艺术创造学习体会 1000字
中国书画艺术，以期独特的艺术风格魅力而成为东方文明的辉煌典范之一，然而，由于它的历史、文化、社会背景与我们今天的实际生活有一定的距离，再加上不少作品在流传过程中受到多种因素的影向。
如果不了解这些情况，在鉴赏书画作品的时侯，便无法把握它的艺术实质，如果想进一步对它的历史传承，真伪情况的判断，就会有无从下手之感。
因此、掌握书画艺术欣赏是书画鉴定的重要基础之一。
本文以欣赏和鉴定中国传统书画为主要内容，分段来介绍给广大网友，为网友提供在书画鉴赏时的一些方便。
欣赏书画艺术的基本方法 人们常说，书画欣赏是一种高级的精神享受，这是针对在欣赏书画艺术时所产生的一种心理变化的反应。
因为在欣赏过程中，他将涉及到一些比较复杂的心理功能，如情感、想象、理解等等，而最终将期转化为对书画艺术的评价。
这种评价，包括对作者艺术风格的理解和判断，对书画作品艺术特点的认识，以至对书画作品艺术价值的大致评估。
而这些判断，认识、评估是在自已原有基础上的一种提升，从而达到一个新的艺术思想境界。
这种高级的精神活动，是属于一种智力与知识的测验。
也是欣赏者，通过对作品的欣赏，来达到对艺术作品的表达方式，和艺术思想的全面理解，如果从人类对艺术的感受来讲，它又是一种具有净化心灵、陶冶情操作用的精神享受。
中国书画艺术，同其他的造型艺术一样，其作品内容具有一定的说明性，而其表现手法则具有一定的装饰性，两者完美地结合在一起，就使作品产生了一定的艺术性。
中国传统书画作品的内容，是产生于特定的社会坏境和文化背景中，因此，必然受到这些历史因素的制约，对于今天的观赏者来讲，要真正了解它，是有一定难度的。
中国传统书画的装饰性，是依存于书画作的表现手法，主要通过中国书画所特有的多变的线条、点画、不同的设色、墨晕等等，来表现书画艺术的之美来感染欣赏者，而这些方面，虽无太多的历史局限性的一面，但也有受限于社会生活空间的一面。
因此，我们今天欣赏传统书画的艺术，除了解其内容外，更多地是着重于这一方面。
通过欣赏可以了解作品的基本情况，包括所用的材料、使用的工具、笔法和设色的基本特点，但这只是对作品的“面貌”作一次大致的认识和了解，虽然这种认识和了解还很粗浅，却为进一步鉴赏打下了基础，这是很重要的“第一印象”作用。
然后开始进入仔细观察、欣赏阶段。
这是主要是对作品的表现手法、主题内容等进行仔细深入的分析，来获得对作品特点具体形象的认识和理解。
接着是进入更深入的欣赏方法，这时要从以上对作品的认识理解中，继续寻找作品的表现手法与主题内容之间的有机联系，寻找书画家在创作中所流露的心境、情绪，及作品随之而体现的意境。
这种欣赏，要求欣赏者调动多方面的知识、素养，由眼前的书画进而扩展到同一书画家的其他作品，或是其他书画家的类似作品，甚至是不同意境的作品，如此、都是对眼前这幅作品的特色和内涵的补充和深化。
通过对作品的欣赏，来达到对作品的全面了解，同时为下一步的鉴定填定了基础。
艺术观点：艺术品被名家创作出来往往都经过一个复杂的过程，在这个过程中，名家们几乎投入了全部的精力，为了尽善尽美，他们废寝忘食。
因此他们的作品更能让人产生共鸣，更能感动人，无论欣赏者从事什么职业，有什么样的背景，都会被作品中的艺术魅力所感染。
没有创新就没有艺术的发展，每个艺术家都有其自身的创作观和价值观，领悟和把握科学发展观，就是要树立独立思考深刻感受和执意创新的艺术信仰，并为之付出毕生的智慧、情感和力量。
艺术品市场不是艺术界，时于尚处初级阶段的中国艺术品市场，利大于艺的主导思想更多一些，因而在运作过程中作品本身的艺术价值演变成投资升值的借口也就不足为怪了。
我赞同一位评论家的收藏结论———“从艺术角度我只选择值得收藏的作品，从升值角度我会首先选择购买其作品”。
书画给人带来无尽的乐趣，书画作品给人一种艺术享受，更给人一种心灵的启迪和震撼，画广大人民群众喜欢的作品，做对人民有益的事情。
欣赏书画可以提高个人的修养，书画家有发现美和创造美的技能，欣赏者要有领悟创作者心思的本领，艺术来源于生活,艺术家将我们司空见惯的事物，变作美妙的艺术，这中间付出了多少不为人知的心血和努力，真正懂得欣赏艺术的人，不会只看着它的价值有多少,最在乎它能否引起我们内心的共鸣。
列举中国传统文化艺术形式及其特点
书法 书法是汉字的书写艺术。
汉字在漫长的演变发展的历史长河中，一方面起着思想交流、文化继承等重要的社会作用，另一方面它本身又形成了一种独特的造型艺术。
中国文字起源甚早，把文字的书写性发展到一种审美阶段——融入了创作者的观念、思维、精神，并能激发审美对象的审美情感(也就是一种真正意义上的书法的形成)。
中国的历史文明是一个历时性、线性的过程，中国的书法艺术在这样大的时代背景下展示着自身的发展面貌。
在书法的萌芽时期（殷商至汉末三国），文字经历由甲骨文、古文（金文）、大篆（籀文）、小篆、隶（八分）、草书、行书、真书等阶段，依次演进。
在书法的明朗时期（晋南北朝至隋唐），书法艺术进入了新的境界。
由篆隶趋从于简易的草行和真书，它们成为该时期的主流风格。
大书法家王羲之的出现使书法艺术大放异彩，他的艺术成就传至唐朝倍受推崇。
同时，唐代一群书法家蜂拥而起，如：虞世南、欧阳询、楮遂良、颜真卿、柳公权等大名家。
在书法造诣上各有千秋、风格多样。
明清的作品虽然流传很多，但里面鱼目混珠、滥竽充数者也大有其作。
因此，对于当下艺术市场中的收藏家、收藏界来说，购买、收藏这部分作品时应保持谨慎的态度中国画 中国画简称国画，是中华民族创造的具有悠久历史与鲜明民族特色的绘画。
中国画以线条为造型的主要手段，讲究用笔，用墨，使线、墨、色交相辉映，达到气韵生动的艺术效果;特色之二，为托物喻情,画中有诗，特色之三为诗，情、画、印融为一体。
中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。
由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。
中国画基本上可以分为三大类： 人物画、山水画、花鸟画。
从东晋顾恺之的到北宋张择端的； 从明代唐伯虎的到清代郑板桥的； 从近代吴昌硕的到张大千的，齐白石的、徐悲鸿的袁振西.中国画，等等。
历代画家创造了无数的画卷，故宫博物院收藏了成千上万的名画，而出版的中著录的我国流散在美国、日本、东南亚等国家的名画竟有3900件。
剪纸剪纸，又叫刻纸，是中国汉族最古老的民间艺术之一，它的历史可追朔到公元6世纪。
窗花或剪画。
区别在创作时，有的用剪子，有的用刻刀，虽然工具有别，但创作出来的艺术作品基本相同，人们统称为剪纸。
剪纸是一种镂空艺术，其在视觉上给人以透空的感觉和艺术享受。
其载体可以是纸张、金银箔、树皮、树叶、布、皮、革等片状材料。
剪纸在中国农村是历史悠久、流传很广的一种民间艺术形式。
剪纸，就是用剪刀将纸剪成各种各样的图案，如窗花、门笺、墙花、顶棚花、灯花等。
这种民俗艺术的产生和流传与中国农村的节日风俗有着密切关系，逢年过节抑或新婚喜庆，人们把美丽鲜艳的剪纸贴在雪白的窗纸或明亮的玻璃窗上、墙上、门上、灯笼上，节日的气氛便被渲染得非常浓郁喜庆。
