莫奈的人生经历
莫奈的童年克劳德·莫奈(Claude Monet, 1840-1926)1840年巴黎，童年在阿渡过。
他没有按照画家的常路走，以画漫画起家，在画漫画方面有了一些名声，并受到欧·布丹(Eugène Boudin, 1824-1898)的注意。
布丹曾对莫奈说“当场画下的任何东西，总是有一种以后在画室里所不可能取得的力量、真实感和笔法的生动性。
”莫奈在他今后的绘画生涯中也是按布丹说的话去做的，因为在他的内心里充满了对大自然的热爱。
不久，莫奈又被荷兰的画家约翰·巴托尔·德·琼康的创作所吸引。
这位画家以动荡、兴奋、活泼而且比他同时代的法国人更为活跃的笔触画小桥、村景、河岸和破旧的茅草屋。
莫奈就是从布丹和琼康那里接受到了基本艺术修养的。
写生巴黎1859年，莫奈来到巴黎，在那里见识到了居斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet,1819-1877）、让-巴蒂斯特·卡米耶·柯罗（Jean Baptiste Camille Corot,1796-1875）以及爱德华·马奈（Edouard Manet1832-1883）的创作。
他认真鉴赏了他们的绘画长处，并且以惊人的速度运用了他们的成就。
但莫奈并不是他们的追随者，而是一个反叛者。
莫奈并不想在学院完成他的学画过程，他只在1863年在格莱尔学院的画室里呆了一段时间。
当他遇到了巴齐依（Bazille）、阿尔弗莱德·西斯莱(Alfred Sisley,1839-1899)和皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir,1841-1919)以后，他便劝说他们也放弃那些学字派课程。
当格莱尔学院的画室停办后，他便把他的伙伴们带到枫丹白露林边的一个小村庄——舍依，在那里画户外写生。
当莫奈离开了格莱尔学院画室后，他并没有去充实他那相当贫乏的艺术修养，而是怀着火热的信念投入了自然生活的纯直觉观察；他根本不买各种理论学说的帐，而是发展出自己的一套绘画方法。
莫奈一生对造型漠不关心，他关心的是正确的层次关系。
正是因为莫奈对造型格格不入，所以他能够轻而易举地表现出他所确实看见的事物，但也正因为此，他却表现不出事物的幻觉真实感。
莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画；他想要创造一种独特的效果，达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。
他喜欢所有使人眼花缭乱的东西，他描绘的河水、天空、房屋和树木都洋溢着非同寻常的生命感。
他的内心满怀着难以遏止的激动；从他的观念看他是一个现实主义者，然而从他本性看，他却是一个幻想家。
1864年，莫奈完成了“翁费勒的塞纳河口”，此画是1865年的官方沙龙上展出，并受到了热烈的欢迎，当评论家评论此画时说：“用调子所组成的和谐色彩……颇能吸引观众们的大胆感觉”。
这表现出官方对人们很喜欢这幅画是完全可以理解的。
油画表现了丰富的中间调子和那种暗淡、沉着的色阶。
向深处展开的空间，通过河岸线而处理得十分成功按照传统，河岸线标志着中景和远景。
在这幅画上，出于莫奈自己的东西，就是表现在前景水的笔触和云的笔触上的“颇能吸引观众的大胆感觉”；这些笔触加强了画面的传统效果。
在1866年，莫奈用了几天功夫完成并展出了他未来夫人的肖像“穿绿衣的女士——卡美伊”。
这幅肖像引起了争论，但总的说来是成功的；有人甚至把它同马奈的肖像画相媲美。
这幅肖像充分显示出了莫奈的个性：他对造型的淡漠态度，以及这个女人的动势和她的裙子上颤动的光都赋予整幅画特殊的说服力；由此而产生了一种动力感和生动性。
同年，莫奈展出了“圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂”一画，这幅画对于他未来风格的发展具有更大的意义。
油画是他从罗浮宫的一个阳台上画的，这幅画是要表现树叶上的反光。
并排的笔触生动地表现了空气的振动，依靠这些笔触的结合而取得了绿黄色的光和绿黑色的影的生动效果。
这里的用笔方法已经省印象主义①的了，但色彩还不够透明，甚至蓝色的阴影也还是浑浊的；它们画得就像是黑色。
教堂和房子在颤动的树叶相比之下显得过于密集了。
画中没有整体的形象，但树叶的画法却给我们透露出一点莫奈的色彩理想来“穿绿衣的女士——卡美伊”是在画室里完成的人物画；“圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂”是在外光下画成的风景画。
“花园中的女人”一画把这两种观察方法结合起来了。
这里的画面基本上是根据一幅照片安排的，这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。
