什么是后现代主义
所谓“后现代”并不是指时间上的处于“现代”之后，而是针对艺术风格的发展演变而言的。
后现代主义是指在反抗现代主义方法论的一场运动，它在文学、哲学、批评理论、建筑及设计领域中得到广泛的体现。
后现代主义首先体现于建筑界，而后迅速波及到其它涉及领域。
后现代主义最早的宣言是美国建筑师文丘里于1966年出版的《建筑的复杂性与矛盾性》一书，他的建筑理论“少就是乏味”的口号是与现代主义“少就是多”的信条针锋相对；另一位后现代主义发言人是斯特恩，他强调建筑的文化内涵、建筑与环境的关系和建筑的象征性，并把装饰作为建筑不可分割的部分，他把后现代主义主要特征归结为三点：即文脉主义、引喻主义和装饰主义；后现代主义源于60年代，在70-80年代的建筑界和设计界掀起了悍然大波。
查尔斯·穆尔设计的新奥尔良意大利广场是后现代主义设计思想的典型体现；文丘里之后，英国建筑师和理论家查尔斯·詹克斯为确立建筑设计的后现代主义理论做出了重要贡献
后现代主义是什么意思啊
后现代主义的概念在理论界一般认为：它是产生于20世纪50年代末60年代初的文化思潮，在哲学、宗教、建筑、文学中均有充分的反映。
它与现代主义有本质的区别。
但是“后现代主义”又是一个模糊的、非特定的文化概念，它不是一个具体的艺术风格流派，而是包括观念、态度、知识、行为、思维变化而形成的具有时代性的文化思潮，在这里它强调从任意艺术、反艺术、反文学、自我破坏艺术和新小说等方面来论述艺术的发展。
美国学者弗雷德里可·杰拇逊教授在《后现代主义与文化理论》中，概括了后现代主义文艺四个基本审美特征： 1．主体消失。
在后现代文化氛围中，传统的价值观念和等级制度被颠倒了，现代主义中的个性和风格被消除得一干二净，主体成了某种破碎的幻象。
2．深度消失。
现代主义艺术总是以追求乌托邦的理想、表现终极真理为主题，而后现代主义艺术则放弃了作品本身的深度模式，不再具有思想，不再提供解释，拒绝挖掘任何意义，仅仅追求语言快感。
3．历史感消失。
历史永远是记忆中的事物，而记忆永远带有记忆主体的感受和体验。
现代主义艺术因追求深度而沉迷于历史意识，而后现代主义艺术中，历史仅仅意味着怀旧，它以一种迎合商业目的的形象出现。
4．距离消失。
在现代主义艺术看来，距离既是艺术和生活的界线，也是创作主体与客体的界线，它是使读者对作品进行思考的一种有意识的控制手段。
后现代艺术中，由于主体的消失，作品失去深度和历史感，仅仅具有作用于人感官的刺激性，而没有任何启发和激扬的功能，换言之，它强调的只是欲望本身。
虽然“后现代”作为一个口号自20世纪60年代以后已尽人皆知，但它作为一个概念，涵义却既丰富又模糊，要对后现代主义下个特定的、精确的、统一的定义，并被大家所认可，这几乎是不可能的，实际上也没必要。
对我们来说，重要的是要弄清每个定义所指向的内涵，隐含在该定义背后的价值取向，从而对后现代主义这个概念形成较深入、较全面的认识，并在这个基础上建构自己独特的看法。
因此，下文列举了几种学者对后现代主义内涵的界定，以供参考。
学者沈语冰认为，后现代主义不是一个风格概念，不是一个时期概念或一个艺术运动的概念，不是西方当代艺术的现实，它只是、并且始终只是一种观念形式，一个批评概念或美学概念；同时也不是一个媒介概念或艺术样式的概念。
后现代主义是一场发生于欧美60年代，并于70与80年代流行于西方的艺术、社会文化与哲学思潮。
其要旨在于放弃现代性的基本前提及其规范内容。
在后现代主义艺术中，这种放弃表现在拒绝现代主义艺术作为一个分化了文化领域的自主价值，并且拒绝现代主义的形式限定原则与党派原则。
其本质是一种知性上的反理性主义、道德上的犬儒主义和感性上的快乐主义。
有的学者提出，后现代主义不可能是“哲学”，哲学在后现代思潮中已经死亡了；后现代主义是一只口袋，里面盛满了传统哲学主张的反对、控诉、戏谑和讽刺；它基本上是否定性的，它欢呼哲学的终结，但并不致力于新的创造；它抛弃以往哲学的信心和雄心，但大多数后现代主义者也并不那么谦恭。
学者王治河为了更深入、更全面地分析、理解和把握后现代主义这一错综复杂的思想潮流，将它分为三种形态，即激进的或否定性的后现代主义、建设性或修正的后现代主义、简单化的或庸俗的后现代主义。
作为一种思维方式的激进的后现代主义，志在向一切人类迄今为止所认为究竟至极的东西进行挑战，志在摧毁传统封闭、简单、僵化的西方思维方式，它反对任何假定的“前提”、“基础”、“中心”和“视角”。
建设性的后现代主义则侧重于在激进后现代主义开辟的空间中从事建设性的耕耘，积极寻求重建人与世界、人与人的关系，积极寻求重建一个美好的新世界；建设性后现代主义鼓励多元的思维风格，号召人们要像读一首诗、一部神话一样来解读哲学原著和哲学文本；它还倡导对世界的关爱，这显然是针对现代人的对世界态度冷漠、感觉迟钝的心态而发的。
庸俗的后现代主义是对激进的后现代主义和建设性的后现代主义的庸俗化，它坚持现代主义与后现代主义之间的二元对立，认为后现代主义是对其对立面——现代主义的绝对否定，殊不知，后现代主义对现代主义的否定是建立在肯定、吸收现代主义的精华的基础之上的；它抽掉了或者说没把握到后现代主义的底蕴，仅仅抓住了后现代主义的某个或某些表面特征，以偏概全，视其为后现代主义的本质特征，例如有人将“后现代主义”简化为某种文学艺术上的后现代主义；它视后现代主义的策略为目的；它用单一的原因解释后现代主义的产生及其理论内容。
有的学者提出，对于后现代主义的概念，可以在不同的维度上来理解。
作为一种社会历史的分期的后现代，是指西方现代社会之后的所谓“后工业社会”。
20 世纪中期以后，大部分发达资本主义国家已经完成工业化的任务，进入了所谓“后工业社会”或称信息时代，也就是后现代的时期。
作为一种社会思潮的后现代，反映了人类在现代社会中的感受及其反思。
现代社会是一个物质和技术至上的时代，人的自由和自主受到了压抑；现代社会尽管取得了前所未有的物质成就，但这一切是以破坏人类的生存环境与和平理想为代价的。
因此，后现代思潮是对现代社会的反思。
作为一种哲学流派的后现代哲学，是对 17 世纪以来西方“启蒙哲学”的批判。
有的者提出，后现代主义本来是指一种以抛弃普遍性、背离和批判现代主义的设计风格为特征的建筑学倾向，后来被移用于其他诸多领域。
还有的学者提出，后现代主义的规定特性就是对现代主义规定特性的排斥，代之以信仰多元；技术的效果进行多方面审视；审视发展是否总是必然的，从而产生一个严肃的主张。
如果用其他标准审视，“技术发展”可能根本就不是发展。
什么叫做“后现代主义”
代表作者和作品是哪些
后现代主义(postmodernism)是20世纪60年代主要是80年代以来盛行于西方世界的一种泛文化思潮，也是对现代文化哲学和精神价值取向进行批判和解构(deconstruct)的一种哲学思维方式和态度。
代表作者和作品： 1 王岳川.后现代主义文化研究.北京大学出版社，1992.7～8 2 王小章.后现代景观下的心理学.心理科学，1998,21(4):354～357 3 李铮.后现代思潮与心理学.安徽师范大学学报，1999,27(1):39～41 4 Kvale S,Postmodern psychology:a contradiction in abject?The Humanistic Psychologist,1990,18(1):35～54 5 邵迎生.对当代心理学中文化冲突的后现代思考.南京大学学报，1999,36(4):164～167 6 车文博.西方心理学史.台湾东华书局，1996.537～541；浙江教育出版社，1998.537～541 7 车文博.人本主义心理学.台湾东华书局，2001.16～21,357,170 8 车文博（主编）.弗洛伊德主义论评.吉林教育出版社，1992,1191 9 Aanstoos C M eds.Psychology and postmodernity [Special issue].The Humanistic Psychologist,1990,18(1):3～6 10 高峰强.现代心理范式的困境与出路――后现代心理学思想研究，人民出版社，2001.198 11 Kvale S.From the archaeology to the architecture of culture.Landcaps K S eds.Psychology and Postmodernism.Sage Publications.London:1992.10 12 Gergen K J.Exploring the postmodern:perils or potentials?American Psychologist,1994,49(5):412～414 13 DeCarvalbo R G.The founders of humanistic psychology.New York:Greenwood Publishing Group,Inc.1991.62 14 弗兰克?戈布尔著（吕明等译）.第三思潮：马斯洛心理学.上海译文出版社，1987.32
什么是后现代主义画派
代表画家是哪些
20世纪前期的现代主义建筑的代表人物曾对建筑的实用功能技术经济艺术以及社会作用作了全面的探讨，提出了一整套改革和创新的见解。
