装置艺术是什么
装置艺术始于60年代，也称为“环境艺术”。
作为一种艺术，它与六七十年代的“波普艺术”、“极少主义”，“观念艺术”等有联系。
在短短几十年中，装置艺术已经成为当代艺术中的时髦，许多画家、雕塑家都给自己新添了“装置艺术家”的头衔。
在西方已经有专门的装置艺术美术馆，例如英国伦敦的装置艺术博物馆，美国旧金山的卡帕街装置艺术中心由1983年的一栋楼发展到2000年的四栋楼。
纽约新兴的当代艺术中心PS1几乎就是一个装置艺术展览馆，在它的庭院中，修筑了露天装置艺术的专用隔间。
美术院校也开始开设装置艺术课程。
在英国，哈德斯费尔得大学已经设有专门的装置艺术学士学位。
在西方当代美术馆的展览中，装置艺术也占据了相当重要的位置。
以美国圣地亚哥当代艺术博物馆为例，在1969年至1996年期间，就举办了67次装置艺术展览。
近年在美国美术院校毕业的硕士生很多人都成了装置艺术家。
例如，美国缅因美术学院2000年10个硕士生的毕业展，有9个是装置作品。
美国艺术批评家安东尼·强森（Anthony Janson）对后现代主义时期装置艺术如此引人注目是这样解释的，“按照解构主义艺术家的观点，世界就是‘文本’（text），装置艺术可以被看做是这种观念的完美宣示，但装置的意象，就连创作它的艺术家也无法完全把握，因此，‘读者’能自由地根据自己的理解，进行解读。
装置艺术家创造一个另外的世界，它是一个自我的宇宙，既陌生，又似曾相识。
观众不得不自己寻找走出这微缩的宇宙的途径。
装置所创造的新奇的环境，引发观众的记忆，产生以记忆形式出现的经验，观众借助于自己的理解，又进一步强化这种经验。
其结果是，‘文本’的写作，得到了观众的帮助。
就装置本身而言，它们仅仅是容器而已，它们能容纳任何‘作者’和‘读者’希望放入的内容。
因此，装置艺术可以作为最顺手的媒介，用来表达社会的、政治的或者个人的内容。
”。
另一位评论家麦克（Michael Kimmelman）则指出，装置艺术在当代兴起，与它的文献记录功能有关。
它在这方面的潜能，远远超过绘画、雕塑和摄影等艺术形式。
此外，装置艺术的兴起，也可以看作是对“极少主义”美术的反动。
如果说“极少主义”几至虚无的直接和简单在一定程度上反映了后工业社会对速度、效率的崇拜，那么，装置艺术的多多益善，则迫使观众放慢节奏。
因此，装置艺术似乎满足了繁忙的当代人的生理需要和心理平衡。
由于装置艺术中众多的艺术门类，以及众多实物的非逻辑，非再现的陈列，它们之间的张力构成了无穷大的观念的“排列组合”关系。
同时，装置艺术还充分反映变化中的世界，因为装置艺术中静止的物品并不是绝对静止的，它们所存在的空间环境和社会处于永恒的运动中，因此它们本身的意义也在不断变化。
后现代社会的另一特征是摒弃极端，拥抱兼容。
地球村的逐渐形成，意识形态的对立被经济合作所取代。
折衷、含糊成为国际的主调。
在瞬息万恋的时代，就像未来主义艺术家在他们的宣言中所说的，“试图使用逻辑来精微准确地解释一切，来解释其因果关系，是一种愚蠢的想法。
因为我们周围的现实，互为牵连的事物向我们劈头袭来，它们契合在一起，混合在一起，混沌无序。
”装置艺术正是这样一个说不清的世界－－杂乱的实物，令人目不暇接的录像，昏乱怪异的声响，玄言断句，雕塑加绘画。
这体现西方当代人迷茫而又无可奈何，不得不以自我为中心，放弃传统宗教，在神秘中寻求对不可知的答案。
装置艺术解读的不确定性暗示这种神秘，承认人类的认知是相对的，而无法逾越的不可知才是绝对的。
作者的一个美国同事，一位倍受尊重的美术教授，做过好些装置，前几年就突然辞职，跑到尼泊尔落发为僧，当了喇嘛教和尚。
也许做装置走火入魔，步入更高境界的“不可知”世界去了。
在艺术上，装置是对传统艺术分类的挑战。
每个时期的艺术分类是特定的社会和历史状态的产物。
19世纪，美术家们试图用各种方式对艺术进行分类，有的以主体的感觉器官如视觉器官或听觉器官来分类；有的把艺术分为空间艺术或时间艺术，有的把艺术分类成再现艺术或非再现艺术。
这种探索艺术分类新方式的努力，首先说明在18世纪法国美术学家阿贝·马托的分类原则上所建立的艺术分类已不能系统地界定日趋纷繁复杂的艺术现象。
人们在不断从新的角度深究艺术的本质和各种艺术门类之间的关系，正像朱狄在《当代西方美学》中所指出，现当代艺术“粉碎了每一种艺术已往所具有的，为多数人所认可的那种传统尺度和界标。
这一变化首先带来的是们不再像过去那样，在传统标准的意义上对各种艺术进行分类，而不得不去重新研究各门艺术的特征究竟发生了什么变化，继续进行对某一种艺术形式的独特本质进行研究，或在此基础上转入对构成各种艺术的最共同的本质加以研究。
”装置艺术自由使用各门类艺术手段，表明人类表达思想观念的艺术方式是无法用机械的分类来界定的。
由于现代艺术表现手段和材料的令人眼花缭乱的变化，依靠不断更新艺术分类原则，把规律化强加给无规律变化的艺术现象，不但无助于我们认识日日更新的艺术，到头来只会弄得人们无所适从。
不受限制地综合使用多门类的艺术形式，是现代艺术追求表现广度，深度和强度的必然产物。
在展览和收藏方面，装置艺术藐视美术博物馆的权威。