剪纸的内容很多，寓意很广。
祥和的图案企望吉祥避邪；娃娃、葫芦、莲花等图案象征多子，中国农民认为多子便会多福；家禽家畜和瓜果鱼虫等因与农民生活息息相关，也是剪纸表现的重要内容。
作为民间艺术的剪纸，具有很强的地域特点：陕西窗花风格粗朴豪放；河北和山西剪纸秀美艳丽；宜兴剪纸华丽工整；南通剪纸秀丽玲珑。
剪纸虽然制作简便，造型单纯，由于其能够充分反映百姓的生活内涵，具有浓郁的民俗特色，是中国农村众多民间美术形式的浓缩与夸张。
从对剪纸的了解中，可以便捷地了解中国民间美术的其它方面。
中国的民间剪纸手工艺术有它自身的形成和发展过程，中国剪纸的发明是在公元前的西汉时代（公元前3世纪），当时人们运用薄片材料，通过镂空雕刻的技法制成工艺品，却早在未出现纸时就已流行，即以雕、镂、剔、刻、剪的技法在金箔、皮革、绢帛，甚至在树叶上剪刻纹样。
《史记》中的剪桐封弟记述了西周初期成王用梧桐叶剪成“圭”赐其弟，封姬虞到唐为侯。
战国时期就有用皮革镂花，（湖北江凌望山一号楚墓出土文物之一），银箔镂空刻花（河南辉县固围村战国遗址出土文物之一），都与剪纸同出一撤，他们的出现都为民间剪纸的形成奠定了一定的基础。
我国最早的剪纸作品发现，是在1967年我国考古学家在新疆吐鲁番盆地的高昌遗址附近的阿斯塔那古北朝墓群中，发现的两张团花剪纸，他们采用的是麻料纸，都是折叠型祭祀剪纸，他们的发现为我国的剪纸形成提供了实物佐证。
木板年画各地的木板年画工艺大同小异，基本采用坚硬，纹理细腻的梨木，枣木板雕刻后，刷上水墨，印在容易吸水的宣纸上，也用水性的彩色颜料，分多版多次印成彩色年画，通常可用五版，最多的如朱仙镇年画，有用九版印制的；而桃花坞木版年画只用红黄绿蓝黑五种色彩。
杨柳青年画则采用雕版印出轮廓线条，再以人工填色晕染；四川绵竹木版年画先印线条，人工填彩完成后再套一次金线版；而晋南的木版年画喜欢以画上配诗，字画，也自有特色，很多木版年画还很注重反映当地的风俗民情，如桃花坞年画，传统题材还包括“姑苏万年桥” 梁平木板年画，“玄妙观庙会”等。
具有浓郁的地方特色，备受群众喜爱。
传统的木版年画线条单纯，色彩鲜明，多用大红大绿大黄，且以原色为主，少用复色，表现的场面热闹。
内容上可以为喜庆吉祥，避邪厌胜二大类。
由于木版年画印制方便，价格低廉，题材是民间喜闻乐见的。
所以广为中国老百姓欢迎，直至成为中国民间逢年过节，办理婚庆喜事必不可少的内容，其广泛性也就不言而喻了。
开封朱仙镇木版年画是中国木版年画的鼻祖。
主要分布在开封、朱仙镇及其周边地区，另外天津杨柳青、苏州桃花坞、山东潍坊等地年画都受其影响。
它用色讲究、色彩浑厚鲜艳、久不褪色、对比强烈、古拙粗犷、饱满紧凑、概括性强等特征。
以传统技法构图，画面有主有次，对象明显，情景人物安排巧妙，表现出匀实对称的美感。
中国年画是一种传统的民间艺术，早在汉代，在门上画门画已形成风俗，含有“御凶”的意思，特别是在旧时农历新年，既说贴上一对门神，可以祈求平安吉祥，同时，也有装饰门板的作用。
最早门神画的是“神荼”和“郁垒”，这是两个最早出现在山海经中的人物，传说他们会用苇萦抓鬼，捉到的鬼用桃弓射死喂虎，因此古代为了辟邪，就把“神荼”、“郁垒”和老虎画在大小门上。
传说唐贞观间，李世民梦中以为宫中闹鬼，夜不能寝，大将秦款宝、尉迟恭就自愿镇守在宫门前，以防邪困扰乱，且为其壮胆，宫中果然得以安静。
后来李世民为免其用守宫的辛劳，就命大画家吴道子为二人造像，张贴于宫门，这个习俗便沿用了下来。
在敦煌石窟中已经有发现木刻《金刚经》，其中有木版印制的佛像，这是最早的木版画，《五代会要·经籍》记载“后唐长兴三年，中书门下奏，请依石经文字，刻九经印版”。
这可能就标志着雕版印刷术被广泛使用了，在当时，雕版印刷确有许多好处，《朱子语类》 论语写道：“我只是一个印版印将去，千部万部虽多，只是一个印版。
”雕版印刷术的出现，主要也只用来印刷佛经和少量的书藉，被民间利用得最好的就是印制年画之类的民俗用品了。
所以，到北宋年间，就出现了彩版年画。
《东京梦华录》载：“近岁节，市井皆印卖门神，钟馗，桃板……”。
《东京梦华录》记载这种事，说明这是一种新生事物。
提炼古代中国各个时期文学艺术具有鲜明的时代特征，并总结出文化繁荣原因的一般规律
成熟的中国古代农业文明孕育了灿烂的中国古代科技文化。
至少到16世纪，中国在科学和技术领域领先于世界，四大发明为代表的中国科技成果所取得的成就，在促进人类文明进化中发挥了巨大的作用。
在文学和艺术领域，中国人通过书法，绘画，诗歌和古代小说表达丰富的情感，独特的东方神韵的中国民族深思的形式，在人类文明史上占有重要的地位。
学习中国古代科技文化，一个时代的背景结合，并注意文明遗产领域的科学和技术文化的特点，历史地位，正确认识，总结所取得的成就时代和世界，牢记中国科技文明的局限性。
2，注重中国传统文化和世界文明发展的比较欣赏中国古代文化的特点，是世界上处于领先地位。
关注的话题容易出错的知识点：（1）宋，元散曲和唐是相同的文字表现。
这个词是诗歌的另一种形式。
这个词起源于唐代。
到了宋代，随着商业的发展，城市的繁荣，能唱的话，以适应市井生活的需求越来越多，更有吸引力。
歌剧院在元代，元代，新诗的崛起，它是由后来的学者重新创建于宋，金根据民间歌谣和民歌。
（2）元代元代，兴起了一个新的诗歌，诗歌类，元代是一个戏剧，它标志着中国古代戏曲的成熟。
（3）不能说甲骨文是最早的文字，只能说，目前已知的最早的文字（4）的显着特征，但没有中国文人画“写意画欣赏。
BR \\\/>点知识：（一）中国文字起源演变和绘画发展 1。
中国文字的起源和演化。
（1）中国文字的起源可以追溯到新石器时代早在6000年前，陶器，有一些雕刻符号，被称为“字样的图片”有一定的渊源关系与成熟的文本。
成熟（2）中国人物甲骨卜辞可以追溯到约3000年，是已知最早的成熟文字。
商周时代青铜铸造的“晋”的文本。
西周晚期，形成了青铜标准字体 - “周文”。
BR \\\/>（3）中国人物：秦统一，秦始皇推行“书同文”的团结统一的“小篆”的正式规范规则，他写了一个简单的“文书”作为新字体克服文化交流文本到一个统一的多民族国家的形成和发展的障碍，有利于汉字已经形成了一个完整的系统，根据甲骨文，金文，篆书，隶书，楷书上下文演变。
BR \\\/> 2。
书法艺术的发展历程：中国书法艺术的发展大致可以分为两个阶段，魏晋基本上是自发阶段，魏晋时期开始进入自觉阶段。
（1）秦汉时期的秦小篆，汉代书法的美感，主要是实用文本（2）魏晋南北朝时期，汉字成为自觉的书法艺术的形成群体的学者，书法成为客人的人来表达自己的心情，魅力，坚强的性格，追求的理想形式;创新书法技能的油墨，纸张和文具等条件的改善。
东晋王的创作王羲之“兰亭序”，“天下第一行书”的美誉。
（3）在隋唐书法艺术达到了新的高度：无论是张旭，欧阳询，怀素草书日元陈庆，柳公权规范证词重点楷书书法理论的成熟（4）宋，明书法个性化的创造：宋代的大量文本，市民阶层的崛起，多彩的社会生活。
，忽略了书法艺术的方式苏，黄，米，蔡四，他们追求个性和证词，不能提倡意向。