相比之下，后现代主义建筑思潮的倡导者主要关心的只是形式和艺术的方面。
现代主义思潮的出现是人类建筑史上一次全面，剧烈的革命性变化的产物，而后现代主义只是现代建筑在形式和艺术风格方面的一次演变。
后现代主义建筑的出现并不意味着现代主义建筑的“消亡”。
现在看来，可以认为后现代主义建筑也是对20年代现代主义建筑的部分修正和扩充，是现代主义建筑多样发展的又一种表现。
其中心是反对米斯·凡·德罗的“少则多”）减少主义风格，主张以装饰手法达到视觉上的丰富。
提倡满足心理需求，而不是仅仅以单调的功能主义为中心。
设计上的后现代主义大量采用各种历史装饰，加以折中处理，以打破国际主义风格多年来的垄断。
20世纪60年代美国建筑家罗伯特·文丘里（Robert Ventury）出版的《建筑的复杂性与矛盾性》一书被视为后现代主义的最早宣言。
在书中他首先肯定了现代主义对人类文明进程做出的伟大贡献，同时，他又指出现代主义已经完成了它在特定历史时期的使命。
过时的现代主义将成为设计的思想桎梏。
一切都变成平庸无奇，千篇一律的空白设计。
而风格混乱、含义模糊的文脉主义、隐喻主义和装饰主义将引导后现代主义设计的发展方向。
20世纪60年代以后，西方建筑领域出现的两大创作思潮之一。
晚期现代主义把现代派的观念及形式推向极端、夸张建筑物的结构与技术形象、力求使建筑具有娱乐感或有审美的愉悦，由此创立了一种精巧复杂或做作的“超现代”风格。
晚期现代主义往往采用极端的逻辑性、极端的重复模数制构件进行创作，它过分强调构造细部、结构、一些引人入胜而非有意的隐喻以及某种感官形象。
它所具有的几种倾向，如：极端的理论性、极端强调交通线和极端强调力学特性的夸张表现等等，都是“超现代”的。
它把技术因素变成为刻意追求的装饰因素，注重抽象化造型（单一译码），具有手法主义（Mannerism）倾向，形成了一种独特的“超现代”风格。
后现代主义建筑有三个特征：采用装饰；具有象征性或隐喻性；与现有环境融合。
现代主义主张纯净，后现代主义主张混杂；现代主义主张理性，后现代主义强调感性；现代主义主张标准化、程式化的一致，后现代主义主张多样化、矛盾化的折衷；现代主义主张房屋是居住的机器（勒·柯布西埃语），后现代主义主张建筑是思想的容器，是人类生活的精神家园（查里斯·摩尔语）。
因此，概括看来，后 现代主义是对现代主义建筑在人类精神生活、人性方面全面失败的深刻反思，是对现代科学技术、激进理性主义全面涉及建筑的激烈反弹。
现代主义建筑在诞生之初是以适应现代科学技术，适应现代生活节奏，符合时代潮流为其鲜明的旗帜与响亮的号角的。
因而，现代主义建筑的操作形式与追求目标即完全采用了现代科学技术规范的那一套，即老四化――标准化、同步化、集中化、大型化。
也因此，现代主义建筑的技术要求即表现为： ①强调功能，按理性逻辑由内而外设计； ②注重应用最新技术与最新建筑材料，如滑模式施工、玻璃幕等； ③追求简洁、明快、抽象的几何形体，反对装饰，追求新、光、挺、薄； ④以空间组合代替传统的形体组合等，并主张建筑的外部形式反映内部功能，同样的空间采取同样的外形等。
但是，当现代主义建筑大师们以饱满的激情与口号率领徒子徒孙们在建筑界大展身手，并取得辉煌的成果的时候，人们却惊异地发现：全世界竟然布满了冷冰冰的同样材料、同样玻璃、同样电梯、同样空间，甚至同样的柱距的大大小小的方盒子――这就是布满激情的现代主义建筑吗
这就是现代建筑的出路吗
与此同时，全世界的所有的城市在迅速地丧失着自己的文化特色、传统特色、地域特色、环境风格等。
甚至欧洲的不少拥有独特文化背景与历史渊源的古老城市也变得像纽约、洛杉矶一样了
换句话说，全世界的所有城市都变得像一个模子铸出来的同一型号的机器了。
这不能不说是一种莫大的悲哀。
在这里，现代主义建筑表现为缺乏感性、缺乏个性、缺乏特色、缺乏历史文脉的传统传承等共时性的特征。
后现代主义流行原因
后现代主义的概念在理论界一般认为：它是产生于20世纪50年代末60年代初的文化思潮,在哲学、宗教、建筑、文学中均有充分的反映.它与现代主义有本质的区别.但是“后现代主义”又是一个模糊的、非特定的文化概念,它不是一个具体的艺术风格流派,而是包括观念、态度、知识、行为、思维变化而形成的具有时代性的文化思潮,在这里它强调从任意艺术、反艺术、反文学、自我破坏艺术和新小说等方面来论述艺术的发展.美国学者弗雷德里可·杰拇逊教授在《后现代主义与文化理论》中,概括了后现代主义文艺四个基本审美特征： 1．主体消失.在后现代文化氛围中,传统的价值观念和等级制度被颠倒了,现代主义中的个性和风格被消除得一干二净,主体成了某种破碎的幻象. 2．深度消失.现代主义艺术总是以追求乌托邦的理想、表现终极真理为主题,而后现代主义艺术则放弃了作品本身的深度模式,不再具有思想,不再提供解释,拒绝挖掘任何意义,仅仅追求语言快感. 3．历史感消失.历史永远是记忆中的事物,而记忆永远带有记忆主体的感受和体验.现代主义艺术因追求深度而沉迷于历史意识,而后现代主义艺术中,历史仅仅意味着怀旧,它以一种迎合商业目的的形象出现. 4．距离消失.在现代主义艺术看来,距离既是艺术和生活的界线,也是创作主体与客体的界线,它是使读者对作品进行思考的一种有意识的控制手段.后现代艺术中,由于主体的消失,作品失去深度和历史感,仅仅具有作用于人感官的刺激性,而没有任何启发和激扬的功能,换言之,它强调的只是欲望本身. 虽然“后现代”作为一个口号自20世纪60年代以后已尽人皆知,但它作为一个概念,涵义却既丰富又模糊,要对后现代主义下个特定的、精确的、统一的定义,并被大家所认可,这几乎是不可能的,实际上也没必要.对我们来说,重要的是要弄清每个定义所指向的内涵,隐含在该定义背后的价值取向,从而对后现代主义这个概念形成较深入、较全面的认识,并在这个基础上建构自己独特的看法.因此,下文列举了几种学者对后现代主义内涵的界定,以供参考.学者沈语冰认为,后现代主义不是一个风格概念,不是一个时期概念或一个艺术运动的概念,不是西方当代艺术的现实,它只是、并且始终只是一种观念形式,一个批评概念或美学概念；同时也不是一个媒介概念或艺术样式的概念.后现代主义是一场发生于欧美60年代,并于70与80年代流行于西方的艺术、社会文化与哲学思潮.其要旨在于放弃现代性的基本前提及其规范内容.在后现代主义艺术中,这种放弃表现在拒绝现代主义艺术作为一个分化了文化领域的自主价值,并且拒绝现代主义的形式限定原则与党派原则.其本质是一种知性上的反理性主义、道德上的犬儒主义和感性上的快乐主义.有的学者提出,后现代主义不可能是“哲学”,哲学在后现代思潮中已经死亡了；后现代主义是一只口袋,里面盛满了传统哲学主张的反对、控诉、戏谑和讽刺；它基本上是否定性的,它欢呼哲学的终结,但并不致力于新的创造；它抛弃以往哲学的信心和雄心,但大多数后现代主义者也并不那么谦恭.学者王治河为了更深入、更全面地分析、理解和把握后现代主义这一错综复杂的思想潮流,将它分为三种形态,即激进的或否定性的后现代主义、建设性或修正的后现代主义、简单化的或庸俗的后现代主义.作为一种思维方式的激进的后现代主义,志在向一切人类迄今为止所认为究竟至极的东西进行挑战,志在摧毁传统封闭、简单、僵化的西方思维方式,它反对任何假定的“前提”、“基础”、“中心”和“视角”.建设性的后现代主义则侧重于在激进后现代主义开辟的空间中从事建设性的耕耘,积极寻求重建人与世界、人与人的关系,积极寻求重建一个美好的新世界；建设性后现代主义鼓励多元的思维风格,号召人们要像读一首诗、一部神话一样来解读哲学原著和哲学文本；它还倡导对世界的关爱,这显然是针对现代人的对世界态度冷漠、感觉迟钝的心态而发的.庸俗的后现代主义是对激进的后现代主义和建设性的后现代主义的庸俗化,它坚持现代主义与后现代主义之间的二元对立,认为后现代主义是对其对立面——现代主义的绝对否定,殊不知,后现代主义对现代主义的否定是建立在肯定、吸收现代主义的精华的基础之上的；它抽掉了或者说没把握到后现代主义的底蕴,仅仅抓住了后现代主义的某个或某些表面特征,以偏概全,视其为后现代主义的本质特征,例如有人将“后现代主义”简化为某种文学艺术上的后现代主义；它视后现代主义的策略为目的；它用单一的原因解释后现代主义的产生及其理论内容.有的学者提出,对于后现代主义的概念,可以在不同的维度上来理解. 作为一种社会历史的分期的后现代,是指西方现代社会之后的所谓“后工业社会”. 20 世纪中期以后,大部分发达资本主义国家已经完成工业化的任务,进入了所谓“后工业社会”或称信息时代,也就是后现代的时期. 作为一种社会思潮的后现代,反映了人类在现代社会中的感受及其反思.现代社会是一个物质和技术至上的时代,人的自由和自主受到了压抑；现代社会尽管取得了前所未有的物质成就,但这一切是以破坏人类的生存环境与和平理想为代价的.因此,后现代思潮是对现代社会的反思. 作为一种哲学流派的后现代哲学,是对 17 世纪以来西方“启蒙哲学”的批判.有的者提出,后现代主义本来是指一种以抛弃普遍性、背离和批判现代主义的设计风格为特征的建筑学倾向,后来被移用于其他诸多领域.还有的学者提出,后现代主义的规定特性就是对现代主义规定特性的排斥,代之以信仰多元；技术的效果进行多方面审视；审视发展是否总是必然的,从而产生一个严肃的主张.如果用其他标准审视,“技术发展”可能根本就不是发展.