很多装置艺术最初都是在“非正式”的展览场所，即不是博物馆也不是画廊的地方展出。
例如旧金山的卡帕街装置艺术中心就是由分散的一栋栋经过翻修的民房组成。
在西方，博物馆的艺术基本上是中产阶级的艺术。
没有受过高等教育的广大劳动阶层，去美术馆画廊的微乎其微。
由于装置艺术把展览的场所搬到室外，移进翻修过的民居、废弃的厂房、简陋的仓库，以“平民化”的面目出现，实际上具有艺术普及的意味，把艺术带给那些几乎不进画廊、美术博物馆的劳动人民。
同时，装置艺术还反对美术博物馆用象牙之塔把艺术与生活隔离。
它不仅“平民化”，还直接进入生活。
有的室外装置以声响雕塑组合的形式出现，有的建成奇异的园林，有的又像梦幻世界的建筑，有的则用来装饰大楼外墙，真正成为人们可观可游，可坐可卧的生活环境。
但是装置艺术进入市民的生活环境，往往不是出于乌托邦式的艺术理想，而是经济原因。
很多美国城市都有公共环境艺术基金，这些基金是装置艺术家的重要赞助资金来源之一。
装置艺术一般以下特征： 1．装置艺术首先是一个能使观众置身其中的、三度空间的“环境”，这种“环境”包括室内和室外，但主要是室内。
2．装置艺术是艺术家根据特定展览地点的室内外的地点、空间特地设计和创作的艺术整体。
3．就像在一个电影场里不能同时放映两部电影一样，装置的整体性要求相应独立的空间，在视觉、听觉等方面，不受其它作品的影响和干扰。
4．观众介入和参与是装置艺术不可分割的一部分。
装置艺术是人们生活经验的延伸。
5．装置艺术创造的环境，是用来包容观众、促使甚至迫使观众在界定的空间内由被动观赏转换成主动感受，这种感受要求观众除了积极思维和肢体介入外，还要使用它所有的感官：包括视觉、听觉、触觉、嗅觉，甚至味觉。
6．装置艺术不受艺术门类的限制，它自由地综合使用绘画、雕塑、建筑、音乐、戏剧、诗歌、散文、电影、电视、录音、录像、摄影、诗歌等任何能够使用的手段。
可以说装置艺术是一种开放的艺术手段。
7．为了激活观众，有时是为了扰乱观众的习惯性思维，那些刺激感官的因素往往经过夸张、强化或异化。
8．一般说来，装置艺术供短期展览，不是供收藏的艺术。
9．装置艺术是可变的艺术。
艺术家既可以在展览期间改变组合，也可在异地展览时，增减或重新组合。
自然，装置艺术本身也在变化，例如，当代装置艺术不再是对传统的博物馆展览的一种反叛，相反，已经成为博物馆的宠儿。
最初以反对博物馆永久收藏为其宗旨的“环境艺术”（也就是装置艺术），也被“招安”，进入博物馆的永久收藏藏品名单。
再以美国圣地亚哥当代艺术博物馆为例，在它举办的67次装置艺术展览中，有58件被博物馆收购，成为永久收藏品。
什么是数字媒体装置艺术
数字媒体艺术是一个跨自然科学、社会科学和人文科学的综合性学科，集中体现了科学、艺术和人文的理念。
这一术语中的数字反映其科技基础，媒体强调其立足于传媒行业，艺术则明确其所针对的是艺术作品创作和数字产品的艺术设计等应用领域。
该领域目前属于交叉学科领域，涉及造型艺术、艺术设计、交互设计、计算机语言、计算机图形学、信息与通信技术等方面的知识。
新媒体艺术不同于现成品艺术、装置艺术、身体艺术、大地艺术等现代艺术。
新媒体艺术是一种以光学媒介和电子媒介为基本语言的新艺术学科门类，它建立在数字技术的核心基础上，亦称数码艺术。
其表现手段主要为电脑图像CG(computer graph)。
新媒体艺术的范畴具有与时俱进的确定性，眼下它主要是指那些利用录象、计算机、网络、数字技术等最新科技成果作为创作媒介的艺术品。
新媒体艺术已经在不经意中，深入到当代艺术的各个领域中去了。
装置艺术运用了哪些艺术表现形式
装置艺术不受艺术门类的限制，它自由地综合使用绘画、雕塑、建筑、音乐、戏剧、诗歌、散文、电影、电视、录音、录像、摄影等任何能够使用的手段。
可以说装置艺术是一种开放的艺术手段。
各大电影奖项中的“艺术指导”这项具体是做什么的
最佳美工奖全称最佳艺术指导——布景装置奖，所谓艺术指导，是指影片的布景、道具等设计。
该奖一度有黑白彩色之分，但1967年起两奖合并，仅设一项。
在金宝汇开个展的安心弄的那个“装置艺术”到底是什么东西啊
装置艺术，就是“场地 材料 情感”的综合展示艺术。
按照解构主义艺术家的观点，世界就是‘文本’（text），装置艺术可以被看做是这种观念的完美宣示，但装置的意象，就连创作它的艺术家也无法完全把握，因此，‘读者’能自由地根据自己的理解，进行解读。
装置艺术家创造一个另外的世界，它是一个自我的宇宙，既陌生，又似曾装置艺术一般具有以下特征： 1．装置艺术首先是一个能使观众置身其中的、三度空间的“环境”，这种“环境”包括室内和室外，但主要是室内。
2．装置艺术是艺术家根据特定展览地点的室内外的地点、空间特地设计和创作的艺术整体。
3．就像在一个电影场里不能同时放映两部电影一样，装置的整体性要求相应独立的空间，在视觉、听觉等方面，不受其它作品的影响和干扰。
4．观众介入和参与是装置艺术不可分割的一部分。
装置艺术是人们生活经验的延伸。
