形容园林意境的诗句都有哪些
工笔花鸟画作为我国民族绘画中的一个重要组成部分，形成于唐，成熟于五代，兴盛于两宋，发展历程已经上千年。
它经过历代工笔画家的继承与创新，从萌芽、发展到成熟，在技法上逐步形成一套完整的程式，具有东方文明的独特性和鲜明的艺术特点，并以其精工细腻、形神逼肖的描绘、鲜明的色彩、装饰性的风格，具有雅俗共赏的审美品格，深得人们的喜爱。
它为花写照，为鸟传神，极尽花姿鸟态的变化，并在生动展现大自然的勃勃生机中引发观者的联想与想象，使之由具体的动植物形象进而让人感受到生命的兴盛与衰微，唤起人生的某种精微的情思与深刻的体验。
它是中国传统文化的宝贵遗产。
美术课要搞一个辩论活动，要求辩论内容是古代花鸟画。
请大家帮忙想出论题～～
中国古代花鸟画 中国的花鸟画源流长远，原始彩陶上花鸟的图形、青铜器上的花鸟纹饰、战国帛画中的凤、西汉帛画和漆器上的朱雀等等，构成了上古朴质而色彩斑斓的花鸟形象。
花鸟画至中、晚唐才完全独立。
边鸾、薛稷、刁光胤对花鸟画独立有着举足轻重的作用。
五代西蜀的黄筌、南唐的徐熙以不同的风格给花鸟画增色，北宋在赵昌、易元吉注入了写生的活力以后，崔白、吴元瑜又以生动、简炼和深遂的意境使本来已经成熟丰满的花鸟画更具魅力。
南宋的精致细腻，使绢素上的花鸟形象几可乱真。
此时的写实技巧已登峰造极。
元代张中推出勾花点叶的创举后，经明代吴门画家不断努力，写意花鸟画让人大开眼界。
此后徐渭的泼墨、八大山人的简笔以及恽寿平、王武、华岩、李鱼单、任颐、吴昌硕各具特色的画风，花鸟画形成了百花齐放长盛不衰的局面。
唉，这有什么好“辩论”的
讨论讨论还差不多。
你们老师真奇怪呀
谁知道花鸟画的意境怎么样
花秀气，鸟灵传神，花鸟动静、色彩协调、搭配情景和谐
也同样某种意境和寓意在其内，鸟类或植物取材也有一些讲究，不论哪种表现形式，工笔或水墨……好的作品总体使人感觉美满、安详、平和、舒适、阳光、生动……，总之一个字，雅非常羡慕、敬佩那些画家们，喜爱画，随便说，别较真
宋代花鸟画有什么成就
宋代是古代花鸟画空前发展并取得重大成就的时期,宫廷中装堂饰壁务求华美,是花鸟画在贵族美术中占重要地位；社会上中山阶层的需求及工艺装饰,也促进了花鸟画的发展和活跃。
涌现出大量技术高超的的名手,仅文献记载的就达一百多余人,如北宋之黄居寀赵昌、易元吉、崔白、吴元瑜,南宋之李安忠、林椿、李迪、毛松、毛益等在艺术上各有独诣专长。
花鸟画继五代之后,仍坚持身临自然深入观察花鸟情态,作为创作构思的基础,技巧上有很多方面的创作。
宋人不仅把花鸟形象达到精微传神,而且从中表现对生活的热情与理想,把自然属性与道德品格相联系,创作出大量不同风格的优秀作品。
北宋时期, 五代十国名画家黄筌之子黄居寀,擅绘花竹禽鸟，精于勾勒，用笔劲挺工稳，填彩浓厚华丽，其园竹翎毛形象逼真，妙得自然；怪石山水超过乃父，与父同仕后蜀，为翰林待诏。
他表现的宁静平和、细腻艳丽的“皇家富贵”之风,成为宫廷花鸟画的标准。
例如黄居寀的《山鹧棘雀图》黄居寀画山鹧、山麻雀表现出他对观察与描写更为详细生动，且对动植物生态有较深入的研究。
因为山麻雀并非一般之麻雀，外形上其脸颊无黑色斑点，习性上不像麻雀喜欢栖息在人类房舍附近，或开发区周边。
故山鹧配以山麻雀，不但合乎其自然生态，也有远离尘嚣的寓意。
