想学习木刻
概述 即“木版画”，版画的一种。
用刀在木板上刻画，再用纸拓印出来的一种图画。
是中外版画的最早形式。
使用的木版有梨木、黄杨木、白桃木等。
用纵剖板面刻制的叫木面木刻，用横断板面刻制的叫木口木刻。
以凸线为主构成白多于黑的画面者，叫阳刻，以凹线为主构成黑多于白的画面者，叫阴刻；也有阴刻、阳刻混用者。
运用多块木版套印出两种以上颜色的作品，称为套色木刻。
又因拓印使用的颜料性质不同，分为油印木刻和水印木刻等。
过去木刻多用以复制绘画作品，绘、刻、印三者分工，称为复制木刻。
现代木刻由作者自画、自刻、自印，充分发挥刀木所特具的艺术效果，称为创作木刻。
凡在平面木板上，用不同类型刀具，根据画稿进行刻制，刻去不必要部分成凹版，再在留下的凸版上滚以油质或涂以水性等颜料而后拓印于纸上的画面，概称“木刻”，是中外版画最早的形式。
使用的木板有梨木、黄杨木、白桃木或表层细洁的三夹板、五夹板等。
创作木刻木刻版画类型之一。
指木刻创作中画、刻、印均由一人完成。
作者借此可使自己的创作意欲和艺术特点，在自画、自刻、自印的木刻艺术中得以充分表现和发挥。
鲁迅提倡的新兴木刻，即是以刀代笔，放刀直干，不模仿，不复制，使作品具有鲜明的艺术创造性。
复制木刻木刻版画类型之一。
由画家绘稿、技工刻印而成。
木刻版画包括绘、刻、印三个基本制作过程；如这三者分由不同作者进行，其以木刻的工艺手段摹照他人画稿刻作，力求达到原来画稿效果的，称“复制木刻”。
木面木刻木刻版画类型之一。
指以三角、方形、圆形的槽状刀刃，在纤维细密的纵剖面木材（如桌面或箱板）上刻作的版画。
运用这种刻刀，在这种木面木板上可以挥凿自如，发挥刀法与木质的特性， 虽不能刻得过细，却可创造粗犷或秀丽的艺术风格。
在我国流行的木刻版画，大多属此类型。
木口木刻木刻版画类型之一。
指以实心钢条制成的刀，在纤维细密坚实的横断面木材（如砧板状）上刻作的版画。
因这种木料纤维均匀竖立，刀刻时所受阻力均匀，不易碎裂， 宜于细刻； 大的面积，需要切块拼合。
同时可利用这种刀头切口处的不同锐角刻出各种线条，如刀口排列成锯齿形的锐角，一刀就可刻出整齐的多条排线。
欧洲版画家所刻精细的作品，大多属此类型。
套色木刻木刻版画类型之一。
指以几块木版套印出两种以上颜色的版画。
我国明末刻印的《十竹斋书画谱》和《十竹斋笺谱》，皆属水印套色复制木刻。
创作木刻中的套色大致可分三种类型：一、以深色主板为骨干，套以相应的色彩组成画面；二、不用主版，而以各块套版相互配合、补充、衬托，构成形色具备的画面；三、上述两种套色法混合运用组成画面。
因制作工具、材料及印刷的不同友可分为水印、油印、粉印等。
笔彩木刻也称“上色木刻”。
木刻版画类型之一。
指只刻一块控制全局、具备基本形象的深色版，拓印后按物象部位与画面需要，用笔敷上各种色彩。
刀刻的版面仍是主要的，笔彩只作为辅助。
复制木刻与创作木刻都有采用这一方式的。
黑白木刻也称“单色木版画”、“木刻”。
木刻版画类型之一。
指在一块木板上直接完整地表现主题，刻画形象，并用黑墨（或单一色墨）在白纸（或色纸）上拓印。
水印木刻木刻版画类型之一。
有两种：一、我国传统的水印复制木刻。
由技工刻印画家的画稿而成。
从唐代起就很发达，至明万历、天启年间，技术更为精美，鲁迅曾评为“或拙如画沙，或细如擘发”。
当时《十竹斋书画谱》发扬水印的彩晕墨化的特点，成就尤为显著。
二、水印创作木刻。
吸取传统技法，由画家自己完成绘搞、刻作与拓印，浓淡渲染，渗化融合，结合创造性的刀法，产生豪放有力或秀丽柔美的线条，别具独特的艺术效果。
采用水彩、水粉或中国画颜料刷于版面，再以经过喷潮的宣纸或过滤纸印成作品。
粉印木刻木刻版画类型之一。
指用粉质颜料印成画面。
先以调稀的胶水刷于木刻版面，转印到纸上，在未干时用排笔刷上云母粉、金银粉，印出光彩夺目的色调。
云母粉有白、红、黑等色，粗者无光泽，细者发银色珠光。
福建木版年画，有的还在黑底、红底上粉印各种套色。
也有在套色木刻中局部使用粉印的。
关于剪纸的感受和过程的演讲稿
大家好`` 剪纸是中国最普及的民间传统装饰艺术之一，有着悠久的历史。
因其材料易得、成本低廉、效果立见、适应面广，样式千姿百态，形象普遍生动而受欢迎；更因它最适合农村妇女闲暇制作，既可作实用物，又可美化生活。
全国各地都能见到剪纸，甚至形成了不同地方风格流派。
剪纸不仅表现了群众的审美爱好，并含蕴着民族的社会深层心理，也是中国最具特色的民艺之一，其造型特点尤其值得研究。
民间剪纸作为中国本源哲学的体现，在表现形式上有着全面、美化、吉祥的特征，同时民间剪纸用自己特定的表现语言，传达出传统文化的内涵和本质。
2006年5月20日，剪纸艺术遗产经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。
2007年6月8日，上海市李守白剪纸大师工作室获得国家文化部颁布的首届文化遗产日奖。
剪纸，又叫刻纸，窗花或剪画。
区别在创作时，有的用剪子，有的用刻刀，虽然工具有别，但创作出来的艺术作品基本相同，人们统称为剪纸。
剪纸从色彩上分，有单色剪纸和套色剪纸。
用一种颜色的剪纸刻出来的作品就叫单色剪纸，它如同版画中的单色木刻一样，是最常用的一种形式，这类作品显得十分朴素大方。
而套色剪纸则是用不同颜色的剪纸可出来的作品，这种形式并不常用，这类作品看起来生动形象。
设计时应该注意有阴有阳,虚实相生,不必太追求细致。
剪纸是民间艺术，比例不用太规范，主要表现劳动人民的美好祝愿。
建议在设计时，多参考一些关于乡村木版年的书籍，从它们的构图中获得灵感。
剪纸一般先从中心细部开始刻，逐渐向周围刻去。
刻细部时应注意尽量使刻刀垂直蜡板，尤其注意收刀时刀刃垂直蜡板。
剪纸是我们中华人民的骄傲
是我们传承的文明
谢谢大家 〈鞠躬〉
绘画讲究什么
艺术审美是积极主动的取向活动或者说价值实现活动，是的事物象的观察、感知、联系、想象，乃至理解、判断等一系列思维活动，其内涵是领会事物或艺术品的美。
美术大致分为：国画，油画，版画，雕塑，壁画，艺术设计。
国画分为：写意山水，写意花鸟，写意人物，工笔花鸟，工笔人物。
油画分为：传统油画或古典油画，现代油画。
版画分为：木版画，铜版画，摄影，丝网印刷。
雕塑分为：写实雕塑，抽象雕塑。
壁画分为：工艺壁画，传统壁画。
艺术设计分为：环境艺术设计，平面艺术设计，展示艺术设计，装潢艺术设计等 美术，“美术”这个专门名词，在中国的“五·四”新文化运动中开始被文艺家和教育家普遍运用。
它源于古罗马的拉丁文“art”，原义是指相对于“自然造化”的“人工技艺”，泛指各种用手工制作的艺术品以及文学、戏剧、音乐等，广义的还包括拳术、魔术、医学等。
中国古代所谓“百工技艺”，也是包括同样广泛的范围。
在古代，无论东方或西方，都只有“工艺”、“手艺”这样的概念。
在中国古籍中只有“绘缋之事”、“刻削之道”、“刻镂之术”、“锦绣文采”等工艺术语的运用，却未见类似“美术”这样的专门名词，这是因为人类的美感意识，是首先从满足生存需求的工艺品萌生的。
在欧洲，“艺术”和“美术”这两个概念，直到文艺复兴之际才确立并被公认。
