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席勒求助编辑百科名片 约翰·克里斯托弗·弗里德里希·冯·席勒（Johann Christoph Friedrich von Schiller）（1759年11月10日－1805年5月9日），通常被称为弗里德里希·席勒，德国18世纪著名诗人、哲学家、历史学家和剧作家，德国启蒙文学的代表人物之一。
席勒是德国文学史上著名的“狂飙突进运动”的代表人物，也被公认为德国文学史上地位仅次于歌德的伟大作家。
另有，画家埃贡·席勒，摄影师劳伦斯·席勒，艺术家苏山·席勒，足球明星乌维·席勒，经济学家卡尔·席勒等。
目录 人物生平 主要作品介绍 人物评价 编辑本段人物生平 【席勒，J.C.F】（Johann Christoph FriedrichVon Schiller1759～1805）德国戏剧家和诗人。
生于内卡河畔的马尔巴赫。
父亲是外科医生，后在部队里当军医。
席勒出生于德国符腾堡的小城马尔赫尔的贫穷市民家庭，他的父亲是军医，母亲是面包师的女儿。
席勒童年时代就对诗歌、戏剧有浓厚的兴趣。
1768年入拉丁语学校学习，但1773年被公爵强制选入他所创办的军事学校，接受严格的军事教育。
诗人舒巴特曾称这座军事学校是“奴隶养成所”。
1773年符腾堡公爵把13岁的席勒选入他的军事学校学法律，后来才同意他学医。
席勒在这个管束极严、与外界隔绝的地方度过了8年青春岁月。
从 1776年开始，席勒就在杂志上发表一些抒情诗。
1777年，席勒开始创作剧本《强盗》， 毕业后于1780年在斯图加特某步兵旅当军医。
他对当时的专制统治有着深切的体会，178O年写成反抗封建暴政、充满狂飙突进精神的剧本《强盗》，1782年1月13日于曼海姆首次公演获得巨大成功。
据一些史料记载，当时的剧院就如同疯人院一样，人们潮水般的涌入狭窄的礼堂观赏戏剧，有些评论家甚至认为席勒就是德国的莎士比亚。
1782年写出了他的第三部悲剧《阴谋与爱情》，并着手创作新剧本《唐·卡洛斯》。
1783年席勒应聘任曼海姆剧院编剧，1785年4月接受格·克尔纳等四位仰慕者的邀请，前往莱比锡，在戈里斯村度过了一个美好的夏天，他的名诗《欢乐颂》反映了这种真挚的友情所给予他的温暖和欢乐。
同年秋天，席勒随朋友一起迁往德累斯顿，并在那里完成了《唐·卡洛斯》这部以西班牙宫闱斗争为题材的政治悲剧。
这是他青年时代最后一个剧本，标志着他的创作正从狂飙突进时期向古典时期过渡。
在军事学校上学期间，席勒结识了心理学教师阿尔贝，并在他的影响下接触到了莎士比亚、卢梭、歌德等人的作品，这促使席勒坚定的走上文学创作的道路。
而且，在军校读书期间，席勒逐渐形成了自己的反专制思想。
编辑本段主要作品介绍 《强盗》之所以受到如此热烈的欢迎，是因为作品中蕴涵的反专制思想深切的迎合了彼时德国青年的心理。
此时德国的“狂飙突进运动”已经发展至高潮，而《强盗》一剧的主人公卡尔就是一个典型的狂飙突进青年形象。
他不满于专制与格局并存的社会现状，却由无力改变。
他追求自由，对当时的社会提出挑战，是典型的叛逆者，最后却只能悲剧收场。
席勒 《强盗》取得成功之后，席勒进入了生命中的第一个旺盛的创作期。
从1782年至1787年，席勒相继完成了悲剧《阴谋与爱情》（1784年）、《欢乐颂》（1785年）诗剧《唐·卡洛斯》（1787年）等。
欢乐颂 《阴谋与爱情》是席勒青年时代创作的高峰，它与歌德的《少年维特之烦恼》同是狂飙突进运动最杰出的成果。
