红高粱电影的 影评
“我给你们讲的是我们家乡那块高粱地发生的神奇事儿。
” ——影片《红高粱》开始时的第一句旁白 《红高粱》给我的总印象，集中到一点，就是充分地全力地表达了影片作者对原始生命力的崇拜。
这是一部带上张艺谋强烈主观意念的影片，应看做是一部较典型的作者电影。
在《红高粱》中，张艺谋对原始生命意志、生命力之不可抗拒的赞颂与褒扬，堪说达到了无以复加的极致，达到了几成精粹的出神入化的地步，这就是一种五体投地的崇拜境界了。
首先是对性的神力的崇拜。
在“颠轿”一场戏中，从表层来看，它是偌多抬轿的粗野壮汉对花轿中一位红装红盖头新娘的戏谑式恶作剧；但从深层来看，它既是几条赤膊壮汉面对新娘九儿的魅力所萌动的性的潜在欢悦与渴望的自发宣泄，又是对九儿面临不合理不人道的两性结合却又爱莫能助的悲凉、怨愤之情的自发发作。
而惟一能使这一载歌载舞的“颠轿”迪斯科从疯狂的顶点戛然而止的神力，不是别的，正是轿中九儿的几声哽咽的啜泣声。
编导在这一情绪与节奏的转变点中，把这群粗野壮汉内心合乎人伦天性的美好性灵洞悉与烛照出来，是影片开始首先打动人心的点睛之笔。
这一节奏休止造成的情绪落差，确定了九儿在野汉们心中实际占据的真正神圣的地位，是影片对性的神力崇拜的一个明证。
而在这群抬轿壮汉中，又惟有“我爷爷”余占鳌，以其更加强烈的受性的神力驱使的生命意志力，敢于把自己内心的骚动与渴望一一付诸外在的实际行动——比之于其他壮汉，余占鳌确实高出一筹，是名副其实的独占鳌头——凭着九儿曾给他的一个美目顾盼，以至于接踵而来的杀夫、劫妻乃至高粱地里的交欢野合，都成了一桩桩不再是施暴施恶而是全部顺理成章的一揽子“仁”事美差了。
这里的“仁”，不能以狭隘的法的定律为准绳，而必须从更加宽泛的自然与原始的生命定律——种的良性繁衍与发展、种的优胜劣汰中去寻找；而这里的“美”，自然是进行了艺术的选择与渲染的电影美（如略去了“杀夫”的直接描写等等）。
当银幕上展现九儿痴迷地后倾倒地的诗一样朦胧的近景，余占鳌跪在那方倒伏高粱空地上的呈红色“大”字状展开的九儿身前的俯瞰大远景（这里干脆是一个宗教式性崇拜、生殖崇拜的肃穆仪式了
）以及逆光中红高粱影影绰绰在丽日和风中摇曳的动态空镜，可说是把影片对原始生命力的崇拜在此情此景以及情景交融的铺绘中推到了艺术美的制高点——不过反观影片，张艺谋实在应当在此处把文章的浓度做得更足一点，以使这一“天作之合，地成之美”的红高粱地交欢场面，华彩乐章般地达到更其神圣化的境地
其次是对死的神力的崇拜。
在《红高粱》中，张艺谋要展示我们的人生图景是：这些十八里坡人，他们男欢女爱，活得自由自在，活得痛痛快快；而为族仇国耻，他们也一定奋起抗争，报仇雪耻，哪怕是为此而死——而死，也是要死得自由自在，死得痛痛快快
生死爱恨之两极，相反相成而一致。
确实，这些人说死就死，那个李大头、那个冒充“秃三炮”的路劫者等等，似乎是死得那么容易、那么轻松又那么无声无息。
这里自然不是指这些消极意义的死。
而那些有积极意义的死、那些为反抗外族入侵而就义之死——无论罗汉大叔还是九儿乃至“秃三炮”之死于日本侵略者的屠刀与炮火之下，都成为壮烈牺牲之死、震慑人心之死
为此，张艺谋在影片中不惜让人接受血淋淋的感官刺激，并让牛的被屠宰与人的被屠宰之均成牺牲做了强化对比。
对此，我们当不能表面地视之为在对“牺牲”一词做其概念本义的训诂图解，而是内在地在隐喻牛的牺牲与人的牺牲之不可同日而语。
影片的结局使嗜血成性的日本侵略者明白：牛是在沉默中被屠宰而成牺牲，人则在爆发的反抗中成就自己的牺牲，并将与屠宰者同归于尽。
这一表现，也最终成为了对死的神力的证明。
第三是对酒的神力的崇拜。
被美其名曰“十八里红”的高粱美酒，其品格在被重复唱过两次的《祭酒歌》中得到了最高的褒奖：“喝了咱的酒，滋阴壮阳口不臭……喝了这咱的酒，见了皇帝不磕头……”而余占鳌正是在一醉方休的酒的神力中，把自己同九儿在高粱地里的私情一吐为快，并在十八里坡人中自古至今传为美谈的——红高粱酒的神力，就是十八里坡人的狂放不羁的神力；红高粱酒的品格，就是十八里坡人的自由自在的品格。
一四七，三六九：九儿，这个十八里坡的惟一女性，不正是在她入主十八里坡酒坊为掌柜的那一刻，向酒坊众伙计们第一次宣布了自己的小名就是“九儿”（酒儿）吗
酒与人，其神力与品格之所以一致，就因为两者都诞生于红高粱地。
十八里坡人以酒为氛围，十八里坡人以酒为依托；酒弥洒在十八里坡的人群中，酒成了十八里坡人调节与强化人际感情关系的催化剂。
说穿了，影片对酒的神力的崇拜，就是对十八里坡人的神力的崇拜。
《红高粱》以对性、对死、对酒的神力的崇拜，表现了对人的本性中最基质的精神源泉——原始的生命欲望、意志即生命本质力量的崇拜；它在影片中得到了摧枯拉朽、恣肆汪洋的充分展现，使影片不同凡响地“游乎逍遥放荡纵任变化之境”1。
这是当今中国影片的一次破天荒的尝试与探索。
我认为，影片得以在国际影坛赢得共鸣与一致喝彩，正是在这一点上；它断不是用“愈是有民族性就愈有世界性”一言所能概括的。
注释： 1 借用王先谦对《庄子·大宗师·八》之“（汝将何以）游夫遥荡恣睢转徙之途（乎）”一句所做的译文。
红高粱：那片地里的十九岁 截断百年沧桑，第五代中国导演坚决地改变了我们今天所处的世界。
1988年，柏林，金熊奖颁给一部符号感强烈的作品——红高粱，红色中国的电影首次在全球四大电影节中获奖，自此一发不可收。
那年我们矿山的厂子里没有像样的电影院，职工俱乐部能放，空间有限，最后用头顶上安了大锅的的差转台把片子播到宿舍区千余户电视机上。