经常听到什么现代主义,后现代主义,浪漫主义之类的东东,有人可以给我讲讲是怎么回事吗?
现代主义 Modernism 20世纪初以后西方各个反传统的文学流派、思潮的统称。
现代主义文学深受康德、尼采、威廉·詹姆斯、弗洛伊德、柏格森、荣格等人的哲学、心理学理论的影响。
现代主义在思想内容方面的最大特征，是在人与社会、人与人、人与自然（包括大自然、人性和物质世界）和人与自我4种关系上表现出来的尖锐矛盾和畸形脱节，以及由之产生的精神创伤和变态心理，悲观绝望的情绪和虚无主义的思想。
现代主义强调表现内心的生活、心理的真实或现实；认为艺术是表现，是创造，不是再现，更不是模仿；主张内容即是形式，形式即是内容，离开了形式无所谓内容。
现代主义的重要创作手法之一是自由联想。
在艺术风格上，广泛运用意象比喻、不同文体、标点符号甚至拼写方法和排列形式来暗示人物在某一瞬间的感觉、印象和精神状态；作品结构变化突兀、层次繁多；故事情节似有若无，怪诞荒谬；人物形象扑朔迷离，违背常情常理。
许多西方学者认为，20世纪70年代以后，现代主义已经逐渐被后现代主义所取代。
现代主义主要包括未来主义、达达主义、超现实主义、表现主义、意识流小说、荒诞派戏剧、黑色幽默、存在主义、法国新小说派等文学流派。
后现代主义 Post Modernism 20世纪50年代以后欧美各国继现代主义之后前卫美术思潮的总称。
又称后现代派。
其含义无明确界定。
后现代主义的艺术中心在美国纽约。
抽象表现主义将超现实主义倡导的表现潜意识的创作理论加以发挥，并赋予画家的主体的行动，开辟了后现代主义的先河。
之后出现的色面绘画、硬边抽象和后色彩性抽象的共同特征在于强调色彩作为独立艺术语言的美学价值。
严格说来，真正的后现代主义始于波普艺术，它将象征消费文明和机械文明的废物、影像加以堆砌和集合，以示现代城市文明的种种性格、特征和内涵。
法国的新具象主义也是一种，通过一定媒介和行为，对当代现实进行批评和反省，以及自我反省。
新达达主义又是一种，它将达达主义对传统文明的挑战和戏弄的行为变为对这些行为的赞美。
波普艺术以新奇、活泼、性感的手段来刺激大众的注意力，同时向实际生活渗透而产生综合艺术，最早的综合艺术制作者为R.劳申伯格和J.琼斯。
与此同时又出现最少派艺术——注意标准化、规格化，毫无个性，其中雕塑抛弃台座，反叛传统风格。
并排斥艺术的一切再现的特征，以单一几何形态或几个单一形体的连续来形成作品。
60年代，环境艺术流行，旨在制造空间、支配空间，以整个环境作为作品，消灭平面与立体的差异，使可观与触摸、视觉与听觉的界限消失。
与环境艺术几乎同时，产生了偶发艺术，类似戏剧的一种表演艺术。
以后又出现适当处理大自然的大地艺术（或称地景艺术）。
这些派别均对客观事物采取冷漠的态度。
概括说来，50年代以后出现的后现代主义的特征如下：①企图突破审美范畴，打破艺术与生活的界限。
②从传统艺术、现代派艺术的形态学范畴转向方法论，用艺术来表达多种思维方式。
③从强调主观感情到转向客观世界。
④对个性和风格的漠视或敌视。
⑤漠视作品的独特性，忽视原作的价值，注重作品的复数性和大量生产。
⑥从对工业、机械社会的反感到与工业机械的结合。
⑦主张艺术平民化，大量适用大众传播媒介。
后现代主义表面看来是对第二次世界大战以前的艺术思潮和流派的否定，但细加研究，理论上则与前期的思潮、流派相通，故有人认为它们是将二战前人们所熟知的观念重新加以选择和估价，使其一部分在新的历史条件下重新发展。
浪漫主义 浪漫主义Romanticism文艺的基本创作方法之一，与现实主义同为文学艺术上的两大主要思潮。
作为创作方法，浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象和夸张的手法来塑造形象。
浪漫主义的创作倾向由来已久，早在人类的文学艺术处于口头创作时期，一些作品就不同程度地带有浪漫主义的因素和特色。
但这时的浪漫主义既未形成思潮，更不是自觉为人们掌握的创作方法。
浪漫主义作为一种主要文艺思潮，从18世纪后半叶至19世纪上半叶盛行于欧洲并表现于文化和艺术的各个部门。
【浪漫主义运动】浪漫主义运动是法国大革命、欧洲民主运动和民族解放运动高涨时期的产物。
它反映了资产阶级上升时期对个性解放的要求，是政治上对封建领主和基督教会联合统治的反抗，也是文艺上对法国新古典主义的反抗。
启蒙运动在政治上为法国革命作了思想准备，在文艺上也为欧洲各国浪漫主义运动作了思想准备。
但是，法国革命胜利后所确立的资产阶级专政和资本主义社会秩序，却宣告了启蒙运动理想的破灭。
“和启蒙学者的华美约言比起来，由‘理性的胜利’建立起来的社会制度和政治制度竟是一幅令人极度失望的讽刺画。
”(恩格斯)席卷欧洲的浪漫主义运动，正是当时社会各阶层对法国革命的后果以及启蒙思想家提出的“理性王国”普遍感到失望的一种反映。
【浪漫主义的起源】浪漫主义（Romanticism）是十八世纪晚期，十九世纪前半期盛行于法国，他是一个全欧洲性的内容广泛的思想文化运动，但直到20世纪仍余韵不散。
法国浪漫主义主要体现在绘画、雕刻、小说和戏剧领域；英国浪漫主义主要体现于诗歌、历史画和风景画领域；德国浪漫主义则在音乐、诗歌和绘画领域皆有体现。
浪漫主义宗旨与“理”相对立，主要特征注重个人感情的表达，形式较少拘束且自由奔放。
浪漫主义手法则通过幻想或复古等手段超越现实。
法语的浪漫一词意味着感情丰富、多情善感。
【文艺思潮兴起】浪漫主义作为欧洲文学中的一种文艺思潮，产生于十八世纪末到十九世纪初的资产阶级革命和民族解放运动高涨的年代。
它在政治上反对封建专制，在艺术上与古典主义相对立，属于资本主义上升时期的一种意识形态。
“浪漫主义”这一术语，是由“浪漫的”(Romantic,罗曼蒂克)这个形容词演化而成的。
而“浪漫的”这个形容词又是从法国的“罗曼司”(Romatic，即“传奇”或“小说”)转化过来的。
据现有资料证明，一六五四年英国人才第一次使用“浪漫的”这一词语，大直是“传奇般的”、 “幻想的”、“不真实的”，其中明显地包含着贬意的否定性的内涵。
到了十八世纪，这个词语才逐渐转变为肯定性的褒义词，它被用来评价作品，并获得宜人的忧郁这样一种附加的含义。
十八世纪末年，随着浪漫主义思潮在欧洲文坛的勃兴，浪漫主义这一术语就用得非常流行了，并且在一七九八年法兰酉学别的创作方法的名称。
欧洲的浪漫主义思潮，是在人们对启蒙运动“理性王国”的失望，对资产阶级革命中的“自由、平等、博爱”口号的幻灭和对资本主义社会秩序的不满的历史条件下产生的。
当时的现实，正如恩格斯所指出：“和启蒙学者的华美约言比起来，由‘理性的胜利’建立起来的社会制度和政治制度竟是一幅令人极度失望的讽刺画。
”当时的作家都对现实不满，企图寻求解决社会矛盾的途径。
但由于作家所持的阶级立场和政治态度不同，因而浪漫主义思潮中就形成两种对立的流派，即积极浪漫主义和消极浪漫主义。
前者是进步的潮流，它引导人们向前看，后者属反动的逆流，它引导人们往后看。
这种区别，实质上是对当时法国大革命和启蒙运动的两种截然不同的反响。
积极浪漫主义作家，敢于正视现实，批判社会的黑暗，矛头针对封建贵族，反对资本主义社会中残存的封建因素，同时对资产阶级本身所造成的种种罪恶现象也有所揭露，因而充满反抗、战斗的激情，寄理想于未来，向往新的美好生活，有的赞成空想社会主义。
代麦作家有英国的拜伦，雪莱，法国的雨果、乔治·桑，德国的海涅，俄国的昔希金(早期)，波兰的密茨凯维支以及匈牙利的裴多菲等等。
他们的生活实践和艺术实践，都是同当时资产阶级民主革命思想、与各国的民族解放运动联系在一起的，大多数作家是这些民族解放运动的积极参加者。
消极浪漫主义者则不然。