那时人们开始意识到创造纯粹精神领域的产物，更足以使人激昂精神、开阔胸怀，达到互相同情、增强意志、建立信念的目的。
这类思想意识的活动，是人文主义发展的一种重要表现，是人的主体意识的发扬，它涉及到艺术的不同领域和形态，这就是我们现在已经大规模扩展开来的文学、艺术各门类，其中包括美术。
这种精神产品，从物质中提升，和物质相辅而行，成为全面滋养人们心灵所不可缺少的营养。
人类依靠它陶冶情怀，并协同各门类的科学认识世界，普及教育，开拓文明。
它起着组织和协调社会成员的意志和行为的作用。
文明的发展是和艺术创造分不开的，艺术是精神文明的重要而鲜明的标志之一。
在欧美拉丁语系国家，“art”既作“艺术”解，又作“美术”解。
蔡元培早期运用“美术”这个术语时，也包括诗歌和音乐。
其后，中国的文艺界、教育界把“美术”和“艺术”的概念逐渐区分开来。
“艺术”是一切艺术门类的总称，它是用不同的形象化手段来反映自然和表达社会意识的一门大学科，广义上包罗文学、音乐等，也包括建筑和园林等。
综合性艺术有戏剧、电影、曲艺、杂技等，它们不同程度地利用美术，有的和美术密切结合。
“美术”作为“艺术”的一个门类，必然与姊妹艺术有共性，但它的艺术形态具有鲜明的特征。
它和姊妹艺术结合时，极大地丰富了艺术表现力，在一定的社会发展条件下，美术甚至可以和科技相结合，派生出艺术新品种。
人类在创造精神产品时，自然地分门别类，建立起文学艺术的各个分支，使之朝着专门化的方向前进，形成了各种艺术门类的独特性能。
它们在许多场合虽分犹连，有时则分而复合。
每一次的结合和交融（如动画电影、音乐喷泉），便产生艺术的新意向、新品种和相应的艺术感染力。
艺术的分化和复合都是一种发展，在发展中开拓了对艺术的认识，更新了艺术的观念。
其所以有分有合，分而不悖，合而能容，是因为各种艺术品类都受共同的美学原则的支配，有共通的规律可循。
此外，如果从审美和美育的角度谈“美”的问题，“美”这个字眼在汉语中的含义非常广泛，不但概括着整个文艺范畴，而且还介入伦理、哲学等领域。
美术的形态和特性 古今中外的美术品类丰富多彩，形态各异，千变万化。
现代美术因受科技和工业生产的影响，新思潮不断涌现，前所未见的新样式、新品种层出不穷。
美术要求发展个性，发展的总趋势是走向多元化，所以对它的共同特征难于作条理明晰的概述。
世界上的美术品类，按物质材料和制作方法来区分，大体上可分为绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等几个大门类。
绘画的品种又可分为中国画、油画、版画、水彩画、 水粉画、粉笔画、 丙烯画以及多种塑料和化学颜料的画种。
版画品种又可分为木版、麻胶版、金属版(铜或铅)、石版、网版等。
木刻的印刷材料有油墨、油画颜料套色和水色套印之分。
金属版有腐蚀、干刻之分。
油画有有光术、无光术之分。
欧洲最古老的蛋彩画和中国古老的矿物质颜料，至今保持着色泽历久不变和技法运用上得心应手的优点。
油画和版画在20世纪已成为世界性画种，从表现形态来看，在许多文明国家中，版画已显现出民族和地区的特点。
现代油画和雕塑的开拓创新，步子最快，形态变化最大。
绘画按样式可分为壁画（按物质材料又可分为湿壁画、描金沥粉、磨石嵌、有色水泥及木材、玻璃、金属板的拼镶等。
无光油画、丙烯以及其他塑料颜料也被普遍运用）、细密画、磨漆画、漆画、年画（运用木刻水印、水粉、水彩等方法)、连环画、 宣传画、漫画（卡通）、插图等。
中国画又可按艺术技巧分为工笔重彩和水墨写意两大系统；按题材样式又可分为人物画、 山水画、 花卉、草虫、翎毛（禽鸟走兽）、鳞介（鱼贝类）等画科。
日本的绘画受其影响很深。
书法和篆刻一向是中国画的姊妹艺术而自成系统，也在日本广为流传。
书法艺术在当代被认为是一种抽象艺术。
雕塑的品种可分为石材雕塑（大理石、花岗石等），金属雕塑（包括铸铜、不锈钢、铅、镍、铝等），玻璃钢及塑料、白水泥等雕塑。
按体裁、形制又可分为圆雕、浮雕（有高、低之分）、纪念碑雕塑、人物雕塑、动物雕塑、装饰雕塑、民间彩塑等。
现在有直接从人体翻制后再作加工的等身大的彩塑，有利用电和光效应原理产生颤动美感的“效应雕塑”，这两种雕塑可说是写实形态和抽象形态的两个极端。
工艺美术(又称实用美术)的品种最为丰富多彩，大的分类有金工、木工、漆工、陶瓷、彩塑、玉雕、牙雕、景泰蓝、珐琅、料器、染织、刺绣、编织等。
各国各地区的特种工艺，大多数源于民间手工艺，它有雅俗共赏的特点，与人民群众有密切联系。
设计的门类有书籍装帧、广告、 商品包装、服装、家具、工业产品设计、室内装璜、环境美术（庭院、园林及建筑群体美术）等。
设计也包括图案、字体及利用摄影与电子计算机进行设计的科技性美术。
就美术创造的形象化手段来说，造型性是重要的形态特征之一。
所以又称为造型艺术。
如绘画通过描画彩绘的手段，雕塑通过塑造、刻镂的手段，建筑艺术通过间架营造的手段，工艺美术通过镂、蚀、切、削的手段等。
造型的含义很广，有立体造型，也有平面造型；有色彩造型，也有黑白造型。
造型这个概念是不断变化、发展的，在现代观念中，既有具象形式的造型美，也有抽象形式的造型美。
大体上，西方的美术，其发展的轨迹以形体块面的造型为主，线的运用是附属于形体块面的；而中国的美术，线描造型却占着重要的地位，形体是通过线描来体现的。
所以西方常用“塑造”这个术语来描述绘画性造型，而且推崇在绘画中体现雕塑性。
中国的美术正相反，线的描绘统率着造型，即使在雕塑艺术中，线的作用也占主导的地位；形体块面在中国雕塑上表现得概括浑成，它通过线条的刻画而完成造型的任务。
美术又称空间艺术。
西方的美术传统，基本上按物理学的观念，把长度、高度和深度称作“三维空间”。
存在于现实空间的有纵深感的三维美，是雕塑和建筑之类立体造型形象产生生命和力度感的重要依据。
在平面上表现三维美，是再现性具象绘画的真实感所不可缺少的重要依据之一。
空间艺术，通常被认为是一种不可能或不长于表现时间性的、凭借视觉来创作和感受的艺术。
它的特点是长于具体描绘，塑造和刻画生活中或想像中的事物或情景，有明显的再现性和描摹性，它不随时光的流逝而消失，除非受到外力的破坏和本身的朽蚀，可长期存在于世上。
空间艺术在创作上也有弱点，特别对情节性绘画和雕塑造成了局限，例如独幅画只能表现一个瞬间的形象，这就难于从纵向展开事物和情节的发展。
然而，正因有此局限，绘画创作便朝着形象的深层开掘，追求造型的凝练和运动感的凝聚，从而形成了绘画所独具的魅力。
绘画和雕塑的构图，常选择人物动作过程中某一生发性的瞬间，以加强力度感，并在欣赏心理上，造成动作起迄的越进效应，如画射箭引而不发，使空间艺术产生时间感觉，中西绘画和雕塑中都有这样的例子。
凝练的人物形象之醇厚和深刻，决不是瞬间印象所能摄取的；空间艺术形象的凝练和凝聚也意味着时间的浓缩。
在中国的传统美术理论中，对空间观念有不同的阐说，宋代郭熙所说的“山有三远：自山下而仰山巅，谓之高远;自山前而窥山后，谓之深远;自近山而望远山，谓之平远。
”这不单是单纯的物理空间观，而是置身天地间的诗意般的空间概念，也就是有回旋余地的“神游”意境。
