中国画的描述
汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。
我国传统绘画（区别于“西洋画”）。
工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分工笔和写意，它的精神内核是“笔墨”。
国画（宣画）：即用颜料在宣纸、宣绢上的绘画，是东方艺术的主要形式（薛宣林定性）。
付强作品（国画）从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。
国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。
近现代以来为区别于西方的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。
它依照中华民族特有的审美趋向及因此而产生的艺法而创作。
国画在内容和艺术创作上，反映了中华民族的民族意识和审美情趣，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
国画强调“外师造化，中得心源”，融化物我，创制意境，要求“意存笔先，画尽意在”，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。
由于书画同源，两者在达意抒情上都强调骨法用笔、因此绘画同书法、篆刻相互影响，相互促进。
近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。
赞美国画的句子
【第1句】中国画是以“气”作为自己存在的特性，“气”构成了中国画的基础，而水与气之间天然地存在着必然的联系，存在着相互转化的多重通道。
由水化为气，既是自然的物理想象，又隐含着中国绘画艺术独特的变异；既是一种艺术的创造，又代表着天人的合一。
水作为对象和作为构成，都直接与中国画的气脉相通，使中国画最终有了一个气的格局。
水在宣纸上干涸后，它身后留下的痕迹，构成了一种完全“透明”的绘画，一种与西画截然不同的水的空白的绘画。
【第2句】一张画纸，画得满满当当不留一点儿空白，是西洋油彩画。
一张画纸，寥寥数笔丹青于白宣之上，是中国画。
凡·高浓墨重彩成为惊艳传世之作，齐白石水墨丹青也是画界传奇。
西方的热情，中国的素雅。
一张五彩，映出的岂止山水草木
那其中，更有处世的方圆之道。
中国画的最高境界，在于水墨留余白。
中国话的最高境界，在于话音留三分。
【第3句】中国画历经数千年的沧桑巨变发展到今天，艺术魅力依然光彩照人，使人觉得常画常新，常见常新，其根本原因就是有妙不可言的中国味。
那么，什么是中国画妙不可言的中国味呢
简而言之就是‘土’。
中国画是在中国这块古老而神奇的土地上生长起来的艺术奇葩，蕴涵着中国人的信仰，智慧，哲学思想，人生感悟，审美习惯等。
描写画家的句子
【第1句】在这个富饶州城，住着一位深藏不露的民间艺术家源。
祖籍杭州的吴景源，生于1961年，笔名云仲林，号道宏居士。
少时即迷于书画，遍访名师，，虚心求教，获益匪浅。
后师承古人进、石田、吴伟、等古人，专攻花鸟、山水，长于人物，不拘传统而自立。
笔墨苍厚、严实，自成一体……【第2句】我理想中的画家总是长发飘飘，穿着独特，并随时流露着艺术气息。
但是与唐壮怀老师的见面完全打破了我的理想，他穿着得体，语气温和和那始终挂在嘴角的微笑。
他不只和我聊画画，还说论古今……我是学汉语言文学的，内心确十分崇拜，从谈话中我突然能够领悟他的“唐氏荷花”灵气的所在，以及他的绘画魅力，令我深深折服。
【第3句】徐庶之先生画集中充满着诗情画意，诗中有画，画中有诗。
他在艰苦迁徙途中表现出牧人的豪情，如《塞外鸣驼走天涯》、《驼铃响碎万山秋》、《登得一山又一山悠悠来去有何难》；在高山密林中抒发牧人的幽情，如《凌风直上翠微巅》、《松林深处养鹿闲》、《白杨千障牧牛来》；在劳动中表现人民欢情，如《伊犁河上奶香飘》、《除却冬装为尔忙》；在牧野中表现人们的爱情，如《风景宜人情语长》等等。
徐庶之先生笔墨有情，触景生情，以情动人，一幅幅画面表现了新疆人民热爱生活，热爱劳动，留恋故土，乐观幽默的动人情感。
同时也反映徐庶之先生的审美情操和文化艺术的涵养。
【第4句】南宋画家。
僧，号牧溪，蜀（今四川）人，生卒年不详，其艺术活动主要约在13世纪60－80年代之际。
[薜居下（乾德初兵部侍郎）之后，宣和间在长沙出家，南宋理宗、度宗时为临安（今杭州）长庆寺僧，与日僧圆尔辨圆（1202—1280）同为径山无准禅师（1178—1249）之法嗣。
性英爽，嗜酒。
正义爱国，敢于语伤奸相贾似道，遭追捕后，避祸于绍兴丘氏家。
至元朝，在天台山万年寺圆寂。
法常既是位佛教阐扬者，又是位天才画家。
工山水、佛像、人物、龙虎、猿鹤、禽鸟、树石、芦雁等，皆能随笔写成，极有生决心书，墨法蕴藉，幽淡含蓄，形简神完，回味无穷。
他继承发扬了石恪、梁楷之水墨简笔法，对沈周、徐渭、八大、“扬州八怪”等均有影响。
虽在生时受冷遇，却开后世文士禅僧墨戏之先河，并对日本水墨画之发展产生巨大影响，被誉为“日本画道之大恩人”。