山石、棘条、竹叶等皆工笔匀皴，然后著色，继承、发展了“黄家富贵”风格，有“画艺敏瞻，不让其父”之誉（见《益州名画录》）。
而北宋时期另外一个画家就突破这种成规,他就是宋中后期的崔白。
崔白，字子西，工画竹翎毛,尤以表现野情野趣的败荷、凫雁、鹅驰誉画坛，另外，道释人物鬼神，也无不精绝。
他作画时可放笔挥写而不用起稿，作界画亦可不借助绳尺，而如长弦挺刃，人称为绝技。
崔白也擅长人物道释画，英宗治平年问，他在相国寺廊东壁画炽盛光佛及十一曜（应为修补高益之炽盛光佛降九曜壁画），“廊之西壁，有佛一铺，圆光透彻，笔势欲动，甚为时人称道。
” 崔白善于表现在不同季节自然环境中花鸟的运动变化及互相关联,如《双喜图》中,在肃杀秋风中飞鸣的山鹊和被惊扰的野兔。
崔白技术熟练,落笔可不用起稿,工而不苟,为宫廷花鸟画输入了新的血液,并将之推向新的水平。
宋徽宗赵佶于在位期间，过分追求奢侈生活，任用佞臣。
但徽宗酷爱和重视绘画，成立翰林书画院，即当时的宫廷画院。
他还大力扩充画院,兴办画学,搜罗、鉴定宫廷藏画,编《宣和画谱》。
画院内一时人才济济,成为中古宫廷绘画最为兴盛的时期。
赵佶重视写实,主张构思要不落陈套。
赵佶的腐朽享乐也使富贵气息浓厚的院中画某些作品带有萎靡柔媚的气息。
北宋时期的著名花鸟画的画家黄居寀、崔白和赵佶这三个人物的绘画艺术特点可以说是完全不同, 黄居寀表现的宁静平和、细腻艳丽的“皇家富贵”之风,而崔白却突破这种成规, 崔白“性疏阔度”,画风“体制清瞻”,形象自然而无雕琢痕迹,特别是画败荷、苇岸、寒塘、秋水、烟波中的野禽鹭鸶尤其创作。
而赵佶善于独特性的物象意念安排, 独特性的写实技法和独特性的诗、书、画、印结合。
这三位画家都对花鸟画的以后的发展起到了重要的作用, 尤其是崔白的花鸟画在画坛影响巨大，追随者众多，其成就突出者有崔悫及吴元瑜等人。
崔白等人的成功，取代了百年一贯、连皇帝也看厌了的黄派花鸟画。
南宋时期另一位画家林椿, 孝宗淳熙年间曾为画院待诏。
绘画师法赵昌，工画花鸟、草虫、果品，设色轻淡，笔法精工，设色妍美，善于体现自然的形态，所绘小品为多，当时赞为“极写生之妙，莺飞欲起，宛然欲活”。
林椿工笔花鸟, 傅色轻淡，深得写生之妙，极富生趣,所作花鸟直接以色彩分出物象之浓淡，层层晕染阴阳向背，尤小幅笔触工细，布色鲜明，静中寓动，生机盎然，为世人所宝。
例如他的《葡萄草虫图》，原载《历代名笔集胜册》（见《虚斋名画录》）。
画家以小幅的画面抒写了一幅生机盎然的田园景致。
昆虫以双勾填彩法绘制，用线刚柔相济，既准确地勾勒出秋虫或动或静的各种体态和神情，又将昆虫翅膀的轻薄或外壳的坚硬等不同的质感表露无遗，显示出作者敏锐的观察力和精于细节表现的绘画功底。
在色彩上，敷色轻淡，深得造化之妙，葡萄藤的藤尖点染红色以示其新生初发之嫩，叶子的边缘略以褐色渲染，表明叶片饱经浓霜重露之貌。
这种合乎自然规律的晕染与其求实写真的线条相得益彰，具有宋代院体工笔画的鲜明特色。
李安忠南宋时期的一位画家,工画花鸟、走兽，尤长于“捉勒”（鹰鹘之类），《画继补遗》谓其“工画捉勒，得其鸷攫及畏避之状。
”南宋时期的《出水芙蓉》享誉一时,此图绘出水荷花一朵，淡红色晕染，花下亲以绿叶，叶下荷梗三枝。
作者用俯视特写手法，描绘出荷花的雍容外貌和出污泥而不染的特质。
全图笔法精工，设色艳丽，不见墨笔勾痕，是南宋院体画中的精品。
画面无款印，传为吴炳作。
