几十年如一日对书法艺术执著追求的精神是什么意思
研究书法艺术几十年就像一天一样，“几十年如一日”比喻有恒心、有毅力地去做一件事情，整个句子就是再讲这种持之以恒的精神。
有什么关于书法的名言
▲,心声也；书，心画也。
声、画形，小人。
声画者，君子小所以动情乎。
——扬雄《法言》 ▲书画清高，首重人品，品节既优，不但人人重其笔墨，更钦仰其人。
——清.松年《颐园画论》 ▲立品之人，笔墨外自有一种正大光明之概。
——清.王妤 ▲且其浩浩落落之怀，一皆寓于笔墨之际，所谓品高，韵自胜焉。
—— 张沅《石涛画语录》 ▲古人论书云：一须人品高，二须师法古，是书之法，学者习之，故当熟之于手，必先修诸德以熟之于身。
德而熟之于身，书之于手，如是而为书焉。
——《书法三味》 ▲学书者有两观：曰观物，曰观我。
观物以类情，观我以通德。
——清.刘熙载《艺概》 ▲凡人各殊气血，异筋骨。
心有疏密，手有巧拙，书之好丑，在于心手。
——唐.张彦远《法书要录》 ▲夫书禀乎人性，疾者不可使之令徐：徐者不可使之令疾。
——东汉.蔡邕《石室神授笔势》 ▲正书法，所以正人心也，所以闲圣道也。
——明.项穆《书法雅言》 ▲故书也者，心学也；写字者，写志也。
——清.刘熙载《艺概》 ▲学术经论，皆由心起，其心不正，所动悉邪。
柳公权曰：心正则笔正。
——明.项穆《书法雅言》 ▲用笔在心，心正则笔正，笔正乃可法矣。
——柳公权 ▲书，如也，如其学，如其才，如其志，总之曰如其人而已。
书尚清而厚，清厚要必本于心行。
不然，书虽幸免薄浊，亦但为他人写照而已。
——清.刘熙载《艺概》 ▲得时不如得器，得器不如得志。
（得志不如得道。
）——唐.孙过庭《书谱》 ▲书法不过一技耳，然立品是第一关头。
品高者，一点一画，自有清刚雅正之气；品下者，虽激昂顿挫，俨然可观，而纵横刚暴，未免流露楮外。
——清.朱和羹《临池心解》 ▲凡善书画者，未有不品学兼长，居官更讲政绩声名，所以后世贵重。
——清.松年《颐园论画》 ▲笔性墨情，皆以其人之性情为本。
是则理性情者，书之首务也。
——清.刘熙载《艺概》 ▲手与神运，艺从心得。
其志一于书，轩冕不能移，贫贱不能屈，浩然自得，以终其身。
——宋.朱文长《续书断》 ▲欲书之时，当收视反听，绝虑凝神，心正气和，则契于妙。
心神不正，书则欹斜；志气不和，字则颠仆。
——唐.虞世南《笔髓论》 ▲览天地之心，推圣人之情，折疑论之中，理俗儒之诤。
——东汉.赵壹《非草书》 ▲喜即气和而字舒，怒则气粗而字险，哀即气郁而字敛，乐则字平而字丽。
情有重轻，则字之敛舒险丽，亦有深浅，变化无穷。
——元.陈绎曾《翰林要诀》 ▲人貌有好丑，而君子小人之态，不可掩也，言有辩讷，而君子小人之气，不可欺也。
书有工拙，而君子小人之心，不可乱也。
——苏轼《书论》 ▲高韵深情，坚质浩气，缺一不可以为书。
——清.刘熙栽《艺概》 ▲夫书者，英杰之馀事，文章之急务也。
虽其为道，贤不肖皆可学，然贤能之常多，不肖者能之常少也，岂以不肖者能之而贤者遽弃之不事哉
——宋.朱文长《续书断》 ▲故以道德、事功、文章、风节著者，代不乏人。
论世者，慕其人，益重其书，书人遂并不朽于千古。
--清.朱和羹《临池心解》 ▲夫人灵于万物，心主于百骸。
故心之所发，蕴之为道德，显之为经纶，树之为勋猷，立之为节操，宣之为文章，运之为字迹。
——明.项穆《书法雅言》 ▲人品既殊，性情各异，笔势所运，邪正自形。
——明.项穆《书法雅言》 ▲ 试以人品喻之，谋猷谙练，学识宏深，必称黄发之彦。
词气清亮，举动利便，恒数俊髦之英。
老乃书之筋力，少则书之姿颜。
筋力尚强健，姿颜贵美悦，会之则并善，折之则两乖。
融而通焉，书其几矣。
若其规模宏远，意思窈窕，抑扬旋折，恬旷雍容，元老无少，难乎名状，如天仙玉女，不能辨其春秋，此乘之上也。
初视虽少，强观实老，丰采秀润，符束巍峨，引拂轻飏，气度凛毅，世所谓少年老成，乘之次也。
--明.项穆《书法雅言》 ▲ 夫人之性情，刚柔禀殊，手之运用，乖合互形。
谨守者，拘敛杂怀，纵逸者，度越典则；速者，惊急无缊；迟重者，怯郁不飞；简峻者，挺掘鲜道；严密者，紧实寡逸；温润者，妍媚多节；标险者，雕绘太苛；雄伟者，固愧容夷；婉畅者，又渐端厚；庄质者，盖嫌鲁朴；流丽者，复过浮华；纤茂者，尚多散缓；爽健者，涉兹剽勇；稳熟者，缺彼新奇。
--明.项穆《书法雅言》 ▲余谓笔墨之间，本足觇人气象，书法亦然。
……诸登善，颜常山，柳谏议文章妙今古，忠义贯日月，其书严正之气溢于楷墨……太白书新鲜活泼，呼吸清淑，摆脱凡尘，飘飘乎有仙气。
……凡此皆字如其人，自然流露者。
——清.周星莲《临池管见》 ▲虽学宗一家，而变成多体，莫不随其性欲，便以为姿。
质直者则挺劲不遭，刚狠者又倔强无润，矜敛者弊于拘束，脱易者失于规矩，温柔者伤于软缓，躁勇者过于剽迫，狐疑者溺于滞涩，迟重者终于赛钝，轻琐者染于俗吏。
——唐.孙过庭《书谱》 ▲心画心声总失真，文章宁复见为人。
高情千古《闲居赋》，争识安仁拜路尘。
--元遗山 二 .临摹入门 循序渐进 ▲初学不外临摹。
临书得其笔意，摹书得其间架。
临摹既久，则莫如多看，多悟，多商量，多变通。
清.周星莲《临池管见》 ▲唯初学者不得不摹，亦以节度其手，易于成就，皆须是古人名笔，置之几案，悬之座右，朝夕谛观，思其用笔之理，然后可以摹临。
南宋.姜夔《续书谱》 ▲麓台云：画不师古，如夜行无烛，便无入路。
故初学必以临古为先。
清.秦祖永《绘事津梁》 ▲学书之法，非口传心授，不得其精。
大要临古人墨迹，布置间架，担破管，书破纸，方有功夫。
明.解缙《学书法》 ▲先学间架，古人所谓结字也；肩间架即明，则学用笔。
间架可看石碑，用笔非真迹不可。
清.冯班《钝吟书要》 ▲临池之法：不外结体，用笔。
结体之功在学力，而用笔之妙关性灵。
苟非多阅古书，多临古贴，融会于胸次，未易指挥如意也。
能如秋鹰博兔，碧落摩空，目光四射，用笔之法得之矣
清.朱和羹〈临池心解〉 ▲故学书全无贴意，如旧家子弟，不过循规蹈矩，饱暖终身而已。
清.钱泳《书学》 ▲学书者，既知用笔之诀，尤须博观古贴，于结构布置，行间疏密，照应起伏，正变巧拙，无不默识于心，务使下笔之际，无一点一画，不自法贴中来，然后能成家数。
清.冯武《书法正转》 ▲先资政公曰：凡书未成家者，宜日与古贴为缘，无论何贴，皆足以范我笔力。
清.梁章钜《学字》 ▲学书须步趋古人，勿依傍时人。
学古人须得其神骨，勿徒其貌似。
清.梁谳《平书贴》 ▲凡临古人书，须平心耐性为之，久久自有功效，不可浅尝辄止，见异既迁。
清.梁章钜《学字》 ▲取法乎上，仅得乎中，人人言之。
然天下最上的境界，人人要到，却非人人所能到。
清.周星莲《临池管见》 ▲石湖云：学书须是收昔人真迹佳妙者，可以详视其先后笔势轻重往复之法，若只看碑本，则惟得字画，全不见其笔法神气，终南精进。
南宋.陈牺《负暄野录》 ▲石刻不可学，但自书使人刻之，已非己书也，故必须真迹观之，乃得趣。
北宋.米芾《海岳名言》 ▲故凡得名迹，一望而知为何家者，而通篇意气归于本家者，真迹也。
一望知为何家之书，细求以本家所习前人法而不见者，仿书也。
清.包世臣《安吴论书》 ▲学书时时临摹，可得形似。
大要多取古书细看，令入神，乃到妙处。
惟用心不杂，乃是入神要路。
北宋.黄庭坚《论书》 ▲凡临古人始必求其似，久久剥换，遗貌取神。
清.王淑《论书滕语》 ▲每习一贴，必使笔法章发透入肝膈，每换后贴，又必使心中如无前贴。
积力即久，习过诸家之行质，性情无不奔会腕下，虽曰与古为徒，实则自怀杼轴矣。
清.包世臣《艺舟双辑》 ▲临书易失古人位置，而多得古人笔意；摩书易得古人位置，而多失古人笔意。
南宋.姜夔《续书谱》 ▲初学书类乎本，缓笔定其行势，忙则失其规矩。
晋.王羲之《笔书论十二章》 ▲又学时不在旋看字本，逐画临仿，但贵行，住，坐，卧常谛玩，经目著心。
久之，自然有悟入处。
信意运笔，不觉得其精微，斯为善学。
南宋.陈牺《负暄野录》 ▲且一食之美，惟饱其日，倘一观而悟，则润于终身。
唐.张坏灌《六体书论》 ▲学古人书，须得其神骨，魄力气格，命脉，勿徒貌似而不深求也。
清.梁谳《学书论》 ▲临摹用工，是学书大要，然必先求古人意指，次究用笔，后像行体。
清.朱履贞《学书捷要》 ▲不泥古法，不执己见，惟在活而已矣。
清.郑板桥 ▲临摹古人不在对临，而在神会，目意所结，一尘不入，似而不似，不容思议。
明.沈灏〈画尘〉 ▲自运在服古，临古须有我。
两者合之则双美，离之则伤神。
清.王淑〈论书滕语〉 ▲吾书虽不甚佳，然自出新意，不践古人，是一快也。