中国画论倡导时空的统一观，它以有限的画面，表达无限的空间意象；相应地又以散点透视法代替焦点透视法（虽然南朝宋人宗炳早在公元 5世纪已经发现了物理透视原理），这是在中国文化背景中形成的视觉心理空间，即所谓“心视”。
这种审美观在19世纪末受到西方的重视，提出在美术上打破时空界限，以拓展表现功能。
美术又称为视觉艺术，这是从审美主体与对象之间的感知媒介主要是视觉来说的。
造型艺术被人们感知的时候，一般通过视觉渠道（除了一些工艺品可通过手的摩挲，用触觉加强审美体验外）。
视觉艺术这个界定，涵盖面很广，凡是主要通过视觉媒介完成欣赏的一切可视的艺术门类、样式、形式或符号，都可包涵在内。
至于可视的综合性艺术如戏剧、舞蹈和通过视觉阅读的文学作品等，自然不在此列，因为它们的被感知，还要而且主要是通过行为和动作（表演）、语言和文字以及其他各种感觉渠道。
美术还被区分为纯美术和工艺美术两大系统。
所谓纯美术（fine art），是指纯粹精神性、欣赏性的绘画、雕刻、音乐等，有时也包括诗歌。
蔡元培曾把它称为文艺美术，指明其中凝结着社会文化意识和审美意识，以区别于实用功能与审美意识相结合的工艺美术。
文艺美术的提法比纯美术妥贴，因为“纯”的意义不太明白，如果是指纯属欣赏性的美术，那么工艺美术中也是有的，而所谓“纯美术”中，也并不都是纯属欣赏性的。
然而，纯美术这个词汇已经用惯，虽然它和外文的原意并不符合。
设计（design）是20世纪中叶兴起的一门美术学科，虽然它并不是新名词，而且早已被运用在建筑艺术和工艺美术上。
在建筑和工业设计中，决定大局的是形体块面的空间设计，其次是局部性的门窗、墙面、各项部件的装璜等设计。
在工艺美术中，有形体、纹样等设计。
绘画作品的构图，实际上是整体结构设计；在一定形式的图像中，都有线、形、色、块等平面设计；在雕塑中，最重要的是形的空间设计。
现代的设计，首先在商品包装、家具、室内装璜等方面发展起来，然后从轻工业产品扩展到重工业产品，如汽车、轮船和飞机等造型设计。
许多工业产品的设计是和科学技术密切结合在一起的。
设计现已渗入到整个美术领域，成为一项重要的造型学科，设计思想和设计技术极大地影响着美术品的艺术魅力。
设计是一种研究用点、线、面、体、光、 色、 质、材及一切造型因素构成种种美好形象和感觉，并把它运用到各种美术创作上去的学科。
简言之，设计是研究造型构成的学问，其中主要的对象是研究视觉空间，通过空间设计，传达视觉艺术的效应。
平面构成、立体构成、室内空间构成、环境空间构成等专业，都是从空间设计的角度来探索美术造型问题的。
设计的发展，已经介入纯艺术领域，在近现代的绘画和雕塑中，产生了很大的影响。
广义地说，中国画的笔墨、油画的质感和肌理、雕塑和工艺的材料美，都属设计(抽象造型形式)范畴。
在有些科技先进国家，已把美术学院改称“美术设计学院”。
“具象美术”和“抽象美术”是20世纪初形成的新名词，虽然这两种形态的美术，自古以来一直存在着，但是只是在现代，抽象美术才得到了大发展。
具象泛指表现具体的物象。
古今中外的写实主义的美术，都依靠具体可视的形态，通过事物的现象和外部形式，反映事物的本质和内在联系。
它基于具象观念，主要运用形象思维的方法，通过对生活中的创作素材进行提炼、概括、集中、夸张等手段，达到典型化审美目的。
“抽象”这个词，可以从两个方面去理解。
其一，艺术家运用提炼、概括等手段，把生活中的形象进行艺术加工，从而创造艺术形象。
这个过程称为艺术抽象，表达着艺术家对客观事物本质的感受。
从生活形态到美术形态，无不需要始终贯串这种抽象的形象思维活动。
在这里，抽象是“艺术的抽象”。
具象和抽象并不相互矛盾，而是统一在艺术形象中的。
P.毕加索对“牛”的一系列形象探索，展示了艺术抽象(从具象、半抽象到抽象)的多种变体，从这里又可以看到从“艺术的抽象”走向“抽象的艺术”的某种轨迹。
中国现代雕塑家杨冬白创作的《饮水的熊》就是一件较好地寓具象于抽象的作品。
这是一种半抽象的美术，作者巧妙地运用了“艺术的抽象”手段，同时又很好地表达了“抽象艺术”的意向。
其二，认为抽象和具象是两个相反的意象，抽象是纯意识、纯形式的东西，但是也不绝对排斥与具象相融合，形成形式夸张的、在抽象中隐现出具象性的或者半抽象的美术。
世界上各种派别的抽象主义美术家，对“抽象”的含义抱有各自不同的观念。
七年级美术教案(人教版)，上册教案，
单元总目标： 1、 从古今中外的优秀绘画作品中，体会到劳动____人类创造力的源泉，劳动是许多画家经常表现的重要题材之一。
不同时代的画家通过劳动题材所表现的主题是不一样的，表现手法和艺术风格也是多种多样的。
它们所体现的思想内涵和艺术性的高低存在着明显的差别。
通过欣赏，提高学生对美术作品的审美能力和分析作品的能力。
2、 通过对表现劳动题材的优秀绘画作品的欣赏，培养学生对劳动的情感、态度和正确的价值观念。
单元课时： 本单元分2课时教学。
活动安排： ◆观赏与描述： ＊ 你是否知道和理解这些美术作品所表现的劳动的性质和情节
＊ 你对作品所表现的劳动场景有什么感受
＊ 你对作品中人物的劳动心情和态度有什么感受
◆分析与研究： ＊ 你对这些作品和作者知道多少
＊ 你了解作品的时代和社会特点吗
＊ 你能不能想像作者的创作意图和要表现的主题
◆讨论与解释： ＊你从这些表现人类劳动的美术作品中获得了什么样的审美感受
＊不同的人物对劳动有什么不同的态度和感情
◆体验与评价： ＊你对人类劳动的意义有什么体验和联想
＊你对“劳动创造世界”有什么体会和看法
活动一 1、课题 劳动____人类创造力的源泉（上） 2、学习领域 欣赏*评述 3、课时 1课时 4、课前准备 教师准备教具：欣赏挂图、课件、课外收集表现劳动题材的美术作品、课本等。
学生准备学具：课本、钢笔、笔记本、自己收集到的作品等。
5、课堂教学 （1）引导阶段 ① 通过欣赏（用课件展示）表现劳动题材的中外美术作品，集中学生的注意力，引起学生对学习美术的兴趣。
② 教师宣布本课时教学任务及采用的学习方式方法，要学生注重对中外美术作品的比较、分析，谈自己对作品的初步感受和理解。
③ 学生预习，看课本上的图片和文字，认真观察、思考问题。
（2）发展阶段 ① 欣赏、评述《在激流中前进》 ☆ 展示图片，学生欣赏、讨论。
☆ 请几名学生根据预习时提出的问题谈自己对这幅作品的初步感受和理解。
☆ 教师归纳总结： 《在激流中前进》（油画） 作者：杜键，上海人，中央美术学院油画系教授。
本作品是作者在中央美术学院油画研究班学习时的毕业创作。
为此，作者曾先后到山西禹门口、陕西宁家川等黄河险急渡口体验生活，搜集创作素材。
作者以简练的艺术语言，雄健有力的笔触，凝重的色调表现了黄河船工们齐心协力在黄河的激流浊浪中奋力前进的惊险场景。
作者运用衬托和对比的手法来刻画黄河船工在劳动中所表现的惊人力量和百折不挠的精神。
这主要表现在汹涌激荡的河水与般工们沉着稳定的姿态的对比，大面积奔腾而来的黄河浊浪和小船的强烈对比。
② 欣赏、评述《粮食》 ☆展示图片，学生欣赏、讨论。
☆请同学根据预习时提出的问题谈自己对这幅作品的初步感受和理解。
☆教师归纳总结： 《粮食》（油画） 作者：（苏联）雅布隆斯卡娅，卫国战争后著名女油画家、基辅美术学院教授。