（5）明代书法与社会进一步平民化，世俗化，更注重个人的创造力。
字符逐渐成为自觉的书法艺术; （六）特点：专注于书法和书法理论的规范，创建个性化的书法免费线的趋势改变的布局密度利益融合现场绘画和写作融合的艺术美，一种独特的艺术学者追求自我理想人格的体现。
3。
源的发展历程古老的艺术绘画和功能（1）新石器时代的绘画 - 绘画; （2），战国时期，丝绸画，人们龙凤图，长沙马王堆汉墓出土的帛画。
BR \\\/>（3）出现了魏晋时期文人画：贵族的兴起，顾恺之代表，代表妇女箴图“的历史，绘画理论，可以总结出”以形写神“，注重把握描绘对象的精神气质。
⑷繁荣的唐代绘画的艺术家是谁创造了法度，唐气象优雅的性能。
唐华盛吴道子名作过国王图崛起“⑸北宋的文人山水画：特点：山水画从一开始就演变成一个独立的一种衬景的油画肖像;追求从一家专注于现实主义的画家，更加注重的心情变化。
⑹明清文人画的特点：或继承宋代宫廷风格，或跟着袁景观魅力。
由于时代的变化，社会动荡，已经有一些古怪的画家，“扬州八怪”等。
他们的艺术风格是非正式的，正式成为法律。
⑺民俗风格 - 人绘画艺术的发展：歌曲中描绘的作品市场生活中，最有名的代表作是北宋张择端“清明上河图”;明，明清小说木刻插图;民间艺术的发展：爱的人，他们的绘画表现形式，更多的实用性的生活。
（8）特点：①中国画在魏晋，一方面，一家专注于的写实法院和民间艺术的形成;另一方面非功利的，主要的写意文人画。
（2）文人画从魏，晋开始占据主导地位的中国书画表现的形式，金融诗，书，画，印为一体。
（3）中国画不求形似，着眼于个人的主观表现爱的性能和灵活性，自由，开明的民族自信，自尊，独立，不畏强暴方面发挥了不可估量的作用。
⑼中国画的发展特点是： BR \\\/> 1的演变背景：中国画的演变深刻地反映的各个历史时期，如在发展的隋唐时期的绘画，隋唐的缩影和唐的时代特征清楚地反映精神;宋代绘画艺术②：有文人画家增长从艺术家的角度来看，艺术家的成就越来越高。
元，明，清时期的商业发展，城市繁荣的时代。
，最突出的文人士大夫绘画成就。
③从绘画风格：作为一个开放的外交政策，对外经济和文化交流频繁，绘画不断融入外国风格，如绘画隋，唐，五代借鉴印度，波斯和其他外国的艺术风格（4）从绘画的功能：绘画逐渐从单纯的艺术商品开发。
要适应商品经济的发展和需求私营部门到宋代，绘画成为一种商品。
（二）文学成就 1。
“诗经”：中国的第一部诗集，奠定了基础，对中国古典文学现实主义，被后人奉为儒家经典，诞生的中国诗歌的源头。
节省约500多年的诗歌从西周初年到春秋，共305分为三部分。
风，雅，宋风是西周时期的民歌，统称为“麦”。
雅宫殿歌词，歌曲的现实主义精神，真实而深刻地伴随着舞蹈音乐歌词祭祖。
反映了当时的社会生活。
主要表现为四个词，句的句子重复使用，通俗易懂的语言丰富; 2。
楚辞：战国时期，楚国屈原吸收精华的民间语言，楚方言中，创建一个新的诗歌，也被称为“圣保罗。
屈原通过诗歌来表达自己的情感命运的关注。
灵活性和自由的句子，宏伟的中国和美国，其独特的想象力，创造一个先例，对中国古典文学的抒情浪漫。
代表作“离骚”在中国古代，最长的一首抒情诗。
3。
韩长赋：汉代的政治团结，经济发展，一个专门精心修辞，文学天赋和华丽的风格 - 汉赋应运而生。
它，吸收先秦“诗经”，楚辞韵散文书的表现手法。
主要代表司马相如。
4。
唐：中国古代诗歌创作的黄金时代。
⑴白族“（诗歌）：雅诗大胆，垂直和水平的开幕和闭幕，代表的浪漫风格。
（2）不要悲观失望（诗人），杜甫的诗被称为“诗史”，尊严和诚实的诗歌与忧郁沮丧，现实主义的代表。
（3）唐·白居易：作品平易近人，通俗流畅，批判现实主义的叙事诗。
（4）原因：（1）唐代团结，经济繁荣，国力强盛（2）中国和外国，民族间交往频繁③繁荣，开放和多元文化（4）建立科举制度（5）五言诗，七言律诗的发展自汉代。
宋：起源于私营部门，也被称为“长短句”，方便更灵活的情感表达，可以是音乐的音乐会。
- 北宋·柳永“雨霖铃”;⑴婉约派宋之交的著名女诗人李清照（2）豪放派 - 宋·苏轼“念奴娇·赤壁”，辛弃疾“菩萨蛮·书江西造口壁 6。
元曲：⑴元散曲是兴起于元代诗歌体，它被传唱的，粗俗的民谣黄金诗歌的基础上，后来的学者重新生产形式。
广泛运用白话，方言，衬字，更加紧密地结合音乐，诗歌的形式的戏剧。
（2）的兴起背景：汉族文人进取无望，心情郁闷，经常为了表达郁闷之情。
7，明清小说：出生的章回宋，元时期的小说的体裁，并逐渐成为主流的文献。
（原因：抬头城镇的商业和工业部门和公共部门）（1）明代四大名著：三国演义“的浪漫，古代的第一个完整长度历史小说;西游”西游记“，模型的鬼故事施耐庵“水浒传” - 佐贺种武术;兰陵笑笑原始的“金瓶梅”，描述生活世界的状态，反映了社会的气候变化世情小说的经典之作。
②“三言”，“出手”：收集明末短篇小说：“警世通言”，“喻世明言”醒世通过文字，“和”初刻拍案惊奇“继续刻拍案惊奇”。
明清社会充满了崇拜金钱和名利的气氛，传统的光开始冲淡赞美的对象，进入文学世界第一商人。
⑵明确：关键的现实主义的杰作：曹雪芹的“红楼梦”，百科全书式的杰作;满意蒲松龄的“奇怪”发泄的“孤愤书”;吴敬梓学者“山长讽刺小说梦。
8说明：伟大的中国人民是一个世界文明，古老的民族最早开发的。
悠久的历史，灿烂的中国文学，名目繁多的各类形式的丰富，媲美世界上任何一个文学文学的国家。
诗集“诗经”中的第一个集合，集合公元前11世纪到公元前6世纪的诗歌，它反映社会生活的广度和深度，赋比兴的艺术表现手段，越来越多的外国学者值得称道的。
唐，宋独特的形式表达和艺术的魅力，语言的潜力发挥到了极致，这是很容易记住，铿锵有力，多样和深入，有序的元代的写作风格。
进入景气阶段。
在小说中，宋“标记的人”和“词在宋代的文学风格。
唐代，宋元时期的短篇故事，明，清时期的小说传奇创办一个漫长的流派，元，明有两本小说的伟大杰作的问世，那就是“水浒传”施耐庵罗贯中的“三国演义”。
两个广阔，气势恢宏，逾百个字符长的杰作，享有世界声誉，小说的历史开辟了一个新的阶段。
正在评估的分析封建社会的百科全书“红楼梦”红楼梦“的社会生活的一个高层次的概述，和精湛的艺术表现，中国古典小说创作推向新的高度。
（三）京剧的产生和发展古代戏曲起源：早在原始时代，巫术色彩的祭祀活动，有一种被称为“傩”。
傩经常举行唱歌，跳舞，包含古代戏曲的种子。
宋代，形成在浙江省温州市，南戏，完整的戏曲形式。
2元代：元代中国戏曲艺术进入黄金阶段。
元代是一个戏剧宋，元代在中国北部。
元代诗歌，唱歌，对话，音乐，舞蹈和其他表演，完整的故事情节和人物，标志着中国古代戏曲的成熟。
在文学史上，元代常与唐，宋同日而语，代表一代文学提到。
关汉卿是元代的创始人，伟大的剧作家的最高成就。
昆曲：中间的明代清峰的中间，附近的江苏省昆山市普遍上升。
作为百戏之祖。
4，形成和发展的歌剧：⑴的产生，发展的过程中：明清时期，北京作为全国的政治中心和文化中心，戏曲舞台上十分活跃。
