请问考电影学院。
它主要是考些什么内容的。
形体好是最占优势的，有舞蹈功底是最好的， 身高有要求女生：160，男生170就可以了 有三次面试：项目包括表演、声乐、形体、台词--------------------以下这是中戏的以下是导演系的考试项目， 导演专业（戏剧影视方向） 初试： 朗诵（自选寓言、散文或小说片断一篇；根据主考教师要求即兴朗诵）命题表演 二试： 作品分析（笔试：观摩指定的戏剧或电影录像后进行分析） 三试： 命题编讲故事口试 朗诵考核：口齿是否存在大舌头，普通话等等。
你的文学修养也能体现其中、从选材到朗诵的表现。
都能看出你的对于作品情感理解的之后的表达。
起码有个份吧。
真实、不做作。
命题表演考核：说一个情境、环境。
让考生即兴。
来源生活的观察能力。
不是表演角色，仅仅是生活再现。
没体验就没体验不要乱演。
放开的状态不是仅仅怯场的问题。
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作品分析（笔试：观摩指定的戏剧或电影录像后进行分析）看片子，写影评。
会么
应该见过吧，但不是杂志上那么八卦的。
请看点专业的影视评论杂志。
注意人性的定义、价值观、合理的逻辑、在艺术上的一定修养也好有。
能知道点稍微专业术语。
以人为主。
别谁都写。
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着重在一个背景下写一到两个。
分主次。
编讲故事，故事的叙事安排。
情节创意、情理之中意料之外。
还是要有逻辑性和价值观故事不长，是要口述的，不能背啊。
要有角色交流，讲故事的感觉。
不是评书表达能力要好。
不要太离奇，尽量使发生在自己周围的事件。
这样感情真实。
口试很简单。
问问大致情况、了解下你这个人的平时状态。
几分钟就完。
中国戏曲的特点
中国戏曲的特点1 、离者，终于和中国戏曲，是一种综合舞台艺术样式。
它的特点是将众多艺术形式，以一种标准聚合在一起，在共同具有的性质中体现其各自的个性。
这些形式主要包括：诗、乐、舞。
诗指其文学，乐指其音乐伴奏，舞指其表演。
此外还包括舞台美术、服装、化妆等方面。
而这些艺术因素在戏曲中都为了一个目的，即演故事；都遵循一个原则，即美。
2、戏曲者，谓以歌舞演故事也中国戏曲之特点，一言以蔽之，“谓以歌舞演故事也”（清末学者王国维语）。
戏曲与话剧，均为戏剧之属，都要通过演员扮演人物，运用对话和动作去表现一定长度的故事情节。
所不同者，戏曲是运用音乐化的对话和舞蹈化的动作去表现现实生活的，即歌舞的手段。
也即人们所熟知的“唱、念、做、打”。
3、离形而取意，得意而忘形中国戏曲的表现生活，运用了一种“取其意而弃其形”的方式，如中国画之写意山水，用纵横的笔势去体现生活中一切美好的事物。
所以，戏曲舞台上才有了红脸的关羽，白脸的曹操；有了长歌当哭，长袖善舞；有了无花木之春色，无波涛之江河。
4、舞台小天地，天地大舞台中国戏曲作为一种舞台艺术，需要面对一个舞台之狭小与生活之博大的矛盾。
戏曲并没有象话剧那样用“三一律”的原则对生活进行挤压以便于表现。
而是运用虚拟的手段，制造弹性的时空，又借助于演员生动的表演和观众的想象与理解，来完成对阔大天地的描画。
所以，戏曲可以在明亮的灯光下制造出黑夜的假象，可以在空旷的舞台上驭马行舟。
如何评价电视剧《大明王朝 1566》
作者：吴易链接：来源：知乎著作权归作者所有。
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说到《大明王朝1566》，首先要从导演张黎和编剧刘和平说起。
2007年的《大明王朝1566》是张黎与刘和平自1997年的《雍正王朝》后的第二次合作，也是至今的最后一次合作，并且是张黎作为导演的唯一一次合作（在《雍正王朝》中张黎担任艺术总监一职）。
张黎依靠这部作品和之前的《走向共和》彻底超越了胡玫，奠定了内地电视界第一正剧导演的身份，此后的《人间正道是沧桑》等不过是锦上添花而已。
刘和平虽然争议更大，但此人在编剧界的地位也无须我在此处再多言，作为一名学者型编剧，虽然他的作品往往冲突激烈集中极富戏剧性，但他的骨子中往往还蕴藏着某些超越戏剧性本身的追求，这使他的作品往往在戏剧性的情节之下还有深厚且富于张力的内涵。
如果说前者是对一线编剧的基本要求，那么后者就是编剧个人身上的独特烙印。
除去两人本人各自的强劲实力之外，大家可能有这样的感觉，张黎和刘和平合作往往让人有种1+1大于2的惊喜，而事实也正是如此。
刘和平擅写大场面大格局大冲突，而对于曾经的冯小刚御用摄影师，以《夜宴》的摄影师身份获奖无数的张黎来说，转行导演后，以镜头语言再现刘和平笔下的大格局不在话下。
在这一点上，刘和平的上一个本子《北平无战事》就做的一般，远没有《大明王朝1566》那样令人印象深刻。
山影+孔笙团队虽然近年拍了不少优秀的正剧，但是格局上显然较黎叔仍然有差距。
此外，刘和平的作品整体风格较为内敛沉郁，其中又往往在深处蕴藉着某种民族的蓬勃之气，这样的独特风格，放眼内地电视界也唯有张黎可以最好地呼吸领会之。