此剧揭露上层统治阶级的腐败生活与宫廷中尔虞我诈的行径。
《阴谋与爱情》无论在结构上还是题材上都是德国市民悲剧的典范。
席勒摒弃了创作《强盗》时惯用的长篇大论，而是改用简洁的语言进行讽刺。
来自市民阶层的人物路易丝与宰相的对话：“我可以为你奏一曲柔板，但娼妓买卖我是不做的……如果要我递交一份申请，我一定恭恭敬敬；但是对待无礼的客人，我就会把他撵出大门
”直接质问德国社会严格的等级制度，具有乌托邦色彩。
诗剧《唐·卡洛斯》以16世纪西班牙的宫闱故事为背景，以生动的情节表达作者的理想：通过开明君主施行社会改良。
这个剧本是席勒创作风格的转折点，表明他已经由狂飙突进时的激进革命精神转化为温和的改良思想。
此后，席勒青年时代的创作宣告结束。
1786年，席勒前往魏玛；次年，在歌德的举荐下任耶拿大学历史教授。
从1787年到1796年，席勒几乎没有进行文学创作，而是专事历史和美学的研究，并沉醉于康德哲学之中。
法国大革命时期，席勒发表美学论著《论人类的审美教育书简》（1795年），曲折的表达了席勒对暴风骤雨般的资产阶级革命的抵触情绪。
他主张只有培养品格完善、境界崇高的人才能够进行彻底的社会变革。
这也是在《唐·卡洛斯》中宣扬的开明君主思想的延续。
尽管如此，席勒始终没有放弃寻求德国统一和德国人民解放的道路。
他的美学研究和社会变革等问题结合得非常密切。
1794年，席勒与歌德结交，并很快成为好友。
在歌德的鼓励下，席勒于1796年重新恢复文学创作，进入了一生之中第二个旺盛的创作期，直至去世。
这一时期席勒的著名剧作包括《华伦斯坦三部曲》（1799年）、《玛丽亚·斯图亚特》（1801年）、《奥尔良的姑娘》（1802年）、《墨西拿的新娘》（1803年）、《威廉·退尔》、《欢乐颂》等等。
这一时期席勒创作的特点是以历史题材为主，善于营造悲壮、雄浑的风格，主题也贴近宏大的社会变革题材。
《威廉·退尔》是这一时期席勒的重要剧作。
戏剧取材于14世纪瑞士英雄猎人威廉·退尔的传说。
这一题材原本是歌德在瑞士搜集到的，他将其无私赠予席勒。
席勒从未去过瑞士，却将这一传说诠释得极为生动。
瑞士人为了感激席勒，把退尔传说发生地四林湖沿岸的一块极为壮观的巨岩石命名为“席勒石”。
《威廉·退尔》以瑞士独立斗争为背景，在歌颂民族英雄的同时也歌颂努力争取民族解放的壮举，在欧洲范围内引起极大反响。
除戏剧创作外，这一时期席勒还和歌德合作创作了很多诗歌，并创办文学杂志和魏玛歌剧院。
歌德的创作风格对席勒产生了很大影响。
1796年，两人共写了上千首诗歌，而歌德的名作《威廉·迈斯特》和《浮士德》第一部也是在这一时期成形的。
总体来说，席勒这一时期的创作是古典主义风格的，早年的浪漫激情已经几近消失。
席勒和歌德合作的这段时间被称为德国文学史上的“古典主义”时代。
编辑本段人物评价 席 大界长歌供图 勒是德国古典文学中仅次于歌德的第二座丰碑。
他的代表作之一是历史剧《瓦伦斯但》。
这部戏剧实际上就是三十年战争中德意志民族悲剧的重演，席勒的功绩在于他把这场民族的悲剧搬上了艺术的舞台。
1805年5月，席勒不幸逝世，歌德为此痛苦万分：“我失去了席勒，也失去了我生命的一半。
”歌德死后，根据他的遗言，被安葬在席勒的遗体旁。
“德国的莎士比亚” 弗里德里希·席勒 2005年5月9日是德国文学巨匠席勒逝世200周年。
席勒（1759—1805），出身医学家庭，是和歌德齐名的德国启蒙文学家。
他被敬为“伟大的天才般的诗人”，“真善美”巨人，“德国的莎士比亚”。
在他自己眼中，他则是“不臣服于任何王侯的世界公民”。