照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的，然而，莫奈对此也并未介意。
使他感兴趣的仅仅是平面和色彩对比而已。
正因为这幅画的人物没有立体感和起伏，色彩才能在这里大放其光彩和充分显示其多样性。
妇女衣裙上的花饰，草坪上的鲜花，突出在大片浓绿之中的叶子，从树叶的空隙之间透露出来的天空，穿透阴影的光线，这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。
但这幅油画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，因此，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。
大片固有色起了过多的作用。
所有这些合在一起，与其说是真实表现了所见的事物，不如说是一种公式，但这种公式正是一个空前大胆的纲领。
这一纲领的公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。
印象·日出和印象主义的诞生1872年，莫奈创作了扬名于世的 “印象，日出”。
这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。
直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。
真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。
由于它突破了传统画法的束缚，有位批评家就借用词画的标题，嘲讽以莫奈位代表的一批要求革新创造的青年画家位“印象主义”，这一画派以此得名。
这幅画在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出，这幅作品是莫奈画作中最具典型的一幅。
为历史铭记莫奈在视觉观察方面无疑是一个富有创造性的天才。
他善于从光与色的相互关系中发现前人从未发现的某种现象。
他把全部注意力都集中在光与色上，从而找到了最适于表达光与色的明度差别变化的形式，他把这种光色明度差别变化从绘画的各种其它因素中抽象出来，把它提到了不可攀登的高度。
莫奈的视觉观察是天才的、创造性的、非凡的，可是在这种观察的背后又是什么呢
他所看见的东西同他所感觉和他所想象的东西之间关系又是如何的呢
莫奈在1874-78年间在阿尔让特依所画的一些画可以回答这些问题。
如创作于1872年的“阿尔让特依的帆船”。
在这幅图里中间调子代替了色彩对比，但不是借了色彩的混合，而是通过形成一种光的综合作用的色彩分解或组合。
黑色已不再出现于画家的调色板，剩下的只是造成明与暗的光谱色彩，它们形成了形的实体。
统一的色彩风格很自然地遍及整个画面：远景和近景，物体、水和天空，把这一切改造成为一种美妙动人的景象，而浑然一片、不分层次的空间透视，则把这远景和近景联成一个整体。
紫色和黄色的调子同河水和天空的蔚蓝色交织在一起，这些颜色的调子差别把这些自然现象区分得清清楚楚，而且平静如镜的河面，仿佛就成了天穹的基础。
几何学的透视已被忘却；它已让空气的不断运动代替了。
每一种颜色单独看来十分柔和，它们的整体却又是强烈的；出现在我们面前的是天边焰火弥漫，白昼即将消逝的图景，一条大帆船静静地停在一片灰色的半阴影之中。
这是一个幻想家的直观，在这烟雾缭绕、夕阳西下、一片忧郁的气氛之中，莫奈仿佛就是那光的生命，直接参与着它的逐渐熄灭。
这是莫奈创作中的丰收时期，是他创作了色彩的传奇。
圣拉查尔火车站绘于1877年的“圣拉查尔火车站”是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。
莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。
莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。
1883年莫奈过日维尔尼定居，他在那里建造了一座小花园，以便在那里画画；他在池溏里种了许多莲花，这使他发现了实现他纲领的主题：画一些坚硬的形体、水和空气，尽量使它们融合在一起。
这便产生的组画“睡莲”，“仙女池，玫瑰色的和谐”就是这组画其中之一。
这幅画反映了莫奈一种物我两融的愿望，但它没有一点悲怆的情调。
每一个研究莫奈创作活动发展的人都会发现，如果说最初的命运促成了莫奈的发展趋势，那么后来就是他自己创造了他的命运。
之所以莫奈成为“印象主义”风格奠基人、被他的朋友公认为“班首”，是因为莫奈不可动摇的坚强意志。
从所周知，印象主义意味着感觉和观察方式的变革，它不仅改变了绘画，而且改变了雕塑、音乐、文学，就是到了今天，它也没有失去影响力，仍然改变着我们。