两人的合作可以说是真正的天作之合。
这样的黄金组合为这部剧集的成功打下了一个很坚实的基础，试想，正剧领域的上古大神陈家林碰上朱苏进，照样在《江山风雨情》这么好的题材上走了麦城，而《人间正道是沧桑》虽然也是优秀的作品，但张黎极富个人风格的摄影与剪辑与江奇涛歌剧风格的剧本总有微妙的方枘圆凿之处，相较而言，《大明王朝1566》中的剪辑则往往令人印象极其深刻（比如大家非常熟悉的黑白闪回，当然有相当部分要感谢剪辑师刘淼淼）。
张黎对刘和平的剧本的理解是深刻的，这使他在导演本剧时常有丰富剧情内涵的神来之笔。
举个例子，在剧情的中后半段，司礼监掌印太监吕芳被嘉靖打发去南京守陵，这里有一段他与自己的干儿子冯保告别的戏，是刘和平原剧本中没有的，而张黎将这一段拍的十分精彩。
<img src= data-rawwidth=704 data-rawheight=396 class=origin_image zh-lightbox-thumb width=704 data-original=>这一段不仅在结构上呼应了第一集吕芳训斥冯保，指责他不懂为自己谋后路的情节，也进一步丰满了吕芳老成宽厚，冯保伶俐隐忍的性格，两人之间关于“一朝天子一朝臣”的一席对话也深化了全剧的主旨与内涵。
这一情节甚至还为可能的续集剧情发展打下了草蛇灰线般的伏笔——冯保最终应验了吕芳的预言，爬到了吕芳的位置，而最后也遭到与吕芳相同的命运。
仅举一例，可以看看导演对剧本的理解已经到了一个怎样的程度。
接下来说说这部电视剧的选角。
刘和平擅写群像戏，因此选角和表演是重中之重，他的戏如果选角没做好，起码要砍掉一半剧本的魅力。
比如《北平无战事》中，很少有人在刘烨出场时会想到“方孟敖”出场了而非演员刘烨。
这一点上，《大明王朝1566》做的相当好，甚至可以认为是整个内地电视剧工业上的一个巅峰，它的卡司选用了一群实力派演员，其中大量是话剧团的老演员，整个剧集的台词都拿捏的相当稳。
几乎所有演员都和角色没有距离，皇帝说话有皇帝的样，高官说话有高官的样，小吏说话有小吏的样，平民说话有平民的样。
即使是龙套角色，也少有苟且出戏的现象产生，这是相当不容易的。
（《亮剑》几个主要角色形象那么经典，龙套一说话就出戏）这种集体演技爆发的现象至少可以证明一点：整个剧组是在认真对待这个戏，把它当成一个艺术品而非流水线上的作品来做。
对此，张黎导演接受采访的时候有一个回忆：那个组出奇地平静。
陈宝国也一样，也住在北五环的一个烂楼里面，他自己住一间，给他安排了一个套间。
早晨起来，试装，对词，每天就这样，很松散，该锻炼就锻炼。
给他们找了一个健身房，像严世藩，杨金水，他们都锻炼。
黄志忠每天跑一万米。
安安静静，这其实是一个摄制组应该有的状态。
有的演员偷点懒，词不好，大伙那种不屑，他的压力太大了。
所有演员词都溜溜的，戏都好好的，一个演员打磕巴了，那真是对不起，不用说，回去以后肯定是在背词呢。
他形成的习惯是，一般早晨五点起床背词，七点钟出发。
现场再背词的演员，全组人都看不起。
倪大宏不拍戏时，我们就见不着他，据说天天憋在屋里琢磨呢，他从化装开始就进入到严嵩80多岁的状态，寡言少语、眼神呆滞、动作缓慢等。
而扮演郑泌昌、何茂才的演员，要求住一个房间，哥儿俩没事儿就掰扯戏，很有上大学排一部话剧的感觉。
他们在拍摄期间都是‘守得住’的演员。
下面还是把这些演员列一下，感谢他们带来的精彩表演，大家可以看一下这些实力派的履历，看完之后也大概能琢磨出当年看一群大叔飚群戏为什么那么过瘾了：<img src= data-rawwidth=420 data-rawheight=297 class=content_image width=420>陈宝国的嘉靖，雄猜与天威难测的最佳注脚，也是陈宝国皇帝戏的巅峰。
<img src= data-rawwidth=204 data-rawheight=220 class=content_image width=204>黄志忠的海瑞，人物可能立的稍微正了一些，导致演员发挥空间有限，不过这是剧本的原因，黄志忠的表演几无可挑剔，几幕高潮戏中爆发出的台词功力真是百看不厌。
<img src= data-rawwidth=466 data-rawheight=573 class=origin_image zh-lightbox-thumb width=466 data-original=>王庆祥的胡宗宪。
也有人物立的太正的问题，但王庆祥将其诠释的颇有层次感，绝非普通的忠臣形象所能概括。
<img src= data-rawwidth=326 data-rawheight=450 class=content_image width=326>倪大红的严嵩。
完美诠释大奸似忠，40岁演70岁应该可以作为教科书案例了。
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可贵的是竟然还没用配音。