《欢乐颂》（AndieFreude）是席勒1785年夏天在莱比锡写的，那时他创作的戏剧《强盗》和《阴谋与爱情》获得巨大成功。
恩格斯称《强盗》是“歌颂一个向全社会公开宣战的豪侠的青年”，《阴谋与爱情》则是“德国第一个具有政治倾向的戏剧”。
然而，当时的席勒受到欧根公爵的迫害出逃在外，身无分文，负债累累，过着漂泊不定的生活。
正在席勒走投无路的时候，莱比锡4个素不相识的年轻人仰慕席勒的才华，写信邀请他到莱比锡去，路费由他们承担。
席勒接到信后立即从曼海姆出发，不顾旅途困顿和身体虚弱，走了8天来到莱比锡，受到4位陌生朋友的热情欢迎和无微不至的招待。
《欢乐颂》就是在席勒感受了这种雪中送炭的温暖后，以万分感激的心情写出来的。
歌颂人间欢乐，宣扬博爱理想 这首诗采用了当时流行的颂歌体。
这种题材源自古希腊诗人品达，很早就被运用于德国诗人的创作中，一直到19世纪著名的颂歌诗人贺德林。
德国启蒙运动时期最有名的颂歌体诗人是克洛普施笃克。
此人一改启蒙运动诗歌干瘪说教的风格，写的颂歌热情洋溢，神圣崇高，深受当时青年人的喜爱。
歌颂欢乐这个题材的诗，在席勒以前也有人写过。
德国的阿那克里翁诗派（也称作洛克克）的哈格唐就写过同名诗《欢乐颂》。
但这两首《欢乐颂》不一样：哈格唐歌颂的是现世的快乐，席勒歌颂的则是从人间高尚的感情升华成一种与神为伍的欢乐。
席勒《欢乐颂》的诗风受克洛普施笃克的影响，具有庄严崇高的韵律，而哈格唐的《欢乐颂》虽也带着严肃的调子歌唱欢乐，但是诗中带有讽刺和针砭。
席勒在他的《欢乐颂》中歌颂的欢乐，先是歌颂他受友谊感动后产生的具体欢乐，后来他把这种具体的欢乐人格化，使欢乐拥有了普遍性，进而引申出他对自由、平等、博爱理想的追求，特别是对博爱的歌颂。
“你温柔的翅膀飞到哪里，哪里的人们都结成兄弟。
” 席勒在他的《欢乐颂》里还反映了康德“星云说”的自然观和当时盛行的“泛神论”宗教观。
这些当时堪称先进的思想在这首长诗中可以读到。
在贝多芬第九交响曲终曲乐章中，男高音领唱的原文歌词中是：“像那恒星飞奔在那瑰丽的太空”，这透露出康德“星云说”的宇宙观，遗憾的是我国演唱的歌词是“……好像那太阳\\\/运行在那壮丽的天空上”。
弗里德里希·席勒 仅从第九交响曲的译文，理解整个《欢乐颂》远远不够 1959年，贝多芬第九交响曲在中国首演，《欢乐颂》由此广为人知。
贝多芬创作第九交响曲冲破过去的传统，在第四乐章引进了人声。
他在这个作为终曲的乐章中采用席勒《欢乐颂》里的部分诗节作歌词，谱写了齐唱、合唱、四重唱和男高音独唱（领唱）。
这些声乐曲和管弦乐交织在一起，形成一个庄严崇高、雄伟瑰丽的交响乐章。
1786年，《欢乐颂》在席勒自编的杂志《塔莉亚》上首次发表，感动了许多德国人。
贝多芬当时l6岁，是否读过此诗，尚不得而知。
但有文献表明，青年贝多芬在波恩时代曾声称要把《欢乐颂》全部诗节配上乐曲。
但是，贝多芬在第九交响曲终曲的合唱乐章中仅仅采用席勒《欢乐颂》中的部分诗节。
从诗的总体看，贝多芬挑选得十分精当。
虽然只有6段，但这在一定程度上起到了概括全诗内涵的作用。
但从乐章使用诗节的数量看，不到《欢乐颂》全诗的1\\\/3。
所以要通过贝多芬第九交响曲终曲的歌词来了解诗人席勒和他的《欢乐颂》远远不够。
再有，对中国读者来说，对《欢乐颂》的了解是通过中文翻译得到的。
但译文与原文存在着差距，通过中文译文来理解《欢乐颂》会大打折扣。
我国演出第九交响曲终曲的合唱部分通常用的是歌曲翻译家邓易映的中文译文。
应该说，与原诗相比，这位翻译家的译文做到了精神上相符。