代表作<<日出.印象>><<阿尔让特伊大桥>><<阿尔让特伊的帆船>><<卢昂大教堂>><<睡莲>>补充内容： 1840年2月14日，莫奈生于法国巴黎。
恰巧与著名的法国雕塑艺术大师罗丹的出生年、月、日完全一致。
父亲库路多、阿多洛夫、莫奈是一位商人，在法国北部港口阿弗尔与他的姐夫合伙经营着一家仪器店。
莫奈5岁时。
来致函父亲的身边。
在当地就学后，他将学校视同牢狱，在悬崖和海边嬉戏的时光多于听课，故此学习成绩不佳，在班上总是排在倒数几名的位置上，这个孩子唯一的爱好是绘画，他常常在笔记本上作素描，以老师和同学为对象画漫画，日积月累，倒也掌握了一些绘画技巧。
不过，父母对此不赞成。
小莫奈乐此不疲，加上与生俱来的秉赋，几年过后，他的漫画居然开始在文具里展出并且出售。
15岁的时候，莫奈在当地已小有名气，他为自己作品开出的 格是每幅20法郎。
经过画商的介绍，这位少年画家被专门描绘海上风光的画家布丹所看中，二人从此结识。
布丹动员他“学习用油画和素描来画风景”，乍开始莫奈并没在意，甚至是找借口有礼貌地加以拒绝。
由于布丹的一片诚心，终于感动了这位少年。
自学成才的布丹，习惯于在露天作画，他主张“一定要去寻找自然的纯朴的美”、“要顽强地保留最初的印象”。
对此，莫奈也深以为然，因为在他的内心里也充满了对大自然的热爱。
从1858年起，莫奈开始从布丹那里接受了有同于学院派的绘画思想，学习并动笔画外光画。
布丹所强调的：要特别注意对所描绘对象的第一印象、要注意光。
更是在他的心中深深地扎下了根。
就在二人一起到户外作画的过程中，莫奈创作了一些有关阿弗尔港、海港、日出、海上小船等题材的作品。
其中的1幅还与布丹的4幅作品一起在鲁昂的展览会上展出。
此后不久，在布丹的建议下，莫奈于1859年5月到了巴黎。
在巴黎，他看到了特罗容、杜比尼、柯罗等人的作品之后，极为赞赏。
经布丹介绍，莫奈与巴比松画派的画家有了接触，认识了该派代表人物之一的特罗容。
特罗容提醒他“道德要进一个专门画人体的画室，要学习素描”，要“常常到乡村去画速写”。
1860年，莫奈进了斯维赛学院，练习人体写生。
这个所谓的“学院”，不过是一间画室，斯维赛是它的主人的名字，这里既不讲课，也没有考试，只要交上一点钱，就可以画人体模特儿。
在这里，他接触到了后来成为印象派的一些画家，比如毕沙罗等。
在这里，还创作了一些风景画。
这一年的秋天，经抽签决定莫奈需服兵役。
此时，其父提出只要服从父母的意愿，安心在家做生意，就可以出钱雇人替他从军。
莫奈对此毫不理会，毅然参军，入伍后被编入法国的非洲军团。
不久，即随军到了阿尔及尔。
在画家的眼里，非洲的景色与光线是美丽迷人的，经过部队的允许，他得到了可以作画的时间，在那里，他曾为队长的夫人画了肖像。
1862年初，因为贫血，莫奈从军营回到阿弗尔家里养病。
这时他认识了荷兰画家琼康，并与琼康入布丹一起从事创作。
布丹作画的纤细，琼康对动感的重视，以及二人注意捕捉第一印象的画风，都给这位初出茅庐的画家留下了深刻的印象。
由于医生提出警告，如果莫奈回到非洲，将对他的身体极为不利，11月间，莫奈的父亲向当局提出了免除独生子兵役的申请，在交付了一定的费用之后，莫奈再次到了巴黎。
并进入了古典派画家格莱尔的画室。
在画人体的习作中，格莱尔要求大家按照古典的范画来修正自己的作品，要将人体描绘的尽量完美。
莫奈则坚持准确、真实地反映模特儿的特点。
他的主张得到了同室的巴齐依、雷诺阿、西斯莱的赞同。
这一年举办的沙龙落选画展中，莫奈看到了马奈的作品之后，受到了震动和启示。
在1863年，借复活节的休假之机，莫奈将同窗的画友带到了巴黎南郊巴比松村附近的枫丹白露森林，在那里进行创作。
在外光下，大家创作了一批具有巴比松风格的作品。
1864年，莫奈与这些画友离开了格莱尔的画室。
来到了昂弗勒作画。
在这里，莫奈的两幅描绘塞纳河的风景画《落潮的埃沃海角》（图2）与《昂弗勒港》，由于不同于学院派的造作手法，被选入1865年官方沙龙。
这一年里，他在枫丹白露开始了大幅油画《草地上的午餐》的创作该作品于1866年问世。
在总结了马奈同名作品在“沙龙落选画展”上引起的争议的基础上，莫奈是在画景之后才描绘的人物。
画面上的人物朴实无华，具有自然的动感，显示了画家的现实主义功力。
1866年，以恋人卡缪为模特儿，全身大幅肖像画《绿衣女》（图6）在同年的沙龙展出，该画受到了评论家左拉的好评；有一位诗人为作品乌 诗，被发表在《艺术家》杂志上；有的画商还要求莫奈根据原作再复制一件，准备送到美国去。
由于这次的成功，家里恢复了对他经济方面的支持。
同年夏天，莫奈创作的《庭院里的女人们》（图7），在1867年沙龙中落选。
1866年的秋天，为了避开讨债的人，莫奈自毁了约二百幅作品后，回到阿弗尔。
这时他的经济状况十分不妙，原因是父亲对于他和卡缪的关系很反感，从而断绝了经济上的支持，莫奈作品的销路又尚未打开。
为了解决继续创作用的画布，他不得不将业已画好油画上的油彩刮掉，重复使用。