<img src= data-rawwidth=299 data-rawheight=220 class=content_image width=299>张志坚的严世藩。
形象和历史有所不合，但是演技没的说，一口京片子念白很有韵味。
张志坚是南京话剧团一级演员，饰演过《人间正道是沧桑》中的董建昌。
<img src= data-rawwidth=352 data-rawheight=288 class=content_image width=352>王劲松的杨金水。
这个不多说了，经典角色。
<img src= data-rawwidth=588 data-rawheight=328 class=origin_image zh-lightbox-thumb width=588 data-original=>赵立新的沈一石。
曾在《走向共和》中饰演罗文，本人毕业于中戏，现为中戏表演系主讲教师，其才子气质与沈一石的角色设置殊为相合。
<img src= data-rawwidth=352 data-rawheight=288 class=content_image width=352>倒严三巨头：肖竹的徐阶（前立者），刘毓滨的高拱（前二立者），郭东文的张居正（后立者）。
三人都是话剧演员出身，肖竹有一个典故是他1956年报考北影，成为北影第一批学生，当年的面试官是陈佩斯之父陈强，出的题目是朗诵《海燕》，肖竹刚念几句就被陈强打断。
后来才知道原因是肖一开口就被陈强听出功底非常好。
刘毓滨是国家一级演员，国务院政府津贴获得者，古装剧常客，最有名的角色应该是《康熙王朝》中的朱国治。
郭东文为广州话剧团国家一级演员。
三人虽同属改革派阵营，而性格迥异，徐阶外示忠厚而内心机心深重，高拱刚直而嫉恶如仇，张居正才华横溢，进取心重。
虽然三人经常在同一场景中出现，但演员的诠释都截然不同，观众甚至可以看台词便一眼猜出说话者。
<img src= data-rawwidth=352 data-rawheight=573 class=content_image width=352>宦官群：徐光明的吕芳（右一），刘立伟的陈洪（右二），赵雍的黄锦（右三）。
宦官作为可以左右政治局面的一大群体贯穿整部剧的始终，徐光明、刘立伟都是话剧演员出身，赵雍是北影78级学生（张丰毅、张铁林同学），功底都没得说。
这群宦官的表演又是闻音识人的群戏经典，文字形容失味。
此外徐敏的赵贞吉，甘雨的郑泌昌，王戎的何茂才，徐成峰的冯保，祝希娟的海母，谭凯的高翰文，郑玉的王用汲，等等……都是非常经典的角色。
此外，《大明王朝1566》的思想高度是一大争议话题，很多人喜欢将他与《走向共和》对比，并得出前者思想性逊于后者的结论，甚至张黎本人也表达过这样的看法，他在一次访谈中表示：其实这次《大明王朝》观点上退步了。
但我必须先退一步。
其实我明是退步了，但比以前更加务实了。
我还真是考虑到中国目前的国情，这种缓慢的，但仍然在行进中的这种体制改革。
不怕慢就怕站。
我为什么提海瑞，海瑞真正的存在的意义不只在于他骂皇帝啊，他清廉啊，反贪啊。
海瑞的真正意义在于那六个字——正君道，明臣职。
我们还有一个想法，这个电影表现了君臣共治。
现在董事长级的领袖很少了，各国领导人都是总经理。
过去有毛时代、蒋时代、邱吉尔时代、肯尼迪时代、斯大林时代，现在已经很少了，现在都是责任制，总经理，任期几年，有个名誉上的董事会，管理人员多，这个时候都不可能再做到政由己出了。
而这个政不由己出，在历史上，包括过去的文景之治，贞观之治，都是因为有一个弱权皇帝，这种弱权皇帝造成了一种军臣共治的局面，我们呼唤一种君臣共治，一种稳健的改革。
张黎的观点我部分接受，部分则加以保留。
《大明王朝1566》是一部有现实关怀的戏，甚至其缘起也有部分出于反腐宣传的考虑（贺国强访问海南后表示要宣传海瑞精神），但若将这种现实关怀完全落在廉政文化上，未免落得太实，也不可能是刘和平的本意。
很显然，《大明王朝1566》的模式绝非是那种传统的清官斗贪官，如果从这个角度去理解这部剧，那么就会得出下面这样啼笑皆非的结论：中宣部文艺局副局长孟祥林认为，该剧中正面主角海瑞的形象有些单薄，不如反面主角嘉靖皇帝的形象鲜活。
而且，对于抗倭名将戚继光这样一个应该着重表现的著名英雄形象，剧中的戏份太少。
显然，孟祥林对此剧的理解是非常浅薄的，而张黎点出的这一层对渐进式改革的向往的意思，虽然在剧情中有一定对应，但我认为仍然不是刘和平剧本中冰山下的核心。
我认为《大明王朝1566》真正宣扬的不是反腐，甚至也不是制度改革，而是对某种完美人格与社会形态的追求，这种追求背后坚实的支撑就是民族精神。
王用汲在大堂对质中称海瑞有“古君子之风”，这是一个被刘和平寄寓了无限寄托的形象，也是他心中完美的古代知识分子形象——儒法结合，外法内儒。
剧中不断出现海瑞口称“大明律”，将对方驳的哑口无言的场景，这是某种乌托邦式的美好想像，大明讼堂不是美国联邦法庭，引援数百年前的大明律于事无补，但我们至少可以在这样的场景中看出编剧的某种模糊的追求。
