关于对艺术的感悟的美文
感悟艺术 有人说，艺术是盛水的杯子，里面的水是自我修养,溢出来的才是风格。
看着我一脸胡子，有人会猜测，要么是艺术家，要么是落魄者。
这么多年来，我终于明白什么是自己。
其实，所谓艺术，只不过是我头上顶礼膜拜的一顶花冠，一钵我精心呵护不见开花的盆景。
我不是伽利略，更不是宁愿被火烧死也不改地圆学说的布鲁诺尼。
面对落日，我只能象一位毫无收获的渔者终日勤恳织网： ———说不定，明天，太阳会从西方出来
关于对艺术的感悟的美文
感悟艺术空着双手去体验音乐或绘画，也许从未理会过那些用以展示韵律的符号的规则，也许在我的想像里这些永远都不重要，我会一个人安静地听各种未知的声响，看流动的水与山，湿淋淋地迎面涌来一股亲切的豪气，看千年的蝴蝶、越过陈旧的门槛，在十八里长亭之外缓缓地飞，为爱的悲凉作一回流畅的诠释，各种捉摸不定的情感在了，这样就好。
艺术的触角无法直白地表达却又极其敏感，有时被人拾回去轻松地曲解得不伦不类。
有时被当成毫无价值的摆设高高地搁着，这些时候的它，其实早已如同空气那样逃逸而出，留下一些外在的伤痕，柔韧的骨子里流着叛逆而坚强的血，继续赶路，却依然心平气和。
常激动于诗歌或文章中灵性生动的渴望，这是为数不多的可以单纯以感觉介入的东西，让人明白很多琐碎繁忙的多余。
就像经历过冬天的深刻而最终在面前铺开舒展的原野却突然觉得没有振高一呼的必要一样，触摸了内心归于平静的年龄自然就会少很多无谓的愤怒和感叹。
在这样一个因为缺少苦难而不再有太多重现和反省只剩下心安理得在丰富也繁衍着的年代,在反复过大喜大怒大悲哀之后需要重新沉着地想清楚什么的年代，有人执着又随便地回答某些凝重的提问，一边拾起略带忧郁的眼睛望望身后，一边把路上沾染得差点把自己谈忘的故事和片断，轻轻弹落。
于是我会想起一群正直的艺术探索者，他们用融汇了全部精神的笔触创造着难以言传的美的瞬间，让人时刻不忘记产生对自身思维存在走势的怀疑与重视。
在每一个玻璃窗外许多微弱地绽放的花朵惊醒的深夜，我愿意把彼此的对话和最初的感知无限制地推敲下去，它隔绝着人世的纷扰与热情，就像生活在清澈的小溪中的水草，不必要懂得什么叫房屋，树木，尘土和人群。
艺术需要艺术家自发的性情与作品水乳交融，共存共生、完美的品性为艺术的生成及延续注入了永久的生命力，这是平谈而又恢复了人性本源的色彩，因此我们才会愿意体味“落魄”的渊明身后的一份超脱，想像他在明白“实迷途其求未远，觉今是而昨非”以后，留下一树落叶绝尘而去的样子，才会沉浸于的“痛哭而返”；才会时常地怀念“去黄河左岸洗笔，右岸磨剑”的那份天才，看他在用“笔峰与剑气”，刻完一部辉煌的盛唐之后，抛下笔墨便在一片月光中醉然成仙”。
也正因为此，我们读过王维的“长吟吉甫颂，朝夕仰清风”，多少都能惦出“却嫌陶合弃良迟”下遮掩的矫情。
“别和任何东西去狩猎本性，自己的生态就不会尴尬”。
有人这样说，听过的我能听懂的都懂了，然后在自如地生存的时候很个人化地多一些只成碎片或许还不想称之为文字的东西，来达到忽略外在侵略的宽大与和谐，我们所谈的艺术，所想的艺术，所爱的艺术，其实就是一个完全让一尘不染的天性洗涤整个身心的自己，让你感受到它呼吸时的气息，就像确信生命的疼痛感确实隐藏在万事万物当中一样，不为做而做情感让心里的井水枯渴。