5．装置艺术创造的环境，是用来包容观众、促使甚至迫使观众在界定的空间内由被动观赏转换成主动感受，这种感受要求观众除了积极思维和肢体介入外，还要使用它所有的感官：包括视觉、听觉、触觉、嗅觉，甚至味觉。
6．装置艺术不受艺术门类的限制，它自由地综合使用绘画、雕塑、建筑、音乐、戏剧、诗歌、散文、电影、电视、录音、录像、摄影、诗歌等任何能够使用的手段。
可以说装置艺术是一种开放的艺术手段。
7．为了激活观众，有时是为了扰乱观众的习惯性思维，那些刺激感官的因素往往经过夸张、强化或异化。
8．一般说来，装置艺术供短期展览，不是供收藏的艺术。
这个大体上就算是装置艺术了，希望对你有帮助
急求装置艺术与传统艺术的区别和联系
艺术，一种文化现象，大多为满足主观与情感的需求，亦是日常生活进行娱乐的特殊方式。
其根本在于不断创造新兴之美，借此宣泄内心的欲望与情绪，属浓缩化和夸张化的生活。
文字、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影等任何可以表达美的行为或事物，皆属艺术。
装置艺术，是指艺术家在特定的时空环境里，将人类日常生活中的已消费或未消费过的物质文化实体、进行艺术性地有效选择、利用、改造、组合，以令其演绎出新的展示个体或群体丰富的精神文化意蕴的艺术形态。
简单地讲，装置艺术，就是“场地+材料+情感”的综合展示艺术。
由此可见，艺术包含装置艺术。
传统艺术的材料和装置艺术不同，他们的时间和空间也不同。
但是相同的是，他们都表达感情，都是艺术的分支。
电影的艺术语言都有哪些
常用电影语言简介 拉镜头 将摄影机放在移动车上，对着人物或景物向后拉远所摄取的画面。
摄影机逐渐远离被摄主体，画面就从一个局部逐渐扩展，使观众视点后移，看到局部和整体之间的联系。
空镜头 空镜头 又称“景物镜头”。
指影片中作自然景物或场面描写而不出现人物（主要指与剧情有关的人物）的镜头。
常用以介绍环境背景、交代时间空间、抒发人物情绪、推进故事情节、表达作者态度，具有说明、暗示、象征、隐喻等功能，在影片中能够产生借物喻情、见景生情、情景交融、渲染意境、烘托气氛、引起联想等艺术效果，在银幕的时空转换和调节影片节奏方面也有独特作用。
空镜头有写景与写物之分，前者通称风景镜头，往往用全景或远景表现；后者又称“细节描写”，一般采用近景或特写。
空镜头的运用，已不只是单纯描写景物，而成为影片创作者将抒情手法与叙事手法相结合，加强影片艺术表现力的重要手段。
跟镜头 又称“跟拍”。
摄影机跟随运动着的 被摄对象拍摄的画面。
跟镜头可连续而详尽地表现角色在行动中的动作和表情，既能突出运动中的主体，又能交代动体的运动方向、速度、体态及其与环境的关系，使动体的运动保持连贯，有利于展示人物在动态中的精神面貌。
合成镜头 一般指采用“合成摄影”方法拍摄的镜头画面。
有时也指电影镜头的声画合成。
在影片拍摄过程中，画面与声音是分别记录在两条载体上的，直到印制影片拷贝时，才将画面与声带合印在一条胶片上。
因此，声画俱备的镜头，也称“合成镜头”。
声画对列 使声音与画面作非同步结合的剪辑手法之一。
即以画外的声音推动画面情节的发展，或刻画人物的内心世界，达到声音为画面内容服务的目的。
将声音处理或向前或向后位移，即下一个镜头的声音首部，超前进入上一个镜头的画面尾部，或者上一个镜头的声音尾部，滞后延至下一个镜头的画面首部，以构成上下镜头转换的自然流畅，或引出某种戏剧效果，也属声画对列手法。
声画同步 影片中的对白和声响与画面动作相一致。
即影片的声带与画面严格配合，使声音（包括配音）和画面形象保持同步进行的自然关系，画面中的视像和它所发出的声音同时呈现并同时消失，两者吻合一致。
反之则为声画不同步。
声画同步的作用，主要在于加强画面的真实感，提高视觉形象的感染力。
同期录音 也称“现场录音”。
在拍摄电影画面的同时进行录音的摄制方式。
一般使用磁带片收录。
同期录音要求摄影棚装备良好的隔音设备，并在摄影机、录音机上加装避音装置。
同期录音也用于外景拍摄现场，所录音响供演员配音时参考，以提高影片对白的质量 。
先期录音 也称“前期录音”。
影片制作中先录 音后拍摄画面的一种摄制方式。
多用 于有大量唱词和音乐的戏曲片和音乐歌 舞片，即在影片画面拍摄前，先将影 片中的唱词和乐曲录制成声带，然后 由演员在拍摄相应画面时，合着声带 还音进行表演。
球幕电影 又称“圆穹电影”或“穹幕电影”。
20世纪70年代出现的一种大银幕电影 。
拍摄及放映均采用超广角鱼眼镜头 ，观众厅为圆顶式结构，银幕呈半球形，观众被包围其中，视银幕如同苍穹。
由于银幕影像大而清晰，自观众面前延至身后，且伴有立体声环音，使观众如置身其间，临场效果十分强烈。
环形电影 又称“环幕电影”。
一种在围绕影院圆形内壁、呈360的环形银幕上放映的电影。
由多台摄影机同步摄制，多台放映机同步放映，有三台、五台、九台、十一台等多种。
环形电影院的放映机装置在环形银幕上方的放映室中，观众站立于观众厅中央，可随意四面观看。
由于视野开阔，具有 多声道立体声效果，能使观众产生身临其境的感觉。
但由于设备复杂，放映时间不宜过长，一般仅半小时左右。