北宋.苏轼〈论书〉 ▲学书一字一笔须从古贴中来，否则无本。
早矜脱化，必规矩，初宗一家，精深有得。
继采诸美，变动弗拘。
斯为不掩性情，自辟门经。
清.梁谳《学书论》 ▲凡临摹须专力一家，然后以各家总览揣摩，自然胸中餍饫，腕下精熟。
久之眼光广阔，志趣高深，集众长以为己有，方得出群境地。
清.朱和羹〈临池心解〉 ▲习古人书，必先专精议一家。
至于信手触笔，无所不似，然后可兼收并蓄，淹贯众有，亦决不能自成一家，到得似来，只为此家所盖，枉费一生气力。
清.王淑〈论书滕语〉 ▲若但株守一家而摹之，久之必生一种习气，甚或至于不可响远。
苟能知其弊之不可长，于是自书精意，自辟性灵，以古人之规矩，开自己之生面，不袭不蹈而天然入声，可以揆古人而同符，即可以传后世而无槐：而后成其为我而立门户矣。
清.沈宗骞〈芥学画编〉 ▲只学一家，学成不过为人作奴婢；集众长归于我，斯为大成。
《翰林粹言》 ▲学书须临唐碑，到极劲键时，然后归到晋人，则神韵中自俱骨气，否则一派圆软，便写成软弱字矣。
清.梁谳《学书论》 ▲今之学书者，自当以唐碑为宗。
唐人门类多，短长肥瘦，各臻秒境；宋人门类少，蔡，苏，黄，米，俱有毛疵。
学者不可不知也。
清.钱泳《履园丛话》 ▲旧他拓本与拓手精，则肥瘦不失，精神充足，而紧要在执笔得法，执笔不得法，纵令临古人墨迹，皆无是处也。
清.梁谳《学书论》 ▲古人学书不尽临摹，张古人书于壁间，观之入神，则下笔时随人意。
学书即成，且氧于心中无俗气，然后可以作，示人为揩式。
北宋黄庭坚《论书》 ▲故学必有法，成则无体，欲探其奥，先识其门。
有知其门不知其奥，未有不得其法而得其能者。
唐.张怀灌《六体书论》 ▲近人不知其用力所自出，专攻近体，可谓数典忘祖矣，焉能卓然以自立哉
清.范公勉《书法述要》 ▲近代以来，殊不师古，而缘情弃道，才记姓名，或学不该赡，闻见又寡，致使成功不就，虚费精神。
自非道灵感物，不学说以今方新，学书以古方朴。
清.范公勉《书法述要》 ▲近世士人多学今书，不学古书，务取媚好，气格全弱，然而以古并之，便觉不及；岂古人心法不传而规模形似，不足以得其妙乎。
宋.周行己《浮止集》 ▲学一半撒一半，未尝全学；非不欲全，实不能全，亦不必全也。
清.郑板桥 ▲学者贵于慎取，不可遂为古人所欺。
清.吴德旋《初月楼论书随笔》 ▲不善学者，即圣人之过处而学之，故蔽于一曲。
今世学《兰亭》者，多此也。
北宋.黄庭坚《论书》 ▲古人笔法渊源，其最不同处，最多相合。
李北海云：似我者病。
正以不同处求同，不似处求似，同于似者皆病也。
清.恽寿平《瓯香馆画跋》 ▲大抵下笔之际，尽仿古人，则少神气；专勿遒劲，则俗病不除。
所贵熟习精通，心手相应，斯为美矣。
南宋.姜夔《续书谱》 ▲用力到沉着痛快处，方能取古人之神，若一味仿摹古法，又觉刻划太甚，必须脱去摹似蹊径，自出机轴，渐老渐熟，乃造平淡，遂使古法优游笔端，然后传神。
清.宋曹《书法约言》 ▲临摹古人，须食古而化，独自成家。
明.李流芳 ▲若执着成见，凝滞于胸中，终不能参以活法运用，虽参活法，亦自有一定不易之势。
奔放驰骤，不越范围，所谓师古而不泥于古，则得之。
清.朱和羹《临池心解》 ▲作书须自家主张，然不是不学古人；须看真迹，然不是不学碑刻。
清.冯班〈 钝吟书要〉 ▲可与谈斯道矣
东晋.卫铄《笔阵图》 古人有言；随人学人成旧人，自成一家始逼真。
北宋.黄庭坚《论书》 ▲学书六要；一气质，二天资，三得法，四临摹，五用功，六识鉴。
六要俱备，方能成家。
清.朱履贞《学书捷要》 ▲作书要发挥自己性灵，初莫寄人篱下，凡临摹各家，不过窃取其用笔，非规矩形似也。
近世每临一家，止摹仿其笔画；至于用意入神，全不领会。
要知得形似者有尽而领神味者无穷。
清.朱和羹《临池心解》 ▲故思翁有“谬种流传，概行扫却”之说，最有功初学。
若已入门庭，则当曰：与其过而弃之，毋宁过而存之。
清.朱和羹《临池心解》 ▲书法无他秘，只有用笔与结字耳。
用笔近日尚有传，结字古法尽矣。
变古法须有胜古人处，都不知古人，却言不取古法真是不成书耳。
清.冯班《 钝吟书要》 ▲若分布少明，即思纵巧，运用不熟，便欲标奇，是未学走而先学趋也。
明.项穆《书法雅言》 ▲观能书者，仅得数字揣摩，便自成体。
无他，专心既久，悟其用笔，用墨及结体之法，供我国运用耳。
清.朱和羹《临池心解》 ▲凡学书者得其一，可以通其馀......北宋.欧阳修《试笔》 ▲学书易少年时将楷书写定，始是第一层手。
清.梁谳《学书论》 ▲凡作字须熟观魏，晋人书，会之于心，自得古人笔法也。
欲学草书，须精真书，知下笔向背，则识草书法，草书不难工矣。
北宋.黄庭坚《论书》 ▲古之善书者，必先楷法，渐而至于行草，亦不离乎楷正。
宋.欧阳修《欧阳文忠公文集》 ▲学书须先楷法，作字必先大字，楷书既成，乃纵为行书；行书既成，乃纵为草书。
学草书者，先习章草，知偏旁来历，然后变化为草圣。
学篆者亦必由楷书，正锋既熟，则易为力。
学八分者，先学篆，篆既熟，方学八分，乃有古意。
明.丰坊《学书法》 ▲凡学书字，先学执笔......，若初学，先大书，不得从小。
晋.卫铄《笔阵图》 ▲古贴字体大小，颇有相径庭者。
如老翁携幼孙行，长短参差，而情意真执，痛痒相关。
清包世臣《安吴论书》 ▲作书起转收缩，须极力顿挫，笔法既得，更多临唐贴以严其结构。
清.梁谳《学书论》 ▲若气质薄，则体格不大，学力有限；天资劣，则为学限，而入门不易；法不得，则虚积岁月，用功徒然；工夫浅，则笔画荒疏，终难成就；临摹少，则字无师承，体势粗恶；识鉴短，则徘徊今古，胸无成见。
清.朱履贞《学书捷要》 ▲初作字，不必多费诸墨。
取古拓善本细玩而熟视之，既复，背贴而索之。
学而思，思而学，心中若有成局，然后举闭而追之......清.宋曹《书法约言》 书▲法备于正书，溢而为行草。
未能正书，而能行草，犹未尝庄语，而辄放言，无是道也。
北宋.苏轼《论书》 ▲旭常云：或问书法之妙，何得其古人
曰妙在执笔，令其圆畅，勿使拘挛；其次识法，须口传手授，勿使无度。
所谓笔法也，其次在布置，不慢不越，巧使合宜；其次变通识怀，纵合规矩；其次纸笔精佳。
五者备矣，然后能齐古人。
唐.蔡希综《法书论》 ▲初学字时，不可尽其形势，先想字成，意在笔前。
一遍正其手脚，二遍须学形势，三遍须令似本，四遍加其遒润，五遍每加抽拔，使不声涩。
晋.王羲之《笔势论》 ▲若泛学诸家，则字有工拙，笔多失误，当连者反断，当断者反续，不识向背，不知其止，不悟转换，随意用笔，任笔赋形，失误颠错，反为新奇。
南宋.姜夔《续书谱》 ▲初学条理，必有所事，因象而求意。
终及通会，行所无事，得意而忘象。
故曰由象识心，象不可着，心不可离。
明.项穆《书法雅言》 ▲夫人工书，须从师授。
必先识试势，乃可加功；功势既明，则务迟涩；迟涩分矣，无系拘踞；拘踞既亡，求诸变态；变态之旨，在于奋斫；奋斫之理，资于异状；异状之变，无溺荒僻；荒僻去矣，务于神采；神采之至，几于玄微，则宕逸无方矣。
唐.张怀灌《玉堂禁经》 三.形神相依 意境为重 ▲形者，其形体也；神者，其神采也。
宋.袁文 ▲形者，神之质地；神者，形之用也。
是则形称其质，神音其用；形之与神，不得相异。
南北朝.范缜《神灭论》 ▲神即形也，行即神也。
是以形存则神存，形射则神灭也。
南北朝.范缜《神灭论》 ▲夫神在形似之外，而形在神气之中。
形不生动，其失则板；生外形似，其失则疏。
故求神似于型似之外，取生意于形似之中。
明.高廉 ▲取意舍形，无所求意。
故得其形，意溢于形；失其形，意云何哉
明.王履 ▲学书之要，唯取神，气为佳，若模象体势，虽形似而无精神，乃不知书者所为耳。
宋.蔡襄《宋端明殿学士蔡忠公文集》 ▲书之心，主张布算，想像化裁，意在笔端，未形之相也；书之相，旋折进退，威仪神采，笔随意发，既形之心也。
明.项穆《书法雅言》 ▲夫字以神情为精魄，神若不如，则无态度也；以心为筋骨，心若不坚，则字无劲健也；以副毛为皮层，副若不圆，则字无温润也。
神，心之用也。
唐.李世民《指意》 ▲书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者可绍于古人。
南朝.王僧虔《笔意赞》 ▲故之书道玄妙，必资于神遇，不可以力求也；机巧必须于心悟，不可以目取也。
清.冯武《笔髓》 ▲其有一点一画，意态纵横，偃亚中间，绰有馀裕，结字峻秀，类于生动，幽若深远，焕若神明，以不测为量者，书之妙也。
唐.张怀灌《评书药石论》 ▲为书之体，须入其形，若坐若形，若飞若动，若往若来，若卧若起，若愁若喜，若虫食木叶，若利剑长戈，若强弓硬矢，若水火，若云雾，若日月，纵横有可象者，方得谓之书矣。