破频道死活调不清楚，一会儿是雪花一会儿没声音，而懵懂少年的我已经能看懂电视里的译制片了，那次没头没尾的观影今天想来竟然完整而清晰。
厂子放红高粱是众望所归的结果，因为之前相当长的时间里它一直是叔伯们的谈资。
说是红高粱在县里已经放了，有人看了，根本没有什么三级和剥皮的镜头，就有人反驳说，那是被剪掉了，没有那些东西怎么到外国拿奖。
三级说的是姜文把巩俐抢到地里，掰折大片高粱，巩俐朝天一躺，姜文跪她脚下，一时间镜头摇曳，高粱起伏，唢呐齐鸣，残阳如血——剪掉的部分一定很三级，没准四级五级都有了。
剥皮的时候电视机及时准确地糊满一片雪花，我听到撕裂的惨叫和“x你姥姥”，心下大乐，小男孩听到粗口总是很兴奋。
暗暗感激把黄色部分剪掉的人，因为这样我就不用因为害怕和害羞而闭眼了，身为男人，不敢如何如何实在是很丢人的。
很多年以后，好赖窝的“天兆”开始学姜文的样糟蹋庄稼，英吉利试着在大众影院放沾汤挂水的“九歌”，法兰西也有毛茸茸的“fxxx me”，血淋淋的画面在全世界都不算稀奇。
而我一直没有再看红高粱，传说中的删节，我一直相信它们的存在，也许会带着这信念老去。
很多年以后，内地放的电影还是常常被剪，不光剪黄色，还剪绿色，不光剪剧情，还剪台词，剪到不知所云，剪到颠倒结局。
要说香港的电影人还真聪明，故意剪成挨骂的德性，让市场替他们喊冤。
很多年以后，那位一鸣惊人的谋导活跃至今。
有人说他靠造星红火，他就全部群众演员；有人说他损中国形象，他就拍最美的武侠给世界。
意大利歌剧，日本车广告，他其实在那征服自我，不鸟咱们褒贬的。
很多年以后，有人真拍出个号称“五级”的电影，可惜内容连三级都够不上。
那导演跟谋导老熟了，曾经一个导，一个摄，弄出黄土地，大阅兵。
等谋导自己导红高粱的时候，摄影是顾长卫，录音是顾长宁，这哥俩就是俩金鸡奖。
很多年以后，顾长卫成了导演，把我童年的点点拍成了电影，柏林很给他面子；顾长宁给姜文导演的电影录音，姜文在戛纳也很有面子。
包括帅导在内的他们，被称为第六代导演。
第五代第六代聚聚一堂，个个板着脸，有个很胖的老头往桌上画线说，第五代负责赚钱，第六代负责拿奖，谁也不许欺负谁。
很多年以后，喝了咱的酒卷起的黄土风，n多好嗓子只剩田姐姐笑语依然，圆滚滚的脸蛋越发年轻，开口就唱“有没有免费的爱情可以下载”，受到从我老妈到班上小女生的爱戴。
野性的赞歌 伴着低沉的男声，一段独属于这块的土地的悲歌缓缓升起。
十八里坡上，满是高粱，象征着勃勃生机，也象征着中华民族的威武不屈。
在夕阳的斜照射下，大战后的十八坡伴着一抹血色残阳。
但也是这抹残阳，染红了整个坡，高粱在成了红色海洋的一者。
它们预示着，生命的崛起，爆发的抗击仍将继续。
《红高粱》中，由迎亲引出了奶奶，为了换一头骡子，曾外祖父把她嫁给一个麻风病人。
迎亲路上窜出一个劫道的，轿夫结果了劫道人。
后来，他成了爷爷。
日本鬼子来了。
他们为了修路，用刀逼迫乡亲们，残害义士，高梁地里发出怒吼声,终于，爷爷和众伙计冲向日本军车，日本军车炸飞了，奶奶死了，伙计们也死了。
只留下爷爷和爹，整部影片有爷爷奶奶，相遇、相爱、相互扶持的情感过程构成。
通过他们对世俗的抵抗，最终相守，再到最终奋起反抗日本侵略。
表达了作者对这片荒凉的土地上，这段不畏世俗可歌可泣的爱情的歌颂，对那种独属于这片土地无拘无束的野性的赞颂，更表达对中华儿女坚忍不拔、顽强不屈的品质的称颂。
全片其实就是作者对原始生命力，无可名状的崇拜。
奶奶和爷爷是整部影片的灵魂人物，是与高粱一样，充满生机、敢于反抗的代表。
奶奶被贪财的外曾祖父卖给了麻风病人，她是个不屈服的女人，但作为女儿，她顺从了父亲的压制。
而在轿子中，她偷偷藏了把剪刀，为的是不让麻风病人沾她的身子，在结婚的第一天晚上，她就拿起剪刀向病怏怏的丈夫丢去。
她也是个希望追求到属于自己幸福的女人，在轿子里她偷偷地看轿夫，爷爷威武的身躯吸引了她的目光。
这其实是一种性的暗示，是符合大自然最原始的优胜劣汰的法则，也为高粱地里的野合提供铺垫。
但最重要的，是奶奶的明大义。
当看到罗汉大哥的凄惨情形后，她带着孩子与伙计们祭拜他，激励爷爷与伙计们为他报仇。
这不仅仅是个人恩怨，更是对日本侵略的一种反抗。
这是当时农村女性有较大区别的形象，她的大义凛然给人留下深刻的印象。
爷爷是个充满责任感的人，劫匪强劫奶奶时，他是第一个冲过去解救她的，是作为轿夫保护新娘应尽的责任。
从那，奶奶不禁被他的身躯、外表吸引，也深深地被他的内心所打动。
他是一个勇猛的人，知道心爱的女人别土匪抢走，他勇闯虎穴，巧妙地接近土匪头子，在突然给他个措手不及。
为了他的女人，他似乎可以把性命置之度外，不顾及后果。
最终连土匪头子也被他的汉子性格所震撼。
真正让奶奶深陷情网，敢于冲破封建礼教的，是爷爷独有的野性。
从土匪那回来后，他大闹酿酒厂，先是撒尿，再是将蒸炉里的高粱用力地全挑出来。
这都展现了他男性的阳刚，繁衍所必备的健壮。
最终，奶奶被他征服，但他再去抱她时，她没有反抗，也不顾伙计的看法，一心随了他。
这一次，是超越欲望的灵魂上的结合。
当大战日本人后，看到奶奶的离世，爷爷一动不动，夕阳将他映照在红色只下，从他的眼中，能读出悲凉与仇恨，但更多的是对奶奶深沉的爱。
影片中最令我影像深刻的戏，说来好笑，但确实是那场，爷爷奶奶在高粱地里第一次野合的戏。
奶奶看清蒙面人是爷爷，就不动了，她似乎从爷爷镇定的眼神中看到了什么，或者说她在此时就已经屈服了。
她在那时，就已经鼓足勇气将年轻的身体给予爷爷，无论有没哟结果，她都希望将自己奉献给喜爱的男人，即使这中野合为世俗所不容。
爷爷焦急地把高粱扯去，铺在地上。
这象征着最原始的繁殖即将开始。
接着奶奶痴迷地后倾倒在地，同时还流下了多种感情交织而成的泪水。