环形电影院不能兼放普通影片，故限制较大，难以推广。
遮幅宽银幕电影 也称“假宽银幕电影”。
一种非变形宽银幕电影。
使用35毫米胶片，拍摄和放映时，在摄影机和放映机片窗前加装格框，遮去画幅的上下两边，以压缩画面高度，但不改变画面宽度，使画面高宽比由原来的1:1.33，变成 1:1.66至1:1.85，能得到与宽银幕电影相同的银幕效果。
摄制这种宽银幕电影较为简便，已得到广泛采用。
左翼电影 1933－1935年，中国左翼文化界总同盟领导下的中共秘密电影小组，在上海开展的左翼电影运动及由此摄制的一批反帝反封建影片。
1933年自黄子布（夏衍）与明星影片公司导演程步高合作，摄制第一部左翼电影始，明星、联华、艺华、天一等制片公司在左翼电影工作者帮助、支持下，遵循反帝反封建的制片路线，在同一年里，相继摄制了、、、、、、、、、《大路》、《姊妹花》、《铁板红泪录》、《挣扎》、《神女》、《盐潮》、《脂粉市场》、《民族生存》、《中国海的怒潮》、《恶邻》等三十余部影片，表现工人、农民、妇女和知识分子的生活和斗争，为此，1933年被称为“左翼电影年”。
1934－1935年，随着当局对左翼电影运动压制的加剧，左翼电影创作面临更大困难，但党的秘密电影小组仍通过个人联系方式，向公司或导演提供剧本，并帮助成立电通影片公司。
两年中，明星、艺华、电通等制片公司先后摄制出《同仇》、《渔光曲》、《女儿经》、《乡愁》、《船家女》、《劫后桃花》、《黄金时代》、《逃亡》、《生之哀歌》、《人之初》、《桃李劫》、《风云儿女》、《自由神》、《都市风光》等近三十部优秀影片。
1936年，上海各公司在“国防电影”口号下陆续拍摄的抗日爱国题材影片，从广泛的意义上说，与左翼电影是一脉相承的。
特技美术师 也称“特技设计”。
电影特技镜头的设计者和拍摄工作的组织者，与特技摄影师合作完成特技镜头的摄制。
特技美术师兼有电影造型的艺术修养和掌握电影特技工艺技术的能力，能绘制特技镜头的画面气氛图，胜任各种透视合成镜头所需的绘画和模型加工等。
在与特技摄影师研究确定具体拍摄方案后，运用相应的特技工艺技术，完成特技镜头的拍摄任务。
特技美术师提出的特技镜头设计方案，须能体现导演的创作意图，与影片总体造型融为一体，并充分考虑到逼真、安全、经济、省时等要求。
特技摄影师 电影特技镜头的主要创作人员之一。
与特技美术师合作，研究确定设计方案，运用相应的特技工艺技术，以普通的或特殊的摄影设备，完成特技镜头的摄制，以体现导演的创作意图。
替身 替身 又称“替身演员”。
代替影片中原演员表演某些特殊的、高难度的动作和技能，或原演员所不能胜任的惊险动作的特殊演员。
一般选聘具有影片所需要的特殊技能的人员担任，代替某一演员完成规定的动作。
性格演员 能够塑造多种人物形象的演员。
这类演员具有很强的可塑性，戏路较宽，擅长通过独特的表演进行银幕形象的再创造，塑造出的角色不同于演员自己，不同于自己扮演过的其他人物形象，也不同于其他演员扮演过的同一人物形象，同时每一个形象都具有不同的性格。
音画对位 影片音画关系的一种。
包括两种艺术处理：(1)音画对比。
音乐与画面的内容和情绪一致，只存在量的差别。
例如在中国故事片《红色娘子军》中，有一组表现战士们充满青春活力、节奏快速的生活画面，而音乐是气势悠长、从容不迫的《五指山上红旗飘》。
这样的对比，产生了加强画 面结构的作用。
(2)音画对立。
音乐的形象和情绪完全相反。
例如在故事片《祝福》中，善良的祥林嫂被逼成亲时撞头寻死。
兴奋欢快的结婚音乐，和祥林嫂头破血流、痛不欲生的画面形成尖锐的对立，深刻地表现了旧时代的悲剧性。
音画对位有时也能预示剧情的发展。
例如在故事片《天云山传奇》中，当宋薇和吴遥结婚时，表现宋薇沉重痛苦心情的音乐与喜庆场面相对立，预示着她婚后的不幸。
音画平行 也称“音画并行”。
影片音画关系的一种。
指影片中音乐与画面所表现的思想感情、人物性格、艺术风格和戏剧性矛盾冲突相互贴近，但速度节奏并不同步。
其基本特点是音乐重复或加强画面的意境、倾向或含义。
说明性音乐、渲染性音乐都属于音画平行的音乐。
音画同步 影片音画关系的一种。
指音乐与画面的情绪一致，节奏相同。
常用于动画影片。
美国美术电影导演沃尔特·狄斯尼（Walt Disney,1901－1966）在他所导演的“米老鼠”影片中充分运用音画同步的艺术处理。
因而音画同步的音乐，也称“米老鼠音乐”。
也常用于歌剧片、舞剧片、戏曲片或喜剧样式、惊险样式的故事片中。
有时还会形成画面、音乐与音响效果三同步。
例如中国影片《孙中山》中，北伐军出城跑步出征，先是画面与脚步音响同步出现，然后音乐也同步出现 ，脚步声与音乐的低音声部相结合，加强了音乐的低音，显得更加雄壮和紧张。
音乐片 以音乐生活为题材或音乐在其中占有很大比重的影片。
一般以音乐家、歌唱家和乐师的事迹为描写对象。
音乐片中的音乐作为主要剧情的有机组成部分，直接由影片中的人物表现出来，绝大部分都是非阐释性的。
电影史上最早的音乐片是美国华纳影片公司1927年摄制的《爵士歌王》。
中国影片《海上生明月》也属音乐片。
摄影棚 电影制片厂用以拍摄影片的建筑物。