东汉.蔡邕《九势》 ▲书肇于自然，自然既立，阴阳生焉。
阴阳既生，形气立矣。
东汉.蔡邕《石室神授笔势》 ▲古人作书，于联络处见章法；于洒落处见意境。
清.周星莲《临池管见》 ▲至若磔髦竦骨， 短截长，有似夫忠臣抗直补过匡主之节也；矩则轨转，却密就疏，有似夫孝子承顺慎终思远之心也；耀质含章，或柔或刚，有似夫哲人行藏知进知退之行也。
唐.张怀灌《书断》 ▲夫心合于气，气合于心；神，心之用也，心必静而已矣。
唐.李世民《指意》 ▲成形结字，得形体不如得笔法，得笔法不如得气象。
《翰林粹语》 ▲要使笔落纸上，精神能冲其中，气韵目晕于外。
似生实熟，圆转流畅，则笔笔有笔，笔笔无痕矣。
清.华琳《南宗诀秘》 ▲故有笔法而有生动之情，有墨气而有活泼之致。
清.丁皋《写真秘诀》 ▲盖法高于意则用法，意高于法则用意，用意正其神明于法也。
清.刘熙载《艺概》 ▲风神者，一须人品高，二须师法古，三须纸笔佳，四须险劲，五须高明，六须润泽，七须向背得宜，八须时出新意。
则自然长者如秀整之士，短者如精悍之徒，瘦者如山泽之矍，肥者如贵游之子，劲者如武夫，媚者如美女，欹斜如醉仙，端楷如贤士。
南宋.姜夔《续书谱》 ▲夫字以神为精魄，神若不知，则字无态度也；以心为筋骨，心若不坚，则字无劲健也；以副毛为皮肤，副若不圆，则字无温润也。
唐.李世民《笔法诀》 ▲有功无性，神采不生；有性无功，神采不实。
。
《翰林粹语》 ▲书道只在巧妙二字，拙则直率而无化境矣。
明.董其昌《画禅室随笔》 ▲机者，传奇之精神；趣奇，传奇之风致。
少此二物，则如泥人土马，有生形而无升气。
李渔《闲情偶记》 ▲所谓神品，于吾神所著故也。
明.懂其昌《画禅随笔》 ▲学术通 于学仙，钟神最上，钟气此之，钟形又此之。
▲书贵入神，而神有我神他身之别。
入他身者，我化为古也，入我神者，古化为我也。
清.刘熙栽《艺概》 ▲书画之妙，当以神会，难可以形器求也。
宋.沈括《梦溪笔谈》 ▲真在内者，神动于外，是所以贵真也。
《庄子》 ▲然智者无涯，法不固定，且以风神骨气者居上，妍美工用者居下。
唐.张怀灌《书艺》 ▲书之大局，以气为主；字字有骨肉筋血，以气充之，精神乃出。
姚配中 气韵有发于墨者，有发于笔者，有发于意者，有发于无意者。
发于无意为上，法于意次之，发于笔又次之，发于墨下矣。
清.张庚 ▲提要之要，以己之神，取人之神也。
清.丁皋《写真密诀》 ▲意，先天，书之本也；象，后天，书之用也。
清.刘熙栽《艺概》 ▲作字要手熟则气神完实而有余韵，于静中自是一乐事。
宋苏轼《东坡题跋》 ▲不求形似，正是潜移造化而于天游；近人只求形似，欲似所以愈离。
清.恽寿平《欧香馆画跋》 ▲书要力实而气空，然求空心于其实，未有不透纸而能离纸者也。
▲书要心思微，魄力大。
微者条理与字中，大者磅礴乎字外。
清.刘熙栽《艺概》 ▲笔墨一道，用意为上。
清.王原矜 ▲玄妙之意，出于物类之表；渊深之理，伏于查冥之间；岂常情之所能言，世智之所能测。
非有独闻之听，独见之明，不可议无声之音，无形之相。
唐.张怀灌《书艺》 ▲阳气明而华壁立，阴气大而风神生。
晋.王羲之《述天台紫真传授笔法》 ▲有笔有墨谓之画，有韵有趣谓之笔墨，潇洒风流遗之韵，尽变穷奇谓之趣。
清.恽寿平《 香馆画禅》 ▲笔底深秀，自然有气韵，有书卷气。
清.蒋骥《传神秘要》 ▲气有清浊厚薄，格有高低雅俗。
清.刘熙载《艺概》 ▲书尚清而厚，清厚要必本于心行。
不然，书虽幸免薄浊，但亦为他人写照而已。
清.刘熙载《艺概》 ▲古人论诗之妙，必曰沉着痛快。
惟书亦然，沉着而不痛快，则肥浊而风韵不足；痛快而不沉着，则潦草而法度荡然。
明.丰坊《书诀》 ▲笔墨酣畅，意趣超古。
清.吴历 ▲仆曰：文则数言乃成其意，书则一字已见其心，可谓得简易之道。
欲知其妙，初观莫测，久视弥珍，虽书已缄藏，而心追目极，情犹眷眷者，是为妙矣。
唐.张怀灌《文字论》 ▲书法惟风韵难及......。
清.左因生《书式》 ▲夫翰墨及文章至妙者，皆有深意以见其志览之即了然。
唐.张怀灌《书议》
求一篇1000字以上的书法小论文 ． 谢谢各位大哥大姐了．
关于书法和美术赏析的论文艺术，有着广泛的群众基础。
这个基础，其实包括创作者和欣赏者二个方面。
近几年来，随着书法创作观念的更新，书法创作水平有了很大提高。
主要表现为从过去对书法技法的研究，转向了作品创作主体的书法意识的把握，在艺术思想上有了重要飞跃。
从而使作品内涵更加丰富，意境更为深远。
于是，书法欣赏也就成为了一个高要求的艺术活动，即提出了一个更高要求：如何去把握作品、理解作品，沟通创作者（主体）和欣赏者（客体）之间的情感。
也就是说如何使书法创作水平和书法欣赏水平得到同步提高。
而要做到这一点，书法教学无疑是一个重要的必不可少的有效措施。
一、书法欣赏差异之思考古人言：“书为心画”，一件书法作品的诞生，无疑是作者情感、志趣、意愿的表露，或多或少、或显或隐。
而任何一件优秀的书法作品，之所以有强烈的艺术感染力，是因为它借助线条的挥舞，反映了作者独特的精神气格和丰富的内心世界。
俄国哲学家普列汉诺夫说过：“艺术既表现人们的感情，又表现人们的思想，但是并非抽象地表现，而是用生动的形象来表现”。
就书法而言，黑白相映的作品是静止的，显示的却是一个个活脱脱的生命形象，然而这一切看来都是静止的，需要欣赏者去感悟、去体味。
不同的人情趣不同，爱好不同，加之审美观的不同，导致了书法欣赏的差异，这种差异不是很小，有时甚至很大。
一件粗头乱服、率意天真的行书作品，在有人看来可能是草率杂乱的，而一件呆板僵死的楷书作品，在他看来却是端庄俏丽的，至如已脱离实用的功能、真正作为艺术欣赏的草书作品，一般的欣赏者除了只注意到它凌乱的线条之外，实在看不出它更多的优劣。
有人说，一千个人读《红楼梦》就有一千个林黛玉的形象，此话千真万确，这一千个林黛玉的形象从何而来，就是从一千个读者各自的想象感受而来，各自修养的不同，加上审美观的差异，就产生一千个林黛玉的形象。
其实在其它艺术门类的审美上，都存在这种欣赏上的差异，只不过在书法欣赏中这种差异更大。
就书法艺术本身而言，它是高度抽象的造型艺术，一切信息全部蕴含在抽象的线条之中，凭欣赏者去感受。
巴尔扎克说过：“艺术作品就是最小的面积，惊人的集中了最大量的思想。
”就书法欣赏来讲，从事书法创作的人，这种欣赏差异就小得多，因为其本身的创作实践，就已经积累了这方面的知识，他懂得了书法作品的“美”在何处，以及构成书法美的诸多条件和因素，最重要的是作者掌握了书法欣赏的方法。
然而就书法欣赏的群体而言, 书法创作者只是其中的一小部分，而且是次要的一部分，真正重要的广大的欣赏者，是非从事书法创作的广大群众。
他们才是书法欣赏的主体。
艺术是为人民服务的，“阳春白雪”也好，“下里巴人”也好，都是给人看的，凡受到广大群众喜闻乐见，引起共鸣的艺术作品，最具有经久不息的生命，亦最能闪耀其艺术价值的光华，书法作品当然不例外。
要使书法创作进入一个更高的层次，使这古老的艺术焕发新的光彩，提高创作者自身的水平固然是一个方面，但提高全民的欣赏水平更是一个重要的方面。
书法艺术需要走向社会，为社会服务，这点完全建筑在全民书法欣赏水平的提高上。
书法的创作水平和欣赏水平必须同步前进，否则，只注意创作水平的提高，而忽视全民的书法欣赏水平的提高，将会使书法艺术逐渐失去应有的观众，实际上也缩小了自身可施展的天地。
目前这种现状已向我们敲响了警钟。
现在真正欣赏书法的还只在书法界搞书法创作的专业书法家和书法爱好者，非从事书法创作的能欣赏的人还不多，大量的观众还只是一般看看而已。
有道是“外行看热闹，内行看门道”，要瞧出门道，就必须懂得入此门道的方法，掌握这方面的知识，而大量的非搞书法的广大群众，他们显然缺乏这方面的知识，对书法的欣赏只停留在“好”与“差”的感觉的层次上，且是非常笼统和模糊的，知其然不知其所以然，更不可能从美学的角度对书法艺术作品的审美特点和价值进行深层次的分析。
看来提高人们的欣赏水平，在当今书法创作日益高涨的今天，已到了首要的地位，应该引起全社会的高度重视。
二、书法教学是提高书法欣赏水平之关键就书法创作者自身而言，不断的创作实践，加上不断的书法理论研究，其自身的欣赏水平亦随之提高，一般地说是较为同步的，就象一句哲言所讲的那样：“心中没有太阳，也就看不见太阳”。
自身的创作实践和理论学习，就是一个受书法教学的过程，而对广大的群众来讲，唯一的手段只有通过书法教育才能提高他们的欣赏水平。
问题是怎样的教学方法才能引起他们的兴趣。