1867年，怀孕的卡缪为莫奈的父亲所不容，留在了巴黎，莫奈住在姑母家。
7月卡缪生下第一个孩子，只好请在巴黎的巴齐依作教父代为照顾。
此后的几年中，莫奈始终在阿弗尔及其附近，与布丹、琼康，有时与库尔贝一起作画。
在这个时期里，由于与父亲的关系紧张，经济拮据，生活艰难。
为此，莫奈曾一度有过轻生的念头。
1869年，他回到巴黎，参加了“盖尔波瓦咖啡馆”里艺术家的聚会。
可能因为很早就离开了学校自感在受教育方面的不足，故而很少参与争论。
这时他的穷困程度，从8月间写给巴齐依的信中可以看出，信中提到：由于雷诺阿送来的面包，才没有饿死。
一个星期屋里没有炉火、没有照明。
到了该月月底，颜料用光，不得不停止了作画。
这时候的巴齐依也穷的典当了自己的表，雷诺阿连寄信的邮费都凑不齐。
对于莫奈也是爱莫能助。
1870年6月，莫奈与卡缪正式结婚。
9月，莫奈将妻、子托付给布丹照顾，只身一人去了伦敦。
在那里与杜比尼、毕沙罗相会，然后，和毕沙罗一起在泰晤士河及公园中作画。
在参观美术馆时，英国画家透纳（1775-1851）。
康斯太勃（1776-1837）的作品，使其为之倾倒。
为了给莫奈的作品找到销路，经杜比尼介绍，在这里认识了画商丢朗、吕厄。
此人对于穷画家们表示了同情，在经济方面从此一直在支援着他们。
1871年初，父亲去世，莫奈离开英国。
在杜比尼的动员下，到了荷兰并滞留到年底。
在阿姆斯特丹，他看到了日本 的“浮世绘”版画之后，其中色调极富生气的风景画，给他留下了美好的印象。
日后，他曾说到：它们的精致，使我欣喜。
我赞成它们的美学原则，利用阴影引起实感，利用片断引起整体感。
荷兰的港湾、运河、教堂、人家，特别是那里的风车，使他着迷。
回到巴黎后，在马奈的帮助下，莫奈在巴黎以北的阿让特伊定居。
对水情有独钟的这位画家，于1873年在塞纳河上建造了船上的画室，此后，他经常在船上作画。
充分运用了不同方向，角度的光照、颤动的空气来描绘水及水面上的景物，通过鲜明的轮廓，阴影以及闪动的亮点，创伤了一批作品。
此时，与他一起进行创作的还有西斯莱、马奈、雷诺阿。
1872年，莫奈创作了日后扬名于世的《日出、印象》。
这幅油画描绘的是从远处观望阿弗乐港口晨雾中日出的景象。
它在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出。
这幅作品本不是莫奈画作中最典型的，但是，由于一位名叫勒鲁阿的评论家，在4月25日的《喧噪》杂志上，发表了题为《印象主义的展览会》的文章之后，此画才名声鹊起。
该文对参展的许多作品逐地进行了潮讽，针对莫奈的《日出、印象》，他写道“糊墙花纸也比这海景更完整”。
与这幅作品标题不无关系地，该文作者将这次展览会戏谑地称之为“印象主义的展览会”。
加之莫奈本人曾经表述过“我所画的不过是印象而已”这样的观点，以及以他为首的这批年轻画家，确实注意捕捉对描绘对象的最初印象等因素，尽管这些画家中有要并不同意这个提法，但印象主义、印象派这个称号已经是不胫而走。
以致在1877年第3次联展时，干脆将其用作展览会的标题。
1874年的这次联展，是由莫奈倡议并和朋友们一起组织的独立画展出 ，以摄影家纳达尔腾出的几间工作室为展厅，参展画家共有30多人，其中包括德加、毕沙罗、塞尚、雷诺阿、西斯莱、摩里索等。
参展作品共165件，其中莫奈作品12件，通过这次展览，事实上确立了莫奈在印象派画家中的领袖地位，画家本人也已形成了用光、色的变化，来表现所捕捉的瞬里印象的画风。
作为这一新画风的典型作品，当数这次参展的莫奈的油画《卡普辛大街》（图17）。
1875年，经济上再次跌入窘境的莫奈，又向朋友们伸出了求援的手。
6月份，在给马奈的信中他写道：从前天起，已身无分文，肉铺和面包房都不再赊帐。
你能够寄给我20法郎吗
1876年，在第2次联合展览会上，展出莫奈作品18件。
对于此次展览，社会上反映比较冷淡。
莫标的油画《穿和服的女子》（图15），以2千法郎的高价售出。
同年，画家还创作了《火鸡》（图14）等作品。
并开始了有关圣拉扎尔火车站的一系列创作（图19上其中之一）。
1877年，第3次联合展览会在丢朗、吕厄的画店中举办。
展出作品共252件，莫奈作品30件。
为了维持生计，画家以每幅40—50法郎的低价，卖给了画商肖凯一部分作品。
1878年3月，当卡缪生下第2个孩子的时候，莫奈又面临困境，他在写给左拉的信中说：家中无法生火，妻子又在病中，昨天我跑了一天也未借到钱。
在另一封信中又说：如果明晚我付不出6百法郎，我们将被赶到街上。
在生活的重压下，加上长期与官方沙龙对立的结果，背离了当时被多数人维护的路线，这时的莫奈已在考虑如何适时抓住机遇，改善个人处境。
于是，在1880年将自己的两件作品送交了沙龙，莫奈此举被德加视为“变节”印象派画家之间出现了裂痕。
为此，莫奈没有参加第5、6次联展。
进入80年代，大海成了莫奈新的创作源泉。