具有较大的面积与空间，供在其中搭置布景，布置各种照明设备，按场景进行影片拍摄，即一般所说的“内景摄影”。
棚内除有供电、悬挂、起重、消防、通风等设施外，还须隔绝外界噪声，并具有适宜的音响条件，以适应现场录音并保证录音质量。
为适应季节性的需要，还可安装冷暖空调设备。
摄影棚大都为长方形，可有大、中、小不同面积，以800－1000平方米为宜。
一般采取组棚形式，即由二至三座联结在一起，周围构筑供摄制组及其他相关部门需用的附属房屋， 从而构成摄影棚建筑群体。
摄影师 摄制组的主要创作成员之一。
负责运用摄影器材和造型手段，将电影场面艺术地记录于胶片，完成体现导演创作设计的银幕造型任务。
在摄制组中，一般由摄影、照明人员组成摄影小组，摄影师作为摄影创作和技术处理的负责人，领导摄影小组工作。
某些摄制组设总摄影师，摄影师则在其领导下，作为执行摄影，负责具体创作和技术工作。
按照片种的不同，分为故事片摄影师、科教片摄影师、新闻纪录片摄影师、美术片摄影师等。
此外，还有从事特技摄影、特殊摄影（如显微摄影、水下摄影、空中摄影等 ）、字幕摄影等专业摄影师。
闪回 影片中表现人物内心活动的一种手法。
即突然以短暂的画面插入某一场景，用以表现人物此时此刻的心理状态和感情起伏。
与一般回忆及倒叙不同，闪回不需要中断原来场景中的动作和节奏，而撷取最富于特征、最具有鲜明形象性的动作或细节，用极其简洁明快的手法加以强调和表现，给观 众以清晰而深刻的印象。
“闪回”的内容一般为过去和已经发生的事情，如表现人物对未来或即将发生的事情的想像和预感则称为“前闪”，两者统称为“闪念”。
西部片 以开拓时期的美国西部为故事背景的影片。
美国早期电影盛行的影片样式。
多描写19世纪白人向西部拓展疆土，掠夺和屠杀印第安人以及当时各种势力之的斗争，颂扬拓荒精神。
20年代的西部片故事情节单调，宣扬善恶因果报应，常见的内容为美人遇难，英雄相救，大打出手，有情人终成眷属等。
影片主人公都是于正义感的戴宽沿帽，穿花衬衫牛仔裤，腰插双枪的牛仔。
第一次世界大战后， 由詹姆士·克鲁兹（James Cruze, 1884－1942）导演的《篷车》和约翰·福特（John Ford,1895－1973 ）导演的《关山飞渡》等影片问世，把西部片的思想内容和艺术特色提高到新的水平。
但多数西部片仍是迎合观众口味的粗糙之作。
后来意大利也摄制一种类似的西部片，因意大利人喜食通心面条，被称为面条西部片。
喜剧片 以笑激发观众爱憎的影片。
常用不同含义的笑声，鞭笞社会上一切丑恶落后现象，歌颂现实生活中美好进步事物，能使观众在轻松愉快的笑声中接受启示和教育。
多以巧妙的结构，夸张的手法，轻松风趣的情节和幽默诙谐的语言，着重刻画喜剧性人物的独特性格。
种类较多，常见的有歌颂性喜剧和讽刺性喜剧，如《假凤虚凰》、《今天我休息》和台湾影片《稻草人》等。
闹剧片 以荒诞的夸张引人发笑的影片。
多以滑稽笑料铺排剧情，较多描写市民生活，也有描写对敌斗争的，如法国影片《虎口脱险》。
译制片 又称“翻译片”。
把原版影片（多为外国影片）的对白或解说，从一种语言译成另一种语言，重新配音复制的影片。
制作时，先将原版影片的对白译成另一种需要的语言；再由配音演员按照原版片画面中人物的思想感情，用逼肖的语调、口型，录成一条对白声带；然后与原版片的音乐、音响效果声带混录成为一条完整的译制声带，用以印制供放映用的拷贝。
将本国影片从一种民族语言（或方言）译成另一种民族语言（或方言）的影片，也称译制片。
新闻影片 报道国内外政治、经济、文化、军事等方面时事动态的影片。
以真实与及时为基本特征。
即必须在新闻事件发生的现场采访拍摄，直接纪录事件的原貌，而不允许虚构情节，或出现扮演的人物；必须现场拍摄，快速编辑和制作，真正成为形象化的新闻报道 。
随着电视的普及，新闻影片已逐渐为电视新闻所取代。
系列片 指内容具有连续性，多集成部，构成系列的影片。
系列影片每集自成起讫，相对独立，又环环相扣，彼此关联，首尾呼应，矛盾冲突往往一波未平，一波又起，层层迭进，造成悬念。
主要演员或重要角色一般贯串始终，以便给观众造成完整连贯的印象。
系列影片不论集数多寡，其片名是同 一的，但每集也可另加标题。
系列影片可分为系列故事片（如《火烧红莲寺》、《红楼梦》）、系列美术片（ 如《黑猫警长》）和系列科教片（如《昆虫世界》）。
另有一些多集片，每集的故事情节、戏剧冲突与前后集毫无关系，只赖主角贯串全片，这类影片也被称为系列片，如日本系列影片《寅次郎的故事》，美国系列影片“007”等。
舞剧片 在音乐的烘托配合下，以舞蹈为主要 表现手段塑造人物形象，表达故事情节的影片。
多由舞剧改编，突出表现舞蹈艺术的成就。
主要角色一般由专业舞蹈演员担任。
如苏联舞蹈家乌兰 诺娃主演的《罗密欧与朱丽叶》。
也有以突出舞蹈场面为主的舞剧故事片，如英国的《红菱艳》。
中国的舞剧 片有《宝莲灯》、《小刀会》、《丝路花雨》等。
舞台艺术纪录片 或称“舞台艺术片”。
戏曲、音乐、 舞蹈、歌剧、舞剧、话剧、曲艺、杂技等舞台表演艺术纪录影片的统称。