法治与人治是剧中海瑞与嘉靖分执的天平两端，前者如海瑞手中的大明律，后者如嘉靖修道的房间中醒目的阴阳标志，还有他最后训示海瑞时说的一番话：君既不是山，臣民便不是江。
古人称长江为江，黄河为河，长江水清，黄河水浊，长江在流，黄河也在流。
古谚云‘圣人出，黄河清’，可黄河什么时候清过
长江之水灌溉了两岸数省之田地，黄河之水也灌溉了数省两岸之田地。
只能不因水清而偏用，也只能不能因水浊而偏废，自古皆然。
这个海瑞不懂这个道理，在奏疏里劝朕只能用长江而非黄河，朕岂可乎
反之，黄河一旦泛滥，朕便治理，这就是朕为什么罢严嵩杀严世蕃等人的道理；再反之，长江一旦泛滥，朕也要治理，这便是朕为什么要罢黜杨廷和、夏言，杀杨继盛、沈链等人的道理。
比方这个海瑞，自以为清流，将君父比作为山，水却淹没了山头，这便是泛滥。
这是一番充满中国人玄妙精神的对话，也于不经意间道出了中国封建王朝构筑的本质——所谓外儒内法，便是以调和阴阳为主，法律条文为辅。
在道德的精心包裹下，再严明的法律也失去了自己的力度，日益腐蚀，和光同尘，就像紫禁城的回廊一样，无论是徐阶还是张居正，改革者依靠自己的力量无法走出这样的怪圈，因为他们对抗的不只是严嵩严世藩也不只是嘉靖，而是强大的传统。
（说到这里，剧中有一集有一个镜头，张居正退朝时斥责严世藩，严世藩怒而离开，此时镜头俯视拉远，张居正站在紫禁城高大的城墙下，剧情中意气风发的他在镜头前显得非常渺小。
本剧的镜头运用真是出神入化）作为完美的人格，海瑞秉承的是外法内儒的原则，行事的原则是大明律，支撑行事的动力则是儒家文化，也就是源源不息的民族精神。
这也就意味着他在道德上必须保持完美，否则最大的支撑力便会瞬间坍塌，这个人物形象就会瞬间黯淡并被扫进历史的垃圾堆。
但在中国封建王朝的构建模式中，儒是一层包裹在外面的外衣，外衣光鲜，却可以肆意揉捏，内核灰暗，但必须保持坚硬。
海瑞和嘉靖的冲突从一开始就是不平等的，这便是奥妙所在。
但对人类来说，保持人格的绝对纯净本来就是不可能的任务，因此“外法内儒”这样的理想社会永远只能是不存在的乌托邦。
但这并不意味着世界上不存在海瑞这样的人，不存在某种苍凉中的奋进。
如此，《大明王朝1566》的悲剧被提升到了一个新的层次，腐败是一时一事的悲剧，制度是一朝一代的悲剧，而这种纯净人格与社会形态和现实的冲突所产生的悲剧则是永恒的。
当我们在观剧时不自觉地开始和剧中的衮衮诸公一样，对海瑞的一些不切实际的行为不以为然时，转而赞同更加实际也更加讲权谋的胡宗宪、赵贞吉时，我们也就成为了这种悲剧的一部分。
这是其他剧集很少会带给我们的观剧体验。
我想刘和平想告诉我们的是，一个大家全部是海瑞的世界是不存在的乌托邦，但如果世上多出一个海瑞，那么这一定是一个更好的世界。
<img src= data-rawwidth=550 data-rawheight=365 class=origin_image zh-lightbox-thumb width=550 data-original=>题外话：本剧的剧本严格来说是个未完稿，刘和平曾多次表示初始的构思中是要写到海瑞去世的，也就是胎死腹中的《大明王朝1587》。
最后没有拍出来的原因大概还是第一部投资与收视不成比例的原因，这令人感到非常惋惜。
上部中为下部作准备的草蛇灰线的情节也不在少数，除上述所述暗示冯保命运的情节外，万历朝的其他两巨头——张居正与李妃的性格与人物关系也慢慢铺陈开来。
此外在剧集开始时亲密无间的倒严三巨头在最后几集中已貌合神离，暗示后来他们争夺首辅的情节，海瑞退徐阶田的历史情节也有了明确的暗示。
此外高翰文和芸娘在剧集末尾再次出现，明显是为下部做准备，从张居正改革的悲剧结尾来看，这对夫妇多半要步沈一石后尘。
芸娘曾哀求李妃不要令自己和丈夫再卷入政治漩涡，也草蛇灰线般暗示了这一悲剧结局。
张黎接受采访时也曾印证过这一猜想：“女人戏”是我的弱项，李妃和芸娘的戏张力的确不够。
但也有另外的考虑，她们将成为第二部《大明王朝1587》的主角，在《大明王朝1566》中只是铺垫，李妃在万历年间起到很大的作用，虚构的芸娘和高翰文将成为沈一石后的商人代表。
湖南台好不容易制作了一次精品电视剧，结果收视率惨败（全剧未过0.7%，作为比较，《武媚娘传奇》的收视率一度破5%），计划中的后半部也因此流产，按照张黎导演担任摄影的另一部电影的名字来说，当真是“一声叹息”了。
紧急求助:以下问题求解.重分悬赏!!!!文学问题....
晕，你也问得太多了点吧。
茅盾文学奖获奖作品：长恨歌 【作品简介】 一个女人四十年的情与爱，被一枝细腻而绚烂的笔写得哀婉动人，跌宕起伏。
四十年代，还是中学生的王琦瑶被选为“上海小姐”，从此开始命运多舛的一生。
做了某大员的“金丝雀”从少女变成了真正的女人。
上海解放，大员遇难，王琦瑶成了普通百姓。
表面的日子平淡似水，内心的情感潮水却从未平息。
与几个男人的复杂关系，想来都是命里注定。
八十年代，已是知天命之年的王琦瑶难逃劫数，与女儿的男同学发生畸形恋，最终被失手杀死，命丧黄泉。
【个人看法】 不过是收集整理了张爱玲的上海描叙碎片，串缀成文罢了。
新意有限。