爷爷跪在那伏倒的高粱空地上，奶奶呈红色“大”字状展开 ，这仿佛是一种肃穆的交配仪式
太阳下红高粱影影绰绰，在丽日和风中摇曳，影片对原始生命力的崇拜在此时达到了艺术美的至高点。
这已不是简单的交欢场面，而是导演通过委婉的衬托，将人性中至真至纯的一面，用华彩乐章达到神圣化的境地
表达作者对根植每个人心中的野性的呼唤。
影片对细节的拿捏很到位，很好地展示了人物的内心，也结合了主题。
罗汉大哥离去时，突然改口，从前叫奶奶为“掌柜的”，但在那一刻却叫“九儿”，这点明了罗汉大哥对奶奶独特的喜爱。
也表明罗汉将真正地离开奶奶，投身于另一件事情。
为下文，罗汉加入红军积极抗日，最终被敌人捉获，凄惨而死做了铺垫。
当罗汉被施以剥皮时，整个场面肃静起来，奶奶捂住了爹的眼睛。
细微的一个动作，表现了母亲独有的敏感，但奶奶的眼睛却仍然盯着罗汉大哥，她要看清日本鬼子丑恶的面貌，唤起自身属于高粱地的血液，激起对日本卑劣行径的反抗，又为后来奶奶祭拜罗汉大哥，呼吁男人们去炸日本人的车，做了很好的铺垫。
通过这一个个细节，整部电影如珍珠般串联起来，突显了高粱地上，人们不屈的精神。
作者在创作整部影片时，还是保留了较强的个人风格和主观意识。
多用固定镜头，表现任务变化的过程。
促使观众沉下心来观看。
影片在表现奶奶时，多处运用近景，当爹在酿酒缸里窜来窜去时，不停地喊“娘”，奶奶露出了幸福、温馨的微笑，随即她看到远处的一个身影，侧光打在他身上，勾勒出罗汉大哥瘦弱的身形，在金黄的光边，环绕在他身边，却预示着狂风暴雨的到来。
奶奶赶忙去追，爷爷满脸的怅然疑惑，逆光从他背后射来，将他显得更加忧愁，他好象看到了些什么，似乎危机正在逼近，就如同光一样压在他身上。
继而引出日本人摧毁的到来。
陕北的民歌、歌谣，始终贯穿在影片中，成了不可缺少的情节推进器。
当伙计们第一次在奶奶面前酿酒时，唱起了《酒神曲》：九月九酿新酒好酒出在咱的手好酒，喝了咱的酒上下通气不咳嗽，喝了咱的酒滋阴壮阳嘴不臭 ，喝了咱的酒一人敢走青刹口，喝了咱的酒见了皇帝不磕头，一四七三六九，九九归一跟我走，好酒好酒好酒。
曲调高昂，充满激情，有一种张扬，显现了高粱酒的醇烈。
而当第二次唱起这支曲时，是在祭罗汉大哥的时候，此时的歌曲就变得凄哀悲凉，又透出一种反抗、执着，表明男人们将要为他报仇而放手一搏。
爷爷也有两次唱“妹妹你大胆地往前走……”第一次是在交合之后，还带有一丝男人征服女人后所含有的胜利的喜悦，一种肆无忌惮。
而第二次是在奶奶被打死后，爷爷面无表情的歌唱，仿佛是在送爱妻魂归西天。
是一种情到深处的肝肠寸断。
影片的故事情节设置巧妙，环环相扣，但是在前面爷爷奶奶相遇的叙述上过多，导致后来日本侵略的情节加入时，显得有些突然，头重脚轻，爱国的情感就无法充分的表现出来，也不能通过层层铺垫，渲染出高粱地上乃至全中国人民，所共有的坚韧执着、坚强不屈的精神。
如果能多做些铺垫，将能有效地卒章显志。
在血色残阳下，整片高粱地都成了血红色，那是日食所代表的悲哀，那是被鲜血映红的高粱，那是爷爷、爹痛失爱妻、母亲的伤痛，是作者对高粱地上人民最崇高的礼赞。
高粱被践踏了，但还有许多高粱在疯长着，那是华夏民族旺盛的生命力，生生不息的文明，是爷爷身上带有的狂野。
爷爷的狂野是原始的、野兽般的狂放，不仅是男人生命中最真最核心的特点，还是中华儿女，能抵住侵略，奋起发抗的基础。
作者通过这部影片，呼唤人类天然的本性，刺激人们对勃勃生机的追求。
作为普通人，王怡身上体现了哪些美好的人性
王书亚(王怡）影评集2011-12-29 | qiuye286 | 转藏(46) 眼目的情欲，和今生的骄傲：电影《黄金甲》王书亚张氏电影的旨趣其实一以贯之，从《红高粱》到《黄金甲》，浓墨重彩，你用《圣经》中的一句话可以概括，世界上的事，就是“肉体的情欲，眼目的情欲，并今生的骄傲”。
换成佛经中的句子，就是“怨憎会、爱别离、求不得”。
只是在80年代启蒙的光芒下，情欲在审美上先被浪漫主义化，再被意识形态化。
在一个自由匮乏的年代，高尔泰先生说“美是自由的象征”。
这话使无数灵魂饥渴不已，无数主题亟待升华。
于是对那些戴眼镜的人来说，情欲差不多就等于人性，而人性差不多就等于反专制。
一个叫杰姆逊的外国人也积极鼓吹，说第三世界的电影都是“民族寓言”。
眼目的情欲，就这样被一个时代壮了胆，被赋予自由化的盼望和联想。
谁在诗歌中写下“乳房”，谁在艺术史上就有票房。
谁敢拍乱伦，谁就是第五代导演的旗手。
很久以来，张艺谋就这样被活活地误会成一个知识分子。
这些年随着巨大的商业成功，张艺谋开始在公众形象中转型。
戴眼镜的人们惊呼其为背叛，其实人家从没偏离过一生的主题。
只是时代高歌猛进，在一些人眼里，“乳房”终于和革命无关了，而在另一些人眼里，也竟然和反革命无关了。
情欲被政治化的年代，人家乐此不疲，看起来像一个知识分子；情欲被商业化的年代，人家乐此不疲，看起来却开始像一个流氓。
崔卫平女士说得对，张氏电影从来就没有过价值关怀。
这是知识分子中少数不戴眼镜的明白人。
《英雄》中的帝王“天下”观，让大家发现张的思维水准，竟然落后于启蒙时代20年。
《十面埋伏》是他的一次调整，刻意回到意识形态的零点。
而《黄金甲》则是一次雄心勃勃的进军。
这一位是极聪明的人，在情欲与政治之间擦边，在票房最大化与政治正确之间拿捏分寸。
就此而言，《黄金甲》一片达到了张艺谋迄今为止个人梦想的巅峰。
你以为他的梦想是拍《活着》那样的电影，只是你一厢情愿。
他的梦想就是《黄金甲》，因为眼目的情欲，和今生的骄傲，就是一个摄影师的最高理想。
张艺谋的本质是一位摄影师，不是导演。