本作品是她青年时期时荣获国家奖的成名作，约4米宽的巨幅作品，表现了苏联集体农庄女庄员在丰收的打谷场上劳动的场面。
在夏日的明亮的阳光下，集体农庄女庄员们在堆积如山的金黄色麦粒的打谷场上，紧张而有秩序地劳动着。
女庄员们兴奋的笑脸和欢快而有节奏的动作，充分显示了经过战争洗礼后的苏联劳动人民高涨的劳动热情和崭新的生活风貌。
作品构图宏伟，形象生动，主题鲜明，内容和形式得到了完美的统一。
③ 欣赏、评述《牛耕》，写观后感受交流。
☆展示挂图，学生欣赏。
☆分组讨论、写观后感。
☆学生发言，根据预习时提出的问题谈自己的感受和理解。
☆教师归纳总结： 《牛耕》（甘肃嘉峪关魏晋时期的墓砖画） 这是从甘肃嘉峪关魏晋时期5号墓中出土的、原位于墓前室壁的一幅砖画。
我国自汉代以来，统治阶级厚葬之风俗盛行。
墓室中绘有大量的砖画。
这幅砖画与同一墓室的其他砖画的最大特点是，除了表现墓主生前宴欢、舞乐等享乐生活外，大部分是表现劳动人民从事各种生产劳动的场面。
是墓主为了祈求死后永远有一批劳动群众供他们驱使奴役、但从一个侧面形象地反映了当时劳动人民生产劳动的状况。
这幅表现牛耕的砖画，画面十分单纯，但作者颇具匠心。
如两头牛有意画成一黑一白，以对比的手法突出画面的明快感。
再如，画扶犁者，只寥寥几笔，不仅生动地画出了扶犁者的形态，而且其缓步前行时的姿态极富运动感。
④ 欣赏、评述《清明上河图》 ☆展示挂图，学生欣赏、讨论。
☆学生自愿发言，根据预习时提出的问题谈自己对作品的感受和理解。
☆教师归纳总结： 《清明上河图》（中国画）北京故宫博物院收藏。
作者：张择端，北宋画家，东武（今山东诸城县）人。
本作品是一幅生动反映北宋都城汴梁繁荣景象的、具有重要历史价值和艺术价值的著名之作。
全画内容大体分为三段，开头是画汴梁的郊野风光，中段是以虹桥为中心的汴河（当时称“上河”，此河是当时国家的漕运枢纽，南北商业交通要道）及其两岸舟车运输、手工业生产和商业贸易等繁忙的活动场景；后段为巿区街道的繁华场面。
教材中所选的是中段也是描写最精彩的一段。
一艘满载着货物的大船，即将通过虹桥。
桥下湍急的水流使大船好像一时失去了控制，船工们一面急忙放下桅杆和帆，一面正紧张地控制着船头前进的方向，有的在指挥，有的在掷缆绳，以使大船安全地通过虹桥。
相映成趣的是，大船过桥的紧张又极具戏剧性的场面，吸引了桥上众多的行人。
他们都在聚精会神地注视着桥下发生的一切。
桥上桥下相互呼应，构成了一幅热烈、紧张而又极其生动的画面。
虽然画中人物都画得很小，仔细一一看去，个个都很生动，十分耐看，足见画家对生活的观察十分仔细，描绘人物的举止形态具有极其深厚的艺术功力。
从而使这一段描绘成为整个《清明上河图》中最吸引人、最令人过目不忘的场景。
⑤ 欣赏、评述《捣练图》 ☆展示挂图，学生欣赏、讨论。
☆学生发言，根据预习时提出的问题谈自己对作品的感受和理解。
☆教师归纳总结： 《捣练图》（宋代摹本，现藏美国波士顿美术馆） 作者：张萱，盛唐著名人物画家，擅长画妇女。
现存的宋代摹本《捣练图》和《虢国夫人游春图》是他的代表作。
《捣练图》因描绘唐代妇女制“练”（一种丝织品）的劳动场面而得名。
全画共画了十二个人物，按制练的工序分成三组；右边一组描写四个妇女用木杵捣练，教材中所选的正是这一段。
中间一组描写两个妇女在理线，左边一组描写两个妇女把练拉直，另一个淘气的小孩在下面来回玩耍，在中间和左边两组人物之间有一小女孩蹲在地上，用团扇在扇炭盆。
十二个人物组织得疏密有致、动静适宜。
让我们看到了当时制练的劳动过程。
作为一件艺术品，其重要的价值还在于作者描绘这一劳动场面的高超技巧。
这主要表现在由四个妇女组合而成的画面，既符合生活的真实，又有独具匠心的安排；人物站立的位置和姿态各不相同，既统一，又富有变化。
“丰颊肥体”的人物造型，具有唐代妇女的共同特征。
描画勾线工细又劲健，设色富丽而又匀净雅致，衣服的质感也得到了很好的表现，充分显示了唐代的工笔人物画已经达到了相当高的水平。
3、课后拓展 （1） 请同学展示自己收集的图片，欣赏、评述、交流，课后写自己的心得体会。
（2） 课余时间，多搜集优秀中外美术图片，通过欣赏提高自己的审美素养。
活动二（第二课时） 1、课题 劳动____人类创造力的源泉（下） 2、学习领域 欣赏*评述 3、课时 1课时 4、课前准备 教师准备教具：欣赏挂图、课件、课外收集表现劳动题材的美术作品、课本等。
学生准备学具：课本、钢笔、笔记本、自己收集到的作品等。
5、课堂教学 （1） 引导阶段 ☆通过进一步欣赏（用课件展示）表现劳动题材的中外美术作品，拓展学生视野，体会劳动是人类最崇高的品质。
☆教师宣布本课时教学任务及采用的学习方式方法，培养学生从事研究性学习的方法和能力。
☆学生预习，看课本上的图片和文字。
（2）发展阶段 ① 欣赏、评述《北方的九月》 ☆展示图片，学生欣赏、讨论。
☆请同学根据预习时提出的问题谈自己对作品的感受和理解。
☆教师归纳总结： 《北方的九月》（套色木刻） 作者：晁楣，当代著名版画家，1949年参军，从事美术宣传工作。
1958年初，转业黑龙江的“北大荒”。
创作许多表现北大荒的版画。
本作品描绘经过开垦的北大荒金秋时节红高梁丰收的壮观景色。
宏伟的构图，浓重的色彩，豪放的刀法，美得令人陶醉的意境，使这幅作品成为一首对自然、对劳动的赞美诗，同时也体现了画家对这块曾经洒下了许多汗水的土地的无比深情。
在这幅作品中，写景是为了抒情，景与情得到了有机的统一，丰收与劳动紧密相连，劳动创造了美好世界的主题得到了突出的表现。
① 欣赏、评述《倒牛奶的女佣》 ☆展示挂图，学生欣赏、讨论。
☆学生发言，根据预习时提出的问题谈自己对作品的感受和理解。
☆教师归纳总结： 《倒牛奶的女佣》（油画） 作者：（荷兰）维米尔，十七世纪荷兰杰出的风俗画家，擅长表现荷兰普通巿民日常的室内生活。
绘画风格深受科学精神的影响，以形体结实，结构精致，色调和谐，尤其善于表现光线和室内这空间感著称于世。
本作品是他的代表作之一。
画中所呈现的是荷兰普通巿民平时劳动的场景，在欧洲美术史上具有鲜明的时代特点，这就是17世纪的荷兰绘画从本质上讲是一种巿民艺术。
这同过去主要表现封建帝王、王公贵族、宗教神灵的绘画比较是一个巨大的历史进步。
而这种进步则是由于十七世纪的荷兰，已经建立了世界上第一个帝王贵族和宗教将向新兴资产阶级政权转化的制度。
当然《倒牛奶的女佣》其重要不仅如此，还在于它体现了一种新的艺术风格和新的艺术成就。
画家不仅真实精确地描绘出人物所在的房间的空间感，而且人和景物都好像沐浴在极度纯净的光线之中，女工穿的裙子的蓝色和上衣的柠檬黄色用得恰到好处，强烈的光感使这幅画的色彩显得特别的明净和细腻，使人感到十分平易、亲切。
无怪乎有人称维米尔是描绘光的大师。
② 欣赏、评述《播种者》 ☆展示挂图，欣赏、讨论。
☆学生发言，根据预习时提出的问题谈自己的感受和理解。
☆教师归纳总结： 《播种者》（油画） 作者：（荷兰）凡＊高，十九世纪后印象主义画派的重要代表人物之一。
文森特•凡•高，1953年生于荷兰格罗渥忒－松丹特他是一位牧师的儿子。
年少时的凡高并没有体现出任何独特的艺术天赋，在他16岁时，他才有机会接触艺术，而当时也只是在占比尔美术公司当职员。