既通俗易懂为他们所接受，又起到提高欣赏水平的作用，这对广大的非从事书法创作的欣赏者来说，要做到这一点可不是一件容易的事。
中国书法博大精深，包罗万象，涉及面很大，书法教学当然不可能面面俱到，而必须有侧重面。
有一点必须提一下，即书法教学的重点要放在帮助人“会欣赏”上，要避免那种书法教学就是教人学会书法的方法，而要通过书法教育使广大群众逐步掌握欣赏的方法和内容，真正领略其中的风采。
就象我们自己本身不会拍照，但完全可以去欣赏一幅摄影作品，或者说自己不会跳芭蕾舞，但照样能欣赏它的高雅优美，以及领会它内中一个个的故事一样。
但必须有一个前提，即必须懂得这方面或与之相关的知识，否则也就无从谈起。
当然，书法欣赏也许有比其它艺术欣赏更难的因素。
因为它本身是极抽象的，不象其它艺术，如摄影、绘画等，有一个个具体的形象可直接感受，较易引起欣赏者的兴趣和联想。
书法欣赏与其相比，就存在着这方面的差异，这就给书法教学提出了要求，笔者以为下列几点是必不可少的。
1、什么是书法，书法艺术与一般写字的区别；2、书法美的本质；3、书法美的特征；4、书法美的表现形式；5、书法美的创造；6、书法美的欣赏。
就书法教学而言，使欣赏者首先了解书法是最重要的。
因为一切都是从先了解开始的，当然欣赏者各自审美观的不同，尤其是各人的文化水平、艺术修养等条件的差异，不可能以相同的书法教育，而得到相同的欣赏水平。
这点是永远做不到的，也不要求做到，而是要通过书法教育，努力使这些差异越来越小，这是完全可能的。
要提高广大群众的书法欣赏水平，仅仅依靠书法教育也是不够的。
或者说，只靠书法教育，其欣赏水平不可能进入很高的层次。
因书法欣赏涉及的不只是书法知识的积累，还需要其它文化素养的配合，所以提高欣赏者水平，除了书法教学以外，还需要辅以其它艺术素养的积累。
当然书法教学是首要的。
如同书法创作水平的提高，须有一个由浅入深的过程一样，书法教育也必须有一个循序渐进的过程。
毕竟书法教学面对的是广大的群众，有很大一部分对书法确实知之其甚少，只停留在书法就是写字的笼统概念上。
这样，普及型的书法知识的教育就得放在首位。
如懂得欣赏的方法，至如欣赏到什么层度，要逐渐而入。
这样的书法教学确实对书法欣赏水平的提高有着极大的意义，否则，盲目的在书法教育中实行“一刀切”，仍然会使广大的欣赏者感到深奥，唤起了他们对书法艺术的深厚兴趣，也欣赏不了什么。
就象初学书法，必须先从基础着手一样，先追求基本功的熟练，在此之上再去创新和树立自己的风格。
书法教学也必须注意普及型和大众化教育。
如果就创作者主体而言，那么书法教学的意义在于，使每一个书法家和书法爱好者懂得，书法艺术的内容与形式应与当前群众在文化艺术方面的鉴赏水平，爱好和追求大体吻合，而舍弃艰涩朦胧和难以捉摸的意象，转向较为晓达的群体感情抒发。
一个时代的艺术的根本目的就是满足一代人的要求，不能为艺术而艺术，要为这个时代服务，要重视书法艺术创作和欣赏的大众化和普及性。
书法艺术创作不能脱离时代，也不能脱离人民，这样，作为欣赏主体的普通群众尽管没有高的艺术素养，但对作品却能从他们自身的文化起点加以认识理解和欣赏，否则势必失去大多数的接受者，这样就等于把书法艺术推向孤芳自赏的绝境，这样的艺术创作又有何价值可言呢。
我们应该相信，通过书法教学能使广大群众的书法欣赏水平得到提高，广大群众的欣赏水平提高了，又对书法创作提出了更高要求。
而创作水平提高了，反过来又要求欣赏水平有新的提高。
不断的循环往复，就要求书法教学在每个阶段都有新的内容，以适应欣赏水平向更高层次发展。
书法教学是一项繁重复杂的工作，基意义十分深远，尤其在书法创作水平和书法欣赏水平存在较大差异的今天，书法教学更显示它的重要性的迫切性，它需要全社会的共同努力，以将书法教学提到一个重要的位置，使书法艺术焕发新的光彩，真正起到弘扬民族文化之目的。
众所周知，审美教育是学生全面发展教育中不可缺少的组成部分。
罗克韦尔 肯特曾说过：艺术的最高目的，就是使人们更深地懂得生活，进而更加热爱生活。
马克思曾引用黑格尔设想的一个生动比喻，来说明人类在创造活动中实现其本质力量叫产生的愉悦：一个小男孩，将一块石子投入水中，他看到水的涟漪不断变大，他欣赏自己的创造，从中得到无比的欣喜……。
而到了初中阶段，审美教育更显示出在素质教育方面的作用，这时的学生从原来的快乐、无拘无束、天真活泼变得沉默、羞涩和严肃，他们要寻找一种新的适合表现自我意识的方式，在这个关键时刻，我们如果灌输给他们一种起着心灵感应作用的思想教育---审美教育，就能让学生在美的享受中接受教育，不知不觉地受到高尚，健康的思想感情的熏陶。
这种教育的特殊效果，是一般道德说教难以达到的。
而到了高中阶段，学生在生理，心理上已接近成热，是准备走向独立生活的时刻，他们的自信、自尊都在增强，他们有自己独立的思考能力，而接触面也更加广泛，他们求知欲强烈，学校教师传授的知识已不能满足他们的需求，他们渴望从各种渠道接受新观念，接受新知识。
在这时，审美教育更能发挥其独特的作用，其鲜明的形象性和强烈的情感性正是对感情真挚奔放，形象思维极强的青少年作用是最大的。
但我们同时也要认识到当代的世界正处在一个巨大的历史转折期，学生经历着空前的观念撞击和文化震荡，正如电脑和算盘同在，洗衣机和搓板并存，试管婴儿和恐龙蛋化石共生一样，生活在同一时代的精神并非同代。
在这种观念的影响下，美术也显得希奇古怪。
如现代主义的美术，有入说是一种头脚颠倒得艺术。
一位心理学家曾幽默的用生动的语言概括了现代艺术和传统艺术的根本区别。
他说：今天年轻的一代和我们这一代投有什么不同。
他们也是逐渐懂事，也离家出走，也生孩子。
只是顺序倒过来的。
的确，在现代主义和后现代主义的艺术家那里，艺术的含义更加宽泛，既包括美的，也包括丑的：既有善的，也有恶的；既包括物质的，也包括精神的：既有纯实体的东西，也有纯形式的纯数学的东西。
比如60年代，卢卡斯萨马拉斯主要探讨的是人的亲妮行为和暴力强奸。
他的作品中弥漫着炽热的性欲和色情主义。
似乎全部的作品都被梦魇困扰着，镶饰着欲望，渴望者心醉神迷。
尽管一些现代主义艺术也从不同的方面得到了人们的肯定，但某些作品的形式和内容的确不适合一个中学生。
敏感的学生面对着万花筒般的多元观念，往往不知所措，分不清美丑。
况且在过去的日子里，我们国家的美育也曾受到极左思想的影响，把美和资本主义混为一谈，在十年内乱期间，美育更受到毁灭性的催残，真假不分，善恶颠倒，严重扭曲了青少年的心灵，带来愚昧，粗野，庸俗等不良后果。
同时，随着我国商品经济发展迅速，社会上难免出现许多不良因素，商潮汹涌，文化兵败，伪劣走俏，真金蒙尘。
今天，似乎已经到了这样一个扑溯迷离和令人费解的时代。
哲学家不再尊重笛卡儿，黑格尔；文学家不再推崇莎士比亚，鲁迅；艺术家也不再欣赏达芬奇，拉非尔和贝多芬。
一台国家级水平的交响乐演出，听众寥若星辰，而一位怀抱吉他，声嘶力竭，似唱非唱的歌星却吸引数以万计的歌迷。
同样，在美术市场，一些利令智昏的画店，画商更是不吝出资，成批伪造画和名家字画。
同时，在我们今天的艺术殿堂中，也似乎愈来愈难以看到人类古代所创造的各种美丽的神话，圣洁的传说，优美的音乐和令人心醉神迷的绘画。
而更多的是邪恶，荒谬，仇恨，丑陋。
莎士比亚在《风月通鉴》中曾经写道：人们齐心赞赏新玩具，不理会他们是用旧物捏成，宁愿歌颂镀金的劣货，不愿欣赏盖了灰的金泊。
因此，做为美术教师，我们的任务不仅仅是在课堂上欣赏好一张画，一件工艺品，而更重要的是带动学生能独立的去认识美，有选择的接受新的观念。
在我任教的高中美术欣赏课上，我做了以下尝试：首先，选择优秀的画家，优秀的作品。
上课时要先让学生对画家的思想和人格精神有个充分的了解，然后对其作品进行分析时，融入画家的思想和为人，学生在欣赏美的同时也接受了思想教育。
要知道一件伟大的艺术品能屹立不倒，不仅仅只有外表的美，而更重要是对社会产生的影响。
如十九世纪最伟大的雕塑家罗丹。
艺术在他看来是所谓静观默察，是深入自然，渗透自然。
与之同化的心灵的喜悦，是智慧的喜悦，是在良知照耀下看清这个世界而又再现这个世界的喜悦。
学生从中获得审美喜悦，正是和艺术再现世界相对应的，即熟悉，亲切，又陌生新鲜的心灵体现。
而对罗丹的大理石雕塑《沉思》，我们会同时浮现双重的现实感：一种是通过洁白润泽的大理石，造型语言等材料和媒介透出的再现形象；另一种是由这个再现形象激起的对外部客观现实的联想。
这两种现实都在幻觉中产生，从再现形象到客观现实往复多次，构成心灵意象的跳跃感再现。
捕捉这样一种大幅度的扩展和变化着的意象，将激起心理，智慧，想象，情意以至人生经验的涟漪，这一精神活动本身力图样，体现的恰是梦想与现实，精神世界与物质世界的矛盾。