他们不能正视社会现实的尖锐矛盾，采取消极逃避的态度，他们的思想是同那个被推翻了的封建贵族阶级的思想意识相联系的。
他们从对抗资产阶级单命运动出发，反对现状，留恋过去，美化中世纪的宗法制，幻想从古老的封建社会中去寻找精神上的安慰与寄托。
消极浪漫主义的出现，。
实际上是被打倒的封建贵族阶级没落的思想情绪在文学上的反映。
代表作家有德国的史雷格尔兄弟，即奥·史雷格尔和弗·史雷格尔，诺瓦里斯，法国的夏多布里昂，拉马丁·维尼，俄国有茹科夫斯基，英国有华兹华斯、柯勒律治，骚塞，等等。
浪漫主义思潮的兴盛衰落，是由各国历史条件的特点所决定的。
作为一种成型的文艺思潮它首先产生在德国。
由于当时德国容克贵族势力猖獗，资产阶级软弱无力，因而消极浪漫主义得势，积极浪漫主义发展迟缓。
只有海涅登上文坛之后，积极浪漫主义在德国才有所起色。
法国的浪漫主义思潮，犹如大海的波涛，气势磅礴，蔚为壮观，来势迅猛，激烈异常。
它的产生与发展是与封建贵族的复辟和资产阶级的反复辟斗争分不开的。
浪漫主义首先从古典主义设置的种种障碍中冲杀出来，历经短兵相接的搏斗，一举获胜。
继而在漫浪主义内部角返相争，积极浪漫主义者组织了包括批判现实主义作家在内的广泛的统一战线，打败了消极浪漫主义。
在十九世纪二十年代以前，消极浪漫主义称王称霸，二十年代末到三十年代初，由于资产阶级在政治上的胜利，积极浪漫主义骤然兴起．并取得了主导的地位。
在俄国，浪漫主义的发展是较迟的。
它在十九世纪初期才形成为一种流派。
其中积极浪漫主义与俄国十二月党人运动紧密联系在一起，在贵族革命中起过显著的进步作用。
代表作家有早期的普希金，雷列耶夫等。
浪漫主义思潮发展得最完备，最规范，最有成就的当推英国。
英国的浪漫主义运动与其他国家相比，具有下列一些特色；首先，英国的浪漫主义没有形成大规模的文学运动，它是由少数作家自由活动的形式出现的。
其次，英国的浪漫主义源远流长，犹如小河流水，潺潺不断，历时达一百五十年之久。
早在十八世纪末，从威廉·布莱克(1757--1827)和农民诗人罗伯特·朋斯(1759--1796)等人的诗篇中，就吐露出浪漫主义的苗头，以十九世纪二十年代拜伦、雪莱的诗作为高潮，直到十九世纪末维多利亚女王(在位1837--1901)执政的时代，依然还可以从丁尼生、罗伯特·勃朗宁和他的夫人伊丽莎白·巴雷特·勃朗宁等人的诗歌中，看到浪漫主义的余声。
再次，英国的浪漫主义明显地分为对立的两大派别。
消极浪漫主义先于积极浪漫主义登上文艺舞台，主要代麦是华兹华斯、柯勒律治，骚塞，与之相对立的，就是以拜伦，雪莱、济慈为代表的积极浪漫主义者。
【浪漫主义艺术】浪漫主义画派十九世纪初叶，资产阶级民主革命时期兴起于法国画坛的一个艺术流派。
这一画派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材取自现实生活，中世纪传说和文学名著（如莎士比亚、但丁、歌德、拜伦的作品）等，有一定的进步性。
代表作品有籍里柯的《梅杜萨之筏》、德拉克洛瓦的《自由领导人民》。
画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感。
浪漫主义音乐、文学浪漫主义在艺术上的兴起，最早见于十八世纪的文学作品中，这些作品将一切个人的感情、趣味和才能表现得淋漓尽致。
在音乐方面，浪漫主义作曲家强烈地表现出自己的癖好，这与受形式支配的古典主义格格不入。
古典主义音乐象线条一样鲜明；而浪漫主义音乐则偏重于色彩和感情，并含有许多主观、空想的因素。
然而，这只是原则上的区别，要想在不同的创作风格之间，譬如古典主义和浪漫主义之间，按照那些讲究条理的音乐史家的愿望划一道泾渭分明的界线，从来不是那么容易的。
简单地下定义行不通，这些定义总是因为忽视了很多非常重要的因素而过于简单化。
例如，假使断言古典主义音乐是客观的，浪漫主义音乐是主观的，那么岂不是说海顿、莫扎特和贝多芬在某种程度上像电脑一样，从不创作反映自己个人感情的作品了
这显然是非常荒谬的。
同样地，如果说浪漫主义作曲家“摆脱”了传统形式的原则，那么这实际上就是否定了他们在继续使用这些形式，甚至在未必可能的场合下使用古典形式。
例如威尔第就用赋格曲式结束他的喜歌剧《法尔斯塔夫》。
另外还需明确古典主义和浪漫主义这两种风格曾经共存了一段时期，重要的浪漫主义歌剧作曲家、德国理想主义者韦伯就先贝多芬一年逝世，舒伯特的死也仅比贝多芬晚一年。
可是，在这两种乐派之间实际上又存在着我们很容易把握的区别，这些区别大多是源于非音乐的原因。
到浪漫主义时期，作曲家在社会上的地位已有根本的改变，他们已不再是一个城市、宫廷或教堂的雇员。
贝多芬也只是赢得了某种程度上的真正独立，因为不管那些贵人们多么慷慨地让他自行其是，他的大部分生计仍维系于贵族的庇护。
而现在，理论上说作曲家完全是他自己的主人，实际上也就是大众的仆人。
为了满足大众的需要，各种各样的音乐会社团和音乐节网络迅速地发展起来。
如果一个作曲家，比如门德尔松，能为这个众多的占统治地位的中等阶层提供他们所喜闻乐听的音乐，他就是成功的；反之，如果他忽视时代的审美观，只为自己或他理想中的后代创作，那么他在公众的心目中就必然是个“怪里怪气”的孤僻艺术家。
这一类作曲家常以为他们是出类拔萃的杰出人物，是未来艺术的预言者。
“艺术家”一词的使用不是没有意义的，因为整个十九世纪的作曲家都这样看待自己。
他们这样称谓自己很有理由，因为一旦摆脱了私人的庇护，投身到社会中去，他们便开始和文学作家等富于创造精神的同行有了接触。
事实上，韦伯、舒曼、柏辽兹除了作曲还写过一些有关音乐的书，而瓦格纳不仅自己写剧本，还写出了许多关于音乐、戏剧和哲学的著作和论文，真难以想象他何以还有时间创作出那么多的乐曲来。
这新的一代作曲家对弥漫在社会上的各种新思想有着浓厚的兴趣，不管是科学的、民族的、还是艺术的。
最重要的是，他们对文学的陶醉到了如痴如狂的程度。
他们的前辈仅满足于用器乐表达纯粹的音乐思想，浪漫主义音乐家则致力于让音乐在表达的广度上与语言并驾齐驱。
当然，给歌词谱曲一直是作曲家们的实践之一，可是当时流行的是用器乐表达或描绘一种特定的场面，甚至讲述一个故事。
这起始于贝多芬的同代人韦伯，后来又被李斯特、理查德·施特劳斯发展为描述性的交响诗。
十九世纪上半叶，自然的、乡村的浪漫主义文学转变为幻想的、比生活更加广阔的浪漫主义文学，分别以简·奥斯汀的《傲慢与偏见》（1813年）和艾米莉·勃朗特的《呼啸山庄》（1847年）为代表。
这两部英国小说有天壤之别，这种区别在沃尔特·佩特（W·Pater）给浪漫主义下的定义中可以得到概括，他认为浪漫主义是“给美添上了怪诞的色彩”。
因此，毫不奇怪，浪漫主义音乐在很大程度上同样表现了一种奇异的超自然的东西，如柏辽兹在他1830年所作的《幻想交响曲》中所表现的那样。
作曲家们很快就对周围的大自然发生了新的兴趣，这种自然已经不是贝多芬《田园》中的那种简单的自然，而是大写的“自然”，一种因为他们超脱于芸芸众生才与他们有着特殊联系的力量。
不管是文学还是音乐，浪漫主义的另一个特点就是十分强调单个的人，而不是那种作为社会的一分子、被仔细地划入某个阶层而根本无法摆脱其束缚的人。
因此，对独立个性的重视使作曲家们有意识地追求个人的特点，有时成了自我主义。
这样，他们离那些因为循规蹈矩而压抑了自己部分创造才能的古典主义作曲家就越来越远了。
想用寥寥数语概括浪漫主义音乐的特点，其结果非常容易使读者误以为浪漫主义作曲家都是放浪形骸之徒。
虽然他们中间有人确有行为出轨的时候，但是总地来说，他们有足够的自控能力使自由不致逾越界限。