乾隆年间，徽剧团到北京演出的“清类”四大徽类。
徽一流的包容，融会贯通，借鉴湖北汉调，昆曲，陕西，梆子剧种和演出的基调上，也受影响的文化资本感染，更标准化讲究字韵。
吸收，通过不断整合，形成在北京新的剧种 - 京剧。
清同治，光绪年间迎来一个繁荣的时期。
（2）特点：京剧表演历史故事为主，古老的戏剧艺术之大成，开发出了接近完美的艺术节目，角色分工，生活在一个脸谱，服装，歌声运动，一次净，丑四大行当;发扬的象征，虚拟表演艺术，既有传统的歌曲和舞蹈，综合运用唱，念，做，打的艺术手段;管弦乐控制节奏的锣鼓鼓和京胡，二胡，笛子，渲染气氛，字腔圆唱歌，背诵的诗句，诗和文学的魅力渗透，外观和造型的雕塑，给人的美感任意小的舞台展现更广阔的世界。
⑶艺术成就：独特的中国戏曲到了新的高度，称为“国粹辐射对人类文化的宫殿艺术象棋荣耀。
（四）中国古代科学技术：
地球全面的观点比在西欧早在1000年。
唐代高僧一行创建黄道游仪器;世界首次发现恒星的变化位置测量长度的经络。
最早的测量经络，元代郭守敬简单的仪器“编写的”历史“比欧洲早300多年。
其中最复杂的古历。
比实际的时间只有26秒。
数春秋乘法表。
东汉“九章算术，总结了周和秦汉时期的数学成就，记录当时世界上最先进的数学方法。
标志着形成的古代数学体系。
南朝宋，齐祖冲之圆周率精确到最近的第七位这一结果导致到1000年向世界。
医疗学校编译在战国时期，西汉，一本书，在“黄帝内经”现有较早的医学书籍，奠定了中医理论基础东汉张仲景的“伤寒杂病论”讨论的“外观和闻切”四种治疗方法，中医诊所的经典，被称为“医圣张仲景。
东汉拓的“麻沸散”，五禽戏。
发明了最早的麻醉药，发明第一运动健康体操。
明李时珍“本草纲目本草”代表古代中国药理学的最高成就，总结了在16世纪，世界上最的状态的，艺术创造的药理成就分类反映了生物进化的思想，促进世界生物学的发展，被称为“东方医药巨典。
农业贾思勰学习北朝“齐民要术”现有在中国的第一个完整的农书，总结了中国北方，农业，林业，畜牧业，副劳动人民长期积累的生产经验渔业生产方式，因地制宜，多种业务和产品开发，以及宝贵的意见。
元王祯农书生产工具的改革重点，并特别强调，而不是一个简单的机械工具，水利电力，而不是人类和动物的权力，提高工作效率起到了重要作用。
明代徐光启“农政全书”，古代和现代农业与农艺的利弊，以使综合评价和教训西方农业科学技术，农业科学和技术实验的思路和方法，体现了科学性，创新，先进，达到传统农业科技的巅峰之作。
徐光启被誉为“现代科学的先驱。
” （e）条的古代四大发明和历史影响。
四大成就的发明影响造纸， ①中国古代文字最初刻在甲骨，青铜，后来简竹书面材料和丝绸。
②西汉时期发明了一种植物纤维纸，但纸张粗糙，不适合书写。
③东汉，蔡伦改进造纸纤维纸能写。
，成为一个重要的发明在人类文明史上，促进人类文明的传播。
印刷的 1雕版印刷的：世界最早的现存明确的时间（868）唐代的“钻石经”。
（2）移动类型：北宋木刻版画的记录，平民双性恋盛发明了活字印刷术。
泥浆类型，以及随后出现木型，金属型。
13世纪的金属活字。
13世纪中叶，活字印刷术传到朝鲜，后来蔓延到欧洲，并从西域，促进文化发展的活字印刷术，有一个巨大的人类文明进程的影响。
火药的①唐代，人们发明了火药，炼丹制药最早的记录中发现早在唐代孙思邈丹以火药（2）在唐末火药战争。
五代，宋代，火药的广泛使用。
14世纪初，火药由阿拉伯人传入欧洲，在西方社会产生了巨大的冲击。
火药在欧洲的“骑士阶层炒碎。
“三个伟大的发明注意到资本主义社会的到来。
的指南针在历史最古老的四大发明：（1）发明的发明和应用：战国导向仪 - 伊恩，自从出现在指南车，指南鱼。
②北宋发明的指南针使用人工磁铁，用于航行。
13世纪传记西欧，美洲和环球航行之前世界提供了条件，打开世界市场，并建立殖民地的欧洲航海家的。
历史影响的：①活字，以促进文化的发展，新教的工具;指南针蔓延到欧洲，美洲在世界各地航行提供为欧洲航海家发现开放的世界市场的一个重要条件，并建立殖民地;，火药骑士阶层炸粉碎。
三个伟大的发明注意到了资本主义社会的到来。
造纸成为一个主要的发明人类的文明史。
在欧洲资产阶级反对封建主义，封建社会中发挥了重要作用，推动过渡到资本主义社会（2）中国古代科学技术成就，长时间在世界上的领导者，做出了突出世界文明的发展，促进世界科技文化发展的贡献。
说明：古代中国人注重实用，忽视理论学习，因此，中国科学技术处于世界领先地位，在相当长的历史时期，但实际由于中国的科学技术的发展，中国的科学技术的发展，中国的科学和技术的限制，未能形成一个专门的科学理论，仅仅停留在舞台上的视觉体验，缺乏持续发展的能力，因此，在后期的现代科学，是远远落后于世界先进水平的综合提升： 1，古代文学形式的特点（ 1）韩长赋：西汉富，大多是冗长的，风光奇丽，气势宏伟，夸张的手法，修辞，显示出广阔的巨大的文化包容进的时代精神，英勇果敢，各种各样的物质生活和精神生活。
东汉，富长度大多短抒情克服西汉富文辞奢侈的，模糊的弊病，浅的话，心情也比较干净。
（2）唐诗：高景气度，诗人男人，各种不同的风格，对社会生活的影响，对后世的影响深远的伟大成就。
（3）宋：这个词的长度各不相同，容易表达的感情，反映阶级矛盾和民族矛盾尖锐的社会现实，表达思维的命运的关注，适合音乐会。
（四）元曲：诗庄谐杂，雅各布俗，抒情叙事兼行政长，比较热闹。
>（5）明，清小说：小说进入蓬勃发展的阶段，呈现出前所未有的繁荣，明清小说，不仅大量的体裁多样，表达的意思，但也反映社会生活的深度和广度，塑造的人物，细节的描写，语言和其他方面的使用，远高于上一代。
明，明清小说表现出的社会角色和文学价值的小说这一文学形式。
2，中国古代科学技术的长远发展： 1统一是历史的主流，社会相对稳定，科技的发展创造良好的社会环境。
（2）中国建立的封建体系，并逐渐形成一个统一的多民族的中央集权的封建国家，封建国家贡献一个非常重要的组织和支持，从科技发明中，“农”思想的天文历法，医学，数学注意③长期的中国农业，手工业处于世界领先地位，科学和技术的发展提供了物质条件。
④频繁的国内经济和文化的交流，各族人民学习，取长补短，共同创立了古老的文化，并可以继续吸收国外先进文化，提高自身素质。
发展⑤中国古代教育思想和感谢科技人才基地的发展进度。
⑦广大劳动人民的辛勤工作和创造。
中国古代的特点：（1）科学和技术的内容，探索事物发展的规律是不够的，主要是传统的研究方法整理古籍和教训，教训，缺乏测试。
⑵主要服务于封建农业经济的发展和大型项目的应用科学和技术的需要，缺乏有效的技术转化为生产力和责任感，科学和技术的进一步发展势头。
（3）中国古代中长期科学和技术引领世界，世界文明的发展做出重大贡献，产生深远的影响。
BR \\\/>为什么没有产生现代科学
①明清资本主义萌芽，封建自然经济保持了主导地位，限制了生产力的发展，没有迫切的要求和动力的发展科学和技术。
自给自足的小农经济固有的分散性和缩小现代科学不能正常产生的经济根源。