摄影师的梦想，是将天下的欲望都写在镜头上。
就像演员的梦想，是将欲望都写在脸上，而不是写在胸脯上。
就这两点而言，汉人真没有比张艺谋和巩俐更厉害的角色。
一个荒诞的可能是，如果时代依然保存着将《黄金甲》作为民族及政治寓言的精神氛围，如果这部电影早在15年前拍摄，所有知识分子都将起身鼓掌，在漆黑的影院向张艺谋致敬。
《黄金甲》将人的罪性不再归于政治，而归于普遍的人性。
仅此一点其实超越了《雷雨》。
曹禺的阶级分析眼光，把乱伦与革命捆绑在一起，那是张艺谋20年前就轻车熟路的一套。
对皇权专制主义的残酷描写，和恶俗的审美观，恶俗到一个地步，接近了反讽。
菊花台的大屠杀，赤裸裸的权力争夺，罪从一人入了世界，毁灭整个皇室，家宴变成国觞，专制成了盛世。
尤其是广场上的政变，血迹被轰轰烈烈地清洗之后，那仰拍的升天礼花，观礼台上如颂歌般大合唱。
反讽的意味如此鲜明，联想的空间如此逼仄，每个40岁以上的观众，都不会承认这只是一部商业片。
故事选在残唐，我甚至怀疑编剧读过陈寅恪的《唐代政治史述论稿》。
关陇集团主宰隋唐政治，藩镇割据瓦解中央集权。
这样的循环在中国史上不断反复。
电影中菊花台的那一场屠杀，无疑是对“玄武门之变”的放大。
西元626年发生的流血冲突，以残酷的政治逻辑带出辉煌的贞观盛世。
陈寅恪说，初唐发生过4次宫廷政变，每一次的成败都取决于玄武门前的政治革命。
一个貌似强大的帝国，它的安危竟然反复系于宫城外的一箭之地。
张的电影几乎遵循了古典戏剧的三一律，情节发生在大致24个小时以内，每个时辰都有宫廷的报时，以洗练的语言，蕴含了整整一部二十四史。
独裁者的骄傲，让其余人变成了团体操。
一个人高于人的地位而成为假神，一切人低于人的地位而成为奴仆。
周润发饰演的帝王对王子说，“天下万物，朕赐给你，才是你的。
朕不给你，你不能抢。
”中国的银幕上，实在没有更精彩的对白，对独裁者的情欲与骄傲，有过如此刺骨的临摹。
你会想起周润发当年饰演的小马哥(《英雄本色》)，那句同样经典的台词，“我失去的东西，我一定要亲手拿回来。
”成王败寇，我们这一辈子，都活在别人的这两句狠话之间。
可惜进电影院的年轻人，不可能再当它是个寓言。
在贴满“做女人，挺好”广告的年代，波涛般的丰胸，除了眼目的情欲，已经载不动，许多思想。
商业电影的模式，就是立于一个价值上政治正确的基点，然后以商业化的技法与严肃的主题擦肩而过。
张在《英雄》上跌了一跤，不知道这个时代的“政治正确”已经换了下半场。
如今他与日俱进，改换了门庭。
但仅此而已。
张艺谋的狡黠就在这里，我给你一场大屠杀，戴眼镜的人各自去叹息，年轻人爱拼才会赢。
色情与暴力再次暗度陈仓，人家可不打算在道德上对这个社会负任何责任。
中国第五代导演有哪些
代表作品
以及他们的创作特点是什么
1. 陈凯歌导演的《黄土地》讲述抗战期间，八路军的文艺工作者顾青从延安到山区采风，寄宿一贫苦的农家。
其女儿翠巧因葬母和为弟弟订婚，收了一个年龄比她大很多的男人的彩礼，订了娃娃亲。
顾青带来的新生活信息，使翠巧萌发了新的憧憬。
这种憧憬，使她最终逃出夫家，夜渡黄河，投奔八路军。
《黄土地》的成功在于它仅仅把故事当作外壳，它通过超时空的开拓，抒发了作者对土地、对人民的赤子之情。
影片中许多非情节非人物的造型因素，如广阔天垠、气势磅礴的黄土地，安详博大、气象万千的黄河形象，甚至许多风俗民风的描写，例如鼓乐齐鸣的迎亲队伍，150人组成的腰鼓阵，烈日炎炎下的求雨场面，都和人物紧紧结合在一起，成为整个银幕形象的重要构成。
影片在摄影、色彩、造型、构图等方面也出了大格，然又无不内蕴深意。
《黄土地》以土地、民俗文化与人物的三者统一，以叙事因素、隐喻因素、抒情和哲理的三者统一，表现了陕西高原古朴、苍凉、深厚的民风，表达了创作者对民族特性、农民命运的思考。
影片获1985年金鸡奖最佳摄影奖；获1985年瑞士第38届洛迦诺国际电影节银豹奖等6项国际奖。
2. 这时期被称为探索电影的还有陈凯歌导演的《孩子王》、吴子牛导演的《喋血黑谷》、田壮壮导演的《猎场扎撒》、《盗马贼》等。
3. 九十年代以后，中国电影家的艺术探索更趋多元化。
陈凯歌拍出大异于以往风格的《霸王别姬》。
影片借助于几位京剧演员人生、命运的曲折展现对人的生存理想与现实存在着的永恒矛盾做了哲理的探索与阐释。
影片因其娴熟的艺术技巧及内蕴的丰厚的东方化的人文主题获法国第46届戛纳国际电影节金棕榈大奖等8项国际奖。
张艺谋 张艺谋(1951- ) 1982年毕业于北京电影学院摄影系。
最初担任摄影。
他在《一个和八个》、《黄土地》、《大阅兵》中的摄影，以追求画面造型的力度和象征性，而广受赞誉。
1981年独立执导《红高梁》，之后连续导演了《菊豆》、《大红灯笼高高挂》、《秋菊打官司》、《摇啊摇，摇到外婆桥》、《有话好好说》等作品。
几乎所有作品都入围国际重要电影节，有的获大奖。
张艺谋的作品的突出特点，是那种对中国传统封建意识的深刻认识和强烈的批判精神，是内蕴其中的浓烈的历史感和生命意识，是古朴民俗的奇特景观。
张艺谋电影在风格和语言上不断探索、创新，代表了新的电影潮流的崛起。
张艺谋导演的影片： 1. 八十年代末期以后，中国电影市场的急剧变化，使得曲高和寡的探索片难以为继。
中国的中、青年导演在艺术追求上走向分化。
部分导演拍出了探索性与观赏性相结合的影片。
其中，黄建新导演的《黑炮事件》、张艺谋导演的《红高粱》是最有代表意义的作品。
《红高粱》以崭新的艺术形式，描绘了中国二、三十年代一伙农民古朴、野性的生活和他们与侵略者浴血奋战的过程。
影片的剧情构成极具戏剧性，通过人物塑造赞美生命的自由。