他们当中大多数人仍继续运用传统的交响曲、奏鸣曲、四重奏等形式，虽然在这些形式里出现了与莫扎特不同、会使他的审美观受到侵害的新东西需要记住的是，审美的好恶总是处于不断的变化之中，因此这一代认为“过分”的行为在下一代眼里却是规范，昨天的“顽皮的孩子”，逐渐长成为今日受尊重的“老伯伯”。
[注：法国诗人戈蒂耶早年参加浪漫主义运动时被称为“顽皮的孩子”、“老伯伯”则是英国人对曾经担任首相的政治家格莱斯的尊称]。
浪漫主义运动内部也一直存在两个不同的流派，一个是以柏辽兹、李斯特、瓦格纳为代表的激进派，另一个是以门德尔松、勃拉姆斯、布鲁克纳为代表的保守派。
研究早期浪漫主义可以说明分裂是怎样产生的，也可以把那些重要性在管弦乐曲的作曲家（门德尔松、柏辽兹）和那些重要性在其他方面的作曲家（如歌曲方面的舒伯特、歌曲与钢琴曲方面的舒曼、歌剧方面的韦伯）区别开来。
后现代主义的代表人物和他们的言论
后现代主义是20世纪60年代在西方出现的哲学和思想潮流，它深受尼采、弗洛伊德的影响，而表现出深刻的怀疑主义和反本质主义倾向。
20世纪70年代以来，关于现代与后现代的辩论是西方哲学界最引人重视的话题。
后现代主义的批判目标是西方形而上学传统和理性主义传统，它似乎要将形而上学信仰体系颠覆。
后现代主义的最主要代表人物是法国哲学家米歇尔·福柯和雅克·德里达。
后现代主义是对启蒙的一种反思、质疑和批判。
笛卡尔以来的哲学特别是启蒙思想被看作是现代主义的，后现代主义是在对现代主义的反抗中出现的。
从启蒙运动开始，科学技术迅速发展，工业革命朝气蓬勃，资本主义急剧扩张，历史进步的脚步突然加快了。
然而，我们看到，并非所有人们都对历史进步抱有信心，都对未来怀有希望。
以两次世界大战为代表的20世纪为人们对现代化的怀疑提供了充分的理由。
战争、冷战、环境污染、资源枯竭、核威胁、人口膨胀等等构成了一幅20世纪的阴暗画面。
这幅图画足以使人们对历史进步的观念产生怀疑，对人类的未来失去信心。
后现代主义就在这样的背景下产生的了。
后现代主义以一种反乌托邦的形式构想了乌托邦，以一种反希望的形式构想了希望，以一种反伦理的形式构想了伦理，以一种反上帝的形式构想了天堂。
从词源学讲，后现代（postmodern）意味着现代（modern）之后。
后现代主义不是现代主义的终结，而是现代主义的新生，而且这种新生中持续不断的。
西方后现代主义最为喧闹的场所并不在哲学领域，但其基本主张、基本特征归纳起来却是一些哲学上的口号或命题，比如反表象主义、反本质主义、反基础主义、反逻各斯中心主义、反西方文化中心的浮士德传统等等。
它反对把科学认知方式当成哲学思维的样板，反对把丰富多彩的世界还原为一种基质，反对用一种僵硬的思维模式解决不同性质的问题，反对在宇宙和人类中预设中心，这些都是与哲学的使命及本性相合的，因为哲学思维的前提就是反思和批判，不承认一切先人之见。
后现代主义者提倡多维视角和多元方法，肯定事物的平常状态，肯定讽喻的价值。
后现代主义与复杂性和多样性有着非常紧密的联系。
主要表现在后现代思维的一个重要策略是将熟悉的东西陌生化，将清楚的东西模糊化，将简单的东西复杂化。
另外也表现在后现代主义本身就是一个复杂的、矛盾的、令人迷惘的事物。
从某种程度上可以说，后现代主义是人类有史以来最复杂的一种思潮。
任何对后现代主义进行简单化理解的做法，任何给后现代主义下一个简单定义的企图都是与后现代主义宗旨相违背的,是不切实际的。
后现代思维批判将事物简单化的做法，将后现代主义本身简单化当然也是它所反对的。
后现代主义最积极的贡献，便在于不满足于稳定的陈述式的基础，而极力寻求人类理解的阐释性基础[3]。
这样一来，现代主义充分地注重事物的表面，而后现代主义则不断地破坏事物表面的稳定性，以期更充分地提示各种可能的意义。
后现代主义之倾心于意义的游动性（mobility），并不等于说它一味地沉醉于相对主义（relativism）或简单的、认为一物绝不比另一物具有更重要的意义的多元论（pluralism）之中。
相反，它倾向于事物之间深刻的关联性（relationalism），相信任何事物的意义是无法从该事物本身了解的，而只能从它与某个东西或别的什么东西之间的关系中领悟出来。
后现代主义主要有三种形态，或者说，目前主要存在着三种形式的后现代主义：一是激进的或否定性的后现代主义；二是建设性的或修正的后现代主义；三是简单化的或庸俗的后现代主义。
那么该我们到底该怎样理解后现代主义呢?我想用几个词来形容--也只能是形容：反抗、颠覆传统，怀疑，批判性否定。
后现代主义的代表人物:1. 德国哲学家哈贝马斯（J.Habermas）哈贝马斯在1980年接受法兰克福市的阿多诺奖时发表了《现代性--一个未完成的方案》的演讲，批评了利奥塔的反现代性的倾向，认为开始于启蒙运动的现代性是具有开放性的宏大工程并没有终结。
康德关于科学、道德和艺术的区分为现代精神开辟了道路，但同时他也认为现代主义对科学霸权的批判有其台理性，科学的充分发展导致了这三个价值领域的不平衡，是以道德和艺术价值的牺牲为代价的。
他认为在不同的领域有不同的理性根据，它们在各自的领域都存在着合法性。
但是，文艺复兴以来人们把某些领域的根据普遍化了，在日常生活中感到越来越压抑。
现在的任务回到日常生活世界，寻找日常生活的理性根据。
这就是他的交往理性的观点，希望以此来重振现代性。
哈贝马斯维护现代性，但不能说他与后现代没有一点关系。
他对人与人的关系的强调以及在人际关系即不是主客对立关系而是主体与上体的关系中展开对社会现实的认识说明他是一位维护现代性的后现代主义者。
因为由人与自然的关系向主体间关系的转移是现代性和后现代性区别的重要标志。
2。
美国利奥塔（J-F.Lyotard）:《后现代状况》一书的作者. 利奥塔在《后现代状况》中指出后现代社会是以计算机产业为基础的社会，知识作为生产力，体现为权利象征，谁掌握了知识谁就决定了生产力的发展方向。
这直接导致了社会基本矛盾的变化，即由生产力和生产关系的矛盾、人与社会的矛盾转变为人与人之间的矛盾。
这时的社会文化也发生了巨变，各种文化思潮风起云涌。
随着文化广泛地渗透进商品的各个领域，出现了消费文化。
这样就使精神产品从高尚的地位下降为普通商品的地位，精神生产成为了商品生产。
为了适应商品的供求关系，这些文化产品就要不断地变换形式以满足大众消费的需要，那种消解中心、无确定性、无深度感、平面化的后现代艺术应运而生。
后现代艺术有其深刻的理论背景，这就是后现代的理论主张。
3。
福科、德里达、加达默尔、杰姆逊、丹尼尔·贝尔、罗蒂等
论述：后现代主义、新艺术主义、装饰艺术运动
1国作为“新艺术”发源地国，在开始之初不形成了两个中心：首都巴黎；另一个是南斯市（Nancy）。
其中巴黎的设计范围包括家具、建筑、室内、公共设施装饰、海报及其他平面设计，而后者则集中在家具设计上。
1889年由桥梁工程师居斯塔夫•艾菲尔（Guistave Eiffel 1832—1923）设计的艾菲尔铁塔堪称法国“新艺术”运动的经典设计作品。
这一纪念碑性质的建筑座落于塞纳河畔，是法国政府为了显示法国革命以来的成就而建造的。
在700多个设计方案中，艾菲尔大胆采用金属构造设计的方案一举中标。
塔高328米，由4根与地面成75度角的巨大支撑足支持着高耸入云的塔体，成抛物线形跃上蓝天。
全塔共用巨型梁架1500多根、铆钉250万颗，总重量达8000吨，这一建筑象征现代科学文明和机械威力，预示着纲铁时代和新设计时代的来临。
法国“新艺术”运动时期，在巴黎和南斯，不仅出现了三个设计组织——新艺术之家、现代之家和六人集团；而且涌现了一批著名的设计家。
新艺术之家由萨穆尔宾于1895年在巴黎普罗旺斯路22号开设称为新艺术之家的工作室与设计事务所而得名：“现代之家”由朱利斯迈耶一格拉斐（Julius Meier-Graefe）于1898年在巴黎开设称为“现代之家”的设计事务所和展览中心而得名。