图中红花绿叶占据整个画面，这种丰满的构图如肖像般使我们能直观地欣赏这娇嫩柔美的荷花。
细腻的笔调把荷花的清纯高洁、出淤泥而不染的品格表现得入木三分。
一朵盛开的粉红色荷花占据整个画面，在碧绿的荷叶映衬下抢眼而夺目，布局、设色端庄大气，将荷花“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”的君子气质表现得十分完美。
莲瓣的描绘技法类似后世的“没骨”法，不见勾勒之迹，渲染出花瓣既轻盈又腴润的质感。
画家的写实功力极为扎实，每片莲瓣的形状、角度、色泽和光感都安排得无懈可击。
至于瓣上红丝、蕊端腻粉，也一一仔细料理，微妙之处，使人叹为神工
南宋时期的花鸟画继承了北宋的一些特点，并结合自己的风格进行了创作。
以林椿、李安忠为代表的画家,笔法精工，较为细致,对花鸟有着强有力的观察力和表现力,对后世的影响深远。
宋代花鸟画的艺术性及影响宋代花鸟画有很高的艺术性，这种艺术性在绘画中的体现，通过一幅幅宋人花鸟我们就能感受到。
所刻画蜻蜓鸟虫，无不活灵活现，楚楚动人，有振翅欲飞的感觉，如果说现代画家对于生活的观察，可借助于照相机，能够以高速快门拍下禽鸟飞动的瞬间。
宋代花鸟画的文学性及影响在宋代，由于帝王的提倡，画院的扩充，吸引了一大批文人名士参与花鸟画的创作，在创作中，这些文人墨客把他们擅长的诗、词、文学、书法融进了绘画的表现上，扩大了绘画的表现领域，使得花鸟画构图更为生动、简洁、主题突出。
宋代花鸟画的文学性对历代画家都产生了深远影响。
历代有成就的画家，都是在有深厚的文学功底的基础上，把文学的意境融入画中，才能称为一代大家。
宋代花鸟画的实用性及影响如果说一般的绘画只是作为艺术品用来观赏，那么宋代花鸟画从一开始就具有实用的特点。
求助各位亲们，有没有关于描写国画花鸟之类的文章
现在急需一个标题和开头，能有意境点的更好~~
.画艺有道，勤奋为先 ------------傅和任xx美术作品集序 笔墨随时代 丹青悟人生 ----看中青年画家xxx的画 诗意斑斓与画风墨骨 “清新隽永感天地 璞玉如琢静如水” ----记志同道合的青年画家xxx君 运用生活修炼格调，假以激情创作生活 侧身仰看师长，纵横皆成文章 --透过《洛神赋》长卷看xx先生的精神世界 其情质朴如洗，其画婉如其人 ----书画家姜栋梁点滴印象 中国花鸟画是中国文化的重要组成部分，有着数千年的历史和辉煌的业级，五代是我国山水，花鸟画灿烂辉煌的时代，花鸟画从山水，人物画科中分离出来，具有鲜明的民族特色，深厚的传统。
选择兔年的新春，断续而认真地观摩过栋梁仁兄带来不多的作品集、精致小品和巨幅构制，命闲暇之余写上几句，对于同乡同好的我当然要遵崇。
姜栋梁，字耘砚，斋号河洛居人。
曾用名枚，雨溪，如溪楼主人，河南省洛阳人，自幼酷爱书画，现为河南省美术家协会会员，河南省国画院画家，洛阳书画院特聘画家，河南省花鸟画研究院会员。
栋梁仁兄学艺之路说来相当曲折，可谓千辛万苦。
小的时候为没有钱去买画笔和纸张而犯愁，不是在作业本背面画自己喜欢的东西，就是常常将院子里的泥地浇湿做纸，而后用干树枝画想象中的艺术品。
稍大一些参加工作时候，只有在繁忙的工余星期天才能高兴的背起画夹出门去写生。
当时，在许多人眼里那是一件十分浪漫而又有品位的事。
事实上，艺术创作探索的过程并非只有浪漫情怀和幸福感。