----------------- 汪曾祺与《沙家浜》 汪曾祺传 陆建华 毛主席说：“故事发生在沙家浜。
中国有许多戏用地名为戏名，这出戏就叫《沙家浜》吧。
” 1964年4月27日晚，刘少奇、周恩来、朱德、、董必武、陈毅、陆定一、邓子恢、聂荣臻等党和国家领导人以及国防委员会副主席张治中等，一道观看了京剧《芦荡火种》。
剧终，各位领导人高兴地鼓着掌走上舞台接见演员，纷纷赞扬这是一出好戏。
最初公演京剧《芦荡火种》时，海报上还有汪曾祺等作者的名字，以后随着江青把包括《芦荡火种》在内的一批经广大文艺工作者辛勤创作出来的现代戏定为样板戏，都划到她自己的功劳簿上，把真正的创作者隐去，以至于时间一长，演出时一律被规定只署上“集体创作”的字样，而人们不知不觉忘记了真正的作者究竟是谁。
直至粉碎“四人帮”后，才还历史以本来面目，为汪曾祺正名，明确他是改编创作现代京剧《沙家浜》的主要执笔者。
毛主席在看了京剧《芦荡火种》之后，不乏幽默地说：“芦荡里都是水，革命火种怎么能燎原呢
再说，那时抗日革命形势已经不是火种，而是火焰了嘛
”毛主席明确指示要改剧名，他说：“故事发生在沙家浜。
中国有许多戏用地名为戏名，这出戏就叫《沙家浜》吧。
” 从1964年春，京剧《芦荡火种》在北京公演获得成功，至今已有三十多年了，围绕这出优秀京剧现代戏的成长过程，有许多种说法，人们应该记住真实的历史是，从沪剧《芦荡火种》到北京京剧团最初移植改编的京剧《地下联络员》，再到后来又进行了大幅度修改、加工而成的京剧《芦荡火种》，一直到后来的京剧《沙家浜》，中共北京市委，特别是彭真等领导人付出了大量心血。
同样应该记住的是，江青最早把沪剧剧本《芦荡火种》推荐给北京京剧团，但最初的京剧改编本《地下联络员》并不理想，江青失望之下撒手不管而离去。
待到又一次修改加工成京剧《芦荡火种》演出并获得成功时，江青马上又对此戏表示过分的关心，并且以她特殊的身份从此把这出戏牢牢地抓在自己手中。
江青是在上海飞往北京的专机上偶然从《北京日报》上发现京剧《芦荡火种》公演并受到广大观众欢迎的消息，她断定此戏一定进行了加工提高。
到北京的当晚，她就迫不及待地赶去看戏，戏结束后直奔后台，一面大发雷霆：“你们好大胆子，没经过我就公演了。
”一面霸道地宣布：“这出戏我管的……彭真给你们发了一篇社论，我以后让《人民日报》连发两篇社论。
”这样一来，《芦荡火种》就被看成是她抓的戏，北京京剧团就被看成她的阵地，包括汪曾祺在内的演职人员从此以后在很长的一个时期里就再也不得安宁。
江青对汪曾祺留下印象，是从京剧《沙家浜》开始的。
她欣赏汪曾祺在剧中写的那些俗中见雅、浅处见才、透出浓厚京剧韵味的唱词，她知道，没有很深的古典文学修养和功底，是达不到这般境界的。
于是，她在把京剧《沙家浜》牢牢地抓在自己手里的同时，又在考虑借助于汪曾祺抓新的戏剧创作。
1965年4月中旬，北京京剧团由重庆到上海，再排《沙家浜》，江青到剧场审查通过，定为“样板”，并决定“五一”节在上海公演。
“样板戏”的名称从此就叫开了。
剧团那时还不叫“样板团”，叫“试验田”，全称是“江青同志的试验田”。
“文革”中，汪曾祺被关进“牛棚”后不久，忽然被突击“解放”，连回家换件干净衣服也不被允许，军代表说：“不成
来不及了
”“文化大革命”来了。
汪曾祺是北京京剧团第一批被揪出来的，因为他有“前科”。
“文化大革命”中，给汪曾祺贴的大字报的标题是：《老右派，新表演》参与京剧《沙家浜》改编工作的四个人全都挨批挨斗，因为汪曾祺是摘帽“右派”，造反派、军代表对他更要“严管”，让他整天在团里倒煤，即把整块煤、碎煤、煤末逐一分开，再分门别类地收集起来。
看到许多一直受人尊敬的国家领导人，那么多的文艺界名人，甚至普通居民都被批斗，有的还被折磨死，汪曾祺就觉得自己吃的这点儿苦实在算不了什么。
没有人找他写戏了，也不能看书，剩下来的事就是每天在团里倒煤，冷眼旁观社会上、街坊里、单位中每天都在发生的、总是演不完，也似乎永不会结束的“文化大革命”闹剧。
汪曾祺万万没想到，“解放”他的日子那么快就到来了。
那一天，他正把煤堆倒来倒去，一位身着四个兜绿军装的军代表跑过来。
先是令汪曾祺出列，劈头盖脑地将他训斥一顿。
正当汪曾祺丈二和尚摸不着头脑，弄不清是怎么回事时，这位军代表却又突然宣布，让汪曾祺回“牛棚”迅速写一份深刻检查。
汪曾祺更糊涂了，又没有新的“罪行”，写什么检查
军代表看出汪曾祺眼中的疑问，也嫌他反应迟钝，压低了声音喝道：“还不快去写，上级考虑‘解放’你哩
”“解放”二字如炸雷滚入汪曾祺耳中，使他又惊又喜
关进“牛棚”的人谁都盼着“解放”，没想到“解放”自己的这一天来得这么早，这么快，这么突然
嗨
简直是喜从天降
其他什么话也听不进了，汪曾祺满耳都回响着一个声音：解放
解放
心中高兴，脚下生风，他不由地加了把劲往“牛棚”里跑。
不想军代表气喘喘地从后面赶上来，大声喊：“汪曾祺，你不用回去写检查了，给你笔和纸，你就在这里拣重要的写几句就行了。
” 天下有这等好事
汪曾祺接过笔和纸，刚写了一句，那军代表又改变了主意，只见他把手一挥，急促地说：“不用写了，口头检查算了，说吧