此后的几年当中，在英法海岸，埃托塔等地，莫奈多次捕捉光与影的瞬间效果，创作了一批较之以前更富有冲击力的作品，为此有人将这一时期称作莫奈的“埃托塔时代”，图31、32是这个时期作品中的两件。
1882年3月1日，第7次联合展览会开幕，据马奈说：在这里，他“发现了印象主义的全部光辉作品”。
这次展览中有莫奈作品35件。
1886年的第8次联合展览，也是最后的一次，莫奈没有参加。
它标志着印象主义运动的解体。
自从1883年起，莫奈开始在吉维尼定居后，再也没有迁居。
吉维尼位于巴黎沿塞纳河到鲁昂的中间。
住所内环境幽美，景色宜人，有林荫路、花坛、池塘、小桥┉画家晚年的许多作品都是在这里完成的。
1889年6月，为了纪念法国大革命一百周年，莫奈与罗丹两位大师举办了作品的联合展出，其中包括1864—1889年莫奈的作品66件，博得了好评。
进入90年代，莫奈创作了若干组作品，即“组画”。
所谓的“组画”，就是画家在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同的光照下，所作的多幅画作。
这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。
比如1890—91年间，对同一干草垛，画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下，物体所呈现出的不同色彩，任职多达15次的描绘，图44、45是其中的两幅。
在1891—92年间，以同样的作法创作了“白杨组画”，图46、47是其中的两幅。
1900—04年间，创作了“伦敦风光组画”，图51是其中的一幅。
当1892—974年创作“鲁昂大教堂组画”时，莫奈租下了教堂对面的一间房子，从天明开始动笔，随着阳光的变化作画，一天下来，作品竟有20件，图48、49是其中的两幅。
在进行这种创作时，他常常是很早起来，满载着成车的画布，根据日光的变化，每隔两个小时改画一幅。
在80年代末、90年代初创作的组画还有《睡莲》。
1900年11月，在丢朗、吕厄的画廊展出莫奈的《池中睡莲》组画26件，获得极大成功。
1904年，又在该画廊展出了刚刚完成的有关泰晤士河风光的组画。
1908年9—12月，莫奈与夫人阿里斯一起前往威尼斯旅行。
南国的风光、温和的气候、湿润的空气，映在水面上的白云、建筑物，这一切都激起了画家的创作欲望。
在这里他创作的作品达30多件。
图52、53是这些作品中上两件。
1911年5月，继1879年莫奈夫人卡缪去世后，他的第2位妻子阿里斯又先他而去。
画家深陷于悲痛之中，视力也随之下降。
1914年，47岁的长子在长期患病后不幸亡故，已是高龄 的莫奈更是形单影孤。
在老朋友，曾任法国总理的克雷孟梭的劝说下，莫奈在自己的庭院中建成了长23米、宽20米、高15米的大画室，并着手创作大型装饰画《睡莲》毓系列。
1922年3月，他决定将完成后的该大型装饰画捐献给自己的祖国，4月12日，他在“赠与书”上签了名。
不久，由于白内障，画家几乎丧失了视力，9月，被医生禁止作画。
转年后，经过手术，视力有所恢复。
1925年，85岁的老画家独自一人，又在画定室、室外投入了大型壁画的创作之中。
在人们期待的目光里，这件足以反映出画家对光与色认识的深度，描绘技巧娴熟的大型壁画《睡莲》，业已耗尽了他的全部心力。
就在这件巨作完成的第2天、1926年2月6日，这位仅存的印象派大师永远地告别了人间，按照既定计划，《睡莲》被安置于卢浮宫旁、原法王亨利二世王后的土伊勒宫里宫中桔园的 园形大厅，作为永久性陈列品。
1927年建成的该厅，被誉为“印象派的西斯廷礼拜堂”。
（西斯廷礼拜堂内有波提切利等名家壁画，特别是米开朗琪罗的《最后的审判》，更是驰名世界）按照死者生前愿望，在他去世的第2天上午，举行过简单的告别仪式之后，即将遗体安葬于当地莫奈夫人的墓地。
送葬的除去一些艺术家外，还有当地的群众，以及克雷孟梭，期间并未安排讲话，献花等。
在静静中大家送走了这位艺术大师。
从印象主义的产生、发展看，始作俑者非马奈莫属，但真正完全实现印象主义理念和技法、并且一以贯之的当推莫奈。
是他将毕生精力献给了对西方画界产生了重要影响的印象主义，是以他为首的一批艺术家的不懈努力，突破了此前学院派的保守思想，极大地冲击了19世纪后半叶占据西方画坛统治地位的官方艺术，从而为掀开西方现代绘画史新的一页，作出了重要贡献。
为后人留下了宝贵的艺术财富。
应该说莫奈是印象派画家中最先获得成功的人，尽管后来的野兽派、立体派、超现实主义等艺术流派，并未遵循印象派创立的一些原则，但创立这些流派的艺术家，都从印象派那里汲取过营养。
还要提及的是印象派的理念、技法，本是基于现实的观察而提出的，但是，由于热中于描写光与色，甚至将其神秘化，从而出现了不顾及现实物象的倾向。
莫奈曾说过：作画里，要忘掉你眼前是哪一种物体，想到的只是一小方兰色、一小块长方形的粉红色、一丝黄色。