不久后，在爱情上遭受挫折的凡高，对生活感到十分痛心，他渴望寻求神灵的帮助，于是投入了宗教的怀抱，决心做一个基督教牧师。
可是凡高未能熟谙深奥的教义，于是只好到比利时南部矿区波里纳士去传教。
但是因为他的口才不好，最终还是未能成功。
在美术公司工作期间，凡高喜欢在业余时间参观一些美术馆，对当时弗朗索瓦•米勒的艺术颇有兴趣，同时从他的作品中有所领悟。
于是，在事业和爱情上屡经失败的凡高，终于决定自己也当个画家。
1886年3月，依靠他在巴黎当画商的弟弟的帮助来到巴黎，并通过弟弟的关系认识了印象派画家，并与他们密切交往，画风深受其影响。
一年半后，他迁居到终年充满阳光的法国南部小城阿尔居住，他在这里拼命作画，主要作品都产生在这一时期。
由于穷困和劳累，他精神失常，反反复复，最终自己结束生命，那时才37岁。
十几年的艺术生涯，留下八百多幅油画。
他的画风对后来二十世纪的现代主义艺术影响很大，堪称世界绘画史上承前启后的重要人物。
他的主要艺术特点是运用对比强烈而又明亮的色彩，以粗犷的笔触，表现画家对客观事物的独特感受，而不是简单地再现客观事物，所以，他的作品具有强烈的主观色彩。
油画《播种者》，从其构图来看，虽然带有模仿十九世纪法国著名农民画家米勒同名作品的痕迹，但却具有凡*高特有的艺术个性。
这突出地表现在色彩和笔触的运用上。
全画以鲜明的黄色为基调和灿烂的色彩表达了画家内心强烈的情感，充分显示了一种强调表现画家主观感受和艺术个性的新的画风，把油画中色彩和线条的表现力提高到了一个新的境界。
③ 欣赏、评述《收获》 ☆展示挂图，欣赏、讨论。
☆学生根据预习时提出的问题谈自己的感受和理解。
☆教师归纳总结： 《收获》（雕塑，青铜） 作者：（苏联）穆希娜，苏联老一辈著名女雕塑家，是一位具有才华和大胆创新精神的杰出艺术家。
她在1937年巴黎世界博览会苏联展馆所创作的巨大的《工人与集体农庄女庄员》的不锈钢雕像（高24米），使她获得了世界性的荣誉。
以后多次获奖，对苏联雕塑艺术的发展具有重要的影响。
雕塑《收获》（又称“粮食”）是她创作的装饰性雕塑的代表作。
它原是为莫斯科河桥面设计的装饰性组雕，1939年曾经在“食品工业展览会”上展出。
它表现两个青年妇女，共同扛着一捆沉甸甸的麦子，一个向右，一个向左，通过共同扛着一捆麦子的动态。
将两个人物有机地连续在一起，在统一中求变化。
不论从哪个角度去欣赏，都能看清其中一个妇女脸部显露出的丰收喜悦之情。
作者将两个青年妇女的形象塑成结实有力的全裸和半裸的女人体，既是为了赞美青年妇女蕴藏的青春活力，也是以此象征苏维埃国家的丰收景象。
作者虽没有直接表现劳动，但以劳动后的丰收表现劳动给予人们的愉快和幸福。
② 欣赏、评述《纺织女》 ☆展示挂图，学生欣赏、讨论。
☆学生交流发言，根据预习时提出的问题谈自己的感受和理解。
☆教师归纳总结： 《纺织女》（油画） 作者：（西班牙）委拉斯凯兹，十七世纪西班牙最杰出的画家。
擅长肖像画和风俗画。
虽任宫廷首席画师，绘画题材受到一定限制，但仍然有不少作品具有积极的思想意义。
《纺织女》，宫廷生活题材，画面分前后两大部分：前景部分是西班牙马德里皇家织造厂的纺织工正在劳动的情景；后景则是宫廷贵妇们正在欣赏由皇家织造厂织造出来的壁毯。
两个场景代表了两个不同的阶级，而且似乎隐含着一种对比。
这不能不说是体现了画家的一种思想倾向。
加上画家着重表现的各种劳动姿态，而且有意识地通过画面右侧白衣的纺织女劳动时的优美体态，让人清楚地看到了劳动妇女特有的质朴的美。
尤其值得注意的是，根据西班牙美术史家对这一作品的最新研究，这一作品在思想内容上还有更深的含义。
这就是画面后景壁毯上所表现的图像，是以技艺女神巴拉斯与擅长纺织的人间少女阿莱辛比赛织布的神话故事为题材的。
它描绘巴拉斯因比不过阿莱辛，而恼羞成怒把阿莱辛变成了永远吐丝的蜘蛛。
据研究者讲，前景的纺织女是为陪衬这个故事而安排的。
所以此画原名《巴拉斯与阿莱辛》。
从这个研究成果看，这幅画实际上是描绘了天上人间两个纺织世界，反成为背景，作为陪衬的人间的纺织女倒成了全画的主角。
这证明委拉斯凯兹虽然以神话为题材，但他更重视现实人间，特别是重视他在宫廷中可以经常见到的他很同情的劳动妇女。
③ 欣赏、评述《弋射收获图》 ☆展示挂图，学生欣赏、讨论。
☆学生交流，根据预习时提出的问题谈自己的感受和理解。
☆教师归纳总结： 《弋射收获》（东汉画像砖，四川出土。
） 画像砖画像石，是汉代统治阶级盛行厚葬的产物。
它主要用于地下墓室，也包括少数地上祠堂。
这是一种介于绘画和浅浮雕之间、更多的属于绘画性质的艺术形式。
已发现的画像砖，主要集中在四川。
本图是其中著名的代表。
整个画面分上下两部分：上部弋射图，右为莲池，池内浮着莲叶，莲蓬结实饱满，水中有鱼鸭遨游，空中有大雁飞行、一派生机勃勃的景象。
下部为收获图，一人挑担提篮，三人俯身割草，整个画面，简洁分明，但所表现的内容十分丰富，而且将不同的空间自然地结合在一起。
所表现的劳动场面具有浓厚的生活气息。
（3） 收拾与整理 收拾课堂用品及资料。
（4） 课后拓展 提醒学生课后收集优秀中外美术作品，用已学过的知识进行欣赏、评述，提高自己的审美能力。
版画是什么
需要什么材料
从严格意义上讲，学习绘画之初要先从学习素描开始，一般从石膏几何体、静物、人物石膏像、结构、人物头像等这样循序渐进的学习方过程，但是我们很多初学者没有这种条件，有的考生临时“抱佛脚”，在没有接触基础训练时，直接画人物头像，这样的学生往往不可能画得好。
培养正确的学习方法，也就是建立在对物体的深入理解上。
我们画素描要懂得素描的基本要素，如形体、比例、结构、明暗调子、质量感和空间感等。
这些名词看起来好像不难，但具体的操作确实是很不容易的。
这里我们先来理解一下头部的形体结构及比例。
头部的形体，从整体上可以概括成一个卵形或立方体或楔形，进一步分析知道颅骨象球形，额骨呈扁方形，额骨之下至下颔骨底的正面呈倒梯形，下大上小的梯形体的鼻子竖于其间。
头部的比例有“长三停、横五眼”。
这是对头部一般规律的总结，但是个体之间还存在着一定的差异。
面对一个模特，初学者可能在短时间内也可完成一幅肖像，但画面简单空洞，需要多加练习，而受过良好素描训练的人却可表现得深入而丰富。
因为视觉上的敏感不同，感觉到的内容就会有差异，后者可以抓住物体的本质，在表达中能够概括简洁、明确肯定地表达对象，在短时间里抓住对象的最基本的特征，培养敏锐的观察方法。
画的种类油画油画（an oil painting；a painting in oils），是以用快干性的植物油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。
作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。
画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。
凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。
油画是西画主要画种之一。