（2）中国的封建统治者实行“重农抑商的政策，不利于科学的生产和科技成果转化，推广和应用，阻碍资本主义萌芽的生长，也阻碍了贸易和工业技术的发展。
③明清统治者加强文化专制主义，监禁思想，窒息学术空气，忽略了实际的知识分子，从生产，从对自然的观察和研究，是不利于发展的自然科学。
这种文化专制政策无法产生现代科学技术。
④当崛起的西方资本主义，中国的封建统治者采取闭关锁国政策，阻碍了正常的中国文化和西方文化的交流。
⑤教育落后。
中国的封建教育儒学的目的，内容，很少涉及生产和科学知识的培训封建官员。
采取教育的民办学校教育，不利于科学之间的相互融合，不利于培养人才。
总之，当腐朽的封建制度在中国，这样中国不可能产生类似欧洲的现代科学。
中国古代文化的特点和社会背景的关系：（1）先秦：原始社会，生产力水平低下。
中国传统建筑文化读后感
多年来我经常思考一个问题：我们中国人从天然资质讲，不亚于世界上的任何民族，因此我们曾经创造了世界先进的文明和灿烂的文化，成为世界四大文明古国之一。
但是差不多从明代中期起的这五六百年来，我们却落后了
而恰恰从这一时期起，世界上另一个文明古国所在地的欧洲却从中世纪的委顿中重新崛起，走到我们前头去了。
这是什么原因
我想这多少跟我们的文化传统有关，跟我们的文化心态有关。
下面仅以我们传统的建筑文化为例，讲点个人看法。
世界上的建筑（这里主要指大型的、属于艺术范畴的公共性建筑），从形式上划分，基本上有两类：一类主要用石头建造的，叫“石构建筑”，流行于世界绝大多数地区；一类主要用木头建造的，叫“木构建筑”，流行范围很小，主要以中国为主的东亚地区。
两种形式的建筑各自都有深厚的文化渊源，各有不同的风格和艺术特色。
就艺术而言，各有不同的价值观和审美取向，很难分出高低。
这篇演讲，仅从反思的角度，着重谈谈我们的建筑文化中那些制约着我们发展的、值得我们认真思考和克服的负面现象。
纵向承袭的惯性思维 中国人总习惯于“摸前有”，而西方人则善于“探未知”。
两种不同的文化心态导致两种不同的结果：一个不断重复前人，不思突破；一个则不断推陈出新，向前跨越。
我们的木构建筑至少已有两千多年的历史,那“覆压三百里”的阿房宫可资证明。
在这漫长的过程中，从形式到风格都只是单一的发展，没有发生过质的变化，可谓“两千年一贯制”。
而欧洲人的石构建筑，仅自古希腊罗马时期开始，其风格上的更新换代至少在一打以上：古希腊风格、古罗马风格、拜占庭风格、罗马风格、哥特风格、文艺复兴风格、矫饰风格、巴洛克风格、古典主义风格、浪漫主义风格、折中主义风格、现代主义风格、“后现代”风格……造成这种差别的原因之一恐怕是：我们习惯于承袭思维，总爱向前人看齐；以前人的水平为坐标，以前人的成就为荣耀。
而欧洲人就不是这样，他们不管前人有多大成就，也不高山仰止，而设法超越他们，努力向前探索。
正如鲁迅当年所概括的：我们中国人总习惯于“摸前有”，而西方人则善于“探未知”。
两种不同的文化心态导致两种不同的结果：一个不断重复前人，不思突破；一个则不断推陈出新，向前跨越。
纵向承袭思维近年来的一个突出例子表现在，到处热衷于搞仿古建筑，其中“重修圆明园”的呼声堪称其最高音响。
说是为了“再现昔日造园艺术的辉煌”，殊不知，美是不可重复的
若是可以重复，则今天世界上的艺术品早就没有地方可堆了。
何况圆明园是极为重要的国耻纪念地，是入侵强盗的“作案现场”，重修意味着对“现场”也就是对文物的破坏。
建筑作为艺术的一门和审美的载体，它的生命在于不断创新，因为人的审美意识是不断变迁的，而且这也是历史发展的客观要求。
从19世纪下半叶起，从世界范围看，随着生产力的发展，新的建筑学理论和新的建筑材料的诞生，建筑开始了一场崭新的革命。
中国的木构建筑作为农耕时代的产物，也已走完了它的历史进程，面临着蜕变。
然而，中国历史的发展，整个儿讲就慢了西方一大拍，即少了一个工业时代。
西方思潮作为强势文化迅猛地涌入我国。
这意味着，客观形势已不允许中国建筑从自己的娘胎里孕育出自己民族的建筑新胚胎，我们一边招架，一边接受；来不及细嚼，难免囫囵吞枣，就是说：简单仿效。
这在开始阶段是不可避免的，对于异域的人类文明成果，先要“拿来”，而后才能进行鉴别、挑选和借鉴。
但如果一味“拿来”，或“拿”的时间过长，这就值得注意了。
吸收别人的长处，毕竟不能代替自己的创造。
学别人，如果只学其表面，即形式和风格，而不学其本质，即创造精神，那就是舍本逐末了。
整个20世纪我们在总体上就未能跳出西方建筑的窠臼，既没有创造出属于我们自己民族个性的东西，也没有在世界新思潮中取得令人瞩目的地位。
结果，到世纪末一看，缺少自己的东西，没有进行必要的反思，马上又求助于老祖宗，把前人留下的那些遗产，即把“大屋顶”风格当作中华民族永恒不变的建筑美学法则和艺术模式，到处用钢筋水泥搞复古。
应该说，作为民族遗产，适当地、扎扎实实地重建一点古建筑是无可厚非的，但铺天盖地的搞，甚至借“弘扬”之名，“一窝蜂”地大贴“古建符号”，就有违历史规律了。
技术传授的滞后性 师傅教给徒弟的除了与建筑直接相关的纯技术知识外，一般没有相关的科学常识和必要的基础理论知识。
这样学出来的徒弟只能算是个懂技术的匠人，而不可能是个有文化的“知识分子”或建筑艺术家。
正如公元前四世纪希腊人亚里士多德在总结古希腊戏剧（悲剧和喜剧）的基础上成为雄踞欧洲两千年的理论泰斗一样，罗马人早在公元前一世纪就有了维特鲁威的《十建筑书》，它不仅在希腊罗马丰富的建筑实践基础上，对当时的建筑技术和艺术作了详尽的记载，而且作了理论提升，成为世界上第一部较完备的建筑理论著作。
文艺复兴时期，欧洲人又有了帕拉提奥的《建筑四书》，阿尔伯蒂的《论建筑》（又称《建筑十篇》），维尼奥垃的《五种柱式规范》等。
它们根据欧洲建筑的发展，从不同方面，在不同程度上对欧洲建筑理论作了认真而详尽的梳理和阐发，对尔后的欧美建筑起了不可低估的作用。
至于现代和“后现代”他们也有多种经典性理论著作广泛流传。
相比之下，作为木构建筑水平最高、经验最丰富的国家，我们在这方面的建树就要逊色得多。
直到汉代我们才有了一部属于政策、法规一类的《考工记》。
之后过了上千年，到五代至北宋才有了一部《木经》，元代有过《经世大典》和《梓人遗制》，但都不完备，而且多半失传。
比较完整的是宋代李诫写的《营造法式》和清代的《工部工程做法则例》，这是我国建筑遗产的精华，尤其是前者。
但它们都着重在建筑材料、施工技术和管理方面的记述，理论升华和美学探索仍很缺乏。
西方建筑的美学观念一直以来都是建筑在造型和装饰基础上的。
随着新的建筑材料如钢筋、水泥、玻璃等的诞生，在现代主义建筑思潮中人们抛弃了这一传统，转向对结构的重视。
这时许多人发现中国建筑的长处，因为中国建筑的艺术奥妙和美学特征主要就体现在结构上。
作为现代建筑扛鼎人物之一的美国建筑师赖特就曾对中国建筑大加赞赏。
可惜我们自己很少有人发现这一契机。
只有梁思成看到了中国传统建筑与西方现代建筑之间的这一机缘。
可是由于众所周知的原因，他的宏图悲剧性地落了空。
知识的更新与进步，技术的提高与发展都需要合适的环境，至少要有信息传递和交流的渠道。
知识的传授与人才的培养尤其需要这样的条件。