这种影片常在舞台演出的基础上，作一定的电影化处理，用以记录某一剧种、某一流派、某一剧目或某表演艺术家的艺术成就，以满足更多观众的欣赏需要，或作为传授表演艺术的教材和研究资料。
全景 摄取人物全身或场景全貌的电影画面。
全景具有较为广阔的空间，可以充分展示人物的整个动作和人物的相互关系。
在全景中，人物与环境常常融为一体，能创造出有人有景的生动画面。
全景和特写相比，视距差别悬殊。
如果两者直接组接，会造成视觉上和情绪上大幅度的跳跃，常能收到特有的艺术效果。
实景 非人工搭制的场景。
电影拍摄中，为了追求环境的逼真效果，所直接选用的自然环境或社会环境。
一般须作不同程度的加工布置，以符合剧情需要。
实景使影片中出现的场面富有生活气息和时代感，既可节约制片成本，也有利于加快摄制进度。
特写 拍摄人像的面部、被摄对象的一个局部的镜头。
为美国早期电影导演格里菲斯（David Wark Griffith,1875－1948）所创用。
特写镜头是电影画面中视距最近的镜头，因其取景范围小 ，画面内容单一，可使表现对象从周围环境中突现出来，造成清晰的视觉形象，得到强调的效果。
特写镜头能 表现人物细微的情绪变化，揭示人物心灵瞬间的动向，使观众在视觉和心理上受到强烈的感染。
特写镜头与其他景别镜头结合运用能通过镜头长短 、远近、强弱的变化，造成一种特殊的蒙太奇节奏效果。
推镜头 将摄影机放在移动车上，对着被摄对象向前推近的拍摄方法以及所摄取的画面。
摄影机向前推进时，被摄主体在画幅中逐渐变大，将观众的注意力引导到所要表现的部位。
其作用是突出主体、描写细节，使所强调的人或物从整个环境中突现出来，以加强其表现力。
推镜头可以连续展现人物动作的变化过程，逐渐从形体动作推向脸部表情或动作细节，有助于揭示人物的内心活动。
外景 摄影棚以外的场景。
包括自然环境、生活环境等实景，以及在摄影棚外搭建的室内景。
优点是真实、自然，具有浓厚的生活气息，有利于表现地方 色彩或民族特色。
外景由美术师根据影片情节的需要事先选定，并可按照导演的创作意图对实景作一定的加工，使之具有典型特征和时代气息。
女性实验电影的产生背景，包括哪些艺术家和作品，希望详细一点，谢谢。
还会加分的
部分女性实验电影人(转自潜行者论坛） 艺术的观众会受到限制并不是因为无知也不是没有分析能力，却是因为缺少了纯真的感受性。
这种对为了要经验另一现实而至少要暂时性地放弃自身现实的不情愿是受制于一防御机制。
这样的防御机制是艺术家无法负责的社会状态的症状。
这是根据一项事实：如果一个人除了其自身以外的现实之外，赋与了当代性真实一种合法性，那么那些“绝对”真实，那些社会性组织所根据的自以为是的信念就会被侵蚀损害。
----------MAYA DEREN 艾伦．盖尼（Ellen Gaine） Ellen Gaine 曾在纽约州立大学Binghamton分校念电影，受教于Larry Gottheim和Ken Jacobs，1982年起定居旧金山湾区。
她独钟黑白8MM电影创作，作品以大自然元素为主，特别是对水的影像重塑将水的波纹反影成黑白光影之催眠冥想。
8MM电影作品有（1970-80，S-8）、（Frangment,1982-85,s-8）等。
运用超8所能表达的必然是更为阴喻层次的东西，......无论隐藏于活动或现实之下的是什么，它给予更亲密的看法。
......使我感觉有意思的是它如何反映出记忆的活动，......对我来说，记忆就象是那飞逝而又难以辨认的影像，具有情感甚至意念的回响，但又抽离于其本质之外。
----Ellen Gaine 玛莎．寇本 （Martha Colbum） Martha Colbum生于1971年，是一位无师自通的电影创作者和音乐人，现居住在美国的巴尔地摩。
她的电影创作始于将一些剩余的影片重新剪辑组合与手绘，影片以旧片回收再制及破坏原始文本的拼贴、剪贴与偶动画为主，被誉为是有超高精力、使用超低预算的新生代超8电影创作者。
Martha Colbum有收集旧影片的癖好，除了放映这些怪异疯狂的收藏之外，她个人的作品有不少是以这些影片拼贴而成。
她以旅行放映的方式鼓励人们摄制超8，8MM电影作品有：《Improv Spazz》(1995,s-8)、（Hey Tiger,1996,s-8）、（I can't Keep Up,1997,s-8）等。
戴安娜．拜瑞（Diana Barrie） Diana Barrie曾就读于芝加哥艺术学院（The School of Art Institurte of Chicago）,从事摄影与电影创作，自1970年代开始，拜瑞即投身于实验电影创作，作品展现另类形式：如比较8MM与16MM影片的局限与潜质、性别定义的电影感建构，与电影发明初级影像间相互呼应的关键性。
拜瑞用超8宣告女性自觉影像的成年礼，创造一女性的影像乐园，8MM电影作品有：（Eyes Through Snow,1973,S-8）、（Dear Dairy Volumel,1974,S-8）、（Night Movie #3,1979,S-8）等。
佩姬．爱微诗（Peggy Ahwesh） Peggy Ahwesh毕业于Antioch学院，获得艺术创作学士，被誉为是一位电影的炼金术家。