而“六人集团”则成立于1898年，是由六个设计家组成的松散设计团体。
在这三个组织及周围有名的设计师还有爱米勒•加雷（Emile Galle 1846—1904）、路易•马若雷尔（Louis Major Elle，1859—1926）、勒内•拉里克（Rane Laliqua 1860～1945）欧仁•格拉塞（Eugene Grasset 1841—1917）、儒勒•舍雷（Jules chéret）、土鲁斯•劳特累克（Toulouse Lautrec 1864～1901）皮埃尔•波那尔（Pierre Bonnard 1867—1947）和埃克多•基马（Hector Guimard 1867—1942）。
爱米勒•加雷是南斯派的创始人，他在设计艺术方面的成就主要表现在玻璃设计上。
他大胆探索与材料相应的各种装饰，形成了一系列流畅和不对称的造型，以及色彩丰富的精致的表面装饰。
他的玻璃设计显示了对圆形的偏爱，对线条运用的娴熟技能和对花卉图案处理的高超技能。
常用的图案是映现在乳色肌理上的大自然的花朵、叶子、植物枝茎、蝴蝶和其他带翼的昆虫。
此外，他设计的家具也与他的玻璃设计作品一样，其装饰题材以异乡植物和昆虫形状为主，鲜花怒放和花叶缠绕构成了这些作品独特的表面装饰效果，具有象征主义的特征。
他常使用细木镶嵌工艺进行装饰，使其设计的家具精美而雅致。
他在家具方面最有名的设计是1904年设计的“睡蝶床”，蝴蝶身体和翅膀所使用的玻璃和珍珠母传达了薄皮肌肤，木头黑白交替图纹则再现了翅翼的斑纹。
路易•马若雷尔是南斯派的另一位代表人物。
他在设计上的成就主要表现在家具铁器上。
和爱米勒•加雷一样，路易•马若雷尔的作品融合了异国和传统的成分，包括新罗可可图案、日本风格和有机体形状，以及受自然启发的形状和装饰。
其作品的构造和装饰表现了流畅的节奏，圆形轮廓和倾斜线条赋予作品雕塑感。
在他的设计中，功能从属装饰的特点十分明显。
由于马若雷尔在家具设计方面成就卓著，所以有“马若雷尔式”家具的美称。
勒内•拉里克的设计成就主要体现在珠宝方面。
他的作品是娇柔豪华的法国新艺术风格的最好见证。
在他的珠宝设计中，大量运用来自自然的图案装饰，其中植物和昆虫图案最为常见，并且被处理成怪异的形式。
此外，他对材料的选择也极富想象，包括仿宝石、彩金、搪瓷、不规则珍珠和半透明角。
女人体是拉里克设计中爱用的另一个主题。
珠宝上的女人体刻划细腻，栩栩如生。
如1895年他向法国艺术家沙龙送交的展品中，有一件特别迷人的蜻蜓珠宝。
拉里克在这件异乎寻常的胸针中加入了一个全裸女人体作为装饰。
这是第一件采用女裸体装饰的新艺术珠宝，很快成为欧洲其他国家设计师模仿的对象。
继拉里克之后，在新艺术珠宝设计方面卓有成就的当推欧仁•格拉塞。
他设计的珠宝奇特，具有独创性，充满了激情、想象和梦幻。
其中最有名的作品是“西尔维亚”坠饰。
它采用植物图案，用无金属底珐琅和淡水珍珠制成。
新艺术运动时期，法国的海报及其他平面设计也非常出色，被设计界公认为是现代商业广告的发源地。
图形大师儒勒•舍雷因在1866年把从英国学来的色彩石版技法运用到广告印刷上，使此法风靡一时而被称为现代“广告之义”。
他一生设计了几百幅罗可可线条和亮色块为特征的招贴。
继舍雷之后，招贴设计迅猛发展，名家辈出，其中土鲁斯•劳特累克招贴的平块亮色，皮埃尔•波那尔招贴的粗犷字母和粗浓线条节奏，至今给人深刻的印象。
土鲁斯•劳特累克设计的《快乐王后》、《简•阿伏勒》和《红磨坊》歌舞演出海报等堪称新艺术图形作品的代表。
他的招贴用线条来勾勒物体与人物，选取日常生活的题材，令人感到亲切。
最具独创性的，是他对人物性格的夸张，文字与图形的巧妙安排，有力的对比等。
而阿尔丰斯•穆沙设计的招贴、海报因其具有强烈的新艺术运动特点：曲线、自然形式、高度装饰化、平面效果等，被誉为新艺术运动最杰出的平面设计师。
据不完全统计，穆沙一生设计了近百张招贴，风格融合了多种影响，含有鲜明色块的日本高雅轮廓与来自拜占庭和摩尔人艺术的几何装饰糅合在一起。
这些流露着拜占庭风格，以天使、棕榈叶和马赛克围绕的理想化女性形象为特征的招贴，将广告招贴提升到了美术品的高度（图3-9）。
如他在1893年为“《JANE AVRIL》”设计的海报，就是这种风格最典型的例子。
至于埃克多•基马的作品，则体现了法国新艺术建筑的最高成就。
他最重要的设计是为巴黎地下铁道系统设计的一系列入口，他在20世纪初受巴黎市政府委托，设计地铁入口，一共有100多个，这些建筑结构基本上是采用青铜和其它金属铸造成的。
他充分发挥了自然主义的特点，模仿植物的结构来设计，这些入口的顶棚和栏杆都模仿植物的形状，特别是扭曲的树木枝干，缠绕的藤蔓，顶棚有意地采用海贝的形状来处理，令人叫绝
入口、栏杆、标牌、支柱和电灯构成了一幅和谐的有机体和抽象形状混合景观。
2、比利时比利时的新艺术运动仅次于法国。
主要的设计组织有1884年成立的“二十人小组”和后来由它改名的自由美学社。
重要的代表人物有维克多•霍塔（Victor Horata 1867—1947）和享利•凡德•威尔德（Henry Van de Velde,1863-1957）.享利•凡德•威尔德堪称19世纪末和20世纪初叶比利时最为杰出的设计家、设计理论家和建筑家。
他对于机械的肯定，对设计原则的理论，以及他的设计实践，都使他成为现代设计史上最重要的奠基人之一。
他于1906年在德国魏玛建立的一所工艺美术学校，成为德国现代设计教育的初期中心，日后又成为世界著名的包豪斯设计学院。
威尔德在比利时期间，一方面从事“新艺术”风格的家具、室内、染织品设计和平面设计；另一方面，作为“二十人小组”和“自由美学社”的主要领导者，领导比利时的新艺术设计运动。
比利时新艺术运动在比利时设计史上被称为先锋派运动。
始于19世纪80年代。
1881年，由奥克塔•毛斯（Octave Maus ）创办民主色彩浓厚的艺术刊物《现代艺术》（L’Art Moderne），宣传新艺术思想。
在他的组织下，一批有志于艺术与设计改革的青年在1884年组成了一个前卫小组二十人小组（the Groupe des Vingt），他们通过举办一系列艺术展览，展示当时欧洲最前卫的艺术作品，使比利时人了解当时前卫艺术发展的状况，接触现代艺术思想。
二十人小组推威尔德为他们的领袖，从1891年开始，每年举办一次设计沙龙展示各种各样的产品设计和平面设计。
1894年，这个小组改名为“自由美学社”。
就个人的设计而言，威尔德的设计大量采用曲线，特别是花草枝蔓，纠缠不清地组成复杂的图案。
这在他们平面设计和纺织品纹样设计上反映得最为充分，抽象线条形状的运用形成了维尔德独特的形式语言，刀叉餐具、珠宝、烛架、茶壶和其他实用物品的设计都传达了他那新艺术风格的强烈节奏。
他能超越对自然的直接模仿去发掘生动和抽象的线条，认为这样的线条才是自然的本质。
“线条是力量”当成为“新”的装饰的基础。
他于1899年设计的烛架，可以看作是这种思想的体现，它巧妙地阐述了设计师有关线条的理论，成功的将树枝线条的节奏转化为抽象排列的曲线。
维克多•霍塔是一位激进的民主主义者，主要从事建筑及室内设计，他的建筑设计具有两个明显的特征：一是注重装饰，受自然植物启发的“鞭绳”线条到处可见，在墙面装饰、门和楼梯中十分突出；二是建筑暴露式钢铁结构和玻璃面。
塔赛勒公馆是霍塔早期的代表作之一。
该建筑设计的基础是叶、枝、涡卷精细图案构成的起伏运动。
室内遵循华丽的新艺术设计。
门厅和楼梯带有彩色玻璃窗和马赛克瓷砖地板，饰有盘旋缠绕的线条图案，与熟铁栏杆的盘绕图案、柱子和柱头、脊突拱廊以及楼梯圆形轮廓相呼应，整体和谐统一。