版画版画(print) 是视觉艺术的一个重要门类。
广义的版画可以包括在印刷工业化以前所印制的图形普遍具有版画性质。
当代版画的概念主要指由艺术家构思创作并且通过制版和印刷程序而产生的艺术作品，具体说是以刀或化学药品等在木、石、麻胶、铜、锌等版面上雕刻或蚀刻后印刷出来的图画。
版画艺术在技术上是一直伴随着印刷术的发明与发展的。
古代版画主要是指木刻，也有少数铜版刻和套色漏印。
独特的刀味与木味使它在中国文化艺术史上具有独立的艺术价值与地位。
水粉画水粉画，是用水调合粉质颜料描绘出来的图画。
水粉颜色一般不透明，有较强的覆盖能力，可进行深细致的刻画。
运用得当，能兼具油画的浑厚和水彩画的明快这二者的艺术效果。
壁画绘在建筑物的墙壁或天花板上的图画。
分为粗底壁画、刷底壁画和装贴壁画等。
壁画是最古老的绘画形式之一，埃及、印度、巴比伦保存了不少古代壁画，意大利文艺复兴时期，壁画创作十分繁荣，产生了许多著名的作品。
我国自周代以来，历代宫室乃至墓室都有饰以壁画的制度；随着宗教信仰的兴盛，又广泛应用于寺观、石窟（例如敦煌莫高窟、芮城永乐宫，至今大量保存着著名的佛教壁画和道教壁画遗迹。
漫画漫画是绘画种类之一，又称讽刺画。
高速画一词来源于意大利文Caricare，义为夸张，后来演变为专指具有讽刺和滑稽意味的图画，即Caricature一词。
通过夸张、变形、假定、比喻、象征等手法，以幽默、风趣、诙谐的艺术效果，表现、讽刺、批评（或歌颂）现实生活中的人和事。
工笔画工笔画是以精谨细腻的笔法描绘景物的中国画表现方式。
工笔画须画在经过胶矾加工过的绢或宣纸上。
工笔画一般先要画好稿本，一幅完整的稿本需要反复地修改才能定稿，然后复上有胶矾的宣纸或绢，先用狼毫小笔勾勒，然后随类敷色，层层渲染，从而取得形神兼备的艺术效果。
唐代花鸟画杰出代表边鸾能画出禽鸟活跃之态、花卉芳艳之色。
作《牡丹图》，光色艳发，妙穷毫厘。
仔细观赏并可确信所画的是中午的牡丹，原来画面中的猫眼有“竖线”可见。
又如五代画家黄筌写花卉翎毛因工细逼真，呼之欲出，而被苍鹰视为真物而袭之，此见于《圣朝名画评》 ：“广政中昶命筌与其子居农于八卦殿画四时山水及诸禽鸟花卉等，至为精备。
其年冬昶将出猎，因按鹰犬，其间一鹰， 奋举臂者不能制，遂纵之，直入殿搏其所画翎羽。
”工笔画在唐代已盛行起来。
所以能取得卓越的艺术成就的原因，一方面绘画技法日臻成熟，另一方面也取决于绘画的材料改进。
初唐时期因绢料的改善而对工笔画的发展起到了一定的推动作用，据米芾的《画史》所载：“古画至唐初皆生绢，至吴生、周、韩斡，后来皆以热汤半熟，入粉捶如银板，故作人物，精彩入笔。
”中国的工笔画历史悠久，从战国到两宋，工笔画的创作从幼稚走向了成熟。
工笔画使用“尽其精微”的手段，通过“取神得形，以线立形，以形达意”获取神态与形体的完美统一。
在工笔画中，无论是人物画，还是花鸟画，都是力求于形似，“形”在工笔画中占有重要的地位。
与水墨写意画不同，工笔画更多地关注“细节”，注重写实，唐代周昉的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》，张萱的《捣练图》、《虢国夫人游春图》描绘的都是现实生活，这些作品不仅具有很强的描写性，而且富有诗意。
明末以后，随着西洋绘画技法传入中国，中西绘画开始相互借鉴，从而使工笔画的创作在造型更加准确的同时，保持了线条的自然流动和内容的诗情画意。
写意画写意画是用简练的笔法描绘景物。
写意画多画在生宣上，纵笔挥洒，墨彩飞扬，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地抒发作者的感情。
写意画又分小写意与大写意。
写意画是融诗、书画、印为一体的艺术形式。
扬州八怪之一的李鱓，喜在画上作题跋 ，长长短短，错落有致，使画面更加充实，也使气韵更加酣畅。
“画不足而题足之，画无声而诗声之，互相为用”（葛金《爱日吟庐书画录》），既反映了李绘画的实际，也体现了写意画的基本特点。
写意画是在长期的艺术实践中逐步形成的，其中文人参与绘画，对写意画的形成和发展起了积极的作用。
相传唐代王维因其诗、画俱佳，故后人称他的画为画中有诗，诗中有画，他一变勾斫之法，创造了水墨淡，笔意清润的破墨山水。
董其昌尊他为“文人画”之祖。
五代徐熙先用墨色写花的枝叶蕊萼，然后略施淡彩，开创了徐体落墨法。
之后宋代文同兴四君子画风，明代林良开“院体”写意之新格，明代沈周善用浓墨浅色，陈白阳重写实的水墨淡彩，徐青藤更是奇肆狂放求生韵。
经过长期的艺术实践，写意画代已进入全盛时期。
经八大、石涛、李鱓、吴昌硕等发扬光大，如今写意画已是影响最大、流传最广的画法。
写意画主张神似。
董其昌有论：“画山水唯写意水墨最妙。
何也
形质毕肖，则无气韵；彩色异具，则无笔法。
”明代徐渭题画诗也谈到：“不求形似求生韵，根据皆吾五指裁。
” 写意画注重用墨。
如徐渭画墨牡丹，一反勾染烘托的表现手法，以拨墨法写之。
元代吴镇论画有云：“墨戏之作，盖士大夫词翰之余，适一时之兴趣，与夫评画者流，大有寥廓。
尝观陈简斋墨梅诗云：“意足不求颜色似，前身相马九方皋。
此真知画者也。
”青绿山水画青绿山水是具有独特风格的山水型，在古代绘画艺术上占有重要地位，这种画以青绿颜色为主，用笔工整，细笔重彩，色彩浓烈，富有生气。
在勾线内用石青石绿着色。
色彩浓烈的叫大青绿山水，彩色浅淡些的叫小青绿山水，有用金彩勾勒山石纹理的，显得画面富丽堂皇，这种叫金碧山水。
水墨山水画水墨山水是唐代大诗人王维奠定的基础，不用色彩，以墨的浓淡、干湿，表现峰峦山石景色。
王维属杰出的诗人，又是山水画家。
他常把景色写成诗，又把诗画成画，后人说他的诗中有画，画中有诗。
到五代水墨画又有了飞跃，开始用皴法表现效果，使山石更加雄伟壮丽。
到明代徐渭的泼墨大写意在水墨画上发展了水墨的技巧把墨洒在纸上，几笔画就做到了挥洒自如。
他的画法对清代的石涛、朱耷（八大山人）影响很大。
清代的郑板桥就是受徐渭的影响。
白描画中国画中完全用线条来表现物象的称为“白描”。
白描有单勾和复勾两种。
用线一次画成的叫单勾。
单勾有用一色墨勾成的，也有根据不同对象用浓淡两种墨勾成的，例如花用淡墨勾，叶用浓墨勾。
复勾是先用淡墨完全勾好，然后根据具体情况决定复勾一部分或全部。
复勾的线不能依原路的线刻板地重叠地勾一道。
复勾的目的是加重质感和浓淡的变化，使物象显得更有神采。
白描是用线条、用墨线浓淡、粗细、虚实、轻重、刚柔、曲直的表现技法。
宋代李公麟，发挥了古代传统绘画线描作用，创造了白描技法。
元代钱选、明代陈洪绶白描画都很成功。
指画指画又称指头画，指画至今已有300多年的历史，是中国传统绘史前壁画画一个旁支。
指头画，一般不用或极少用毛笔。
史书上记载得比较明确的创始人是清初康熙年间的高其佩。
界画在画的一部分或大部分，用直尺画墨线组成史前壁画的画。
主要表现庄严雄伟的建筑物，如宫殿，庙宇、楼阁、亭台等。
五代时卫贤、元代郭忠恕达到了高峰。
清代袁江、袁跃都是画界画的。
内画内画，是我国一种特有的传统工艺，它的产生起源于画鼻烟壶。
内画的画史前壁画法是以特制的变形细笔，在玻璃、水晶、琥珀等材质的壶坯内，手绘出细致入微的画面，格调典雅、笔触精妙。