她用极低预算与零成本的美学，结合本身对于性、暴力、语言探索的爱好，将电影法则一一打破，无权于面对文明的悖德质素，让电影化腐朽为神奇。
Ahwesh从1970年代就开始拍摄超8电影，作品多次在惠特尼双年展放映。
8MM电影作品有（The Pittsburgh Trilogy,1983,S-8）、（Martina's Playhouse,1989,S-8）、（The Vision Machine,1997,S-8\\\/Video）等。
曾任教于布朗大学与旧金山艺术学院（San Francisco Art Institute）,先任教于Bard学院。
珍妮弗．蒙哥马莉（Jennifer Montgomery） Jennifer Montgomery曾就读于维斯兰大学，尝试写作与绘画是实验。
1984年搬到旧金山，从事同志运动的工作。
接着到旧金山艺术学院读书，注册的第一天，她父亲把拍家庭电影的超8摄影机与20卷底片给她，开启了她的电影创作。
她在学校受教于George Kuchar、Keith Sanborn、Abigal Child.之后，她遇到了客座艺术家Peggy Ahwesh，两人开始合作拍摄电影。
她的第一部电影《回家路上》（Home Avenne,1989,S-8）是一部17分钟的纪录片，她回到康乃狄克州的一家卖枪店，重构早些年曾在此被强暴的事件与回忆。
这部自传性的影片在纽约的同性恋电影节上放映，引起了非常大的回响。
她把自己带到大众场合，因为大部分的人对处理记忆与性暴力的方法感兴趣。
8MM作品有：《加州》（California,1989,S-8）、《12岁：与小L的爱情》（Age 12:Love With a Little L,1990,S-8）、《我一只羔羊》（I,A Lamb,1992,S-8）等。
卡洛琳．莎妮曼(Carolee Scheemann) Carolee Scheemann是一位跨领域的艺术家。
她的作品以电影、录象艺术、绘画、摄影、书本艺术、表演与行为艺术、装置艺术，与跨媒体的整合的形式，变形对身体、性、性别，以及艺术的定义。
对她而言，电影只是她工作的所有媒体之一。
她并没有制作太多的电影，但是她的“自传三步曲”对电影创作影响极深。
曾获得古根海姆艺术创作研究基金。
先任教于巴德学院的米尔顿．艾弗利艺术研究所（Bard College,Milton Avery Graduate School of Arts ）.8MM电影作品有：《卡尔．罗格的圣诞节早餐》 （Carl ruggles's Christmas Breakfast,1964,R-8）、《垂直线》（Plumb Line,1971,S-8）、《凯曲的最后一夜》（Kitch's Last Night,1973-78,S-8）等. 玛乔瑞雅．凯勒（Marjorie Keller） 以逝世的Marjorie Keller是一位女性意识极强的实验电影创作者，曾在纽约大学攻读电影，并于罗德岛大学Kingston分校教授电影与录象制作，她的作品充满乐趣地来回戏谑与挑战性别关系、女性主义议题， 以及我们对事物的定位，成功的展现艺术性与对女性主义元素掌握的政治性。
她的《误解》（Misconcetion,1977）是一部关于生产经验的电影，重新检验以家族为首的社会神话。
她专注在母亲经验的视听感知，提出男性理论对生产与女性持续阵痛现象之间矛盾的观点。
8MM电影作品有：《海龟》（Turtle,1969,R-8）、《她\\\/她》（She\\\/Va,1973,R-8）、《抒情》（Lyrics,1983,S-8）等。
玛塞勒．提雅许Marcelle Thirache Marcelle Thirache是法国当代最重要的前卫电影人之一。
先后以照片拍摄和实验影片为创作媒材，所创作的影片也经常融合照片与绘画，尝试以结合音乐或事后着色的方法来改变影片的属性。
近来她常与其他艺术家合作，推出结合照片和影片的装置作品、结合影片与戏剧或舞蹈、结合其他视听媒材的表演形式。
直到目前为止，她已经累积了四十余部的实验电影作品。
导演对人物之“主体”的不确定性一直保持高度的关注。
特别对电影中光影和运动等元素感兴趣，喜欢以摄影机去“注视”被拍摄物的质变过程，或现实与抽象间的转化过程，例如河水或海洋的律动，以及如何将它们转化为光影现象。
将摄影机当成是一把双面而且是可以穿越的镜子般地去探讨物我关系。
8MM作品有：《抽象二号》（Abstraction No.2,1994,S-8）、《旋转木马里的天使》（L'ange du Carrousel,1993-94,S-8）、《金棕榈》（Palme D'Or,1993,S-8）、《松树》（Song Shu,1996,S-8）、《墨水08\\\/02\\\/97》（Encre 08\\\/02\\\/97,1997，S-8）等。
塞希勒．冯典Cecile Fontaine Cecile Fontaine是法国当代最令人激赏与期待的实验电影人之一。