爱就真爱，恨就真恨；大爱大恨，大生大死。
情节曲折跌宕，出人意料之外，但其电影语言又是探索片所固有的。
明快、紧凑、张驰有度的节奏，画面、色彩、光线及其所构成的视觉形象，生动，浓烈。
影片获1988年第8届金鸡奖最佳故事片奖，获1988年百花奖最佳故事片奖，获1988年西柏林国际电影节大奖--金熊奖等8项国际奖。
2. 九十年代以后，中国电影家的艺术探索更趋多元化。
张艺谋拍出了完整纪实风格的《秋菊打官司》。
影片借一个民告官的故事，赞颂了小人物的自尊、自强、自信，赞颂了法制观念的觉醒。
影片获1993年金鸡奖最佳故事片奖、1994年百花奖最佳故事片奖，并获意大利第14届威尼斯电影节金狮奖等3项国际奖。
吴子牛 吴子牛(1953- ) 1982年毕业于北京电影学院导演系。
吴子牛的代表作基本都是属于战争题材的作品。
其中有《喋血黑谷》、《晚钟》、《欢乐英雄》、《阴阳界》、《南京大屠杀》。
吴子牛创作的一个重大特色，便是对战争的思考。
战争与人的关系，消洱战争，呼唤和平，是他创作的母题。
在《喋血黑谷》中展现的是战争氛围中面临生死的心灵搏斗；《晚钟》则以人性的真诚，抚摸着战争给一切人留下的累累伤痕；《南京大屠杀》也不单纯的去写日本侵略者的残酷，而是贯注了在这场战争中，中日两国人民都是受害者、从人性高度俯瞰战争的立意。
吴子牛的作品风格独树一帜，在外观的严峻、粗犷中，蕴含情感的绵绵细流，深沉、凝重，充溢真诚与诗情。
他的大多数影片均获得国际、国内的奖项。
吴子牛导演的影片： 军事题材巨片有1995年叶大鹰导演的《红樱桃》和吴子牛导演的《南京大屠杀》。
这两部影片都以反法西斯战争为主题，它们的共同点是将战争作为背景，着力于写战争中人的命运，战争带给人民的苦难与难以弥合的心灵创伤。
(1977-1997)，这时期被称为探索电影的还有陈凯歌导演的《孩子王》、吴子牛导演的《喋血黑谷》、田壮壮导演的《猎场扎撒》、《盗马贼》等。
田壮壮 田壮壮(1952- ) 于1982年毕业于北京电影学院导演系。
先后执导影片《九月》、《猎场扎撒》、《盗马贼》。
田壮壮创作的突出特点是影片对人的心灵，对大自然的关注。
《猎场扎撒》中对朴素淳厚的蒙古族习俗的歌颂，对辽阔壮美的大自然景观的展现，表现了创作者心目中天、地、人之间和谐、平衡的理想境界。
《盗马贼》从人类生存和心理的需要探求了人与宗教、人与自然的关系。
田壮壮影片叙事的模糊、哲理的饱满，情感描写的细腻流畅，形成创作上的别具一格，同时也造成与多数观众的疏离。
田壮壮后来拍摄的《鼓书艺人》、《摇滚青年》、《大太监李莲英》在影 片风格上有较大改变。
黄建新 黄建新(1954- ) 于1983年毕业于北京电影学院导演进修班。
1985年以处女作《黑炮事件》震动影坛。
其后，陆续执导《错位》、《轮回》、《五魁》、《站直罗，别趴下》、《背靠背，脸对脸》、《红灯停，绿灯行》、《埋伏》等。
多部影片在国际国内评奖中获奖。
黄建新不同于其他第五代导演的创作特点是，他的目光几乎都注目于城市，关注现实，关注青年；影片的主题总是直面人生，表现出对社会的使命感与责任感。
影片中的人物往往是生活中普通人，致力于对他们性格、心理的剖析。
黄建新的艺术手法朴素、平实、自然、沉稳，注重生活化、写实性，以小见大，以平见奇。
自《黑炮事件》开始便有的冷静的幽默与戏谑，一直贯穿于他所有的作品中。
他的作品在第五代导演中间自成一道风景。
求几段关于电影<英雄>和<孔雀>摄影的评析!
顾长卫作品《孔雀》之意义，至今还没有人指出。
在柏林的时候，这位外表木讷的摄影师，谦逊地向德国人表示自己碰到了好剧本。
其实他超出了曾与之合作过的任何大师。
他自己正走向大师。
而在他之前，中国大陆根本没有出现过大师。
我的个人观点：华语电影的大师一直在台湾。
有首歌谣也许听过，被传诵在《孔雀》描写的那个年代：报告司令官，我老婆在台湾，没有裤子穿，捡了一块布，缝了个三角裤。
就是这样一个台湾，八十年代初开始了电影新浪潮运动，出现了杨德昌和候孝贤两位影像文化大师。
当时台湾流行着功夫片、琼瑶爱情片和军教宣传片。
他们的出现，使一种电影成为台湾几十年间历史及社会变迁的一个注解、一份见证。
个人成长的故事里隐喻着集体成长记忆的主题。
顾长卫的《孔雀》似乎开始了这样的隐喻。
如果看过杨德昌的《一一》的人，甚至会觉得《孔雀》背景音乐的风格和出入方式，以及某些场面的剪辑，与《一一》颇为相似。
这不是贬低《孔雀》，把它与戛纳电影节的获奖影片相提并论，并不丢份。
陆川这个电影圈的后生小子去拿金马奖的时候，想的是去台湾与杨德昌谋一面，可见这位台湾导演对电影科班生的影响力。
原本我们大陆的观影者也该从影像里经历一些变化。
二十多年来中国社会的巨大变迁给无数个体带来频繁震荡，震荡之下形成纷乱的人生细流。
第五代的电影工作者理应与台湾同行一样，呈现人生细流表现人性江河——不积细流无以成江河——但一切被忽略和遮蔽了。
从1988年著名的《红高梁》起，便开始走向了虚幻的浪漫主义。
那时我们还以为发生了中国电影的文艺复兴运动，其实仅仅是场面和情节上的低层次鼓噪。
这种风格如今仍存活、残喘、延续在电影奇才张艺谋的影片里。
依旧是夸张的情感、杂耍的情节、媒俗的场面，今天的《十面埋伏》只不过是技术上稍加精良的十多年前的《红高梁》。
戏剧性的事情是：当年《红高粱》的摄影师——可能将被后人称作后第五代的顾长卫——许多年以后才拍摄了中国大陆首部大师级电影作品——印有电影事业管理局公映许可证的《孔雀》——中国电影的文艺复兴，一下子晚了十七年。