【第5句】列 宾：俄罗斯写实主义绘画大师列宾与法国绘画巨匠莫奈，同为19世纪后期欧洲美术史上，引人注目的重要级人物。
他们的艺术在欧洲的东西部，各领一方风骚，影响力延伸到整个20世纪。
卢 梭 由素人画家跃居为近代朴素绘画大师的卢梭，是一位自学成功的典型画家。
他的作品糅和了现实与梦想，充满了自然原始的天真活力。
【第6句】雪斋先生自幼学习文学艺术，擅长书法绘画。
是著名书画家，辛亥革命后，以书画为生，早在1930年就执教于辅仁大学美术系，任教授兼系主任。
并组织“松风画会”，研究国画艺术，培育了大批人材。
他擅长画山水、马、墨兰等。
书法学米芾、赵孟頫，融米赵于一体，独具一种谨严而又潇洒的神韵。
他同时也是古琴家，新中国解放后不久参与组织北京古琴研究会，联络同好，切磋琴艺，使传统古乐得以流传发展。
【第7句】应野平古稀之后，依旧恪守“笔墨当随时代”，时代需要精品的创作理念，反复锤炼绘画语言，精勤探究表现形式，熔铸古今，强化个性，为丰富、完善现代水墨的笔墨技巧作出了不可磨灭的贡献。
晚年他的笔墨趋于厚重、凝练、旷逸、雄健，善以简约、拙秀的书法笔意刻画山石、树木、流泉、村居，兼用浓淡多变的墨色晕染、皴擦。
增加物象的厚度和层次感，以块面代替点、线，局部留白、虚化，表现光照与色阶，敷色或浓重，或雅澹，色墨相渗，韵致微妙，既得南派山水的秀润、清隽，又具北派山水的厚重、滋实，一画既成，喜题自作诗词，集诗、书、画于一炉，以精、气、神赋新格，终臻人画俱老之纯青之境。
【第8句】贾涤非的作品，不以观念设计和理性思考见长，突出的是艺术家的直觉与生命的自发性，而这两点正是原始艺术的特徵。
所有的原始艺术最显著的共同特徵是强烈的生命力。
正如亨利．摩尔所说：“这种生命力是人们对生活所作出的直率和迅疾的反应而形成的一种东西。
对这些人来说，绘画并不是一种计算或学术活动，而是一个表达强力的信念、愿望和恐惧的手段。
”贾涤非创造了一种直截了当的方式，以其率而强烈的情感。
自由的想象和敏感的形式，为我们打开了一扇纯洁的自然之门，在那爵我们对自己的生存若有所悟，增强了生活勇气与渴望。
【第9句】女性对衣服和鞋子有着天生的热爱和欣赏，彭薇自然也不会例外。
她画这些鞋子衣服，最初是惊叹于它本身的美，而后惊喜于以传统的中国纸、颜料和毛笔将其展现出来的文化蕴涵。
于是，彭薇画了一年时间的鞋子，又画了一年时间的服饰。
有人把彭薇的画喻作她自已的“私房画”，因为这些宣纸上的女鞋与服饰，象是古代某位大家闺秀或富家妇孺所有。
尽管绣印着钟鸣鼎食、恣意耽乐的富贵景象，但是，生命如烟，而今一切复归于黯然，空留一纸繁华。
读彭薇的画，似能体味到一种隐隐的追念。
这种追念，符合中国诗学对“过去的世界”的情感记忆，正如孟郊《秋怀》 “古骨失浊肉，古衣如藓苔”所描绘的意境那般。
【第10句】怀 斯安德柳·怀斯是美国20世纪最伟大的画家之一。
他描绘美国乡间自然风土人物的画作，以精致逼真的写实风格，表现了人与大自然的交流与调和，朴实的题材，引发人们怀念乡土与自然的情思。
雷诺阿雷诺阿是著名的印象派大画家。
他的绘画在追求光的感觉中，用鲜明丽透明的色彩，将古典传统和印象派绘画做了最完善的结合。
不论是丰腴的女人、天真的孩子童，还是阳光照耀下人浴女，在雷诺阿的画笔之下，都充满了温暖、鲜明、迷人的梦幻般魅力。
【第11句】张禹海是北京丹青语堂书画院院长，国家一级美术师。
青年时期拜著名金石书画家大康为师，擅长行、草、楷、隶、篆、甲骨文等诸书体。
书写长卷《金刚经》《道德经》等作品，书体各异、题材古典、内容丰富。
自创“多书体”，融汇真、草、篆、隶、行、楷、甲骨文等古今书体之特点于一幅作品之中，令画面具有统一、变化、和谐之美，是对书法艺术的创新与探索。
【第12句】中国山水画，笔驰太空，潜施造化，青穹无垠，万象森罗，宜其蔚然成为大科也。
徐公子鹤，籍隶姑苏，性恬淡，山水画却宗北派。
北方山水雄峻高厚，得气之正者，出笔便见刚健爽直，盖气禀之偶异所导致也。
子鹤山水画，出自南宋四家，颇多马远、夏圭，但他温婉了马遥父刻削峭厉之笔，洒脱了夏禹玉拖泥带水之墨，而清华淋漓的水法，乃发乎他江南水乡的吴人柔情。
他的山水画“南人北禀”，故其山也，石也，树也，云也，水也……磊落巍崎中有一股潇洒冲和之气，遂见脱颖，得在东南树一帜，子鹤山水为中外所珍重，绝非偶然。
“五岳归来不看山，黄山归来不看岳”。
【第13句】康殷先生学书从六朝楷书入手，一生临过众多各书体的碑帖，曾受到前辈徐悲鸿、王道源、容庚、商承柞、钱瘦铁、邓散木等先生的鼓励，经过终生不息地探索实践和锤炼提高，形成了“笔墨饱满和雄浑高古”的书法艺术风格。
他正、草、隶、篆皆工，但尤以篆书最为精道。
其楷书笃实庄重，行书遒劲纵逸，隶书古朴险绝，鸟兽篆精巧细腻和缠绵婉转，篆大苍古浑厚和豪放洒脱，这是书界所共同称道的。
【第14句】一个人怀念一座城市，多半是怀念那里的人。
就像国画《黎明》所表现的那样：晨曦中的江面上，透过花丛树影，几只错落有致的泊船和高低不同的远山，静静地躺在如镜的水面上。
渔火中，三两个人影在船舱里劳作着，像是在梳洗，亦像是早炊。
微风中，不时飘过来几声细语，夹带着欢笑和悦耳的婴啼。