你要抵得住生活中的喧嚣和多种诱惑去投身艺术，伴随而来的是年复一年，日复一日创作过程的寂寞、周而复始的基本功训练的枯燥和胡乱糊口后的清贫生涯，栋梁仁兄的沉寂和坚持一下子就是近三十年，期间办过艺术商店，做过设计策划人，私募人画师等。
当终于有那么一天面对许许多多满意的作品和获奖证书时，是种别样的精神享受，就像池塘河边静静期待中的垂钓者在寂寞中恒心守候到收获一样。
自由自在的想象和摸挲着作品充实感以及件件精彩作品问世后的欣喜，那种成就感是其他任何奢华享受也难以比拟和替代了的。
栋梁仁兄于绘画上甚是谦虚，曰：“余之画，根基甚浅，既少科班，亦无章法，更少师承，因蒙艺术不弃，怀着敬畏去创作，遂得上苍的恩赐”。
这“画得恩赐”四字，用的何其精妙
曾经有一段时间，参展和获奖成了栋梁仁兄摩顶追求，甚至顽强到非全国性的赛事不屑于参加的地步
虽然入选和获奖后的兴奋会激起了更大的创作欲望，但随之却发现个性化的艺术探索和自然表达会在不知不觉中被评委们“权威”的评判所约束，创作方向也会随之改变，虚荣和功利之心也随之萌生。
于是，艺术本身被搁置一旁，评委的“权威标准”替代了自我。
栋梁仁兄猛然惊觉，艺术必须回到初衷，去应和那质朴心灵深处的轰鸣。
创作犹如种花。
有人为消磨时光，就像上午晒太阳一样；有人是追求时尚，为了展示身份高贵，就像穿金戴银。
而栋梁仁兄则把养花看作是自己的生活的必要程序，就像穿衣吃饭。
在生活常态化的艺术创作状态中，经典的文化内涵悄然转化为他个人的艺术气质修炼和扎实基本功的凝固，生活中诸多常人看来熟视无睹的现象和经历源源不断地转换成艺术养分，无需粉饰、无需伪装、无需绞尽脑汁，平平淡淡、实实在在、真真切切，那个本真不经意间便在其创作的画面上悄然浮现。
“你现在的基本功是扎实的，笔墨线条都很好，况且没有受到学院派的框架拘束，下面要进行的是创新，是以你心灵深处的激情去进行创作，这样出来的作品肯定很好。
”这是人民艺术家鲁慕迅先生看了栋梁仁兄的画作后的评价。
自古以来，牡丹花凭借其富丽堂皇、雍容华贵成为文人墨客填词作画，唱和雅集的主体，素有“国色天香”、“花中之王”的美誉，然而栋梁对着大幅花卉制作说，画牡丹为主体的作品是为了应景，丝毫萌动不了刻骨铭心的创作动机。
栋梁仁兄又曰：“每当有所悟，则怡然欲书”。
此句妙极，而又准极
栋梁仁兄是画家，画是创作，当然由情生发。
古人云：“画中有诗，诗中有画”。
有了才情自然画意传神。
作画是有了画后才题款配诗。
也即“所悟所得，遂成逸品”也
五代、北宋时期的董源、关仝,荆浩、巨然、范宽，南宋四家李唐、刘松年、马远、夏圭，元代卓有成就的画家赵孟頫 、吴镇、黄公望、王蒙、倪瓒，明代的沈周，唐寅的浅绛山水等斐然不同，清代有“四王”也有“四僧”，主流和边缘的艺术，创新和继承，从古到今天都有的现象。
可能今天更明显更张扬一些而已。
纵观历史，艺术有其自身的规律和自身的审美价值，放眼不同朝代艺术品创作的任何时间段，你就会更清楚的看到怎样去对待这个问题了
清代书画圣手郑燮说：“必极功然后能写意，非不工而遂能写意也。
”“横涂竖抹，要自笔笔在法中，未能一笔逾于法外。
甚矣，石公（涛）功夫之不可及也。
功夫气候，潜差一点不得。
” 古往今来，写字作画，欲自成一家面貌，不易也。
如果你的作品不用署名，开卷即知其人，鼎盛宋元以后，达此境者甚稀。
修炼到如此程度，真乃大不易也，栋梁仁兄已走在这条路上了。