艺术应是孤独的，孤独而不寂寞，那种登高一呼应者云集就如屈从与迎合那样，是一件和接近灵魂南辕北辙的事。
每次诚实地怀念艺术的时候我都会想起刘烨园的一句话：“鹰活着不是为了升腾，有时想着夜空，常常冷漠同类。
”也许在生前和死后，仍然有无数的语言在喧杂中分解着艺术的外壳，招摇过市也好，沿街叫卖也好，故弄玄虚也好，沽名钓誉也好，这一切都与你我无关。
我们关注的只是另一种由自己的生存追求所营造的和谐，艺术在这样的精神家园里生长，归于本源的自然。
所以我们才甘于平凡然而举世无双。
学期结束的个人感言怎么写
给个范例
没有范例啊,不知道你一学期的表现啊.你先把表现写一下，然后需要改进的地方和你进步的地方
对艺术欣赏的感受或文章
曾以“美是难的”来概括他对美本质问题的探索历程，今天如果我们谦逊一点的话，恐怕还是要说像艺术的本质这样的问题，也的确是难于探讨、难于定论的。
面对着关于艺术的纷繁说法，我首先要问：艺术，你到底是什么
在中开宗明义的说道：“艺术以另一种方式确凿无疑地成为艺术家和作品的本源”。
事实也的确如此，谈及艺术，我们必然要涉及到艺术家和艺术作品。
因此，从关于艺术的诸多混沌的阐释中，我选择从艺术家和艺术作品的角度试图来揭开艺术神秘的面纱。
纵观漫长的艺术史，不难发现，有一个严肃的命题是不可回避的：人与世界的关系，而这也恰恰是诠释艺术史的根基和主线。
无论是从高更那幅具有“终极设问”意味的画——《我们从哪里来
我们是什么
我们要到哪里去
》，还是从那幅具有拷问人生行动意义的中，我都顿觉有一种被穿透感，我强烈感到冥冥宇宙中有种千丝万缕的情结在撕扯着我的心。
艺术是什么
面对这个古老的命题，说：“艺术是自行置入作品中的真理”，艺术 “是对作品中真理的创造性保藏”，“艺术是人的创造和保藏。
”归根结底，从艺术创作本体上讲，艺术风格的形成实际上表现了一种人与世界的存在关系，风格的变化也预示着人与世界存在关系的变化，意味着人类一种感觉领域的消退和另一种感觉领域的打开。
艺术创造的本质在于艺术家通过艺术形式来把握世界，这种把握不是对世界的简单描摹，而是艺术家通过感性创造活动来对宇宙、历史及人生进行的深度阐释与意义重建。
艺术形式或艺术风格则是这种阐释或创造活动的感性显现。
正因为如此，通过艺术形式，我们不仅可以看到艺术家的与文化修养，还可以看到艺术家对于社会、政治及历史的认识和理解，看到艺术家对于宇宙、世界和人生的体验和感悟，甚至看到艺术家所处的整个时代的精神状况。
因此，关于艺术，我想说：人与世界的关系主宰一切
但是，有了诠释艺术史的这条主线，并不意味着我们就可以在艺术的海洋里轻松畅游。
在艺术世界里，空间和时间相互交错着，纷繁而复杂：地理上的暂时性组合在不停地改变着艺术的形式与功能;任何作品都带着奔腾流逝的时间，它既沉浸在亘古洪芜之内，又蕴含于最为遥远的未来之中。
就像，在多少个世纪之后仍然在拨动着人们的心弦，原始的绘画在被发现之时仍如同它起始时一样有着令人目眩的灿烂。
面对这般浩如星空的艺术世界，我们更加需要的是为艺术之长龙点睛。
这一在艺术世界中频繁出现的形象，被众多艺术大师所演绎。
但是，在、等不同大师的笔下，玛利亚却有着不同的面容和神质。
在有限的生命中我们不可能抓住这浩渺的诸多艺术形象，但是我们却可以更近一步，把握艺术理论的模型。