而霍塔公馆则为维克多•霍塔设计生涯的巅峰之作，新艺术建筑的里程碑。
4、西班牙安东尼•高蒂（Andonni Gaudi，1852—1926），是西班牙新艺术运动的最重要代表。
他作为一位具有独特风格的建筑师和设计家，他出身卑微，是一名普通手艺铜匠的儿子。
他一生被肺炎折磨，从小就沉默寡言。
17岁开始在巴塞罗纳学建筑，其设计灵感大量来自他广泛阅读的书籍。
早期具有强烈的阿拉伯摩尔风格特征，也就是其设计生涯的“阿拉伯摩尔风格”阶段。
在这个阶段中，他的设计不单纯复古而是采用折衷处理，把各种材料混合利用。
属于这种风格的典型设计是建于1883——1888年间，位于巴塞罗那卡罗林区的文森公寓。
这个设计的墙面大量采用釉面瓷砖作镶嵌装饰处理。
高蒂从中年开始，在他的设计中，糅合了哥特式风格的特征，并将新艺术运动的有机形态、曲线风格发展到极致，同时又赋予其一种神秘的、传奇的隐喻色彩，在其看似漫不经心的设计中表达出复杂的感情。
高蒂最富有创造性的设计是巴特洛公寓（the Casa Batllo），该公寓房屋的外形象征海洋的海生 动物的细节。
整个大楼一眼望去就让人感到充满了革新味。
构成一二层凸窗的骨形石框、覆盖整个外墙的彩色玻璃镶嵌及五光十色的屋顶彩砖，呈现了一种异乎寻常的连贯性，赋予大楼无限生气。
公寓的窗子被设计成似乎是从墙上长出来的，造成了一种奇特的起伏效果，稍后他设计的米拉公寓（the Casa Mila）,进一步发挥了巴特洛公寓的形态，建筑物的正面被处理成一系列水平起伏的线条，这样就使得多层建筑的高垂感与表面水平起伏相映生辉。
公寓不仅外部呈波浪形，内部也没有直角，包括家具在内，都尽量避免采用直线和平面。
由于跨度不同，他使用的抛物线拱产生出不同高度的屋顶，形成无比惊人的屋顶景观，整座建筑好像一个融化时的冰淇淋。
米拉公寓由于风格极端，引起了巴塞罗那市民的指责，报纸以各种诨名来攻击这个设计：比如蠕虫、大黄蜂的巢等（the Quarry the Pate the hornets’nest）。
在高蒂所有的设计中，在今天看来，最重要的还是他为之投入43年之久，并且至死仍未能够完成的神圣家族教堂。
该教堂1881年委托高蒂设计，1884年始建，用了42年时间才建成，主要由于财力不足，多次停工。
教堂的设计主要模拟中世纪哥特式建筑式样，原设计有12座尖塔，最后只完成4座。
尖塔虽然保留着哥特式的韵味，但结构己简练得多，教堂内外布满钟乳石式的雕塑和装饰件，上面贴以彩色玻璃和石块，仿佛如神话中的世界一般，教堂浑身上下看不到一条直线，一点清楚的规则，弥漫着向世界的工业化风格挑战的气息。
西班牙“新艺术运动”另一位代表人物是路易•多米尼科•蒙塔尼（Louis Domenico Montaner，1850-1930）其设计风格基本上与法国、比利时的风格同步，但更重视功能的作用，代表性的设计是卡塔拉兰音乐厅。
5、奥地利奥地利的新艺术运动是由维也纳分离派发起的。
这是一个由一群先锋艺术家、建筑师和设计师组成的团体，成立于1897年，最初称为“奥地利美术协会”（the Austrian Fine Art Association）。
后来，因为他们标榜与传统和正统艺术分道扬镳，故自称“分离派”。
其口号是“为时代的艺术，为艺术的自由”（Der Zeit Ihre Kunst-der Kunst Ihre Freiheit）。
主要代表人物有：建筑家奥托•瓦格纳（Otto Wagner 1841—1918）、约瑟夫•霍夫曼（Soseph Hoffmann 1970—1956）、约瑟夫•奥尔布里希（Sosph Oblrich 1867—1908）、科罗曼•莫塞（Koloman Moser 1868—1918）和画家居斯塔夫•克里木特（Gustav Klimit）等。
瓦格纳是奥地利新艺术的倡导者，他早期从事建筑设计，并发展形成自己的学说。
他早期推崇古典主义，后来受工业技术的影响下，逐渐形成自己的新观点。
其学说集中地反映在1895年出版的《现代建筑》（Moderne Architektur）一书中。
他指出新结构和新材料必然导致新的设计形式的出现，建筑领域的复古主义样式是极其荒谬的，设计是为现代人服务，而不是为古典复兴而产生的。
他对未来建筑的预测是非常激进的，认为未来建筑“像在古代流行的横线条，平如桌面的屋顶，极为简洁而有力的结构和材料”，这些观点非常类似于后来以“包豪斯”为代表的现代主义建筑观点。
他甚至还认为现代建筑的核心是交通或者交流系统的设计，因为建筑是人类居住、工作和沟通的场所，而不仅仅是一个空洞的环绕空间。
建筑应该具有这种交流、沟通、交通为中心设计考虑，以促进交流，提供方便的功能为目的，装饰也应该为此服务。
他在1900——1902年设计建造的维也纳新修道院（Neustiftguss 40）40号公寓，就体现了他的“功能第一，装饰第二”的设计原则，并抛弃了“新艺术运动”风格的毫无意义的自然主义曲线，采用了简单的几何形态，以少数曲线点缀达到装饰效果。
建于1899年的马若里卡公寓大楼虽堪称瓦格纳的代表作之一，整个大楼外表装饰十分豪华，马若里卡彩砖和简洁的纵横方格形成鲜明对比。
但是，只有到了他晚期的作品，才真正体现出维也纳新艺术的独特风貌，摈弃了一切多余的装饰。
如建于1897——1898年的维也纳分离派总部（the Vienna Secession Building），充分采用简单的几何形体，特别是方形，加上少数表面的植物纹样装饰，使设计具有功能和装饰高度吻合的特点，与外型奇特、功能不好的高蒂设计的建筑形成鲜明对照。
约瑟夫•奥尔布里希和约瑟夫•霍夫曼是瓦格纳的学生，他们继承了瓦格纳的建筑新观念。
奥尔布里希为维也纳分离派举行年展设计的分离派之屋，以其几何形的结构和极少数的装饰概括了分离派的基本特征。
交替的立方体和球体构成了建筑物的主旋律，如同纪念碑一般简洁。
与奥尔布里希相比，霍夫曼在新艺术运动中取得的成就更大，甚至超过了他的老师瓦格纳。
他于1903年发起成立了维也纳生产同盟（Wiener Werksttate），这是一个近似于英国工艺美术运动时期莫里斯设计事务所的手工艺工厂，在生产家具、金属制品和装饰品的同时，还出版了杂志《神圣》，宣传自己的设计和艺术思想。
霍夫曼一生在建筑设计、平面设计、家具设计、室内设计、金属器皿设计方面作出了巨大的成就。
在他的建筑设计中，装饰的简洁性十分突出。
由于他偏爱方形和立体形，所以在他的许多室内设计如墙壁、隔板、窗子、地毯和家具中，家具本身被处理成岩石般的立体（图3-18）。
在他的平面设计中，图形设计的形体如螺旋体和黑白方形的重复十分醒目，其装饰手法的基本要素是并置的几何形状、直线条和黑白对比色调。
这种黑白方格图形的装饰手法为霍夫曼所始创，被学术界戏称为“方格霍夫曼”（图3-19）。
画家出身的克里木特是“维也纳分离派”中最重要的艺术家，在绘画风格上同样采用大量简单的几何图形为基本构图，采用非常绚丽的金属色，如金色、银色、古铜色，加上其他明快的颜色，创造出非常具有装饰性的绘画作品，在当时画坛引起很大的震动。
他为建筑设计的壁画，采用陶瓷镶嵌技术，利用其娴熟的绘画技巧，为设计增添了许多魅力。
维也纳分离派另一代表人物莫塞，虽以绘画久长，但与分离派设计家们的合作十分密切。
他们装饰绘画风格简单明快，与克里木特的绘画风格形成鲜明对照，趋向于用单色或黑白颜色进行设计。
如1898年他为维也纳分离派设计的展览海报，就是新艺术运动的典型作品。
6、英国作为一种设计运动，英国的新艺术设计活动主要限于苏格兰。
因此，它在英国的影响远远不及“工艺美术运动”。