看电影时第一遍的感受最重要，也最直接，犹如与美好恋人的头一次见面。
把《孔雀》介绍给周围的人看，自己一旁再看，不知不觉看了四遍，这是在解读电影了，与初恋的情人已混得相当熟，起初愉悦的感觉快要消失殆尽了。
然后去天涯的独立电影、去西祠的后窗、去网易的电影版区，拜读高手与俗手的读解，无疑这是在糟蹋这部电影了，与恋人上了床，已经是满眼不堪三月暮。
在河南安阳街头的菜摊子跟前，在一堆红艳艳的西红柿的陪衬之下，她的情感在压抑中释放，在宣泄中哀伤。
我也情不自禁悲从中来。
看到卫红姐与初恋情人街头偶然相遇——对面相逢不相识，笑问客从何处来——这个段落，以及紧接下来的孔雀开屏，才觉得顾长卫终于找到了想要述说的事情，影片的高潮到来了也就结束了。
回首青春只有万般无奈，往昔的热情连点余温都没有留下。
青春与世俗总归是格格不入。
青春过后，上面的灰尘一定会很厚。
同学毕业前语重心长之语犹在耳畔：电影终归是电影，不要太迷恋呵。
是啊，正如青春终归是青春，不要执著太久。
手风琴和降落伞都是梦想的象征物和代名词，沸腾的开水壶才是世俗生活。
年轻的姐姐看一眼开水壶而不加理睬，是个错误，不实际必将失败。
她想当伞兵是少女的罗曼蒂克在起作用。
两个女配角中单纯的胖姑娘当上伞兵，是胖姑娘那个诡计多端的姐姐在起作用，是利益的主动出击，是河南人的市侩主义。
卫红姐善意的心计再多，也敌不过世俗的力量。
她只能导致干爸摸电门，虽然干爸在她的感召之下，曾经翩翩起舞。
尽管那是一段相当不错的热情的朝鲜舞，尽管那是一段久违了的青春之舞，然而青春就是狐狸精。
热情就是害人精。
干爸的自我觉醒、神采飞扬，也只在一瞬间迸发，通常我们把这叫：找到感觉了。
他的家人不会理解，在他们眼里，这是勾引惹得祸，理应代表世俗的力量去痛殴高卫红。
卫红的妈妈不理解女儿，时常抬起紧绷的下巴，用疑惑和冰冷的眼神打量姐：你以为你是谁
啥都看不上眼
这样的眼神，我们每个人年轻的时候都遭遇过，大人们搞不懂小孩到底在想什么。
我们都曾经与俗尘格格不入。
顾长卫这部忧郁潮闷的影片，还是给了青春一些亮色。
夏日的午后，阳光照射在楼顶之上，树叶被风吹得簌簌作响，伞兵好象和云朵一起从天而降，飞机的轰鸣声渐渐远离。
手风琴和钢琴配合画面情绪来回地交替，一会儿拉长一会儿跳跃，时而梦幻般舒缓时而爱情般明朗。
高卫红自制降落伞，并系在自行车上飞翔的那个片段，近乎疯狂，可以看做是青春的礼赞。
有人说换斯皮尔伯格来导演，一定会让她的自行车飞起来，就象《E.T外星人》那个著名镜头。
其实顾长卫已经很出格了，已经够浪漫了。
早有聪明的看客质问了：在物质匮乏的年头哪能缝制这么漂亮奢侈的降落伞
那得多少布票啊
由此知道，中国的电影观众从来不容许挥霍意念，这就想拽顾长卫一把，让他跌个重重的跟头，就象导演让卫红妈妈奋不顾身地把卫红拽下来一样。
那个全家打蜂窝的细节，是个高度凝练的诗意化场景，也只有电影才能够做到。
换用文学手法无法表达，只能是一个句子：高家一家人在打蜂窝煤的时候，一场急雨把一切都淋湿了。
电影中的场面却让我们产生无限联想。
《孔雀》运用了大量的长镜头，而且每场戏几乎都是一镜到底。
这个场面我计算了一下，共2分38秒。
聪明的看客说自己的老爸打蜂窝前都知道预料天气的，有失手的时候，但也不会象片中那样狼狈。
面对此情此景，要从生活真实性上挑毛病，只能误解电影艺术。
从艺术手段看到思想的表达，从场面之中和情节之外领悟诗的层次，唯有大师才留给观众这样的思考空间，因为大师信任观众。
毛主席的毕生精力是让我们吃饱，江主席是让我们吃好，胡主席将要让我们思考。
可是有些匠人艺术家毕生精力是镜头拍得好让观众跟着情节跑，走马官花打打杀杀严禁随便思考。
这恐怕违背三个代表。
其实影片中的这个场景是司空见惯的，成年人日复一日的生活中最大的戏剧性也不过如此。
我们都观察过蚂蚁窝，这个场景就好象一双眼睛在观察蚂蚁窝。
倒不是表现手忙脚乱，而是生活如此地真实和如此地平庸，确实叫人感到手足无措。
姐姐想要走出这个画面，却四脚朝天滑到了，美丽的女孩象征着理想和青春，却这样地弱不禁风。
一相情愿的追求不光发生在充满灵气的姐姐身上，连脑子有点笨的哥哥高卫国也有追求。
他的理想是交朋友。
我的工作换了五、六个了，连个朋友都交不住 他竟然还想交女朋友。
那个场景着实迷人：哥哥站在木房子一旁，面带憨笑目光迷离，街上散发着夕阳的余辉，一群下班的女工渐渐占满镜头，身后的情侣骑着自行车鱼贯而过。
受到了感染，他情窦初开，眼光不错，一下子相中了纺织厂的一枝花——陶美玲。
这必将是充满人性关怀的美丽一幕，爱情面前人人平等。
看客们当年是否追求过班花
追求过校花
就没有犯过傻
恐怕还不不及哥哥的色胆大呢。
你是孔雀，也开屏给大家看看
哥哥的戏份与姐姐旗鼓相当。
很多人持三段论的观点，认为结构简单明了，通过姐、哥、弟的各自故事来组织全片。
我认为全片是统一在一个主题意念之下的完整故事。
你中有我我中有你，姐姐毫无例外是根主线，哥哥和弟弟由她来贯穿。
姐姐与招兵的初恋情人街头相遇作为故事结尾，正好前后呼应。
尤其欣赏哥哥送伞一段。
傻哥哥冒着小雨，迈进校园的月亮门，踱着小碎步，与朗读《荷塘月色》的画外音——零星点缀着一些白花，有袅娜地开着，有羞涩地打着盹——构成绝佳的声画关系。
从教室出来，又被优雅的歌喉所吸引，驻足女厕所门旁仔细倾听。
我没听错的话，厕所的姑娘哼唱的是电影《小街》的插曲。
《小街》是拨乱反正、改革开放后轰动一时的影片。
郭凯敏饰演文革时的右派子弟，他到剧团给女友（张喻饰）偷假发被一群人追赶，打成了瞎子，这个悲剧片段的背景音乐是《妈妈留给我一首歌》。