换言之，艺术现象的混乱为艺术理论的形成提供的不仅是素材，更是基础，虽然是艺术史，诠释的根基仍旧是理论。
因此可以说，理论的形成和构筑高于一切
因此，关于艺术，我要说：理论模型解决一切
让我们进行一次艺术星空中的撞击，来一次猛烈的头脑风暴吧
当然，我们并不能到此为止，停滞不前，那样是对于艺术的固化。
在建构了艺术的理论模型后，我们要继续向前，去追寻永恒，去寻求艺术世界中的终极结论。
在古希腊，按尼采的说法，艺术的使命就是来抵抗人生的悲剧性，让艺术赋予人生意义。
或许我们看过梵高的那幅经典的绘画《农靴》，事实上它之所以成为经典更多的是因为海德格尔的经典评述，我们从梵高的农鞋中看出的是“劳动步履的艰辛”，“回响着大地无声的召唤”、“馈赠”、“冬眠”，“浸透着对面包的稳靠性的无怨无艾的焦虑，以及那战胜了贫困的无言的喜悦，隐含着分娩阵痛时的哆嗦，死亡逼近时的战栗” 。
一句话，从对物或器具的描绘中看到的是人对物的诗意的联想。
在那双普通的“农靴”背后更多的是一种精神的传达，是绘画艺术价值的升华。
只有透过形式把握住精神的永恒不二，才能达到艺术世界的巅峰。
如果我们只是静止的在《农靴》面前欣赏，很难真正的理解到背后的精神传达，那双“农靴”是用来穿的，是助于我们行走的工具。
罗丹的雕塑《行走》使我切实领会到“人类是世界上最伟大的放荡者”（罗丹语）。
正如海德格尔所倡导的那样，我们不能丢掉自己的根――大地，只有不断行走，才能使自我真正的与大地融合，才能真正的揭示人与大地的关系本质。
对于艺术所传承的精神实质，我们需要的是在行走中把握，进行自己的“心灵冒险之旅”，在心灵的“放逐”中达到人与大地的融合。
因此，关于艺术，我必须说：让我们一起学会行走，践行艺术的终极结论，不断行走于广阔大地
方冰的个人感言
：艺术创作者的艺养不仅能在某术形式中得以体现，还能表现出创作者对社会生活的内在感受。
艺术创作者的艺术修养由审美感受能力、形象思维能力和创作表现能力三者组成。
艺术创作者的艺术修养的高低直接决定着作品格调的高低，艺术修养的高低体现着高超的专业技能、独特的个人风格及特殊的感受能力，与画家的自身修养、生活经验、专业技能等有着密切的关系。
关键词：艺术创作者；艺术修养；形象思维；创作表现 荣格说，艺术说到底就是归结为人格，无论艺术家有什么样的思想尝试，只有在找到可行的表达方式之后才能完整地呈现出来，这可行的表达方式就是艺术家品质与睿智的综合体。
一件伟大的艺术作品的诞生，绝不仅仅就是从开始到结束的这段创作过程，它是与创作者本人的品质、文化修养、审美感受能力、思维能力、精湛的技艺等分不开的。
这就属于我们所说的艺术修养。
而艺术修养的形成不但取决于创作者长年累月的刻苦钻研，而且与他的生活环境、成长经历、所处的社会背景等等都有着千丝万缕的联系。
艺术创作则是在此基础上的外在的表达方式，同样的表达方式，个人的艺术修养低，表达方式的结果则显得浅薄；个人的艺术修养高，表达方式的结果则显得有内涵。
了解了这些，我们才能对美术创作过程中的各个环节有更准确、更深刻的认识。
因此，对创作者艺术修养与艺术创作的关系进行分析，就十分必要。
艺术创作者的艺术修养包括审美感受能力、形象思维能力、创造表现能力，而这些能力则是在长期的磨练与学习中获得的，是从创作者的生活、学习、等等一系列活动中获得的对艺术深层次的认识与理解。