译文基本表达了原诗歌颂欢乐的本意和宣扬人类博爱理想的用意。
中文译文流畅自然，这是因为译者将德文翻译成中文时，尽量照顾到译文符合中文韵律所系的四声，努力做到使译文的抑扬顿挫与所配旋律的起伏相一致。
问题是，译者着力照顾到译文的可唱性，牺牲了原诗生动具体的形象性、含义深刻的哲理和比兴。
特别是席勒写此诗时那股奔放不羁的劲头，在译文已经难觅踪迹。
比如，原文是：“亿万生民，互相拥抱吧
\\\/把这一吻送给全世界
”邓译成：“亿万人民，团结起来
\\\/大家相亲又相爱
”
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其实我并不是学古筝的，是学钢琴的。
但学的过程都差不多。
希望下面的内容对你能有帮助
^-^学习古筝乐理知识第一章 音名与唱名乐音 在丰富多彩的音乐世界里，充满了各式各样的音。
这些音有的听起来纤细，有的听起来粗犷。
有的显得柔和，有的却显得低沉……。
真可以说是千姿百态，变化无穷。
音乐就是一门音的艺术’。
根据声音产生的规律，我们可以把音分成两大类：一类叫做乐音(乐字读作yu6)，另一类叫做噪音。
乐音有固定的音高，又和谐、又好听。
钢琴、电子琴、小提琴、二胡等乐器奏出的音，人们在唱歌时发出的音都属于乐音。
音乐世界主要是由乐音组成的。
音名 唱名为了称呼音乐中所使用的乐音，人们采用了七个英文字母。
这七个字母的排列是从C开始，依次为CDEFGAB，这就叫音名。
而在唱歌的时候，我们用do、re、mi、h、s01、h，si来唱出乐谱上的音，这就叫唱名。
音名与唱名既有联系，又具有不同的用途，各自运用于不同的场合，使用时要多加注意。
在中国民乐中有特定的调式，即五声调式，五声即：宫、商、角、徽、羽五声。
基本音级 循环使用CDEFGAB七个音名，这些以七个音名为名称的音就是基本音级。
半音 全音 音与音之间最小的音高距离叫半音，两个半音构成一个全音。
在简谱中，7、1之间3、4之间是半音。
音符 乐谱中表示音的长短的符号叫音符，在简谱中用1、2、3、4、5、6、7表示。
平时在乐谱中常见到的音符有：全音符。
如5 - - - 。
二分音符 如5 - 。
四分音符 如5。
八分音符如5 。
十六分音符 如5 。
音符相互之间的长短关系，就跟它们的名称一样：全音符=2个二分音符=4个四分音符=8个八分音符=16个十六分音符。
休止符 乐曲中的音响并不是一直不停的，有时中间会有间断，出现无声的时间，这时，就用另一类符号——休止符来表示。
休止符的名称与音符名称相似，简谱中用0表示。
常用的有：全休止符0000。
二分休止符00，四分休止符 0 八分休止符 0 十六分休止符 0。
全休止符的长度相当于全音符。
二分休止符的长度相当于二分音符，等等。
附点音符 有的音需要延长一定的时间，记谱时就在这个音符的右边点上一个小圆点，这个小圆点就叫附点。
这个音符也就被称作附点音符。
附点增加原来音符时值的一半。
常用的附点音符有：附点四分音符 附点八分音符 等等。
附点休止符 知道了什么是附点音符，你也就知道什么是附点休止符了，附点休止符同样也是增加原来休止符时值的一半：延音线 延长号要延长某个音的时间，除了用附点之外，还常用另外的两个方法。
一个方法是用延音线把几个音高相同的音连在一起，演奏的时候，这几个音加起来奏成一个音。
如：5---∣5--- 。
另一个方法是在音符的上方加一个延长号。
延长号的样子像一个眼睛 ，它表示可以根据需要自由延长这个音的时间。
延长号也可以用在休止符上。