她的作品涵盖所有影片规格：超8、标准8、16MM、35MM，并让它们相互跨越。
她同时将别人拍的家庭电影、老旧广告片“占为己有”，并且“回收再利用”。
更特殊的是，她经常以摧毁影片的“完整性”为手段来干预电影的本质：或以递减的方式对影片进行腐蚀，局部刮檫，将影片的色层层层剥离；或以递增的方式将胶纸、果皮、灰尘......黏贴其上。
至于影片原本的结构则常常被以改变边框、重拍、局部接合，或以剥离乳胶再变其原本的节奏。
她制作的影片极度强调“触感”，将“剪接”的概念重新定义。
作品有：《彩色电影》（A Color Movie,1983,S-8）、Le Dejeuner Sur L'Herbe(1986,S-8)、Paris,Le 7 Janvier(1998,S-8)、 Abstract Film en Coleurs(1991,S-8)等。
薇薇安．迪克Vivieene Dick Vivieene Dick生于爱尔兰的 Donegal,1976年开始拍摄超8电影，因为觉得8MM摄影机的大小最适合身体和影片质地，所以特别钟爱8MM。
为1970年代纽约的“无浪潮”（No Wave）运动的代表人物。
她的作品以政治性的角度围绕着她生活中的个人探索，并用8MM直接发表政治性评论。
她形容自己的作品为“叙事与政治性”，在充满变数的前卫电影与独立制片的最前线。
她总是对 战于1970年代的结构主义与唯物主义电影流派提出反动。
作品有：《游击谈话》（Guerillere Talks,1978,S-8）、《美女与野兽》（Beauty Becomes The Beast,1979,S-8）、《预告片》（Trailer,1983,S-8）等。
芭芭拉．汉默Babara Hammer Babala Hammer，是一位以拍摄8MM电影起家的实验电影创作者。
汉默从1970年代即投入旧金山女同志阵线，记录女同志生活与同志社群的成长与变貌，至今已经制作了80部电影与录象作品，并完成以同志史为主题的实验纪录片三步曲：《硝酸盐之吻》（Nitrate Kisses,1992）、《柔情自白》（Tender Fiction,1995）、《历史课程》（History Lessons,2000），为同志电影与独立电影中最重要的代表。
她的作品大胆挑战观影方式，以显现、展示、表达与去遮蔽来呈现我们过去所未见的。
她用8MM电影所拍摄的大量女同志私密关系可以在《柔情表白》中看到。
作品有：Schizy（1968,S-8）、《旅行:玛利亚和我》（Traveling:Marie and Me,1970,R-8）等。
珍妮丝．克里斯托．莱普林Janis Criystal Lipzin Janis Criystal Lipzin是一位跨领域的艺术家与电影教育工作者，任教于旧金山艺术学院电影制作与跨领域艺术系，制作超8MM电影已经超过25年，现居住在美国加州的 Sebastapol.超过25年的时间，Janis Criystal Lipzin对平衡电影制作、跨领域艺术创作、媒体的教育工作与活动策展的全力实践不遗余力。
从1960年代后期，她的作品强调另类的光线感光过程、观赏者的互动活动情况的应用手法，自1970年以来，她已经创作了无数的16MM和8MM电影作品，以及录象作品。
她的方法学让她在反映“真实”的同时改造并打开新的局面。
她从绘画、摄影及版画的创作背景而制作电影，她自觉于不墨守成规地创作“电影”，这样的观念使她从电影制作的成规中解放出来。
她对挑战我们先入观念的创作表现形式最感兴趣。
充实教学、策展、艺术写作工作，在艺术创作的实践以及对社会的责任之间找到平衡点是她的职志。
近期她检验专家提出关于人类活动证据的角色，邀请观众参与与重新思考她所建构的的他人对历史的诠释与当代事件。
她的作品已探索考古学、纵火与纵火癖、杀虫剂的污染问题、犯罪行为与争议的医疗议题等。
作品有《飘动之物》（Flapping Things,1974,S-8）、《狸藻纪事》（The Bladderwort Documentm,1978,S-8）、《环锥穿孔》（Trepanations,1983,S-8）、《右眼\\\/左眼》（Right Eye\\\/Left Eye,1983-84,S-8）、《四季之力》（Seasonal Forces,1995-97,S-8）等。
安．夏罗蒂．劳勃森Anne Charlotte Robertson Anne Charlotte Robertson生于美国俄亥俄州的哥伦布斯。
1976年开始制作电影至今。
她宣称被诊断是一位躁郁病患者，不过她同时否认这个结论，她喜欢把自己想成一位有种被迫去观察的典型焦虑
孩子们做的手工课算不算装置艺术范畴
作家算艺术家 艺术，是才艺和技术的统称，词义很广，后慢慢加入各种优质思想而演化成一种对美，思想，境界的术语.艺术是用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态，包括文学、书法、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺等。