因此，就出现了画家的创作中的注意力，不是集中于要表现的景物上，而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上，或只是局限于表达在一定条件下，景物着光给画家留下的瞬间印象上。
因此，就有可能导致只抓住了细微的变化，而失去了解对全局的把握；只反映了微妙的色彩层次，而忽略了景物形体的后果。
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如何写出有销售力的文案
答复:如何撰写优秀的销售方案?几乎所有的售前方案都有这样一个大体的框架：1、行业趋势动向（行业趋势，竞争对手等）2、企业现状分析（目前企业问题分析）3、如何解决这些问题（策略方案）4、实现的价值和收益（我们可以带来的效果）5、项目的可实施的初步规划（人员安排、时间进度掌控、阶段工作计划、沟通流程、风险处理等）6、项目资金概算（报价）那么做SEO售前方案需要注意一些什么问题呢
其宗旨是为客户带来真正的价值。
一、了解客户的行业，给客户做好定位。
结合客户的需求，找到客户真正的价值所在。
客户是处于什么行业的，是通过什么样的方式盈利，做SEO的目的是什么
举个例子：客户1，简单机械类官网，通过网上渠道可以引导客户产生购买。
建议，优化以精准关键词排名为主，用户搜索的产品名称，产品型号等。
而不是说扩展长尾词如xxx怎么样，xxx好不好，或者给客户说做流量。
客户2：门户资讯站点，主要卖广告位。
那么用户访问量和浏览量则是该站点的关键。
客户3：电子商务站点：精准高转化关键词和流量是电商站点的决胜之道。
二、确定能够为用户带来价值的真正SEO操作，针对性进行竞争对手和目标站点分析。
竞争对手做到了什么程度，获得了哪些效果，有哪些地方可以借鉴
目标站点处于什么阶段，与竞争对手差距多大，为什么我们无法达到目标，我们的弱势在哪（了解弱势就有了解决问题的方向），优势在哪（了解优势我们可以事半功倍）
三、针对弱势环节提出针对性解决方案。
关于售前方案的一些小经验：目前SEO竞争很大，1个稍具规模的case，可能就有五六家的主流SEO公司去竞争，其他形形色色的公司不计其数。
在这么多的竞争对手中脱颖而出，不是一件容易的事。
1、格式，建议PPT。
PPT的整体风格、内容也是非常重要的。
需要好好准备，毕竟这是一家公司的门面形象。
2、了解看PPT的人，什么人看这个PPT，什么级别的，什么背景
选择一个主体。
如果是公司上级领导同时不懂技术，那么很多技术型的问题则很难让人产生共鸣。
而如果是一个比较严谨技术性的主体去观看PPT，则多以数据说话，同时数据的表现形式要有技巧（表格式的展现和图标曲线的展现给人的效果就不一样）。
3、养成总结复盘的好习惯。
这份售前方案为什么会成功，那份售前方案为什么会失败
建议经常做到实时总结与反思，售前方案自然会越来越得心应手。
著名艺术家的故事&简介
在漫长的人类生存史中，劳动不仅创造了人类，劳动也创造了人类文明，包括文化艺术与科学技术。
美术则属于前者，美术是占有一定的空间，以特定形象表达某种情感观念的视觉艺术，包括绘画、雕塑、建筑等。
美术是实践的产物，它的起源早于科学技术的起源。
远古时代，人们把野兽牙齿挂在脖子上，把一些动物的形象刻在石头上或画在身体上，以表示对神灵的敬仰；也有把不能食用但能够保存的较大部分如巨齿、尖角等供放在居住的洞穴中，作为一种生活的记录。
这些就是早期的美术，也称装饰或工艺美术。
技术是人类在利用自然、改造自然过程积累起来，并在生产实践中体现出来的经验与方法。
早期的耕作技术使我们的祖先开始了定居生活，他们种植农作物，并且进行狩猎，使他们的生活趋于安全与稳定，这样一来，他们才有时间和精力进行其他的活动，而他们体内原始的审美意识也在渐渐萌发。
随后的制陶、冶铁，建筑采矿、造船以及航天、计算机等等技术，对人类的生活产生很大的影响。
哥白尼创立日心说标志着自然科学的开始，17世纪以后，科学技术飞速发展，化学、光学、电力学、遗传学等等学科相继确立，人们也相继迎来了蒸汽机时代，电力时代，信息时代，科技的步伐令我们追赶不暇。
技术与科学的出现和进步，为美术的发展提供了崭新的手段，揭开了美术的新篇章。
如远古时代只有石凿技术以红土为材料，所以产生的岩画壁画粗犷豪放；新石器时代的制陶技术的产生，彩陶上面才能留下漂亮的几何图案和动物形花纹；治炼技术的发明，人们才可以浇铸出司母戊大鼎，金属质地的凿子才能雕出大卫等杰作；榨油技术的产生使凡•爱克兄弟发明了油画颜料，达•芬奇才可能留下蒙娜丽莎永恒的微笑；电脑技术的应用，才可能创造出那么多的经典电影画面，成为永恒的经典。
技术与科学的发展促进了美术的发展，如材料学分化工技术的进步使绘画产生了许多 新的画种，比如版画、水彩画、水粉画、色粉、丙烯、综合材质，电脑绘画等，同一画种因技法的不同而形成不同派别，如油画的古典派、印象派、野兽派，立体派以及中国画的工笔、写意、界画等等。