一、审美感受能力 艺术的创作有其自身的规律，从素材的积累、创作主题的确立、作品的构图、表现手法的运用等各个环节都需要仔细斟酌。
虽然艺术有时不一定要经过严谨的思考，有时只是随手而来的成功，但艺术的创作必然会受到思想意识所支配——审美感受能力，没有审美感受能力的创作者不可能创作出深层次的艺术作品，作品也就失去了艺术所具有的意义。
这种审美感受能力，就是指审美感觉器官对审美对象的感知能力。
这种能力包括两方面内容：一种是对审美对象外在（如颜色、形态等）的感知能力；其二是对审美对象的情感表现和象征意义（如情绪体验等）的感知能力。
在这两种感知能力中，要求艺术创作者不但要形似，还要在外在形象中体现出内在的精神，从而体现出作品的内在价值，这就类似中国文人画一样，通过物来抒发自己的情感，通过物象体现自己的远大抱负一样，即借物言志。
席勒指出：“审美感受能力是时代最迫切的需要，这不仅因为它是一种改善人类对生活洞察力的手段，而且因为它本身就能唤起观察力的改善”。
如果画家缺乏对美的感受，他就不可能将美升华到作品中去，也就不可能创作出具有内涵的高层次艺术作品。
法国著名雕塑家罗丹说过：“美是到处都有的，对于我们的眼睛不是缺少美，而是缺少发现”。
艺术创作者要在深入生活，在实践的基础上，凭借自己的审美感受能力去发现和挖掘内心认为美的东西。
创作者在深入生活中，在实践中收集积累素材，通过自己的审美感受能力去挖掘能够表达真善美统一的审美理想的创作主题。
一个好的创作意向，一个优秀的创作主题，它体现了作者较高的审美能力，必定是对现实生活中美的外在反映，经过艺术家的艺术技巧、艺术手段把这种美通过作品表现出来启迪人的心灵，提高人的道德修养，培养大众的审美能力。
二、形象思维能力 什么叫形象思维
人类的思维方法可分两大类：一是逻辑思维；一是形象思维。
前者使人们认识客观事物的本质，是抽象的，理性的。
后者使人们认识客观事物的外在实际形象，是具体的，感性的。
当人们通过逻辑思维，对客观事物获得正确的本质认识之后，就要进行形象思维，使抽象的概念建构于形象化之中，尤其是艺术创作亦是如此。
艺术作品对于欣赏者所起的作用是间接的启迪与感化而不是直接的说理与教化。
它要表达创作者的内在情感是通过形象来表达的；所进行的思维方式是形象思维。
因此，它只有利用形象来引起欣赏者丰富的联想，才能得到感染与启迪。
既然形象是艺术创作者表达思想情感的重要方式，那就必须认识它，捕捉它，运用它。
无论是在创作的构思阶段，还是在制作阶段，都要把形象放在首要位置，时刻从形象的角度去思考问题，才能掌握艺术创作的特点，加强艺术感染力，才能以形代神，作品的内在价值才会体现。
即使是抽象的，或是怪诞的作品（如达达主义，象征主义，超现实主义艺术等现代艺术形式），它的素材仍然是从现实生活中提炼出来的。
无论如何怪诞，都离不开现实生活。
幻想中所包括的可能存在或将要存在的部分，实际是从已经存在的事物中抽出来，重新构成的。
不管是抽象的还是写意的、还是写实的，追根究底，也没有完全脱离生活实际，是对生活，对当下事物的高度概括，或是感性的幻想而已。
艺术来源于生活，但艺术不是完全的反映生活。
幼儿园教师年会个人感言
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