心像山一样静，情如水一样深。
他的作品是在表现昼夜的交替，还是在借喻生命的轮回
情因人而异，景伴情而生。
天人合一，情景交融，宗其香寄情书画，可谓达到了极至。
他把自己融进了大自然。
【第15句】柯罗：在法国艺术史上，柯罗是19世纪最出色的风景画家，与17世纪的普桑及克劳德·洛兰同称法国三大风景画家。
柯罗的风景画朦胧而富有诗意，无论是早晨清新柔和的光线，还是黄昏洒满一地黄金的湖光山色，美丽的梦中桃花源景致都令人为之向往。
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国画的美感与欣赏 对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否看懂，他们的欣赏步骤是：画的是什么
画得像不像
画家画这种形象的寓意是什么
如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。
这种方法就是一种传统的讲故事的方法，他们对于绘画作品的欣赏往往过多借助文学性的描述。
那么，用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。
但如果是粗放的。
写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。
当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。
但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不是以像或不像来衡量的。
就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。
应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。
像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。
因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。
那么，画家们是怎样来看画的呢
就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其神韵，或者神似，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。
最后才看它的造型，即像不像或形似。
内行人的这种抓神韵的欣赏方法当然是抓住了实质，因为神韵就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们的追求达到的目标。
当然，一般的人要从画中去体验到一种神韵却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种感觉。
所以要很好地欣赏绘画，还得具备多方面的才能和艺术修养。
但是，如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些。
有人提出，艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的。
审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的是什么
画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。
第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。
即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。
这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。
我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么
是怎样表现的
所采用的艺术手段是否恰当
能否充分地表达出主题
同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。
再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。
到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。
就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、主活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。
这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏绘画才获得了真正的意义。
青少年朋友们不妨用这种方法去欣赏中国画（或其他绘画），认真试一试，看能否有所收获。