”汪曾祺愣住了：“说
说什么……”“就说跟着首长搞京剧革命，永远忠于无产阶级司令部
”就说这个
汪曾祺心中暗喜，同时把一颗提得老高的心放了下来，迅即照猫画虎地学舌了一遍。
到了这时，军代表才道出“天机”，说有位中央首长马上要接见他，叫汪曾祺立即跟他走。
想到刚才让自己表决心“跟着首长搞京剧革命”，汪曾祺已明白这位中央首长是谁。
看着自己脸上挂着黑灰，手上满是煤屑，衣服也是脏兮兮的，活像个“小鬼”，汪曾祺向军代表提出：“让我回趟家，换件干净衣服再去吧
”军代表断然否决：“不成，来不及了
”汪曾祺十分为难：“就我这身衣服去见首长，怕不合适吧
”不想军代表考虑到了这一点。
他告诉汪曾祺，已经叫人去买衣服了。
他要汪曾祺洗洗脸去。
汪曾祺胡乱地洗过脸，皱纹里藏着的小煤屑一时洗不干净。
一套新蓝咔叽制服已经买来了。
汪曾祺换上新装，就随着军代表上了车。
此时的他虽然大致猜得到是什么样的首长召见他，但毕竟还不能完全明白是怎么回事。
原来，随着“文化大革命”的深入，江青要进一步抓紧革命“样板戏”的创作与上演。
对于《沙家浜》，她还想再作进一步的修改，最重要的是，要把原剧中的二号”“人物郭建光描写成一号人物，把阿庆嫂降为二号，这关系到是武装斗争领导秘密工作，还是秘密工作领导武装斗争的重大问题，一点不能含糊。
也正是因为要改戏，江青才想起了汪曾祺，这才有了汪曾祺戏剧性的、闪电式的“解放”。
这是一次关于京剧《沙家浜》的定稿会，在人民大会堂的一个大厅举行。
难怪军代表那么急，其他人早就到了。
台上第一排坐着江青、姚文元、叶群等炙手可热的新贵，第二排坐着“样板团”的军代表、革委会领导和当时国务院文化组的官员。
台下坐着北京京剧团《沙家浜》剧组的主要演员：谭元寿、洪雪飞、马长礼、万一英等。
汪曾祺见了，赶紧走过去与演员们坐在一起。
每人发给一本二号仿宋体大字印刷的剧本，由洪雪飞、万一英这些演员轮流朗诵。
台上虽然坐了两排人，其实都是听江青一个人的。
她不吭气，就接着往下念；只要江青鼻子一哼，就赶快停下来等“御旨”。
一旦停下来，江青就会指着汪曾祺：“汪曾祺，这几个字要改一改
”好在汪曾祺对《沙家浜》如数家珍，虽然乍从“牛棚”出来，不免有生疏感，但紧张之中，稍一凝神，也还能对付。
当场改稿，不是易事。
江青见改得满意了，就让演员接着往下念。
有时为一两个字、一句台词的改动，需要反复多次，总要改得江青不再摇头晃脑为止。
因为是江青点名指派，突击“解放”后的汪曾祺，不再有人计较他的“前科”了，他也成了“样板团”的“战士”。
待遇很好，吃样板饭：香酥鸡、番茄烧牛肉、炸黄花鱼、炸油饼……每天换样；穿样板衣：夏天、春秋各一套银灰色的确良，冬天还发一件军大衣。
样板服的式样、料子、颜色，都是江青自己定的，她也真有那闲工夫。
为排《沙家浜》，江青下令全剧团去苏州、常熟体验生活，增强无产阶级感情。
《沙家浜》还是那个演过不知多少次的《沙家浜》，但被江青定为“样板戏”后，意义就不同了，连演戏的演员也身价上涨，成了无产阶级文艺战士，神气得很。
1970年5月21日，北京百万军民在天安门广场集会，拥护毛主席在前一天发表的题为《全世界人民团结起来，打败美国侵略者及其一切走狗》的声明，即“5·20声明”。
《沙家浜》剧组的几个主要演员谭元寿、洪雪飞、马长礼等被邀请登上天安门城楼。
那几天汪曾祺奉命要以北京京剧团《沙家浜》剧组名义写篇体会文章，《红旗》杂志第6期正等着此文与《沙家浜》剧本一道发表。
但上午九时左右，一位姓田的军代表急匆匆地找来了：“老汪，快
江青同志通知你上天安门
”通知来得如此突然，又是江青的“旨意”，汪曾祺不免感到意外，但他并不感到“殊荣”，也没有激动得“热血沸腾”。
在新华社当天发往国内外报道首都百万军民天安门广场集会的电讯稿上，长长一大串登上天安门城楼的人员名单中，有汪曾祺的名字，虽然排列较后，但依然在全国产生反响，特别是在文艺界引起了不大不小的震动。
“九叶派”诗人唐?在温州从报纸上见到了汪曾祺的名字赫然出现在上天安门城楼的人员名单之中，激动得手拿报纸四处奔走相告：“汪曾祺上天安门了，咱们知识分子有希望了。
” 现代京剧《沙家浜》的创作与演出，自始至终伴随着中国政治的风风雨雨，作为改编、创作这出戏的主要执笔者汪曾祺，竟是如此紧密地伴随着这出戏而不断地起落沉浮，这实在是一个少有的、耐人寻味的历史文化现象。
无庸讳言，因为《沙家浜》，使汪曾祺在“文革”中免除了许多不堪忍受的折磨；但也正是因为《沙家浜》，在粉碎“四人帮”之后，他又被关进“学习班”，要求他“说清楚”。
而事实证明，汪曾祺只是奉命写作，江青对他只是“控制使用”。
对此，人们不免感慨万分。
汪曾祺自己对这一切也是有清醒认识的，他说：我搞了一个时期的样板戏，江青似乎很赏识我。
但是忽然有一天宣布：“汪曾祺可以控制使用。
”这主要是因为我曾是“右派”。
在“控制使用”的压力下搞创作，那滋味可想而知。
——《随遇而安》仔细体味这段话，不难发现其中隐藏着汪曾祺沉重的心情。
------------------------------------- 《活动变人形》：最好的中国式意识流 老王的扛鼎之作。