傻哥哥听傻了，听入迷了，不知道一次纯正的暴力殴打将要莅临到自己头上。
八十年代的伤痕电影中的插曲，预示下面发生的事情，倒是有点幽默的成分。
不过弟弟将伞尖扎向自己的哥哥的时候，气氛才变得格外沉重。
弟弟的性格在哥哥的故事里就得以表现了。
如果说姐姐是孤傲的，哥哥是平和的，那么弟弟则是古怪的。
如果说姐姐回归于世俗中的平淡，哥哥回归于世俗中幸福，那么弟弟可用堕落于世俗来形容。
原本都与俗尘格格不入。
但理想是伞，世俗是大地，终有一天人们会降落。
和陶美玲一样：昔日人人环绕，如今黄花堆积，借酒浇愁；和征兵帅哥一样：昔日光环四射英姿飒爽，如今落魄街边，嚼着韭菜包子，即使还是一口纯正的北京话。
河南安阳的街头，姐姐卫红笑着看着自己的梦中情人。
然后转过身，似乎一切都已经释然。
她对弟弟说那是一个爱着我的人。
镜头跟随弟弟的视线，我们发现帅哥身后一个女人提着一捆卫生纸从商店走出来。
仔细一看：她竟然是胖妹妹的姐姐
胖妹妹的姐姐竟然成了招兵帅哥的妻子
俗尘中人生竟然是这样
美好的愿望往往成空
人生是被选择的
公园孔雀开屏这个场面长达4分20秒。
孔雀在前景，后景中三家人分别走过。
这个场面一镜到底是有难度的。
他们说完话离开，然后孔雀开屏，倘若在一个时间段、用一个镜头拍下来，就绝对经典了。
这不好安排，只能靠巧合，所以有个很明显的叠化。
倒不如把结尾弟弟的画外音叙述提到孔雀开屏前面来，镜头再回到公园，最后看到孔雀开屏这个景象。
这样既掩饰了那个很拙的叠化，又能延长情绪的长度。
放在结尾的话，我猜想顾长卫可能担心这个时候电影院的观众已经探头探脑地纷纷离开座位了——呵呵，这是中国观众的通病——不能体会他的深远意境了。
希望采纳
介绍点好书，最好说说书的大概内容，和好处。
如果是想充实自己，不太推荐网络小说，我自己看了不少，看的时候时间一下就过去了，想起来感觉有点小浪费，跟上网差不多~~不过可以增加共同话题倒是真的，看点美剧韩剧的也有同样的效果哦~~不知道你是学什么专业的，专业有关的书一定要多看看，这样会比较有自信哦~~ 还有可以看一些简单的经济类的书，你会觉得生活中的很多现象都是可以有经济解释的，就不怕跟人聊现在生活的时候没想法了~~我们高中历史老师有句话，历史使人深邃，可以找点简史看看，趣味性的那种正史，大概了解，着这样聊起古代历史也有话说~~其实个人觉得如果能把从小学到大学教科书上的东西学个百分之八十，就已经很不错了，虽然谈不上深邃，但也离博学不远了，可能教育体制的关系再加上我们都没有过目不忘的本事，总觉得没学到什么东西，弱弱的建议你回头看看教科书，真的是天文地理政治历史生物化学各方面的基础知识应有尽有，没有考试逼着，比较能学到真正的东西哦~~~ 看看现在图书网上的那些榜单，找点自己感兴趣的看一看，也算与时代共进步吧~~不是还有那种书吗，什么多少本必读书手册之类的，上面有众多学者认为你该读的各种书，貌似文学局多，全是超级大名著，里面会有书的简介，评论，好的段落摘抄等等，挑感兴趣的，找来全本看看，剩下的看看介绍就行了~~~绝对的迅速增加知识储备~~~看得多了之后自然自己也会有选择，找喜欢的多看看，感觉该看的大概瞧瞧就差不多了~~其实你想看什么类型的书，网络小说、世界名著，包括它们的各种类型和介绍，在百度上一知道，也就都知道了~~~也可以去学校图书馆，个人还是觉得书拿在手上比较有感觉~~呵呵~~废话这么多，希望有点点点的帮助就好了
(*^__^*)
一部外国电影,讲的是天才发明家去拿诺贝尔奖的故事,这部电影叫什么名字
1、《柳暗花明》，原著作者：爱丽丝·门罗[加拿大]，2013年诺贝尔文学奖柳暗花明Away from Her(2006)门罗的中短篇小说读起来像长篇一样，不是说琐碎冗长，而是有丰沛绵长的感觉。
改编她的小说，无需像李安操作张爱玲的《色戒》那样，在小说的基础上不断添加枝叶。
《柳暗花明》讲的是老年人的情感，同为女性的导演萨拉·波莉不像《爱》的导演迈克尔·哈内克，冷冷地刻画了老之残酷的形态，一起慢慢变老，是最浪漫的事，也是最残酷的事，她的电影没有回避令人难堪的细节如老年人的性，但整体上一直散发着温暖的光晕。
2、《红高粱》，原著作者：莫言[中国]，2012年诺贝尔文学奖红高粱Red Sorghum(1987)即便不能说是华语之最，《红高粱》至少也是最有力量的华语电影之一。
张艺谋擅长描述中国式欲望，原著小说本就洋溢着热烈的生命力，初次执导剧情长片，张艺谋以初生牛犊之势释放了一次他急待喷发的才华。
“刚开始拍的电影总是有一些特别的品质，也许以后你还能拍出更好的、更成功的电影，可是这第一次的急切感和纯真却再也不会出现了”，张艺谋的职业轨迹印证了德国导演施隆多夫的这句话。
回看才华如此横溢的作品，再看千禧年后老谋子的诡异表现，这种变节般的变化正如莫言所说：“我真切感到种的退化”。
3、《钢琴教师》，原著作者：艾尔芙丽德·耶利内克[奥地利]，2004年诺贝尔文学奖电影讲了一个女教师与男学生的畸恋故事。
导演迈克尔·哈内克像个冷酷的解剖手，干练、利落、充满才能，小说大篇幅的心理描写没构成他的障碍，镜头冰冷无情而无比丰富，完美地描述了过度扭曲以致变态的人物心理。
商业电影中作为香艳卖点的性镜头，在该片中如同恐怖画面一样，令人坐立不安，情色不再意味着欲望的快感，而是赤裸裸的绝望与无助。
在这部电影上映几年之后，耶利内克获得了诺贝尔奖，哈内克在戛纳两折金棕榈叶子。
这些荣誉在他们刺探的人性面前，实在有点不足轻重，如果有什么能慰藉痛苦与黑暗，他们一定会扔掉那些至高无上的世俗荣耀。
4、《耻》，原著作者：库切[南非]，2003年诺贝尔文学奖耻Disgrace(2008)《耻》是一部非常入世的作品，准确地说，库切以艺术家的身份干了一件社会学家的事儿。