罗丹的助手葛赛尔写下了《沉思》这座雕像给他的审美经验--这是一个非常年轻，神的张弛，往复，伴随着极度的审美愉悦，呈现为精神上的创造，自由和超越。
他在表现时特别注重强调和对比，把眼睛以上从眉弓推向前额，突出入类精神生活最主要的领域，以先声夺人的精神力量去接近观赏者。
而下颉到脖颈再到双肩，几乎沉没在石座里，突出与沉没的秀，面目俊美的女性头像，她低着头，周围萦绕着梦想的气氛，显得她是非物质的头脑上帽子的边缘，好象她梦想的羽翼一样，但是她的颈项，甚至她得颔都在一块粗大得石头上，好象夹在不能摆脱得枷板中一样，不具形的思想在静止的物质中花一般地吐放出来，而且用辉煌地光彩照亮了这物质，但是她丝毫没有办法摆脱现实的沉重束缚。
而在现实当中，罗丹对艺术的执著使他自己认为是教徒，他在遗嘱中对青年谆谆教导：要有耐心!不要依靠灵感，灵感是不存在的。
艺术家的优良品质无非是智慧，专心，真挚，意志。
象诚实的工人一样完成你们的工作吧
我们应该要引导学生在欣赏中感觉到这种美的力量。
一个朦胧中的少女有着自己的梦想，这与中学生多梦的性格是如此的接近，这种心灵的沟通和激发，如电流通过全身，精神上的自由和超越，忽然间犹如脱胎换骨，学生在美的享受中自觉的接受了罗丹的高尚艺术品格，尽管也许不一定所有的学生都有这样的感受，但这种教育的深刻性是永远不能泯灭的。
又如凡高，他尽管只活了37岁，而且是孤僻，自闭，精神分裂．真正的去了解他，了解他的生活，了解他的品格，我想学生会对凡高充满了尊敬。
脾气古怪的凡高从小就不合群，不仅长相难看，有时羞却，有时又冲动粗鲁。
他拒绝社会，社会也拒绝他；但他向社会献出诚心，社会仍然拒绝他。
他在为古皮尔画店工作时，直截了当地批评顾客的爱好，甚至公开宣称商业实际上是有组织的盗贼集团，于是他被解雇了；他在一家寄宿学校任法语教师，看到了贫苦的学生的生活状况而没有向他们收学费，于是他又被解雇了：他在一座煤矿当自食其力的传教士，把财产分给穷人， 自己粗茶淡饭，衣裳褴褛，教会认为他布道失当，于是他又被解雇了：他满腔热情，一往深情地追求真诚的爱情，但不是被戏耍，被背离，便是酗酒放浪，于是被解雇了；他如痴如狂，满怀虔诚的创造绘画作品，却因不被世人理解难以找到知音，于是他又被解雇了。
然而凡高和罗丹一样，对待艺术就象一个虔诚的教徒，他并不太在乎人们是否理解和接受自己的作品，他只是把画画当作宣泄情感的一种最佳方式，并且他有着和雷诺阿一样的追求。
我画画不是使人苦恼，而是使人们快乐。
他在一到信中这样写道。
这一点着实令人惊讶，也使人们得以窥到凡高的内心：他就象一个天真烂漫的儿童，尽管生活如此对他不公平。
他仍然热爱和渴望生活他的代表作《向日葵》，作为一副静物画，从它色调，布局，瓶花的特定形成构成，以及笔触的运用，油彩技法上的处理，都是显示出画家对自然，生命，人生的独特情感的体验，传达出一种既热烈又悲伤，既骚动又孤寂的心理情绪。
学生只有在充分了解凡高的基础上才能真正体会到这盘俯仰张弛挣扎的向日葵的内在涵义，充溢着张力的新生命在凋残痛苦的旧生命种诞生。
学生在欣赏时自然而然地想象到凡高地一生，沉默，欲喊又喊不出来的压抑人生。
而更重要的是凡高的这种爱心和渴望生活却永远留在学生的心中。
其次，在进行欣赏教育时，有必要的让学生允分地了解中国的艺术，提高民族荣誉感，长期以来，由于欧洲中心论的影响，由于把科学的发达等同于美学的发达的错觉，中国的艺术跟在西方科学的路子后面，疲于奔跑的追赶，在一定程度上舍近求远，忽略了中华民族的审美优势。
事实上，中国的近百年来科学落后不等于艺术落后，中国画作为一种风格独特的艺术早就与西洋画并起并坐，成为世界上最重要的两大绘画体系。
一，中国的绘画具有悠久的历史和独特的风格。
据记载，早在春秋后期，周代都城的政治性建筑明堂里，就绘有尧舜之容，桀纣之像，'以及周公抱着幼年的成王接受诸侯朝拜的壁画．可惜这些壁画因为建筑物的毁灭都已不存于世，但是从1949年出土的两件战国帛画的线描人物形象，略加色彩的绘画技巧来看，我国至少在两干多年前已经达到一定的艺术水平。
到了战国以后，随着中国社会的发展，中国古代绘画也在不断地完善和丰富着它的艺术形式，表现手法，艺术风格以及各种绘画体裁，画家们将书法的结构，用笔运用到绘画中去。
以加强绘画的表现力和艺术趣味，形成了具有具有浓厚的民族风格和鲜明的时代特色。
它不仅是中国近代，现代绘画艺术发展基础，而且对我国一些邻近国家也产生了重要的影响，日本老画家中村不折在他的《中国绘画史》一书中指出：中国绘画是日本绘画的母体，不懂中国绘画而研究日本绘画是不合理的要求。
我想，用长流不息来比喻中国的绘画是最合适不过的。
而欧洲的绘画从时间来看，应该是早早承认，旧石器时代，世界上最早的美术品，都是发现于欧洲的西南部与中部。
虽然考古学是一门不断发展的学问，但迄今尚无新证物以前无法动摇上述的观点。
到了中世纪以后，由于基督教成为统治国家的精神支柱，这一时代在绘画史上称之为黑暗的中世纪。
直到文艺复兴时期，新兴资产阶级为了扫清前途的障碍，需要很有说服力的思想武器，他门终于从古人的武器宝库里找到了饱含着现实主义精神和科学理性的古希腊，古罗马的思想文化，从而打出文艺复兴的旗号，正如恩格斯所说：拜占庭灭亡之时抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，在惊讶地西方人面前展示一个新的世界，------希腊的古代：在它地光辉形象面前，意大利出现了前所未有的艺术繁荣。
因此，欧洲的绘画是时而浩瀚，时而干涸，这与中国地绘画地源远流长是不同的。
二、西方文化是以神为中心的文化。
他们将人的发展归之于神的创造。
在他们那里，神与人是分离的。
所以他们习惯于将人与自然，人与社会，主体和客体对抗起来。
探索各个领域中纵的逻辑关系，在种与类的基础上区别其层次，力求符合这些关系的客观秩序。
他们是属于哲学美学，叙事诗学，状物画学。
他们写实绘画的焦点透视，像一位独眼巨人在锁孔里看世界，只能老老实实地把看得见的画出来，把看不见的挡起来。
他们的安琪尔要飞，只有实实在在地安上一双翅膀，其爱的信息的传达还得借助于一支有形的弓箭。
而中国的文化是以人为中心的文化。
它以笔墨线索作为塑造意识形象的根本要求，并融诗入画，使画的意境，布局，笔墨，色彩完全诗化而成为无声的诗。
他不仅是中国近代，现代绘画艺术发展的重要基础，而且对我国一些邻近国家的绘画也产生重要影响。
因此，中国绘画是属于艺术美学，抒情诗学，写意画学。
中国绘画是多点透视，在游动中看世界，不但能画出肉眼之所见，而且能画出心眼之所见。
山前山后，屋里屋外，长江万里，四季花卉，皆可同时纳入画面。
我们的飞天要飞，勿需安装沉重的翅膀便能乘天地之正，而御六气之辩，以游无穷，其爱的信息的传达虽然身无彩凤双飞翼，却能心有灵犀一点通。
一个是无翼而翔，一个是有翼而飞，哪个更高
难怪毕加索反问：在这个世界上谈到艺术，第一是您们中国人有艺术； 其次，是日本人有艺术，当然日本人的艺术又是源自你们中国；第三是非洲人有艺术。
除二者外，白种人根本没有任何艺术可言。
我最莫名其妙的，何以有那么多的中国人，东方人要到巴黎来学艺术。
况且有专家认为，中国画是后现代主义的温床。
进入90年代，伴着消费的发展，现代主义的热潮在中国迅速降温，而一种打破传统和新潮，艺术和非艺术，雅和俗的后现代主义以游戏的姿态悄然兴起，他兼容性更强，在这里，被排斥的古术又有了自己的位置，并且是以一种游戏的姿态出观：维纳斯穿上了牛仔裤：蒙娜丽莎被戴上一副眼镜，弥勒佛扛起了广告牌等等。
在这里，这些艺术既保持着自己的风和雅，同时更大众化。
现代主义重视看得见的形式，后现代主义重视道不清说不明的状态，他从东方神秘主义众吸取了信息，而崇尚天人合一中国早有玄之又玄，天机不可泄露之说。
这些被某些学者视为不能用精确数值定量定性的落后乃至迷信的中国古老文化，说不定潜藏着科学主义未能认识的领域和未能解读的信息。
正如古希腊的奴隶制太完善了，所以他的封建社会就不发达。
中国完善的封建社会决定了他不可能出现完善的资本主义，而在后工业社会形态中则可能获得充分的发展和繁荣。
中国对现代主义艺术有着一定的排斥性，而对后现代主义却有着先天的亲和性。
学生通过多方面的了解，必定会对美术有新的认识，在欣赏美的同时，既自觉的接受了思想教育，也接受了新观念。
以上是我对高中美术欣赏的几点肤浅见解。
应该说，这是一个长期的过程，至于效果如何，还是未知之数 0 33
书法艺术在我国源远流长,你觉箔怎样才能练好书法?