变化音级 音乐中除了七个基本音级以外，还有许多把基本音级升高或降低的音，它们叫做变化音级。
在念变化音级的时候，要把‘升”或‘降’字读出来，比如升4、降5等等。
为了区别于变化音级，基本音级也叫做本位音。
变音记号 把基本音级升高，降低或回复本位的记号叫做变音记号。
简谱中使用的变音记号一共有五种： 升记号 ＃ 表示把基本音级升高半音。
它的形状有点类似斜写的汉字‘井’。
降记号 b 表示把基本音级降低半音。
它的形状有点类似英文小写字母b。
重升记号x 表示把基本音级升高一个全音。
它的形状似一个叉。
重降记号 bb 表示把基本音级降低一个全音。
它由两个降记号合在一起而成。
还原记号 表示把已经升高或降低的音还原到基本音级，也就是还原到本位音。
所以还原记号也可以叫做本位号。
念重升或重降的变化音级时，同样要把‘重升’或‘重降”两个字读出来。
比如‘重升1’、‘重降6等。
调号打开琴谱，我们可以看到1=D 、或1=G的字样，这是简谱中的调号，1=D表示该曲是D调，即1音是D音。
临时记号变音记号是直接写在音符前面的，这种变音记号叫做临时记号。
临时记号只对与变音记号 同音高的音起作用，而且只限于一小节内，过了小节就失去作用。
节奏音乐世界中的音，不仅高低起伏翻动，而且长短也千变万化，形成轻重缓急的效果，人们把音的长短关系及特定的强弱关系总称为节奏。
在生活中，许多事物也会有规则地进行运动。
比如我们呼吸的起伏，时钟的摆动，列车行进时车轮的滚动……。
所以节奏这个词，也广泛运用于音乐以外的领域。
节拍我们在说话的时候，常把某些词说得比其他词重一些。
在音乐中同样有这种情况，某些音会比其他音强一些，形成重音。
而且，音乐中重音的出现是有一定规律的，往往是定期的反复。
强音与弱音有规律地交替出现，便形成了节拍。
节奏与节拍是两个不同的概念，但它们之间又有着非常密切的关系。
有人把节奏比喻为旋律的‘骨架’，而把节拍比喻为旋律的‘脉搏’，你能理解这样的比喻吗?小节 小节线 终止线根据强音、弱音交替出现的规律，可以把音乐分成一个个长度相同的部分。
从一个强音到下一个强音之间的部分，就叫做小节。
小节是用一根直的短线划分开的，这根直线叫小节线，它总是在小节的强音前面。
而在段落结束或整首乐曲结束时，必须用并排的双条直线来表示，这叫终止线。
写的时候还必须把右边的那根线写得稍微粗一点。
好，现在请你看看琴谱，乐曲结束时的终止线是不是一条细，一条粗? 拍号说起拍号，大家一定很熟悉了，因为弹奏曲子时如果不先看清拍号，那一定会弹得乱七八糟。
在音乐中，构成节拍的单位叫‘拍”，表示小节长短的类型时，则是用‘拍子’这个词。
一小节中有几拍就叫几拍子。
拍号就是用来表示拍子的记号。
它由两个阿拉伯数字来表明，上面那个数字表示一小节有几拍，下面那个数字表示以哪一种音符作为一拍。
拍号写在乐谱的开头部分，紧挨在调号的后面。
这二种记号的排列顺序是：先调号，再拍号。
( 拍号一般只写一个，除非中间更换拍号)。
拍号应该怎样来读呢?一般采用先上后下的读法。
这种读法首先确定了这是个几拍子的曲子。
不过，也常常听到先下而上的读法，这种读法也可以。
但要注意不能把拍号读作几分之几拍，因为拍号不是数学中的分数。
单节拍 复节拍 混合节拍在小节内，带有重音的单位拍叫强拍，不带重音的单位拍叫弱拍。
在下面的文章中，用 ●○记号分别表示。
一小节内只有一个强拍，叫做单节拍。
哪些是单节拍呢?单节拍有两种：一种是二拍子，它的强弱规律是一强一弱(●○)。
另一种是三拍子，它的强弱规律是强弱弱(●○○)。