古罗马建筑的发达跟它在这方面的领先很有关系。
他们早在公元三世纪就有了建筑工程技术学校，开始以集群和规模的方式培养人才。
然而我国历代的人才培养主要是通过师徒相授或家族传授的途径。
这种方式的狭隘性与局限性是显而易见的：没有横向联系，缺乏信息交流；容易坐井观天，难有竞争雄心；看不到差距，少有抱负；即便是恩师，最后还要留一手“绝招”，以防后生抢了自己的饭碗。
在这种封闭的条件下，很难出得了人才。
即使是天才，恐怕也难成气候。
因为视野狭小，心理封闭，很难获得奇想的灵感。
即使获得这种灵感，也很难拿出推陈出新的勇气，因为师傅一般不许徒弟越雷池半步，更不愿看到他超越自己。
为什么我国的建筑艺术和建筑风格始终不能更新换代，而只能在原来的基础上作渐进式的改进和提高
我想这与我们的人才培养方式有很大关系。
这种传授方式还决定着传授内容的片面性与有限性：师傅教给徒弟的除了与建筑直接相关的纯技术知识外，一般没有相关的科学常识和必要的基础理论知识。
这样学出来的徒弟只能算是个懂技术的匠人，而不可能是个有文化的“知识分子”或建筑艺术家。
我国历史上的人才制度从根本上说是一种培养官僚的制度，即所谓“学而优则仕”，只有走仕途，才能有出息，有前途。
学技术到头来还是个体力劳动者，是匠人，是“工匠”，而不是建筑工程师或建筑艺术家。
须知，匠人的习性是重复，艺术家的天性则是创造
不难想象，这种教育制度决定了我国建筑学的命运。
它使我国的建筑的形式和风格陈陈相因，代代相传，长期停留在单一的局面，形成了一种“超稳定结构”。
平面设计与传统文化
近年来，“国学热”带动了传统文化的复兴，各行各业都根据自身发展实际情况，或多或少的融入传统文化元素。
我国平面设计艺术在不断吸收国际设计风格、经验的基础上，将更多的传统文化因素融入到设计当中，并不断将传统文化因素同现代设计理念相结合，创造出既有丰富传统文化内涵，又符合现代设计理念的经典作品，可以说，中国传统文化元素已经成为我国乃至国际平面设计的重要主题。
中国传统文化历史悠久、内涵丰富，通过现代平面设计表现传统文化内涵，尤其是现代平面设计很多理念同传统文化表达不契合，如果在不了解传统文化理念、语言背景、民族精神的情况下，贸然将传统文化因素引入平面设计，就会造成设计的失败。
由于当前还未建立起同传统文化风格相契合的现代平面设计形式，尤其是缺乏兼具传统文化民族性和平面设计理念现代性的设计理念，这就导致我国平面设计过程中出现诸多问题。
本文认为，在当下我国平面设计领域，设计师的视角、设计切入点、审美情趣等都受到国际平面设计理论的影响，对于中华传统文化因素的利用、吸收都是站在西方文化、商业利益、视觉冲击等角度，无法有效的将传统文化内涵通过设计表现出现。
因此，本文在分析我国传统文化图形元素形成的背景、风格基础上，研究传统文化图形元素与现代平面设计理念的融合和表现，并针对当前平面设计引进传统文化元素产生的问题，提出传统文化图形元素应该与现代平面设计二次抽象融合。
在研究中发现，当前关于传统文化因素在平面设计中应用的研究主要侧重于文化传承、设计方法、思维方式等方面，对于如何将传统文化因素融合到现代平面设计中的研究不足，本文研究可以弥补理论研究的不足，具有一定理论意义。
同时，本文以传统文化因素同现代平面设计理念的融合和表现为基础，提出符合传统文化特性、现代设计理念的平面设计方式，提出传统文化因素应该与现代平面设计二次抽象融合，对于我国平面设计的探索与研究具有一定实践指导意义。
中国传统图形元素的形成受到多种传统文化的影响，中国传统图形元素形成的背景就是两千多年的中华文明发展史，是具有丰富内涵的中华传统文化。
具体来说，中国传统图形元素的形成来源于五个方面。
首先，民间文化是人们在长期生产生活中形成的对自然、社会认识和生产生活经验的结晶，主要包括民间土文化和市民文化两方面，其对传统图形的推动主要表现在年画、窗花等方面，比如图1、图2。
其次，官文化主要以皇权文化为代表，对中国传统图形元素形成的影响主要体现在龙纹、日、月、星、山、水等元素的使用上，比如图3。
再次，士大夫文化在某种程度上介于官文化和民间文化之间，主要是指由士大夫阶层创造的文化艺术，士大夫文化对传统图形元素的影响主要体现在其创作的艺术作品丰富了传统图形元素，比如图5对图4的借鉴。
再次，在中华文化漫长的发展历史就是汉族同周边民族文化交流发展史，在文化交流过程中，民族文化对传统图形元素的形成也起到了推动作用，比如图6、图7、图8、图9。
最后，佛教、道教文化对传统图形元素形成的影响十分深远，佛教传入我国后，佛教艺术创作思想对传统文化产生了影响，尤其是其宗教雕塑、绘画直接影响了传统图形元素，飞天造型、卷草纹等对传统图形元素的形成影响比较大。
道教是我国本土宗教，在传统中医、易经、巫术文化基础上形成，阴阳五行等思想不仅仅直接影响了传统文化和人们的日常生活，也直接影响了传统图形元素的形成，比如太极、八卦图形等。
由此可见，传统文化中的民间文化、士大夫文化、官文化、民族文化、宗教文化对传统图形的形成起到了推动作用，中国传统图形的形成不是一蹴而就的，而是在漫长的历史发展过程中不断发展、演进的，在不同时代，当时的经济社会发展、思想意识、宗教文化对传统图形产生了不同程度的影响，造成了不同时代传统图形具有不同的风格特征。
原始社会时期的图形多是雕刻在日常生活物品和器具上的，主要表现人们对自然和世界的认识以及在生产生活中形成的经验，因此图形表现出线条粗放、造型夸张、具有原始野性美感的特点；春秋战国时期文学艺术活动频繁，社会处在巨大变革时期，这一阶段的图形具有真实、威严、厚重等特点；秦汉时期的图案和纹路生动、高大、饱满、真实、淳朴；魏晋时期宗教发展迅速，传统图形宗教色彩浓厚；隋唐时期是我国封建社会发展的顶峰时期，这一时期的图形融合了不同民族的特点，形象变化多段、色彩瑰丽、饱满丰富、雍容华贵；宋代士大夫文化得到发展，传统图形展现出浓厚的文人色彩，清秀、清新、文雅是其主要特征；明清时期的传统图形追求形式感，表现出华丽、复杂、富贵等特点。
传统图形的形成经历了漫长的发展过程，风格多样、形式丰富，作为传统文化的一部分，传统图形元素对我国平面设计者的设计思维产生了很大影响，主要表现在色彩、内涵、造型等方面。
从造型上说，传统图形造型生动、优美，很多造型都已经打上了深刻的中华文化烙印，并且造型本身具有丰富的内涵，在平面设计中使用传统图形造型，可以丰富平面设计的表达，比如，传统图形中的鸳鸯运用到平面设计中，由于鸳鸯象征男女和美和幸福，因此丰富了平面设计的表达。
从内涵上来说，传统图形蕴涵着中华民族的民族性格、文化艺术思想、对自然和社会的独特认识，平面设计中使用传统图形元素，有利于平面设计表现更加丰富的传统文化内涵。
从色彩上来说，传统图形色彩丰富，不同色彩代表了不同的阶级、思想，虽然随着时代变迁，色彩意义会有所变化，但传统图形色彩的运用对平面设计产生了很大的影响。
传统图形源自生产生活实践，虽然是艺术化的表达，但往往在色彩、造型、构图等方面还保留了其实用性的一面，而平面设计是抽象的艺术表达，如果单纯的借用传统图形元素，进行图形拼接，就会导致传统图形内涵得不到展现、平面设计艺术性降低等问题，因此传统图形元素与平面设计的融合需要充分考虑传统图形的内涵、色彩、意蕴、造型等方面的特征。