其实练书法还是要看个人的天赋，有些人适合，有些则没有天赋，练了也未必会有结果，，而且需要你沉得下心静得下去了，经常临摹字帖或找一个名师带领，现在真正执着于书法专业的人很少了，所以大部分还要靠自己日常的练习和不断的摸索总结前人的经验，研习字体的规律。
我想考书法类的艺术学校，我有不错的书法基础，成绩在四百五，但父母坚决反对，我已经想好要终生走艺术...
书法，也是一种修身养性的好办法。
学好书法也是需要花很多时间的.果真这样.，但经过两个多月的书法练习我也学到了很多.至少我们学习它可以了解更多的书法知识写字技巧.还能了解一些历代书法家和书法家的作品.特别是能锻炼一个人的毅力与耐性. 学书法，如果真的投入当中的话，你可以感受很多的乐趣.果真没错，我们起初接触到的是篆书，然后过度到隶书，接下来是楷书，每种书法字体都有它的特点.我觉得篆书的笔画是非常优美的，隶书是比较柔和的，只有楷书是挺拔有力，有气势的.而且我个人比较偏爱楷书，特别是颜真卿的楷书.因为我能感受到它的神，所以每次我写的时候，都能胸有成竹的写好每个笔画的形，写的时候我都没想到要怎样的顿笔，收笔，提笔什么的，但只要心中有它的形就比较容易掌握了. 要真的学好某种字体风格，也就是说某个历代书法家的书法风格也是不容易的。
首先你得对所历代书法家和他的作品要有一定的了解，然后要掌握他的书法特点和运笔技巧.其实书法的境界确实是无穷大的，你要学好它，真的得花时间，我们要花时间去领悟某种字体风格，多去了解些书法家的时代背景和他作品诞生的背景.只有这样我们才能全面的掌握某种书法风格.学书法，我认为我们最好还是得从临摹开始，我们要注意向他人学习，向他人的优点学习，把他人的好东西吸收过来，才能高自己的书法水平，如果不向他人学习，就不能丰富和造就自己。
当然在临习前人的作品时也不能盲目的临，要慢慢形成自己的风格，要注意对名帖进行研究，要取其长去其短，为我所用，通过不断的实践和探索慢慢形成自己的风格和点。
最后，我觉得学好书法，也得有一定的审美要求，写出来的作品要有美感。
要在追求美的风格中不断超越自我。
在书法学习和创作中，追求美的风格，看一幅书法作品美不美，既要看每个字的形体结构，也要看整幅作品中是否有变化，结体、点划不雷同，肥瘦适当，肥而能秀，瘦而能腴，风姿潇洒，达情尽性，神采飞扬。
由于每个人爱好和审美观的不同，必然有各自不同的看法、要求和追求。
由此形成了各自不同的艺术风格。
从某种意义上讲，形成了个人的艺术风格，不断地超越别人、超越自我，才能从容地走进这一人类书法艺术的殿堂。
“梅花香自苦寒来”。
我相信只要我们付出了努力就一定能够学好书法的。
书法艺术是国人的骄傲，我们要一直骄傲下去!文章来源：耿庆泉书法艺术. (2) 看着外面大片大片的雪花在空中飞舞，纷纷扬扬、飘飘洒洒，联想到来年的春天我们南京的梅花一定会开得比往年更加鲜艳，我又回想起了我学习书法的经历。
我学习书法是从爸爸送给我一对漂亮的镇石开始的，那块镇石上写着“宝剑锋从磨砺出，梅花香自苦寒来。
”它的意思是无论做某事，都要坚持不懈，持之以恒，这样才能成功。
我学习书法的经历也正是这样：我从一年级开始学习书法，每天坚持练习书法，我的水平也因为坚持不懈而提高了很多，进步也越来越快。
三、四年级的时候因为文化课的作业多了，我不能做到每天练习，只好每个星期练习三、四次，到了五、六年级，文化课的作业就更多了，只好每个星期练习两、三次了，但我从来没有放弃，硬是挤时间坚持练习。
看到别的小朋友在楼下玩耍，我却在苦练书法，我也感到委屈，也想出去玩，但当我看到镇石上那句著名的诗句时，我又咬牙坚持了下来。
就这样一步一步走到了今天。
随着我书法水平的提高，我练习的字体也越来越多了，有楷书、隶书、行书、篆书四种字体。
我从2003年开始参加江苏省文联举办的书法考试，一步一个台阶，今年我通过了九级考试。
我多次参加全国、江苏省、南京市的各类书法大赛，获得不同奖项：江苏省第三届、第四届少儿书法大赛银奖，江苏省第五届少儿书法大赛“金奖”，第二届全国少儿书画摄影大赛“钻石奖”，2006年全国书画人才选拔书法类软笔专业儿童组一等奖。
我喜欢书法，我认为它是一种美丽的笔尖艺术。
我爱拿着毛笔在纸上写那苍劲有力大字时的样子，我爱那种酣畅淋漓的感觉，更喜欢看着笔尖在纸上展示它那优美的舞姿。
练习书法真是一种享受啊
我学习书法并不是为了完成什么任务，而是在学习之余可以放松一下，缓解自己紧张的情绪。
练习书法还可以开阔视野，陶冶情操，那真是一种不一般的享受。
“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索。
”我知道我的书法之路还很长，我愿做那“临寒独自开”的圣洁的梅花。
作者 朱顾玥
印象派艺术对20世纪西方现代艺术的影响
印象派又称为“外光派”，产生于19世纪60年代的法国。
1874年莫奈创作的题为《印象·日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，印象派由此而得名。
一 色彩的影响 十九世纪的法国作为世界艺术中心，艺术流派百家争鸣，百花齐放，流派与流派之间的艺术论战也是异常激烈，这些艺术争论为当时法国的艺术发展起到了巨大的推动作用。
以新古典主义为首的学院派和浪漫主义艺术家的争论把艺术家的创作意识从古典的冷冰冰拉回到了个人感性认识主导画面的创作方式；19世纪30年代，现实主义与非现实主义（古典主义，浪漫主义）的争论让艺术家放弃对虚幻缥缈的理想世界的憧憬，回到现实生活当中，在艺术创作上要反映出时代特色。
这些艺术流派之间的碰撞造就出了一批年轻的艺术叛逆者，他们不再把学院派把守的沙龙展作为自己艺术创作的唯一目的，他们开始重新审视艺术，在前辈的精神鼓励下，他们走出画室放眼自然，放弃落后的创作方式，利用工业革命带来的新的科学技术成果，揭开了一场影响巨大的艺术革命，印象派就是这场革命的成果。
任何一个画派都没有印象派这么多元，前印象派，新印象派，后印象派，它带给现代艺术的是一次前所未有的革新。
十九世纪开始，美国经济迅速起飞，国土从大西洋到太平洋的扩张，广袤洪荒的自然激发了美国人强烈的民族自豪感，也催生了描绘美国本土风景画的发展。
更多的美国艺术家走出国门，融入了全球化的进程，印象主义在美国的流行毫不亚于当时的世界艺术之都巴黎。
技术性影响主要主要体现在色彩作为艺术创作的主要表现语言 色彩做现代艺术中最常用的艺术表现语言，色彩的独立对于古典绘画体系是一种革命性的创新。
从法国史前岩洞壁画到凡艾克时代，以至油画因材料的改进而诞生之后的几百年间，色彩的作用就是辅助素描更加真实的呈现物体本来的面貌，我们切把这段时期称作固有色时期，固有色顾名思义就是物体本身的颜色，这一时期的画家是不会考虑光线对物体色彩的影响，原因有这样几点，首先古典主义画家的工作地点通常处于室内一般情况下光线十分稳定，即使在一些阴雨天气，画家也能够根据自己在日常创作中所掌握的规律来完成所描绘物体的色彩。
其次一幅完整的古典主义作品的制作消耗的时间是很长的，制作过程也十分复杂，从素描稿拓到画布或着画板上，再一层一层的罩染（类似于中国工笔画），一直到完成最少也要半年甚至更长时间，所以艺术家在描绘物体的色彩时，基本上把物体在稳定光源下的色彩作为物体的固有色，这种观察方式与绘画方式十分类似于中国谢赫提出的六法之一的“随类赋彩”比如画一块红色的衣服，通过在红色颜料当中调和白色与黑色，来区分其明暗变化，分别涂到衣服的亮部和暗部，色彩并没有自己独立的一套系统而是依附于素描关系。
当然在这一时期并不是没有艺术家关注色彩，还是有很多天才级艺术家在长期的艺术实践过程中，逐渐地发现色彩是有冷暖关系和补色关系的存在的，比如我在一本印刷质量非常精致的外文画册中就看到米开朗基罗天顶壁画中的《先知》，他穿的黄色袍子的暗部明显存在大量的紫色成分，但当时这些艺术家并没有过多地去研究出现这种现象的原因，只是在大量创作的过程中的经验，认为只要加上些补色画面就会鲜亮些，仅仅是为了看起来舒服些。
固有色系统的创作方式一直持续到印象派之前。
美国建国之初，美国的艺术基本上是沿续着欧洲古典的绘画的模式。
大量的欧洲移民所带来的只是些以实用功能（装饰房屋，纪念先祖）为主的绘画形式，是欧洲学院派的风格与美国本土风俗画的结合产物，所以这时期的美国绘画也是属于古典色彩系统。
法国浪漫主义特别是热里柯和德拉克罗瓦十分重视色彩的表现，他们“强调浪漫主义艺术家强调感情和幻想，不重视理性，个性重于共性，色彩重于素描，要推翻所有古典形势与法则。
”[[1] 引自《西方美术史教程》李春著第258页 第7行 陕西人民美术出版社][1]他们重视光在画面中的运用，但是他们并没有把光与色彩联系起来，并没有考虑到光对色彩所产生的影响。
只是在相比以往的古典绘画他们对色彩开始更加重视。
古典色彩系统，不是不重视光线，只是他们是通过素描的明暗关系来表现光线，并没有通过色彩来表现光线。