内画艺术分为京、冀、鲁、粤四大流派，其中尤以冀派内画水平最高、规模最大、发展最快、影响最大，不久前已入选国家非物质文化遗产保护名录，冀派内画的发源地——河北衡水，还被文化部命名为“中国内画之乡”。
涂鸦手绘，也叫手工绘画，或者涂鸦。
在中国应该算是近些年新起的一行，大概2000年左右吧，如手绘鞋，手绘T恤，人形抱枕，手绘钱包等，都是主要的手绘对象。
手绘即在原纯色物品基础上，根据产品的款式、面料以及顾客的爱好，画师在鞋面上用专门的手绘颜料绘画出精美、个性的画面，在不影响产品使用性的基础上，更增添其可观性．如一双鞋子的画面，可以是漫画卡通，真人素描，亦可以是风景、图案或装饰纹样；可以是故事片段配上文字，亦可以是顾客自己的所爱图片加真情告白.只要是可以绘画的，基本都能在鞋面上呈现出来.简单的说，鞋面上有手工绘画画面的鞋子就称为手绘鞋。
因为其手工性，比印刷品的工业机械性更具有欣赏价值；因为其绘画性，比工业设计以实用为先更具有艺术价值。
它借鉴了印刷品，但更多的灵感来自于画家，它以工业设计并生产好的产品为载体，但并不为其左右，绘影手绘设计师可以尽情发挥。
手绘鞋，因为是鞋，是商品，必然具有商品属性，但是手绘鞋的价值又具有双重性：一是鞋的价值；二是手绘的价值。
因此，它的价格，就不能只用鞋子的价格来比较，还要考虑到手绘的价值。
手绘鞋因其能够充展现年轻人的个性和对艺术的追求，并极大满足了现代人DIY的心理，又是一种新奇特的产品，从产生以来一直受到时尚年青人的追捧，在欧美、日韩、台湾等地刮起了“涂鸦文化”的旋风，手绘品开始成为时代的新宠，并开始在中国的大型商场、手绘批发公司、专卖店里面出现。
素描素描，简而言之就是单色画。
却又不尽然，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。
当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。
同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值。
求中国革命宣传画的资料
目前国内“革命宣传画”的最大收藏市场是北京。
像上海、杭州、广州、武汉、天津等地古玩市场虽也有经营，但规模都不太大。
一些人从全国各地廉价收购大量“革命宣传画”转卖到北京潘家园、古玩城等摊店里。
这些本不值钱的“革命宣传画”经过几次倒手变得值钱了。
现在很多国外收藏者和研究者从这些旧货市场大量购买“革命宣传画”。
“革命宣传画”具有很大的投资收藏价值。
中国“革命宣传画”的历史，应该从1938年延安鲁迅艺术学院成立开始算起，从那时起到1976年“文革”结束，大约70年历史。
延安时期至解放战争时期的“革命宣传画”，受鲁迅木刻运动的影响很大，一般都以黑白木刻画加上北方民间剪纸和年画的艺术为其主要特色。
由于当时印刷条件有限，数量极少，这些革命文物至今已难觅其踪了。
我们现在看到的最多的“革命宣传画”是50年代、60年代特别是70年代的作品。
“文革”前好的“革命宣传画”现在市面上也很少见了，现在市面流通的多是70年代中后期和80年代初的宣传画作品。
现在，市场上也出现了很多假冒“革命宣传画”。
假冒最多的是“毛主席接见红卫兵”“一定要解放台湾”“抗美援越”等题材的“革命宣传画”。
“文革”时期二种套色的木刻画(黑、红)，也都属于热门造假题材。
“革命宣传画”的造假只是在近几年才开始的，是随着市场需求应运而生的。
我们辨别真假，可以主要从纸张、油墨、彩色制板的清晰度等方面分析。
一般仿冒的纸张比较新，没有几十年纸张特有的自然风化气味。
即使是作伪者对这些画进行“作旧处理”，细心一点也能看出人工处理留下的痕迹。
我们鉴别时，最主要是看画面的清晰度和色彩饱和度。
因为假的宣传画都是用原作翻拍后制板印刷的。
有时我们能看到50年代和60年代的粗粒纸痕迹也一起被翻拍在光滑的假宣传画中。
还有，文革时期的“黑红版画”作假最多，这是因为市场需求量大，还由于这种“黑红版画”色彩简单，造假成本低。
所以据我看，现在市场上流行的黑红两套色的木刻“革命宣传画”大部分不是真品。
从艺术风格上划分，“革命宣传画”有苏联风格、上海画派风格和民族年画版画风格等三类。
“革命宣传画”在表现题材上极其丰富。
各个时期的政治运动、外交政策、国民经济，文化教育，体育运动等重大历史，“革命宣传画”都有体现。
我认为，“革命宣传画”不仅向我们讲述着我国那段特殊的历史，而且它们本身也是现代中国美术史的一部分。
我相信，“革命宣传画”因其具有独特历史内涵和与众不同的艺术价值，从而决定了它们具有良好的艺术品投资价值。
1979年，英国伦敦的西敏大学举办了“中国的政治艺术和流行文化”展览，中国的“革命宣传画”在此次展览上展出。
从此，欧美诸多大学便诞生了一个以收集、探讨和研究中国革命现代史的“文革学”。
“文革”结束至今快30年了。
欧美很多大学把中国的“文革宣传画”做为了解现代中国文化艺术的窗口，是相关专业学生们的选修或必修课。
不仅如此，有些大学每年还不定期进行中国“文革宣传画”的讲座和展览，并逐渐形成了专业研究人员和研究生学位。
另一方面，以经营中国“革命文物”的商人也应运而生。
目前在香港、英国和美国等有专门的网站介绍这些“革命文物”，并进行网上销售。
在西方，“文革宣传画”的价格逐年攀升起来，目前一般比国内高约10倍左右。
著名的苏富比拍卖公司曾举办多次以“文革文物”为主的专题拍卖会。
2001年，一张“文革”中期宣传画就曾以1035美元成交。
但大多“文革宣传画”成交价都在200-300美元之间。
但到了2003年，苏富比一张1964年的“抗美援越”宣传画已标价到13800美元。
这张宣传画标价高，主要因为它是“文革”之前发行的，有特殊的时代和政治背景，且印数有限。
在欧美，少量中国“文革宣传画”由于印量小，同时具有强烈的革命和政治色彩，加之画面视觉冲击力强，所以一般都能卖到2000至4000美元不等。
相比之下，国内这些年来这方面学术研究就比较少，公众收藏“文革文物”也没有形成大的气候。
不过，有些“文革文物”还是有市场的，比如像“毛瓷”、“文革邮票”、“文革油画”等。
我认为，目前国内大多收藏人士对“文革宣传画”认识有偏差，因为他们认为“文革宣传画”只是一般印刷品，而没有把它们看成是一种特殊时代下产生的特殊的“艺术品”。
大家可以想想，“文革宣传画”与“文革邮票”相比，印刷数量是极少的。
但一张宣传画的印刷成本要比一张邮票高很多。
“文革宣传画”在当时是做为“艺术品”张贴在墙上的，“文革宣传画”和同为视觉艺术的“文革八个样板戏”一起，出现在当时社会的各个角落。
由于认识不足，国内目前没有系统地对“文革宣传画”进行系列化和专题化分类收藏和学术研究。
与这些年风风火火的“文革邮票”“红色瓷器”“毛主席像”相比，“文革宣传画”还远未被人重视起来。
由于国内对“文革宣传画”不重视，所以近几年有不少珍贵的“文革宣传画”被国外文革文物经销商人、汉学家成批买走了。
据我了解，现在连我国港澳台地区以及新加坡等国收藏者，乃至外国驻京使节和外国留学生也开始意识到收藏“文革宣传画”的重要性，开始在旧货市场收购这些“文革文物”了。