(1)意识流 小说是叙事的艺术，先说我所感知到的技法吧，最不能绕过的是当年技惊四座的意识流的运用。
王蒙是才子型作家和学者型作家的结合点，他很注意汲取西方现代派文学的手法，多年来百变千幻长袖善舞，始终活跃在文坛的颠峰浪尖上。
与他同时的作家跟不上他的脚步，比他年轻的作家有时也难免落了其后，我估计最喜新厌旧的评论家在这点上也挑不出他的理儿来。
我不知道在这篇之前，王蒙有没有拿意识流练过手，反正在这本书里已是很圆熟很到位的技巧。
凭我对《尤利西斯》的简单涉猎，我觉得意识流的老祖宗乔伊斯先生一旦沉入万千的思绪中，他便会天马行空乐不思蜀地徜徉其中，东拉西扯横七扭八，直到把读者搞得头晕脑涨思绪烦乱，他才可能抽身出来进行简单的叙述，然后又一猛子进去再度让人不胜其烦，尤其是小说末尾那冗长的淫荡回忆，更是淋漓尽致地体现了他的这个特点。
王蒙不这样，你可以说他是为了照顾读者的口味而有意不把文章写得那么涩，也可以说他是收发自如，把内心思绪的流动和传统的描写叙述结合得天衣无缝。
我时而沉醉地进入小说中各人的痛苦灵魂，时而出来进入他们生活的典型情境，这不知不觉间的进出全拜王蒙手法运用之妙。
这是中国化了的意识流，为中国文学史补上了这一笔，而且一出手水准就不低。
后来我又在不同作家的小说里见到了这玩意儿，比如莫言《檀香刑》，他说这次是对魔幻现实主义的反动，殊不知又一头栽进了乔伊斯、伍尔夫们的门下，他那几个活宝什么赵甲钱丙媚娘的心理活动写得也很细腻。
以中国小说目前边缘化的状态，急功近利的作家不会再去考虑什么意识流了，这不再代表前卫和难能，反倒因其不适合一般读者的口味而成为障碍，就算是成名既久的老腕儿也不行，刘震云就曾一度告别“新写实”，玩了一票记述“人们80%时间内无序的心理活动”，洋洋洒洒写出200万言的《故乡面和花朵》，还不是落了伤了腕儿亏了书商打击了自己的写作积极性。
社会已进入大众文化时代，引领潮流的是海岩这等编言情故事的高手，他们的东西甜丝丝地正好改编为影视剧，而纯文学尤其是玩弄文学技巧的，就准备清贫度日吧。
在阿城的眼里，作家这个字眼大致和“要饭的”同义，只有畅销书作家才是安坐的富翁。
包括被人视为“千古第一以文致富的文人”金庸，严格的说也不是以文致富，他能聚财千万，靠的还是精明的商业头脑，报馆老板的身份是赚钱的，而作家、大师的头衔是扬腕儿的。
说意识流我这倒先流远了，回来接着说王蒙。
我觉得意识流的技法特别适合以家庭为中心展开叙述，或者是一个心理关系错综复杂，但地理距离却非常接近的小团体，这样一旦沉入其中一人的内心，随着他上天入地的神游，其他人的形象、处境、个性也就渐渐显形，这不是全知视角，仅仅是一个侧面，但你把几个人与此人有关的所有看法都会聚到一起，他的完整形象就尘唉落定了。
《活动变人形》和《檀香刑》都是这样结构的。
（2）语言 小说是语言的艺术。
我对王蒙的汪洋恣肆是很熟悉的了，这本书仍然如此。
他的古典诗词的功底不错，他从生活中活学活用博闻强记的本事更是惊人，他是个善于学习总在进步的人。
而且，80年代是他创作的颠峰时期，就象写作《雍正皇帝》时的二月河。
在这种全盛年华，写出的东西非常饱满，无论是情节的营造还是情绪的宣泄，在语言上则表现为江水连绵，黄河泛滥。
这样的文字很有表现力感染力，读着当然很痛快，但有个缺点是欠提炼，你再说我这是物华天宝的盛唐气象，再说我这是浩浩泱泱的大汉气魄，有时也难免因为纵笔狂书，不舍得删削而枝蔓过多、用语罗嗦，把简单的意思重章叠唱。
因为写得顺，因为才气高，有些语言直通通的，缺少山重水副柳暗花明的转折，缺少四两拨千斤的别是一味儿，感觉不耐品读。
当然这可能是求全责备了，他这样高歌猛进的作家本来做的就不是那等文章。
王蒙还运用了很多北京方言和河北方言，尤其是那个女强人静珍说话时，竟能生出一股天津卫的油腔滑调来。
情节其实没什么可说的，对北平风物描写的细腻，这是王蒙的自传性质的作品，应该和四个“季节”放到一起成为研究作家本人的要资料。
小说的情节是写实的，尤其是那么多生活细节，姜家三雌侍弄炉火的执着，被王蒙不厌其烦地一再笔录，而重复处甚少，这就可见这是作家怎样一段长久而铭心的历练。
王蒙是1934年生人，1949年之前他也不过15岁的懵懂少年，除了倪萍、倪藻的一些儿童心理是那会的体验，他再能也不可能对“旧社会”有多深的观察和体验，所以他逼真的现实感还是来自成人后的摔打和磨难，把年代大大前提不过是障眼法儿。
（3）人物 该说说人物了。
倪吾诚就是“你无成”，他所经历的那些应该是发生过或者可能发生的，但因其太过理想主义和思维混乱，他又成了极端戏剧化的人物，从他身上我常常能觉出大悲哀。
这个人物以王蒙的父亲王锦第为原型，当然也糅合了其他人的典型性格。
我觉得王蒙对倪吾诚这个人的捏塑过程中，可能经历了一个不小的方向性的变化。
这个人物前后给我的感觉差别很大：开始倪和静宜产生心理抵牾时，我觉得这是一个理想主义者和庸俗世故者不可调和的矛盾，一个百无一用的书生和一个眼睛向下的家庭妇女的争吵，倪就好比是一个家境更差的方弘渐，而静宜是降低了学历的孙柔嘉，倪有些小资，而静宜拒绝一切形而上的东西。