科技的发展还为美术的发展提供了更加广阔的舞台。
纺织术造纸术、印刷术的发展，从最初的画在岩石上发展到画在布上，纸上或板上；电脑技术与功能的逐渐完善，使绘画从最初的写生临摹发展到电脑绘画以及全息美术作品生动逼真、声光电并用和三维动画等。
摄影术从上个世纪诞生起，对生产生活，科学研究产生着巨大影响。
可是发明实用摄影术的路易•达盖尔青年时代却是一个画家，他为了找到降低油画肖像成本的机械小窍门，经过25年的摸索，终于发明了银版摄影术。
虽然摄影技术的革新层出不穷，使人们的视觉得到了前所未有的开阔。
由此可见，没有科学技术是可以产生美术的，但是脱离科学技术的美术却是缓慢发展的，科技与美术之间没有鸿沟，科技与美术相得益彰。
培根说过“当科学被应用到技术领域的时候，人们的生活方式将发生革命”。
现代科学技术的高度发展为艺术家们开拓了许多神奇瑰丽的新世界。
为了科技的进步，许多人都付出了毕生的精力，他们那种实事求是，一丝不苟的治学态度更是让人敬佩，这种精神是永不过时的，这也是他们能取得成功，科技能得到充分发展的重要原因，搞美术也同样需要这种精神，在追求艺术创新的过程中，认真对待生活中的素材，仔细地观察事物和现象从现实生活中寻找灵感，创造出高于现实生活的作品。
科学与艺术不一样。
科学的规律是进步的规律，艺术是越来越繁荣、越丰富，艺术不用进步的说话。
过去晚上点松明、点茶油灯、点桐油灯、点蜡烛。
屈原的辞望就说：“兰膏明烛，华灯错些”，指的当然不是电灯。
过去步行、骑马坐轿，现在轮船、汽车、飞机，那是科学的恩泽。
艺术没有这种进步的要领，都要人亲历亲为，都要在人生百年短暂的时空中仓促完成。
换一个人又要从头再来。
科学明显地有经验、成果可以继承，在前人的阶梯上积累上升，感受到进步的缘由。
艺术有如俄罗斯谚语所云：“不管你爷爷多高，你还要靠自己长大。
”6000年前的仰韶彩陶，给我们留下了那么多高超的造型艺术作品——陶罐，有什么人敢于大胆地说可以超越它，比它进步呢
当时仰韶的老祖宗生活简单，唱歌跳舞，自然都只能是彩陶似的原始形式，也没有录像，没有什么东西能够记录下来，于是它就有一种让6000年以后，我们这些后学叹为观止的原始艺术深度，我们老祖宗高超手艺的艺术结晶。
艺术创作是一个人一生探险的结果。
时代在进步，科学文明的演发，促成人们创作更丰富的作品，享受更丰富的艺术成果，从而人们更确信艺术区别于科学的那种特殊的手脑价值。
齐白石、徐悲鸿、李可染的孩子们，当然有权力继承父业，但是人们更重视的是齐、徐、李本人的创作精神。
毕加索最大的孩子，无所事事，享受的余音之余，不过是为老头子开开汽车，其余的孩子有些做手饰、有的做香水这类的生意。
老一辈的辛勤钻研，很不可能像科学成就俱列的那样现对现、硬碰硬，它是一种更心灵的东西，何况还要紧紧跟上的手艺。
买电脑，人们不在乎是不是盖茨本人经手的原作，买艺术品如果碰到假的，你就会气得死去活来。
艺术的发展 艺术有一个铁打的基础，都要凭人的智慧和手艺做出来。
那么自然的美呢
客观的东西，也需要人来肯定，没有人，美的存在就没有依托。
人不断地在探索美的新边疆，美越来越丰富、广阔。
刚才讲的过去的仰韶就只有陶罐，没有更多的东西，现在当然更多了，绘画、造型艺术，什么都有。
在我小时候，我听滩国戏、高腔，然后是京戏、汉戏，现在我不晓得你们年轻人听过多少种东西了，白天晚上都有去处。
那时的艺术天地没有现在广阔，当然现在的东西我也能听得下去，不过有时也受不了。
反对的只有一种，就是没有文化的那种，歌词写得不通，前句不对后句，简单地讲我不喜欢香港唱的那种歌。
我喜欢外国现代歌曲，中国(内地)的从古到现在我都喜欢。
吵也不怕，亲吻也不怕，没有文化我怕。
艺术像希腊神话的大力士山神，没有谁比他更有力量。
但是山神害怕离开上地，一离开就完了，最后他的敌人是把他捧起来，掐死的。
艺术不能离开土地，离开人民，跟人民的生活，跟土地是连接在一起的。
18世纪的产业革命是近代艺术的催化剂，是现代美术的“产婆”。
蒸汽机出现了，手和脚的力量增强了十万、百万倍。
钢铁让世界立体化起来了，有了质量很高的钢铁，有了水泥，就有了高楼大厦，也有了时间同速度，有了汽车，让人的时间更多了，人更自由了。
由于人有了开发思想，以前的世界里荒凉的边疆，成了富强之源。
像非洲，像阿拉伯，过去没有强项，现在交通发达了，有了现代化的设备，开发出了大量的石油。
新城市的新高楼一座座崛起，新城市的新的概念，新的制度，新的习惯逐渐形成了。
在这种情况下，于1875年开始出现了一群年轻人。
这些年轻的画家们对从前的世界产生了怀疑，我们以前的世界都是古铜色的吗
因为以前的画都是古铜色的。
那太阳到哪里去了
太阳为什么不到画里面来呢
于是他们这帮人开始用颜料在一切景物上画出太阳光的效果。
这样一种发明在当时的传统老画家心眼里面，感觉是大逆不道的，因此，不让他们到展览馆里展出。
于是他们只好在展览馆的外面搭个棚子，开画展。