首先，从内涵上来说，传统图形展现了华夏民族先民生产生活实践、对自然和社会的认识，但这种认识和经验的总结都是蕴含在图形的色彩、构图、造型中的，必须对图形进行深入挖掘，才能领悟其精髓，在平面设计中展现传统图形元素的神韵，同时，传统图形的形式是多元的，种类繁杂多变，相似类型的图案在内涵的表达上可能完全不同，在平面设计中引入传统图形因素，必须从传统文化审美意蕴的高度审视传统图形元素的内涵。
比如说北京元盛都餐饮的LOGO设计，就将传统图形中的云纹和中国书法结合起来，传统云纹象征着和谐、吉祥，具有较高的民众基础，在LOGO设计中引入这一图形元素，提高了设计的民众心理接受度，从整体上看，上部云纹造型和下部的中国书法结合，迎合大众心理、彰显了传统文化的魅力也有利于LOGO的传播。
其次，传统图形色彩丰富多样，尤其是不同时代、不同文化来源的图形元素对于色彩的运用和表达是不同的，比如说，隋唐以前象征皇权的图形色彩采用黑、白等，而隋唐以后象征皇权的图形则以明黄为主，因此，在平面设计中引入传统图形元素，需要深入考察图形色彩所蕴含的文化内涵。
同时，传统图形元素色彩具有装饰性和象征性，尤其是使用比较广的图形大众已经形成了基本的认知，将这样的图形引入平面设计，要充分考虑图形色彩的象征意义。
比如，剪纸图形一般都使用红色，有幸福、吉祥、喜庆等象征意义，女儿红LOGO的设计既然借用了传统剪纸图形，在色彩使用上也以红色为主，搭配下部分的文字，表现出喜庆、幸福的意蕴。
再次，传统图形作为一种符号性图形，具有丰富的意蕴，通过简单的图形可以传达出丰富的信息，因此平面设计借助传统图形符号，能够丰富设计所要表达的内容。
最后，传统图形是一种造型艺术，很多传统图形在图形架构、造型方面比较完善，而且传统图形造型同我国传统文化紧密联系，比如说圆形表现了传统文化中天圆地方、天人合一的概念，中国银行将传统图形造型中的圆和方组合在一起，即能够表达天圆地方的概念，也体现了中国银行走向国际化的长远发展目标，同时，圆和方组合在一起，还具有传统铜钱的象征，体现出中国银行的性质。
我国具有长达数千年的发展历史，形成了绵延不绝的传统文化，传统图形作为传统文化的组成部分内容十分丰富，在现代平面设计理念指导下，充分提炼传统图形元素的精髓，将二者抽象融合起来，有助于传承和保护传统文化，促进我国平面设计水平提高，也有利于提升平面设计民族性，随着我国改革开放程度不断深入，我国国际地位不断提高，利用平面设计宣传中华传统文化，是提高我国国家软实力的重要途径。
本文认为，根据传统图形内容丰富、造型独特、内涵深广的特点，同现代平面设计的融合可以从以下三个角度考虑。
首先，在现代平面设计理念指导下，促进传统图形元素的再创造，树立创新思维，将传统图形元素巧妙的借用到现代平面设计中。
现代标志设计可以借助汉字和书法，汉字或中国书法是传统图形的重要内容，借助汉字和书法，为现代标志设计提供创意，丰富作品内涵，比如说，大碗羊火锅城LOGO设计就借用“羊”的造型和碗的形象，并进行创新改造，鲜明的表现了企业的特点；企业形象设计可以利用图形转换，传统图形是传统文化、民众心理、审美意识的重要表现形式，通过图形转换，在企业LOGO设计中借用传统图形，能够提升企业形象，比如说，喜氏集团借助传统剪纸字样图形“囍”，将其转换为花样图形；包装设计可以借助传统图形进行再创造，传统图形往往以生活用具或者艺术雕塑为载体，这种类型的传统图形，可以在包装设计中直接利用，但必须充分考虑包装设计的实际需求和传统图形特点，并加以创新和改造，比如说普洱茶包装设计以中国传统粗麻布、中国山水画等元素为基础，通过对传统图形的再造，创作出具有美感、和谐感的包装设计。
其次，传统图形中很多元素同现代审美理念是冲突的，也有很多传统文化的糟粕不能引入现代平面设计，因此，就需要设计者进行二次创作，也就是说，在借用传统图形元素进行创作时，主要是借用传统图形构思、创意、内涵，在此基础上进行二次创作，使平面设计既有传统图形的意蕴又符合现代人审美。
最后，人的视觉受到外界光线、色彩等因素的干扰，利用这一特点平面设计同传统元素的融合方式更加丰富多元，比如说可以利用平面设计的立体图形错觉虚拟处理和图形色彩虚实应用，创造三维视觉空间，比如说下图的设计充分借用传统的八卦图形、折扇图形，利用立体图形错觉虚拟和色彩虚实，营造出三维视觉效果，丰富平面设计的表现力。
中国传统文化最重要的表现形式之一就是传统图形，中国传统文化内涵和传统艺术思想通过图形的方式表现出来，形成了传统图形内涵丰富性、形式多样性、文化丰厚性的特征，是传统哲学思想和艺术表现规则的集中展现，传统图形元素对现代平面设计产生了深远的影响，尤其是随着我国在世界上地位不断提高，传统图形元素也影响着国际平面设计行业发展。
但现代平面设计理念同传统图形艺术在构图、色彩、审美等方面还存在诸多差异，如何将传统图形元素和现代平面设计完美融合，保存传统文化内涵的同时，也能符合现代审美需求，这就需要设计者不仅仅具备深厚的现代平面设计理论基础和实践能力，还需要设计者深入研究传统图形的特点、传统文化精髓，将传统图形的精华提炼出来，以现代平面设计理念为指导，完美融合传统图形元素和现代平面设计。
本文在概述传统图形元素形成及特点基础上，研究传统图形元素对平面设计的影响，并根据传统图形特点分析其与平面设计的融合点，在此基础上，研究如何促使传统图形元素与现代平面设计的“再创造”融合和“二次抽象”融合创造。
高分急求：书法艺术在中国传统文化形成和发展过程中的地位和作用
1985年10月15日-29日，《中国现代书法首展》在北京中国美术馆举行，同时成立中国现代书画学会，标志着中国现代书法的正式诞生。
这次展览的意义不限于展出作品本身的价值大小，更重要的在于其主题方向带给书法界的冲击和人们艺术观念的解放。
中国改革开放之后的八十年代中期是一个思想观念极为活跃的特定时期，国外艺术思潮的进入与国内传统观念的碰撞使这一时期中国艺术界风起云涌，中国现代书法的出现不只是消解了传统的书法观念，它还预示了一个多元化艺术时代的形成和艺术全球化的趋势的势不可挡。
2005年是中国现代书法运动发起20周年。
回顾过去20年，现代书法已毫无争议的成为中国当代书坛乃至整个中国现代民族艺术创作思潮最强劲的流派。
如果说二十世纪早期西方现代艺术家们把杜尚奉为现代艺术的精神领袖，那么我觉得杜尚带给大家更多的是观念与心灵自由的启示，是精神的逍遥，而非作品本身的价值。
现代书法对中国现代艺术的推动则不仅仅是艺术创作观念上的解放，其诸多作品本身就拥有极高的历史与艺术价值，是可以标志这个时代的艺术观念符号。
“现代书法是现代艺术。
因为它既发自于本文化的原创，又可以针对当今世界和社会的问题，现代书法可能是中国艺术现代化的一条道路。
” （引自朱青生《从无锡到北大--我所经历的现代书法试验》）。
过去20年，现代书法作为一种富于开拓性、前瞻性的现代艺术形式，它在创作手法与艺术风格上渐趋多样、成熟、丰富。