在这场影响有限的设计运动中，取得了比较大的成就的是格拉斯哥四人团（Glasgon Four）：查尔斯•雷尼•麦金托希（Charles Rennie Mackimtosh，1868—1928）、赫伯特•麦克内尔（Herbert Mcnair1868—1953）、马格蕾特•麦克唐纳（Margaret Mcdonald,1865—1933）、法朗西丝•麦克唐纳（Frances Mcdonald,1874—1921）。
在19世纪90年代至20世纪初，他们在建筑、室内、家具、玻璃和金属器皿等的设计方面形成了独一无二的苏格兰新艺术表现，即柔软的曲线和坚硬高雅的竖线交替运动的新表现，亦即设计史界所习称的“直线风格”。
麦金托希不仅是“格拉斯哥四人团”的领袖人物，而且其设计集中地体现了“直线风格”。
他于1868年6月7日出生于格拉斯哥，家庭有11个孩子，儿童时代十分幸福，很早就决心要从事建筑。
虽然父母反对，但他在16岁时就离开家庭外出学习绘画、建筑并参与设计。
他的设计领域非常广泛，涉及到建筑、家具、室内、灯具、玻璃器皿、地毯、壁挂等，同时，他在绘画艺术方面也造诣甚高。
他的设计风格的形成，在很大程度上受到日本浮世绘的影响。
从他很小的时候起，他就对日本浮世绘线条的使用非常感兴趣，特别是日本传统艺术中简单的直线，利用不同的编排和布局，取得非常富有装饰性的效果。
当然，他的设计风格也源于英国的工艺美术运动的成果，特别是以威廉•莫里斯、约翰•拉斯金等人为首的各种试验的发展，另外还有欧洲其它国家“新艺术”运动，特别是被视为现代主义前奏的一些人物，如维也纳分离派运动等的影响。
麦金托希作为一个全面的杰出的设计家，在建筑设计方面成就尤大。
他早期的建筑设计一方面受到英国传统建筑的影响，而另一方面则倾向于采用简单的纵横直线。
他最成功的建筑设计是格拉斯哥艺术学院的一些建筑，设计上采用简单的立体几何形式，内部稍加装饰，非常富有立体主义精神。
室内大量采用木料结构，简单的几何形式，内外协调，形成一种统一的风格。
为了达到高度统一的设计风格，他还统一设计建筑内部的家具和用品，家具采用原色，注重纵向线条的运用，利用直线搭配进行装饰，尽管避免过多的装饰。
如格拉斯哥艺术学院图书馆的设计，没有流畅的装饰线条，而是抽象而富有力量的几何造型，给人的印象如同抽象形式合奏的复调音乐。
又如1902年他为希尔大楼所设计的室内，其简洁的立体图形与地板的同类图形相呼应，并且将这种基调延伸到长方形门框、天花板、墙板和几何形灯具，简洁的格子形主宰室内，汇成简洁而空旷的整体效果。
再如在家具设计方面，像椅子、柜子、床等都别具特色，特别是他设计的靠背椅，完全采用黑色的造型，非常夸张，完全摆脱了一切传统形式的束缚，也超越了对任何自然形态的模仿。
从大量的作品来看，以麦金托希为代表的格拉斯哥设计风格，集中地反映在装饰内容和手法的运用上。
具体而言，表面装饰遵循严格的线条图案——主要是常常以卵形告终的微曲竖线——以及格子和风格化的玫瑰形；配色柔和，主要限于淡橄榄色、淡紫色、乳白色、灰色和银白色构成的清淡优美的色彩；拉长的女子沉思形姿在他们的设计中也十分突出；装饰线条虽超起于稳定，但其视觉效果也不会变化，大多数表面图案抽象复杂，象征形态点缀其间，这些象征形态与大部分新艺术设计一样，沟通自然；曲弯的竖线与卵形和细胞形图案相同，风格化的叶子和玫瑰花苞赋予作品一种持续增长的活力情调。
7、美国在应用美术领域中，受新艺术运动影响的著名设计师是威尔•布拉德利（Will H.Bradley,1868～1962），他堪称新艺术图形设计代表。
布拉德利最初是以比尔兹利的线条风格从事设计，可以说比尔兹利的作品对布拉德利的图形设计风格构成了决定性的影响。
关于这种影响，我们从他的1895年设计的招贴《CHAPBOOK》，以及被评论家视为“美国的第一张新艺术招贴”的《孪生姐妹》，可以明显地看出拥有比尔兹利图形风格中的那种曲发装饰图案和平面图案背景。
布拉德利1894年的作品反映了英国工艺美术运动设计师的纯装饰化和高度“道德化”的手法，如为《故事书》设计的封面。
但是，在随后的设计生涯中，他也总结出了一些新的技法，像以重复线条图案而非仅仅靠黑白对比来建立纹理色调区，黑白被用来衬托彩色和装饰线条。
他所总结出来的这些新技法及其他的个人设计风格，集中地反映在他为R•D•布莱克默的美国版《叙事诗》所绘的插图中，以及1895、1896、1905年先后为《国内印刷》设计的封面、为爱德蒙•斯潘瑟的《喜欢》所作的插图和《维克多•比西克里》海报设计中。
路易斯•康夫特•蒂夫尼（Louis Comfort Tiffany,1848—1933）是工艺美术设计领域中的代表人物。
蒂夫尼主要从事日用器皿的设计，尤其擅长于玻璃设计。
在新艺术运动没有影响到美国之前，蒂夫尼进行玻璃设计的原型主要来源于欧洲，但在19世纪最后十年里，他的作品成为欧洲玻璃设计的模式。
蒂夫尼在玻璃设计领域所取得的成就是独一无二的，他不仅设计了19世纪90年代后期美国社会最具流行时尚的台灯——彩绘玻璃台灯，而且在19世纪末20世纪初推出了著名的“法夫赖尔”花瓶系列。
其中前者的设计中，色彩丰富的玻璃造型灯具使白炽灯泡刺眼的灯光变得极其柔和。
青铜的底座是树根和树杆，不规则的造型上面悬挂装饰着百合花、荷花或紫藤花的彩绘玻璃灯罩，具有一种自然而浪漫的情调，而后者的设计，引进了新的色彩效果，大部分是彩虹色，模仿古代风化玻璃器具，有时叠盖风格化的花朵、孔雀羽毛和梳子波纹图案以增强色彩效果。
在建筑设计领域，本来在新艺术运动传入美国以前，美国已形成了著名的“芝加哥学派”，这个学派主张建筑功能第一，“形式永远服从功能的需要，这是不变的法则”，“功能不变，形式也不变”。
其代表人物有建筑师伯纳姆（Beruhem）、詹尼（Jenney）、艾德勒（Adler）霍拉伯特（Holabird）和路易斯•沙利文（Louis Sullivan,1856&1924）等。
通过这些建筑师的工作，从芝加哥开始，美国兴起了建造摩天大楼的热潮。
路易斯•沙利文是芝加哥学派最重要的代表人物，他对美国新艺术建筑作出了前无古人的巨大贡献。
他在14年中设计了一百多幢摩天大楼，分布在纽约、密苏里、芝加哥等地。
他早期的建筑作品表达了将罗马风格建筑语言加于现代形式的愿望。
他所设计的礼堂大厦在粗琢的下部楼层上方建有的连拱廊围住窗子。
而在建筑的内部，沙利文已开始运用花卉装饰。
沙利文最杰出的建筑设计作品是卡森皮里斯科公司商场设计，商场的简洁处理，使该设计成为20世纪无数办工与商业建筑的基本原形。
主入口上方及周围布满奢华的新艺术风格的铸铁装饰，这也许是沙利文最杰出的建筑装饰。
商场最下面两层是商店，上面十层为办公楼，在钢铁架上挂满白色的陶砖，并有成排的大窗户，充分体现了他“形式服从功能”的现代建筑思想。
特别值得一提的还有沙利文和艾德勒合作设计的“芝加哥大剧院”，沙利文通过使用可折叠的天花板护墙和垂直的屏障，用许多悬吊的圆形弧圈把声音从舞台传向剧院后面的观众，使能容纳3000人的剧院达到了完美的音响效果。
而在建筑的外部，沙利文改变了剧院的立面材料，在下面三层使用质朴的花岗岩石块，在四层以上使用沙岩，从而强调了建筑墙的垂直感。
继沙利文之后，曾经在沙利文建筑事务所工作过的费兰克•赖特（Frank Lloyd Wright,1869—1959），进一步发展了沙利文的新艺术建筑思想，其中主要表现在对新材料的选用及考虑建筑与环境协调方面，他提出了著名的“有机建筑”概念。
赖特被视为现代最伟大的建筑师之一。
他的建筑设计在19世纪90年代表现出强烈的表面装饰倾向，如1894年他为麦克艾菲住宅所作的设计就是一个典型例子。
从1895年开始，赖特在建筑铁饰设计中融入了高雅的垂直和曲线形。
至1904年，这些装饰作品对垂线和表面图案的运用已具赖特个人风格。