虽然对两人都有意见，我的同情还是在倪吾诚这边，觉得他生不逢时挺可怜的，至少也不讨厌。
谁知到后头，倪吾诚一步步显出了自己的无能、无聊、无耻、无赖，到全书终结时，我对他只剩了厌恶和一点点的叹息。
他真的是白去了一趟欧洲，没有学到真正的学问，没有培育出清晰的人生思路，没有洗脱乡下的“吗何子”奴性，似乎只是学会了一些生活方式上的皮毛就高蹈云中，视他人为草芥，而不愿低头看路，塌实前行。
到晚年更成了党外的党-棍，狂热的盲流。
他的悲剧有造化弄人的无奈，更多的恐怕是因为自身的不堪。
我不知这是通过循序渐进得到了全面的解读，还是王蒙自己在写作的过程中对倪吾诚进行了新的定位。
倒是静宜的忍辱负重勇挑生活重担，让我慢慢地去掉了对她一出场就连喊三个“钱呢”的鄙夷，她成了被侮辱被损害的人，折磨别人，自己更被人折磨，被逼到墙角退无可退时敢做敢为。
静珍就是个变态寡妇加女中强贼的结合物，唯一游离的地方是她会“打起黄莺儿，莫做支上啼，啼时惊妾梦，不得到辽西”，一肚子诗词歌赋，真正的绣口凶心。
姜赵氏面目不清。
倪藻的存在是为了供倪吾诚教训，以反衬其父的一切卑劣所在。
倪萍这个孩子多少有些神怪的气息，心那么重，直觉那么好，只能名之为“妖”了。
至于什么“热乎”，就淹没在我们纭纭众生中，随手一抓就是一把。
还有“晃悠”，那就是一幅挂在墙上的圣人画像，我不信世界上曾有这样的人存活。
（4）弦外之音 最后了再罗嗦两句小说的主题。
倪吾诚可以视为向西方学习中最失败的一种人格类型，中国人的劣根性加上洋人的皮毛而不是精粹，这样的学习是注定悲剧收场的。
也许，这是小说的诉求重点
倪和周边环境、和姜静宜之始终难以沟通，则揭示了人与人之间东西永隔如参商的心灵窘境，是现代派小说的一个母题。
沟通的前提是换位思考、理解妥协，是己所不欲、勿施于人，是眼睛对视、求同存异，而不是互相伤害，彼此扭结。
倪吾诚面临的精神困境是很多人多会遭遇的，但恐怕没有比他解决得更差。
倪的逻辑混乱不知所云，是他缺乏内省从不深思得过且过的表现，人无法实现对自己心灵的全面把握，是现代派小说的另一个母题。
也许王蒙并无这样的清晰策划，但事实如此。
西方歌剧与中国戏曲有什么区别
所谓演技，是指表演的技巧。
而所谓表演，则有两层含义，一是大众层面的，表演是通过一些技巧来实现对某种真实的掩盖、加工或扭曲；二是艺术层面的，表演是利用专业技巧来诠释事件、故事、意像和特定的艺术作品。
无论是哪种层面，表演都需要一些技巧，简单来说就是音、形、情、意。
参考电影学院招生时考的这几门功夫：朗诵、声乐、形体和表演，可以看出，培养一个演员，究竟在意的是什么样的内在素质。
音演员表演很重要的一个组成部分就是念台词。
因此念台词的功力如何，可以看做是演员演技如何的一个重要考量参数。
有没有受过专门的台词训练可以看做是否科班出身的一个标志，因为这在专业的院校来说是一门很重要的课程。
国内演员里面，比较明显的台词功力好的，如王志文。
你可以从和他对戏的演员很容易就对比出差异来。
评价一个演员演技如何，可以首先从台词入手，因为这是基本功。
台词都念不好的演员，基本上都是三脚猫、半路出家的货。
另外需要注意的是，很多唱歌的也喜欢唱而优则演，因为他们受过类似的声乐训练，觉得念台词不是什么难事。
台词关可能倒是好过，但问题是，表演并非仅仅念念台词这么简单。
形我们知道人在传递信息时说话其实只占了一半都不到的一部分，形体占的比重也很大。
表演哑剧也是表演系的传统训练和考试科目。
早在默片时代，没有对白，形体表演和表情几乎就是全部。
而直到今天，形体表演也依然是中高级表演技巧。
我们经常能看到这样的报导，某电影导演带领该片主要演员进行某种体验，或某演员为演好某个角色特地训练了几个月。
之所以要进行这样的训练和体验，掌握形体技巧是其中很重要的一个部分。
这就好比你连枪都不知道该怎么拿，怎么演好游骑兵
你只会在普通泳池里跳水的动作，怎么去演潜水员
如果说台词功底是基本功，那形体表演技巧则是硬通货，它更注重技巧，且不会贬值，也不会受到演员母语的限制，算得上是全球统一认证——华语圈的演员能混到好莱坞的，基本上还就是那几个动作明星。
情坦白的说，表情表演可以有，也可以没有。
如果从演技的角度来说，表情过于给力并非是好事。
像吉姆凯利那样的表情帝也依然不受奥斯卡的待见，原因就是表情过于丰富了。
而吉姆凯利最具野心冲击奥斯卡的《楚门秀》，面部表演反倒收敛了很多（可惜还收得不够）。
表情是比形体更难以驾驭的高端技巧。
它有点像暴雪的游戏：易上手，难精通。
有一个简单的方法可以大致判别演员的面部表演技巧究竟如何：如果一个演员在影视作品中经常会有长时间的特写镜头，那说明导演对该演员的表情还是蛮满意的（潜规则的不算）；而如果观众看到这样的特写镜头也不觉得烦，那则说明该演员的表情技巧是过硬的（也有一小部分可能是剪辑技巧高明），能通过脸上的细微表情传递出具体的信息。
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