印象派认为物体的固有色是理想化的，因为物体是随着光变化的，而光是在无时无刻的变化当中的，完全打破了古典主义所描绘得再理想状态下的固定光源下的物体色彩，。
色彩的运用第一次被提到前所未有的高度，色彩成为艺术家主要表现光线的手段。
成为独立于素描体系之外的艺术语言。
在绘画的诸多因素中（构成因素，素描因素，色彩因素），色彩本身是最具抽象性的，康定斯基说：“颜色是直接对心灵产生影响的一种方式，色彩是琴键，眼睛是音槌，心灵是绷满弦的琴。
颜色经由视觉通道拨动心灵的琴弦。
那么色彩的和谐只能以有目的地激荡人类灵魂这一原则为基础。
”[[2] 引自 《康定斯基论点线面》康定斯基著 罗世平 魏大海 辛丽 译 中国人民大学出版社][2]他在谈到“形与色的关系”时说：“二者的基本关系是颜色受形的规范，同时强化形的视觉效果。
”例如在古典写实绘画当中，画一个苹果，通过明暗的对比度强调苹果的空间站位，边缘线的虚实强化了苹果的前后关系，也就是说素描因素已经可以表现出苹果的特征，那么填上颜色后更加强化了“苹果”的视觉效果，就好比“苹果”的黑白照片与彩色照片，哪个更能影响我们的视觉需求呢
肯定是彩色照片，一个红润的苹果是可以引起我们的食欲的，食欲通过视觉观感引起我们的精神需求，我们宁愿吃形状难看的“苹果”也绝对吃不下颜色乌黑的“苹果”，因此色彩关乎人类的精神世界，比形更具备抽象性。
在打个比方来说一块“红色”色块我们很难说它具体是什么东西，但它可以带给人以“血腥的感觉”，如果要单纯的用“形”该如何表现“血腥感”呢
康定斯基把绘画分为两种“一种是为物质的，一种是为精神的。
物质绘画是通过视觉的神经刺激来感动观者，这是外在的；精神的绘画是通过心灵的激荡所产生的内心共鸣，他把前者归于写实艺术的特点，把后者看作抽象艺术的核心”。
在我们看到印象派的作品时首先应该是被他们所画出的颜色所感动，物体的具体形象已经被色彩所包含。
他们通过改变物体色彩的明度与纯度来表现素描关系，通过冷暖来表现物体的空间，补色关系被用来表现虚实。
莫奈在形容自己作画状态时说：“我看到的景物，不再是房子、树木、山丘，而是由不同颜色不同形状的色块所组成的画面”。
[3] 色彩的独立并不完全归功于印象派艺术家，而是这些艺术家利用当时新的科学研究成果，把这些光学理论运用到自己的艺术创造中去，可以说是科学与艺术的完美结合。
他们验证了“光”是物体被人眼所感知的真正原因。
十八世纪末牛顿通过三棱镜把白色光分出7色，并认为颜色是有不同波长的光引起的。
著名的文学家歌德在一次偶然的机会下发现了补色的存在，他在《颜色论》中不完全同意牛顿的理论，他认为颜色只与明暗有关，牛顿的观点是孤立的来看待色彩，排除了观察主体的作用，而歌德却看到了另一种关系。
歌德说：“在我所有计划当中，最使我感兴趣的就是一种新的关于光、阴影、颜色的理论，如果我没有弄错的话有时甚至自然和艺术研究中也必须出现革命。
”歌德的色彩理论一直没有受到人们的主意，直到爱因斯坦的相对论，特别是后来的普朗克的量子理论与海森堡的测不准原理的出现使得光学研究成为一门独立的学科。
印象派艺术家在进行创作的过程中，采用纯度和色彩倾向十分明显的颜色，尽量的使色彩的饱和度达到最高，但也并不是完全采用直接从颜料管中挤出的纯色，而是适当的进行调和，冷色与暖色的对比成为它主要表现物体体积与空间的主要表现手段，形成了一个基本的绘画规律：冷光下的物体暗部呈现暖色。
暖光下的物体呈现冷色，靠前的物体要比靠后的物体要暖。
古典画家与印象派在创造自己的画面时所依靠的画面因素是不一样的，古典画家依靠黑白调子，解剖，透视关系在二维的平面中创造出三维的错觉，印象派画家似乎抛弃了古典画家这一套被传承了几百年的模式，而是从新采用光学理论，把色彩冷暖与颜色的互补关系创造出了新的绘画语言。
除了光学研究，工业颜料的生产使得画家可以很方便的直接采用颜料管装的工业颜料进行绘画创作，锡管装的颜料方便了画家的携带，使得他们可以更好的进行户外写生。
而且工业生产的颜料品种也十分丰富，多达上百种，这在古典时期几乎是不可想象的，由于古典时期颜料生产技术的限制，并没有专门生产颜料的作坊和工厂。
颜料的制作与调和都是艺术家做学徒期间在作坊式的艺术工作场所从老师那里学来的，可以说是学习绘画前的必修课。
而制作颜料的材料大部分以非常稀少的矿物质颜料为主，所以艺术家在制作颜料时只能根据自己的创作内容和喜好来调制品种有限的几种颜色。
这在一定程度上也限制了当时画家对于色彩的关注。
在整个西方艺术史中，科学始终影响着艺术。
解剖，透视等要素构成了古典写实绘画的根基，但这些科学要素并没有形成独立的学科，画家对于这些要素的认识主要来自在老师的经验传授以及自己创作过程中积累下来的经验。
解剖、透视不是画家的表现对象，而是为了使所画的物体更加真实的工具。
与其说印象派画家描绘的是景物，不如说他们在描绘光线，科学理论与成果成为他们的表现对象。
二、工业革命成果的支持 光学理论的建立、化学颜料的工业化生产革新了艺术家看待世界，表现世界的方式。
照相机作为19世纪科学技术另一重大成果，也深刻的影响当时的艺术家。
照相机的发明使得当时画家产生了巨大的恐慌，这种恐慌应该更多的存在于当时学院派画家中。
照相机所创造的画面，从写实性超越了手工绘画的艺术家，而且完全可以取代古典绘画的功能性。
但印象派画家更多的是把照相机当作自己创作中的工具，“印象派画家把曾经被认为是粗俗不堪的生活情景快速的捕捉下来，因为他们发现了平凡事物之美，到户外对景物直接写生。
他们对题材选择一般都很随意，画面的内容并不刻意要传达什么思想，他们明显受到摄影中‘街头抓拍’的影响，构图也不像传统绘画那样去严谨的经营。
”[[4] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第47页 天津人民美术出版社][4]对于照相机的运用最明显的就是德加，他所画的大量的歌舞少女的形象大部分都是先用照相机抓拍下来然后画速写创作稿或者直接用于创作中。
可以从他所拍摄的照片中可以找出他画的一系列色粉画中的人物动作原型。
照相机特殊构图形式也对德加产生了很大的影响，如他的《舞蹈教室》和《浴女》系列都可以看到这种影响，画面就像照片，“摄影者”与“被摄影者”被放置到同一个空间当中，看到他的画面就像从相机的观景器看到的画面一样，带有“现场感”。
作为直接受德加指导的美国印象派女画家卡萨特，题材和德加一样关注现实社会中的人物形象，她所创作的《母与子》系列作品就受益于德加的粉笔画表现技法，并且采用了与德加一样的摄影式的构图，看起来就像是日常的生活照片。
除了德加，高更也十分喜爱用照相机为自己收集创作题材。
在他创作的一系列关于土著人的油画中，有些就是直接用他拍摄的照片作为原型的。
印象派艺术家是第一批运用照相机的艺术家，他们使工业革命的成果与艺术产生了又一次碰撞。
在20世纪60、70年代，美国流行的照相写实，风格高度的写实冷静、客观。
艺术家的创作直接采用照片作为描绘对象的工具，“在没有人为摆设、敢于的情况下捕捉现实”。
[[5] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第49页 第1行 天津人民美术出版社][5]最著名的美国照相写实画家安德鲁怀斯，以其精湛的绘画技术描绘了美国本土的风情面貌，形成了美国乡土主义。
还有美国照相写实艺术家克洛斯常喜欢借助照相机的短景和焦点以外朦胧的摄影效果，描绘肉眼无法看清楚的细节，呈现出摄影才能不找到的机械真实。
莫奈于1877画了一系列冒着浓浓蒸气烟雾进站的火车，画中高耸坚硬的玻璃钢铁车站建筑显示出进入现代的欧洲城市的生活面貌，艺术家所喻示的不仅是工业革命中的巴黎 “机械美学”已形成，同时也揭示了一种新的绘画方法，而这个画法的观念自始一直就紧跟着机械文明。
20世纪美国抽象主义画家波洛克是深受莫奈影响的艺术家，从他的《薰衣草之雾》就可以看出与莫奈《睡莲》的相似性，这种相似性并不单指朦胧的跳动的画面效果。
更多的是“绘画”作为一种行为得到波洛克的发扬，前面我们已经提到莫奈在画《大教堂》系列时的创作状态，在运动中不停的调换着画布，放到今天莫奈当时是在表演行为艺术。
波克洛在绘画时更加夸张身体跳动，油漆桶的泼洒都是一种激情下的艺术行为。
这样的画风所创作出的作品使观看者很自然的在联想他们在创作作品时的心理状态。
光的动感在印象派作品中也是一个重大的贡献，在他们眼中物体色彩是处于运动状态下的，他们所描绘的是一个动态光下物体的色彩。
印象派这些年轻的艺术家在摆脱固步自封的学院派沙龙展时，受到巴比松画派影响，风景画成为他们艺术追求上的突破口。
他们和巴比松画家之间带着一种师徒般的传承。
柯罗是年轻的印象派画家的朋友和导师，他们一起在枫丹白露森林中一起作画，在生活上一直支持和他们，比如西斯莱莫奈和柯罗就是忘年交，在他的绘画风格上更是受到柯罗的影响，银色的色调经常出现在他的画面上。