同时，他又很悲观、很消极，不相信救赎和变好的可能，只和真实站在一起。
诺贝尔颁奖词这样解释他的做法：消极状态不仅仅是一个人的性格造成，也是一个人对压迫的最后反抗，在不参与的消极状态中进行抵抗。
导演史蒂夫改编的电影，在表层意义上保持了对原著的忠诚，暴力、强奸、种族歧视等一一被呈现到银幕上，主演约翰·马尔科维奇奉献了令人信服的表演，触目惊心的画面，将人的耻辱感一点一滴蔓延到观众身上。
5、《铁皮鼓》，原著作者：君特·格拉斯[德国]，1999年诺贝尔文学奖铁皮鼓The Tin Drum(1979)如果说长不大的奥斯卡是个傻子，那么这是一部关于傻子的作品。
透过一双异于常人的眼睛，为我们展示了人类历史上那段最黑暗的历史。
但战争并非电影的主角，而是一个巨大的背景板。
看到母亲偷情和纳粹行径的奥斯卡，拒绝长大成人，他奇怪的身躯和叫喊震碎玻璃的超现实能力，就是荒诞世界的物化符号。
导演施隆多夫对原著做了大胆而成功的改编，遗憾的是，电影只止于小说的第二篇，计划中的第三篇终未拍摄。
6、《伊豆的舞女》，原著作者：川端康成[日本]，1968年诺贝尔文学奖伊豆舞女The Izu Dancer(1974)二十多岁的年纪，很适合书写纯爱物语；十几岁的年纪，有着天然的圣洁。
写《伊豆的舞女》时川端康成20来岁，出演这部电影时山口百惠14岁，他们在生理上符合纯爱的最佳年华。
川端康成的文字有着远超他当时年龄的敏锐，导演西河克己携初登银幕的山口百惠，对小说进行了一次道德的改编。
内敛而丰盈的美，哀而不伤的情感，这是一切日本艺术的特质。
川端康成的自杀似乎印证了艺术之美无法抵御存在的虚无，而美，终究永远地被这个世界需要着。
7、《愤怒的葡萄》，原著作者：斯坦贝克[美国]，1962年诺贝尔文学奖愤怒的葡萄The Grapes of Wrath(1940)这是西部片大师约翰·福特导演的一部现实主义佳作，讲一个农民家庭从俄克拉荷马州流落到加利福尼亚州的故事。
斯坦贝克对底层人民的同情和关注，在电影中得到了完整体现，演惯好人的亨利·方达几乎等同于正义的代名词。
原著曾在美国一些地区引起轩然大波，它的命运和电影中的农民一样，在暗如黑夜的苦难中守望着火光一样的尊严，最终，顽强地活了下来。
8、《日瓦戈医生》，原著作者：鲍里斯·帕斯捷尔纳克[前苏联]，1958年诺贝尔文学奖日瓦戈医生Doctor Zhivago(1965)导演大卫·里恩擅长执导史诗电影，除了《日瓦戈医生》，代表作还有《桂河大桥》、《阿拉伯的劳伦斯》。
相比政治，杰出的作品更关心人性，导演和原作者很好地践行了这条准则。
正如日瓦戈医生被时代裹挟，帕斯基尔纳克一生也被历史碾压着，获得诺贝尔奖成了他人生的一大麻烦。
作为英国人，大卫·里恩让电影人物说的是英语，如果语言是不可替代的文化，这种做法意味着背叛原著。
电影流畅的叙事使震撼和感动效应如流水汩汩而出，导演在事实上维护了原著的内核精神。
9、《老人与海》，原著作者：海明威[美国]，1954年诺贝尔文学奖老人与海 The Old Man and the Sea(1999)在某种程度上，海明威的小说反对动画，他追求的是最大程度的真实：把你所知道的最真实的句子写下来。
而多用来呈现虚构故事的动画，与通常所说的真实南辕北辙，甚至可以说，脱离现实是动画的基本责任。
这是一部兼具水彩和油画质感的定格动画，不乏唯美的画面具有简单意义上的观赏性，但与海明威的真实十分遥远，导演在此追求的是感受上的真实，除却永不被打败的精神，在老人的叹气声中，可以清楚地体会到另一位巨匠福克纳的评价：这一次，他提到了怜悯。
一部动画短片的容量，很难装下《老人与海》的全部意义，就像梗概与正文的区别，这部奥斯卡最佳短片尽管发出了不辱电影的光彩，却无法跨越电影与文学两种不同艺术介质的分歧。
10、《魂断威尼斯》，原著作者：托马斯·曼[德国]，1929年诺贝尔文学奖魂断威尼斯Morte a Venezia(1971)托马斯·曼的作品有着令人叹为观止的严整和完美，导演维斯康蒂以贵族般的挑剔细致地复制了小说关于美、生命和艺术的大量探讨。
托马斯·曼的老派技法在批评者那里被攻击为缺乏创造力，而他以巨大的耐心捍卫了古典的力量。
他是忠于现实的现实主义者，考虑到时代环境，《魂断威尼斯》的同性元素可以说是他忠于现实的例证之一。
除了将小说家改成音乐家，电影没有辜负原著，用光和影成功地传达了托马斯笔下的纯美情感。
论述第五代导演的艺术风格
“第五代导演”是指1982年自北京电影学院毕业的导演系学生（后来扩展到摄影系、美术系），包括张军钊、陈凯歌、田壮壮、张艺谋、张建亚、黄建新等。
其中张军钊1983年的《一个和八个》在广西厂率先举起大旗，一发冲天。
而后陈凯歌接连拍出《黄土地》（1984年）、《大阅兵》（1986年）、《孩子王》（1987年），田壮壮拍出《猎场扎撒》（1985年）、《盗马贼》（1986年），吴子牛呈上了《喋血黑谷》（1984年）、《晚钟》（1988年）， 1989年张艺谋捧出了让国内外观众、评论界集体大惊失色的处女作《红高粱》，至此，第五代的影片告一段落。
“第五代导演”的主要代表人物有陈凯歌、张艺谋、吴子牛、田壮壮、黄建新。
电影导演 张艺谋 陈凯歌 黄健中 黄建新 冯小宁 冯小刚 陈国星 赛夫 麦丽斯 陈家林 电视剧导演 张绍林 潘霞宋 昭杨阳 纪录片导演 萧同庆 严冬 陈晓卿 吴文光 洪宇魏 斌童宁 徐小惠 电视专题导演 吴小中 张涛 李卓玉 徐小惠 张越 洪眉 柯伟兵 短片导演 郑浩 李耕 耿英杰 吴尔善