那些大人先生们看了这些画之后就骂他们，说这算什么画，简直是印象派嘛
所以印象派这个名词是骂出来的。
在当时，这个名词是贬义词。
到了25年以后，有位学者看了画家莫奈(C．Monet，1840—1926)的画。
其中有三张，画的都是同一个教堂的门口，一张画是早晨，一张画是中午，一张画是晚上，构图都相同。
早上的画是蒙蒙的，中午是强烈的阳光，晚上是发红的黄昏的落日的反映。
这位老先生曾经反对过他们，看了莫奈的画之后的一天早上经过教堂的门口，发现门边的景色真像莫奈所画的一样，感到震惊。
原来世界上还这么美，还可以这么画，美还可以这么去表现。
莫奈把人对于美的概念开辟出了新天地，打开了他们的眼界，叫醒了他们。
后来印象派在表现上、题材上又有了新的发展。
所以，一切的绘画到了19世纪以后为什么变化那么大，都是因为交通发达了，物质生活丰富了的原因。
有一位19世纪早期的画家马奈(E．Manet，1832—1883)画了一幅画，叫《草地上的午餐》，画面是巴黎附近的黑森林，一群绅士们同一些裸体女孩在午餐。
大人先生们认为这大逆不道，怎么可以同一些一丝不挂的女孩子在一起呢
骂了一阵之后，脑子也开窍了，原来题材可以这么去捕捉。
下面的这个印象派画家更厉害，叫高更(P．Gauguin，1848—1903)，他跑到太平洋的一个岛上去，跟土人生活在一起，自己参与了生活。
画了很多的好作品带回来，还带回了很多原始的艺术雕刻，使人们认识到了原始风土艺术的美。
高更认为画什么并不重要，怎么画是重要的，强调为画而画。
跟中国画家强调笔法、墨色一样，他强调比较。
那时还没有发明彩色胶卷，但他对颜色的理论跑到彩色胶卷的前面了。
他说颜色蓝的和黄的合起来是绿的，如果把蓝点子和黄点子点在一起，不把它合起来，分开来点，老远看起来，绿的颜色就动了，跳起来了。
合起来点就弱了。
到后来有一个画家塞尚，是印象派最后一个大画家。
他在绘画的方法上，讲出了自己的妙处。
他认为形体都是一块块堆积起来的，那么也就可以用一块一块的颜色增强体积感，一个平面一个平面地画。
这个主张提出并画出一些很妙的画之后，出现了像毕加索这些人。
毕加索在他的基础上，进行了更夸张、更形象、更巧妙的表现，画出了一些稀奇古怪的画。
在今天看来，那些画表现了纯绘画中的那些妙处，不是一般的现实主义的画或者历史画。
这就又兜回到了我们的八大山人，兜回到以后的齐白石的画上来了。
艺术的士地面积不大，但是艺术不停地在打圈，越打圈越高，而且定点的位置就那么几样，不过高度不同了，是以这种方式在上升的。
城市大量出现以后，人都集中到了现代都市，变成了现代城市的奴隶。
城市犹如大自然的山脉一样巍峨。
早晚的光、颜色的变化，成为新艺术的温床。
那时音乐界的德瓦夏克——捷克人，在美国音乐学院任第一任院长，他的交响乐《致新大陆》，打破了以前古典音乐的要领。
美国第一个交响乐家盖茨温的《蓝色狂想曲》《美国人在巴黎》也都奏出了新世纪的声音。
有了城市，有了新的生活，才会出现这样的音乐，这样的绘画，这样的美术，创造了新的艺术。
新的艺术是一代一代发展起来的，越来越繁荣，不是一种进步。
我到美国一所大学里去，那里搞艺术的先生们、教授们要给来访的中国人上上课，我们美术代表团只两个人，一个是华君武，一个是我，我们开玩笑说咱们轮流作团长。
那些人要给我们上课，讲的东西很幼稚。
他们要给我们讲一讲现代艺术，主要意思是我们的艺术是进步的，你们的艺术是落后的。
我就告诉他们，艺术没有落后进步的问题，只有繁荣，它不像科学，我说有些事情你们并不清楚，我讲给你们听，倒过来我就给他们讲了两个钟头，听者有很多人。
后来一个人又说你们中国人不懂得空间，另一个美国教授又把他臭骂了一顿，说你懂什么，空间是中国来的。
美术一分钟演讲
美术属于社会意识形态之一，指占据一定空间、具有可视形象以供欣赏的艺术。
包括绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等，在中国还包括书法和篆刻艺术。
“美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶。
近代日本以汉字意译，五四运动前后传入中国，开始普遍应用。
也称“造型艺术”。
美术是以物质材料为媒介,塑造可观的静止的，占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术．表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态．通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。
最早是从古希腊开始,苏格拉底就提出了,美是什么?一直到他的学生柏 拉 图 提出 理式说,认为美是理性的感性显现,,,一直到今天不断地有艺术评论家推陈出新的概念!任何人对美都会有自己的看法,不同的时代成就不同的艺术!