但是不同的是印象派的风景与传统风景画的界限划分得更加明显，这一点不像柯罗依然延续着古典风景画的特点，描绘长时间稳定光线下，静止的景物，唯一不同的是色彩更加绚丽丰富，游离在学院与前卫之间。
莫奈他们更加关注的是短时间内光线对于景物的影响，着力表现景物在不同时间环境下的色彩变化，因此印象派的风景画都是带有动感的，即使是梵高他笔下的星空也是像河流的一样的笔触在闪烁流动。
他们对恒定不动的光线不感兴趣，莫奈在画卢昂大教堂时通常都是10几幅画同时开始，不同的时间不同的天气状况在不同的画布上描绘，他也因此被称为“光的奴隶”。
莫奈的画不像是在描绘他所看到的物体，而是通过描绘物体的色彩变化来描绘光线，莫奈是彻底的印象派，也是最执著的印象派画家，最能代表其艺术追求的表现光的流动感的作品无疑是他晚年的巨制《睡莲》系列，通过水面的波光粼粼把早晨，傍晚的光线变化表现到了极致。
古典风景画如同古典肖像画，静态与永恒成是画家主要的表现方式，光在他们画面中是稳定的永恒的，带有宗教性，象征着上帝。
在印象派画家笔下光不代表上帝，他代表着真实真理，代表着科学。
印象派色彩的视觉冲击力十分的爆炸，鲜艳的颜色统治着整个画面，光影的跳动感被抢调到极致，完全没有宁静之感。
光的流动性所产生的现象作为工业时代的产物，被运用到了艺术创作当中。
机械文明与现代艺术的关系也逐步的从艺术家作画的方式，笔触到所用的材料一点点的影响画家看世界的观点态度。
他们对于科学理论及工业成果采取认同的态度并加以利用。
反叛精神的诱惑 印象派的反叛精神也极大的鼓舞了美国国内的年轻艺术家。
这种反叛主要有两个方面 1、东方感性认识对西方理性认识的反叛 印象派对东方的艺术（主要指中国日本）的运用更加直接的运用到自己的画面中。
莫奈创作了《穿和服的姑娘》明显的透漏出他对东方艺术的喜爱。
《睡莲》是莫奈在晚年眼睛几乎失明的状态下创作的，恣意的笔触带有十分强烈的中国书法写意风格，画面色彩洋溢着东方的感性色彩。
中国人之所以十分乐于接受印象派的作品，就源于印象派画家与中国书法绘画中的“写意”性十分相似。
波洛克说“当我画画前，我不知道自己要画什么，只有画了以后，我才看到我画了什么。
”这和中国书法绘画的创作状态基本一致。
凡高临摹了大量日本浮世绘，把这些画创作为油画。
浮世绘平面化的构图形式，消解透视，我们可以从凡高的《向日葵》中看出，装向日葵的花瓶与后面的墙壁基本没有空间关系，桌面与墙壁只是协调整幅画面色调的两大块冷色的平涂。
凡高非理性艺术风格一定程度上都是受到东方感性世界的影响。
也影响到了二战后美国的抽象表现主义，特别是热抽象表现主义。
像卡萨特一样的大批思想先进的美国年轻艺术家在涌入到巴黎留学期间，通过印象派艺术家了解到了东方艺术品，所以当时印象派画家的东方情结一定程度上影响到了美国艺术家。
深受德加影响的卡萨特，和德加一样迷恋着东方艺术，因此她的画带有极强的东方装饰感，在她的油画中，对于女性人物的衣着地描绘可以看出日本浮世绘般的平面装饰画的影响。
东方的感性艺术与西方原有的理性艺术碰撞通过法国艺术家传递给了美国。
为美国艺术家后来的抽象表现主义作了启蒙式的教育。
美国抽象画家克莱因和马瑟韦尔在20世纪60年代所创作的抽象艺术作品就带有很强的东方书法意味。
2、非主流艺术对主流艺术的反叛 印象派引导了近代艺术史上，第一次对传统艺术反叛的艺术革命。
他们的这种叛逆精神，刺激着传统艺术现代化的进程。
印象派成了19世纪末反叛的代名词，不仅他们绘画理论的产生源于对传统的反叛，即使印象派的内部反叛精神也使得印象派更加多元化。
印象派在发展的过程中，逐渐被社会大众所接受，而以莫奈为首的前印象派也逐渐发展成为印象派中的“学院派”，塞尚成为第一个退出印象派的艺术家，他认为莫奈过分的关注“光”对画面的影响，完全看不到画家个人与所被描绘的景物之间的关系，忽视了个人感受，他在给伯尔纳的信中说“光线对于绘画来说本质上是不存在的。
”随之而来印象派分裂为新印象派和后印象派两大流派，这两大各流派是对前印象派的两种极端发展方式。
新印象派把艺术家科学的理性态度运用到自己的创作中去，数学的计算方式影响到了他们的创作方式。
例如新印象派的代表艺术家修拉，在作画的时候，常常用数学公式计算出一块色彩区域所应该包含的颜色成分以及该颜色成分的含量，并且把莫奈那些前印象派的“写意式”的笔触转化为均匀的、规则的点状笔触。
修拉的画面减弱了画面的空间感，人物与背景呈现浮雕式的效果。
他和莫奈有些相似，都是把画布作为一种艺术实验，把科学家般理性的思维模式融入到自己的艺术创作当中； 后印象派艺术家排斥理性，认为前印象派过分的重视客观世界的描绘，只是停留在表面现象上。
他们强调主观世界，注重自我表现，主动地把所描绘的事物进行夸张、变形。
这两个画派都是由前印象派派生出来的画派，他们使得印象派的艺术表现形式更加现代。
高更笔下的人物形象稚拙单纯，平涂的色彩，明暗在他的画面上完全被忽略，带有极强的装饰风格，他也是第一个开始关注“原始世界艺术”的人。
塞尚应该说是个人成就最大的一个艺术家，他不论从色彩还是造型上都给现代艺术带来一次巨大的革新，颜色成了画面的构成因素，形体也被他主观的进行夸张，增强了物体的体积与重量感。
他对色彩与素描的创新原则分别影响到了毕加索为代表的立体主义和以马蒂斯为代表的野兽派。
因此塞尚被称为“现代主义之父”，说明现代艺术的根源在印象派。
新印象派和后印象派代表了当时艺术的两个发展方式，冷抽象与热抽象。
印象派对美国艺术的精神影响，就好比库尔贝、马奈对印象派的影响一般，使他们对传统负有极强的反抗精神。
在1908年前后，美国也形成了一个与法国学院派沙龙性质相似的艺术机构——国家设计学院。
一位艺术家是否能够在艺术界取得成就完全看他们是否获得国家设计院的会员资格。
1908年2月，把为美国艺术家在纽约的麦克贝思美术馆举办了一次类似于“法国沙龙落选作品展”的八人画展。
这八位美国艺术家分别是：罗伯特亨利、格莱肯斯、卢克斯、希恩、斯隆、戴维斯、劳森、普伦德加斯特，这八人中罗伯特亨利是他们的领军人物，他早年多次留学巴黎，十分喜爱马奈的作品，并把这些作品介绍给年轻的画家格莱肯斯，这使得格莱肯斯受到了极大的影响，如格莱肯斯创作的《切兹蒙昆》无论从构图还使色彩完全与德加的《苦艾酒》一致。
还有普伦德加斯特受到新印象派的影响，画面多采用平面性的色彩图案。
这个八人画派就是美国的“垃圾箱画派”。
阿纳森在《西方现代艺术史》中这样评价“垃圾箱画派”：“1908年的八人画展的重要意义，大概在于它是美国艺术史上一块孤立的里程碑。
……然而却又一批艺术家和学生，汇入亨利创立的独立艺术画派，他们以不同的方式，继续探索美国绘画新思想。
这些人包括美国重要的抽象艺术家麦克唐纳-赖特、布鲁斯和斯图尔特戴维斯，以及致力于探索各种不同形式的现实主义和浪漫主义的贝洛斯、霍伯。
……这把个人以及他们最紧密的追随者们的活动，在美国现代绘画史上具有十分重大的意义。
”[[5] 引自《西方现代美术史》 阿纳森（美）著 邹德侬 巴竹师 刘珽 译 天津人民美术出版社][5] 印象派作为美国现代艺术的启蒙导师，传递给美国艺术家与传统反叛的精神，这种反叛精神使得美国的艺术风格风起云涌，逐渐在二十世纪后美国接替了法国成为世界现代艺术的领军者。
小 结 法国印象派通过技术革新与精神的支持对美国现代艺术产生了巨大影响，在这两种影响使得美国艺术逐步摆脱了欧洲艺术学徒的身份，逐步探索出一条美国独立的艺术道路。
20世纪美国成为世界头号经济强国，商业艺术与大众文化的兴起，博物馆与新的传播媒体的普及，使得美国现代艺术引领了世界范围内的艺术的发展方向。
注释： [1] 引自《西方美术史教程》李春著第258页 第7行 陕西人民美术出版社 [2] 引自 《康定斯基论点线面》康定斯基著 罗世平 魏大海 辛丽 译 中国人民大学出版社 [3] 引自 《中国油画》2002年第6期中《物我两忘的东方境界》祁海平著 第42页 天津人民美术出版社 [4] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第47页 天津人民美术出版社 [5] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第49页 第1行 天津人民美术出版社 [6] 引自《西方现代美术史》 阿纳森（美）著 邹德侬 巴竹师 刘珽 译 天津人民美术出版社 参考书目： 《水彩艺术》 主编：赵大鵩 人民美术出版社 2000年6月出版 《世界美术》 编辑者：《世界美术》编辑委员会 人民美术出版社 1980年6月出版 《中国现代书法到汉字艺术简史》 编著：濮列平 郭燕平 四川美术出版社 2005年出版 《西方美术史教程》 编著：李春 陕西人民美术出版社 2002年3月出版 《中国油画》 主编：戴剑红 朱乃正 天津人民美术出版社 2002年6月出版 《康定斯基论点线面》 编著：康定斯基 中国人民大学出版社 2003年出版 《西方现代艺术史》 原著：H•H•阿纳森 天津人民美术出版社 1994年2月