目前国内“文革宣传画”的最大收藏市场是北京。
像上海、杭州、广州、武汉、天津等地古玩市场虽也有经营，但规模都不太大。
从全国看还没有行成较有规模的“文革宣传画”队伍。
据了解，北京是不少“文革文物”集散地。
一些专门做这方面生意的人，从各地政府、事业机关图书馆资料室以及某些印刷厂、新华书店，廉价收购这些“文革宣传画”，再转卖到北京潘家园、古玩城、琉璃厂、报国寺等摊店里。
这些本不值钱的“文革宣传画”经过几次倒手，于是也就开始值钱了。
最后，本人总结几年来收藏“革命宣传画”的体会是：1、描述的是有价值的历史背景。
2、画面艺术感染力要强，如果是名家作品更好。
3、品像要完整，不能有太多的残缺。
4、印刷数量要少，最好是第1次印刷版。
如果符合上述3个条件，印刷数在1万左右，就属于珍品。
5、印刷数在5万份左右就属于精品。
印刷数在10万份以内，就值得收藏。
总之在成千上万张“革命宣传画”中，符合这些条件的还是属于少数。
图片说明 图1 毛主席永远和我们在一起(赝品） 图2 毛主席是我们心中的红太阳(赝品） 图3 一定要解放台湾(赝品） 图4 美国侵略者必败(赝品） 图5 无产阶级文化大革命全面胜利万岁 中央工艺美术学院供稿(68-69年)。
此画是典型的文革早中期的作品，没有创作者的姓名，署名是集体创作。
画面上是祖国江山一片红的情象，亿万红旗飘扬在神州大地，除台湾省之外。
图6 我们要增......为捐献山东空军...... 胡苏作，1951年6月初版，印数只有1万张。
1950年6月25日朝鲜战争爆发，到1951年6月1日全国抗美援朝总会发出关于推行爱国公约、捐献飞机大炮的运动。
此画正是配合当时的运动，画面妇女右手拿着爱国公约，天空中有架从苏联买来的轰炸机。
图7 为全面地提早完成和超额完成五年计划而奋斗 此画是1956年第1版，共计17万张。
张碧梧是属于上海月份牌画派的重要人物，其画风比较细腻、柔美，不管解放前的商品广告画还是解放后创作的革命宣传画，上海画派都非常受欢迎。
图8 自由婚姻，美满幸福 1953年，第1版3万张。
俞云阶为上海画院画师。
此画是1950年新中国解放之后，关于共和国发布第一个婚姻法的宣传画。
图9 和平的胜利 作者林汉杰，1957年第1版，6千张 50年代，整个世界形成两大阵营，以美国为首的西方阵营和以苏联为首的社会主义阵营在经济、科学和军事领域大竞赛。
1957年第二次访问莫斯科，发表了著名的论断“不是东风压到西风，就是西风压倒东风”。
这张画表现当时苏联发射了第一颗人造卫星，在航天领域超过美国。
回国后，发动了1958年“赶英超美”的大跃进运动。
图10 积极参加选拔，欢迎台湾、香港、澳门的运动员来参加竞赛! 这张画没有署名。
是中国参加第16届奥林匹克运动会的筹备委员会提供的。
1956年中华全国体育总会积极筹备参加第16届奥运会，并欢迎身在不同制度下的台湾、香港、澳门运动员回国参加选拔竞赛。
此宣传画是新中国成立后争取参加奥运会的重要记载。
图11 做祖国第一代有文化的农民! 袁维青作，1957年第1版，印数1.1万1千张。
这是一张50年代早期号召城市青年插队的宣传画。
图12 南京长江大桥建成是思想的伟大胜利! 此张画非常特别之处是一张“双全开”作品。
这种双开画在宣传画不常出现。
印刷这种版面成本高，也不太容易销售和保存。
1968年底中国自行设计的南京长江大桥全面通车时，全国上下一片欢腾，挥笔写下“一桥飞架南北，天堑变通途”。
图13 发展集体生产争取农业丰收 1962年，4.5万张 一张受苏联风格影响的作品。
大家从画面的构图上看，非常成熟，色彩鲜明、亮丽、笔法流畅，视觉冲击力很强。
没有早期延安时期的“乡土味”，也没有上海月份牌甜美风格的“城市味”。
图14 人民公社好
芮光庭作 1959年1月 “人民公社好”是1958年视察北方农村后提出的口号。
此画表现了当时流行的对联“共产主义是天堂，人民公社是桥梁”。
图15 伟大的马克思主义、列宁主义思想万岁 1971年。
陕西省阶级教育展览馆。
此画在2001年苏富比拍卖会上以1035美元成交。
图16 毛主席去安源 刘春华执笔，1968年。
此张宣传画的印量在中国乃至世界宣传画历史中大概是最多的了，印刷达到9千万份，这还不算用此画大量制作的像章、书籍封面、邮票等等。
图17 毛主席啊，世界革命人民无限热爱您 1969年5月第一版，上海人民美术出版社出版。
(图片资料由本文作者提供）
埃舍尔用什么工具画画?
(1898-1972)奇物的发掘者 埃舍尔出生于1898年的荷兰北部。
早于1916年，他已经熟识油耗浮雕印刷术。
1917年，他在画家史蒂格文的印刷公司制作蚀刻版画。
1919年，在贺林的建筑装饰艺术学院修读建筑学。
当时得到美术老师梅斯昆泰的熏陶，对装饰设计艺术产生浓厚兴趣，尤其是木刻版画。
自那时开始，埃舍尔的生活便于他的作品连在一起，在致给父母亲的书信中，他时常将工作过程一一道说出来。
埃舍尔多次表达数学上有趣的茂比乌斯带。
当一条丝带被扭曲后，将两端连在一起，则丝带的正面和反面是相间地连接起来的。
但这种曲面带的现象若由平面图画表达出来则毫不容易，1963年的《红蚁》便是这种题材的作品，也是一件稀有的埃舍尔套色版画。
埃舍尔在他的著作中，指出特别偏好两色的外型结构，因为图形的本质需要，他才加上颜色。
1961年的《瀑布》是埃舍尔最后期的奇异建筑式图画，他依据彭罗斯的三角原理，将整齐的立方物体堆砌在建筑物上。
这种不合情理的结构亦见于1958年的《嘹望塔》，作品中的建筑物和人物手持的立方体都是怪异的。
埃舍尔的作品骤看起来没有什么奇怪的地方，但其实当中蕴藏的幻觉事物是最引人入胜的。
参观者每每把他们认识的真实世界，与埃舍尔的虚构幻像相混比较，而产生迷惑。
例如作品《瀑布》的流水穿流不息，完全违反地心吸力，所表达的图像是毫不合理的。
错觉大师 M.C.escher作品 埃舍尔把自己称为一个图形艺术家，他专门从事于木版画和平版画。
1898年他出生在荷兰的 Leeuwarden，全名叫 Maurits Cornelis Escher。
他的家庭设想他将来能跟随他的父亲从事建筑事业，但是他在学校里那可怜的成绩以及对于绘画和设计的偏爱最终使得他从事图形艺术的职业。
他的工作成果直到五十年代才被注意，1956年他举办了他的第一次重要的画展, 这个画展得到了《时代》杂志的好评, 并且获得了世界范围的名望。
在他的最热情的赞美者之中不乏许多数学家, 他们认为在他的作品中数学的原则和思想得到了非同寻常的形象化。
因为这个荷兰的艺术家没有受过中学以外的正式的数学训练，因而这一点尤其令人赞叹。
随着他的创作的发展，他从他读到的数学的思想中获得了巨大灵感，他工作中经常直接用平面几何和射影几何的结构，这使他的作品深刻地反映了非欧几里德几何学的精髓，下面我们将看到这一点。
他也被悖论和不可能的图形结构所迷住，并且使用了罗杰·彭罗斯的一个想法发展了许多吸引人的艺术成果。
这样, 对于学数学的学生，埃舍尔的工作围绕了两个广阔的区域：空间几何学和我们或许可以叫做的空间逻辑学。