把几个相同的单节拍合在一起，就成为复节拍。
复节拍中，除了第一拍是强拍以外，其他的重音叫次强拍，也就是稍稍强一点的意思。
复节拍包括：四拍子强 弱 次强 弱(●○○○)六拍子强 弱 弱 次强 弱 弱(●○○○○○)以及九拍子和十二拍子等。
如果把不同的单节拍合在一起，就成为混合节拍。
混合节拍也含有强拍与次强拍，不过它的强弱次序可能有两种或三种。
比如五拍子，是二拍子和三拍子合在一起而形成的。
它可能是2+3， (●O O O O) 也可能是3+2。
(●O O O O)除了五拍子以外，七拍子也属于混合节拍。
节拍的种类有那么多，你都能记住吗?可以首先记住最主要的拍子——二拍子，三拍子，四拍子、六拍子的强弱规律。
弱起 不完全小节有的乐曲是从强拍开始的，称为强起。
也有的乐曲是从弱拍开始，或者是从强拍的后半部分(称作弱位)开始，这就叫弱起。
弱起乐曲开始的音会形成一个不完全的小节，那么在写谱时，也常常把最后一小节写成不完全小节，头尾两小节加在一起，正好合成一个完全小节。
时值时值是指音符或休止符所占的时间长短。
切分音我们已经知道，在正常情况下，节拍的强弱是有一定规律的，不过有时这种规律也会改变。
有些特殊的音虽然开始于弱拍或者弱位，但它一直延伸下去，把后面的强拍或强位都包括进去了。
这样一来，强音的位置就起了变化。
这种特殊的音称作切分音。
三连音在第二章里我们就已经说到：音符时值的划分，是一分为二、二分为四……这样来分的。
如果不按这个规律，而是自由地等分，这时所用的音符就叫做连音符。
写在谱上的连音符很容易辨认，它们都带有几等分的数字。
在连音符中，最常用的要算是三连音了。
三连音是用三个音符平均奏出两个同样形状音符的时值。
常用速度术语我们平时生活中常用到速度这个词，在音乐名词中，速度指的是旋律进行的快慢，它是表现音乐的一个重要手段。
一首乐曲必须用适当的速度去演奏，才能正确地表达出其中的内容。
所以对演奏者来说，掌握好速度是一件非常重要的事。
在乐谱开始处的左上角，往往标着速度的术语，用的是本国文字或是意大利语，这些术语表明了大致的演奏速度。
常用的速度术语有：慢速 Largo广板 Lento慢板 Adagio柔板中速 Andante行板Andantino小行板Moderato中板Allegretto小快板快速 Allegro快板 Vivace或Vivo充满生气而活泼 Presto急板其他 rit．(略写)渐慢 accel．(略写)渐快 a tempo原来的速度常用力度术语力度指的是音乐的轻响程度。
音乐中的轻响变化加深了感情的起伏，形成鲜明的强弱对比，使乐曲更加扣人心弦。
力度同样是表现音乐的一个重要手段。
力度术语大多采用略写形式，因此也就常被称作力度记号。
用得较多的有:f(略写)强 p(略写)弱 mf(略写)中强 mp(略写)中弱 ff(略写)极强 pp(略写)极弱 cresc(略写)渐强 dim(略写)渐弱 sf(略写)个别音特强常用表情术语表情术语也叫风格术语，大部分也使用意大利文。
表示感情、风格的音乐术语内容非常广泛，从各个方面很细致地对演奏进行了提示。
现在从中挑选一些列举如下： agitato急促、不安地 animato活跃地 espressivo富有表情地 cantabile歌唱般地 grazioso优美地con brio有活力地 legato连奏 dolce柔和地 marcato着重，清晰地 mesto悲哀地 sostenuto保持着 morendo渐渐消失 tranquillo宁静地 non troppo不太过份
