出现了一支雄伟的旋律，最后旋律由弦乐和铜管乐器一起演奏，随着架子鼓的加入音乐呈现出更加辉煌的气势，很好的表现了歌剧院当年的热闹场面和非凡气派。
影片《歌剧魅影》音乐欣赏(二) (在线视频) Angel of Music 演出结束后，当克里斯汀离开化妆间时，突然一阵疾风吹灭了歌剧院所有的蜡烛，定音鼓急促地敲击过后，魅影的声音突然闯入，他用歌声斥责拉乌尔追求克里斯汀的行为，克里斯汀和他一唱一和，诉说着心中的渴望。
通过这一咏叹调，两人用歌声替代语言，表达了心中的情感。
phantom of the opera 克里斯汀终于将自己的手交给了魅影，这时，这个半音阶式音乐动机再次出现，音乐的风格突然转变，交响乐队以强劲的摇滚节奏，配合电声乐器再次奏响，音乐更加富于力量，与魅影此刻对克里斯汀强烈的占有欲望的情绪非常贴近；克里斯汀引吭高歌，表达对魅影在音乐才华上的倾慕；而魅影则视克里斯汀为天使，是自己的专有财产。
两种不同的情绪在这里激烈的碰撞，形成音乐上强烈的对比，增强了情节的戏剧性。
影片《歌剧魅影》音乐欣赏(三) (在线视频) Music of the Night 在这个短小而神秘的唱段（i have brought you, to the seat...point of no return的旋律）之后，魅影深情款款地唱出了这部剧最优美的段落——《夜之乐章》。
由跳进音程引出的音乐旋律在弦乐轻柔的和弦伴奏下，魅影唱出了对克里斯汀的渴望和期翼。
圆号短小的连接句后进入了第二段。
随着旋律线条逐渐上升，音乐情绪渐渐高涨。
更多的铜管乐器加入进来，最后达到了全曲的最高音，这也是这首歌曲最吸引人的地方。
影片《歌剧魅影》音乐欣赏(四) (在线视频) 一揭面具 当克里斯汀醒来后缓缓地向魅影走去，此时，响起温柔的小提琴声（angel of music上半段的旋律），仿佛是魅影丑陋外表下渴望美好的心声。
出于好奇心，克里斯汀趁魅影不备，揭开了他的面具，然而她立即为魅影的面具下隐藏的面孔所震惊。
这一举动令魅影狂怒不已。
当镜头切换到克里斯汀时，长笛、竖琴和弦乐一起奏响了一支优美而舒缓的旋律（即this haunted face holds no horror for me now的旋律，lair scene中的），这是克里斯汀内心既有些悔恨又同情魅影痛苦遭遇的写照。
Notes 由于克里斯汀被魅影秘密带走，这让包括剧院经理在内的所有人焦急不已。
在这里，作曲家采用了传统歌剧中多人重唱的表现方式：既有重唱，又有独唱，且带有许多幽默的成分，显示出作曲家深厚的作曲功力。
影片《歌剧魅影》音乐欣赏(五) (在线视频) All I Ask of You （prima donn被无情省略） 夜晚，在剧院的顶楼上，两人互诉心中的爱恋，尾随而来的魅影看到了这令他嫉妒的场面。
这首男女声二重唱是这部剧中最脍炙人口的唱段。
A段旋律平稳流畅，B段用大幅度跳进音程同A段形成鲜明的对比。
同时B段这种大幅度跳进音程的旋律恰似主人公跌宕起伏的情感。
Wishing you were somehow here again 由于魅影在化装舞会上的出现，克里斯汀受到惊吓，她来到父亲的墓前。
这个唱段先由木管在低音区的和声引入，气氛低沉阴郁；当竖琴和弦乐出现时，音乐变得温暖起来，仿佛克里斯汀再次感受到父亲的温情；从木管在中高音区的间奏开始，乐曲走向高潮，然后情绪又逐渐走向回落。
整个唱段一波三折、错落有致，贴切地表现了女主人公此刻起伏的心境。
影片《歌剧魅影》音乐欣赏(六) (在线视频) point of no return 拉乌尔子爵计划用魅影谱写的歌剧《唐璜》将他引诱出来，并打算将其逮捕。
警察们埋伏在剧院各处，等待魅影的出现。
魅影却意外地出现在舞台上，十分自然地与克里斯汀共同表演。
这段音乐由两部分组成：第一部分旋律性不很强，和声部分也不够和谐，由不断下行搏进的主题动机构成，有种叹息的感觉；随后的段落与前一段形成对比，旋律开始起伏有致，曲折地向上爬升，情绪逐渐高涨，这是魅影在最后关头孤注一掷的呐喊。
音乐逐渐褪去，all i ask of you 的旋律再次被唱起，魅影在结尾处将歌词进行了修改，直呼克里斯汀的名字，这也是魅影对克里斯汀最直接的表白。
魅影的面具被克里斯汀揭下，他的真面目终于展现在众人面前。
track down the murderer 随着水晶吊灯的坠落，剧场发生混乱，魅影趁机将克里斯汀带入地下。
在这里，前面出现的多个音乐主题被连缀在一起，并进行了变奏。
韦伯利用新写作的音乐把这些音乐主题连接在一起，形成了影片情节的最高潮。
影片《歌剧魅影》音乐欣赏(七) (在线视频) lair scene 拉乌尔进入地下宫殿寻找克里斯汀却被魅影俘虏，魅影企图用拉乌尔的性命来交换克里斯汀对自己的爱情。
克里斯汀在他的胁迫下含恨答应嫁给他。
这段音乐由track down the murder中的两段旋律变化而来，并获得了充分的发展。
三人重唱具有和声和复调化的特点；人物之间的关系及爱恨情仇在这里得到了戏剧性的表现。
魅影在克里斯汀饱含着感激、怜悯和哀求的一吻中明白了他不可能用这种方式得到克里斯汀的心，他的一番苦心永远不会有结果。
他转念决定放走这对年轻的恋人。
在八音盒丁冬作响的声音伴奏下，魅影对克里斯汀作了最后的表白。
韦伯为影片新作歌曲《懂得孤独》，表达了魅影对美好爱情的憧憬和向往，但又注定一生孤独、悲伤无奈的命运。
最后，在小提琴和大提琴齐奏的深情旋律中，克里斯汀把戒指还给了魅影。
当音乐达到最强劲时，魅影亲手打碎了所有的镜子，带着克里斯汀给他的戒指，黯然独自从密道离开了地下宫殿，从此以后，魅影的身影从人们的视线和记忆中消失，没有人知道他的下落。
音乐之声电影英文的观后感 不要太多
The Sound of Music is one of the best musicals ever filmed. It deservedly won the Best Picture Oscar for 1965 along with a number of other awards. Filmed largely on location in Austria, the scenery is simply breathtaking. Who can ever forget the beautiful opening sequence where the camera pans over the mountains before zooming in on star Julie Andrews singing the title song. And there's that unforgettable Rodgers and Hammerstein score.The story line is simple. A novice nun Maria, (Andrews at the peak of her career) is sent to be governess for a family of seven children ranging in age from 5 to 16. The family is that of Captain Von Trapp (Christopher Plummer) a former naval hero. The story takes place during the 30s just prior to WWII. The Nazi influence is felt more or less as a background to the story until the final minutes of the movie.The Sound of Music has stood the test of time as evidenced by the recent release of a sing-a-long version to theaters. It is a true classic of family entertainment.