当关注书法艺术未来走向的人们以更为冷静、客观、宽容、前瞻的视角，对中国现代书法发展历程进行重新审视时，无不钦服那些现代书法的实践者们的勇气与执著，并被现代书法作品具有的艺术魅力和强劲的发展势头所感动。
关于现代书法命名的正确性问题在学术界曾一度引起争论，究竟“现代书法”、“现代派书法”、“现代主义书法”哪一个名称更科学、更贴切
一般来说，“现代”是一个时间概念，“现代派”是指一个流派而言，“现代主义”则是指一种观念倾向。
对于“现代书法”的诠释，傅京生在《古干现代书法审美分析》一文中有一段论述：“现代书法”这一概念中的“现代”一词，既是一个时间概念，又是个文化概念。
作为时间概念，“现代书法”具有随时间延展其形态并在创新中不断变异的属性；作为文化概念，它是以书法语言为本位的借助异质文化力量解构并重建书法视觉形态的属性。
“现代书法”的图像样式，首先应当是经过理性分析研究之后的非理性的以直觉方式把握书法的产物……其次，现代书法必须是精神心理宣泄的产物。
应该说傅京生的解说给现代书法作了一个相对恰当的定位，我们也很清楚要给一种艺术现象一个正确清晰的概念是不可能的，就好像我们不能使“艺术是什么
”、“书法是什么
”这种命题答案清晰化、绝对化一样。
今天、当我们在讨论现代书法发生、发展以及它的未来趋势时，大部分人过多的考虑了“现代书法”概念的清晰与否，以及理论上是否完备与成熟。
其实我们这是对现代书法的要求过于苛刻。
中国书法一直以自身的发展历史悠久和影响深远而骄傲，但当我们今天研究书法历史与理论时，依旧会深深的感到其理论体系的不健全。
建国初，文艺界曾就书法是否是“艺术”而争论不休，时任文化部副部长的郑振铎先生当时坚决否认书法是“艺术”，后来此问题汇报给主席，作为对书法有很高造诣的国家领导人，思虑再三，说书法应该是“艺术”，此句话奠定了书法在以后几十年的地位和发展态势。
试可想像，当初如果把书法定位成“非艺术”，那么今天书法的命运该是何种境况
现代书法的发生、发展命运同样如此。
中国书法发展了一千多年才戴上了“艺术”这顶帽子，走近“艺术”的殿堂，我们就可以理解中国现代书法二十年的艰难发展历程了。
当一个婴儿出生后，你若总是问他的父母：“你们为什么要生这个孩子”“孩子的出生意义是什么
”“孩子的名字是否合理
”等问题，那你就是一个神经病。
当代艺术理论家也不必死死揪住“现代书法”这个概念是否正确的问题，这是一种理论对创作的遏制，是对“理论先行”的学术观念的教条化理解。
纵观近二十年中国书法发展态势，是以两大体系即传统与现代对峙的状态为主要特征，在传统书法体系中，崇古尊老，讲究师承，青年书家们紧跟国展评委的书风，这种社会风气的结果是书法作品风格的千幅一面。
书法依然是沿袭前人的程式，其面貌都是大家闭上眼睛就能想到的那单调的几种模式，最多也只是在外观的装裱形式上时尚了一些，以期望能适应现代人的审美要求。
一大批书家总是边临摹二王法帖边赞叹其艺术价值之高，然而有多少人能够打进传统又能标新立异
有多少人能做到借古开今
在现代书法体系中，却是各种风格异彩纷呈。
有人曾总结出现代书坛可分为如下一些风格流派：古典派、新古典主义派、意识流表现派、学院派、新民间派、新文人书法派、非汉字派、结构主义派、波普主义派以及后现代派等诸流派。
当然，这种划分的正确性还有待商榷，但从中不难看出仅就创新意识来说现代书法已远非传统书法所能企及。
这种状况的出现展现了思想观念、艺术形态多元化的时代里许多书法创作者的困惑与艺术创新的强烈愿望。
现代书法在原创性上是和所有现代艺术保持着精神上的一致性，是对中国艺术现代化未来发展道路的积极探索，因为传统书法发展到今天，其实用功能消解而使之成为一种纯粹的艺术形式，这也是中国书法艺术在抒情写意上的一种进化。
另外，虽然现代书法在今天已相对被越来越多的人接受和认可，但还有一大部分专业人士一提到现代书法，总认为那是一帮不懂书法的人在乱搞，认为现代书法的创作者们技法拙劣，功底浅薄，是对书法的糟蹋。
试问什么是“技法”
什么是“功底”
即使是在传统书法这个阵营里又有多少人理解了这一点
“得‘二王’神韵，有北碑风骨”，便号称大师
看其作品，还是老调
比起传统书法阵营里的那些为名利去投机参展的“书法家”而言，现代书法的实践者们在精神上要高尚的多
艺术与人性的结合，以及对人之性情的表达在现代书法创作中应该表现的更充分一些。
现代书法在过去20年的发展历程中曾出现各种不同的观念和实验性活动，如杭州的陈振濂“学院派书法”创作模式，广西的实验书法以及书法主义、黑色主义的提法等。
无论这些活动在书法界影响大小，其创作观念与勇气都是值得提倡与鼓励。
试想在传统书法一统天下的形势下，有如此多的艺术家敢于向传统和权威挑战，敢于为开拓书法艺术在现代社会中的新局面而不惜以身试“法”，这种精神才是艺术家应该有的精神。
在现代书法起步的最初十年里，办展困难，艺术舆论阵地仅《现代书法》杂志。
虽然改革开放的形势极有利于现代艺术的发展。
但现代书法一直被书法界领导层认为是非正统的，一直处于受排挤的地位。
中国书协在繁荣艺术创作方面虽然起着领袖及指导作用。
但是，却一直没有接纳现代书法，中国书协下属各种专业委员会俱全，近年又先后成立了“篆刻委员会”、“出版委员会”“刻字委员会”等，却没有“现代书法委员会”。
对于现代书法，中国书协的态度是不接纳、不提倡现代书法，只是让现代书法自生自灭。
在当今中国艺术品市场上，油画、版画等艺术品价位尚且根据作品艺术水平的高低决定，而书画（中国画和书法）作品的价位，尤其是书法作品的价位是和作者的地位与职权成正比的，这可能也是现代书法受排挤的一个重要原因。
这些现象反映了当代书法界严重缺乏了艺术良性发展很重要的一个因素——包容，书法界乃至整个当代艺术界都缺乏包容性。
艺术起源论中最流行的是“游戏说”，艺术从某些层面上来看就是一种游戏，儿童作游戏是多么的快乐，成人作游戏反而变得如此残酷，因为成人的艺术游戏有利欲在驱使。
艺术界中权威们摆老资格、倚老卖老，年轻人狂妄自大，许多人为了利益相互诋毁，朋友间反目成仇。
这些都已远离了艺术，使艺术这个本来听来多么优雅的名词，变得肮脏不堪。
艺术家应该具备良好的修养，开阔的胸襟，如果一个人不能理解与包容别人不同于自己的地方，必然说明此人见识鄙陋，这种人也决不可能成为一个真正的艺术家。
比起日本、韩国，中国现代书法出现的时间略迟，发展时间也较短。
这是由于中国某些狭隘的民族传统观念的限制所造成。
然而，尽管有来自各方面的质疑与压力，现代书法还是以顽强的毅力走下去。
其间，北方以王镛、陈平为代表的流行书风“新碑学派”，南方陈振濂发起的“学院派”应该都是现代书法的一种形式，他们在对书法资源利用的态度和作品的视觉化追求上是相同的，只在方式、方法和风格趋向上不同。
王镛先生是一度赞成现代书法的，但他自己却没有对现代书法的发展投入更多精力，他只是在书法创作形式感上借用了现代书法的一些理念，所以，王镛的书法一度被称为“新古典主义”，以他为领袖的“流行书风”群体也是徘徊在传统与现代的边缘，也因此，王镛书法受到传统与现代两大阵营的共同欢迎。
应该指出的是，从创作技法到创作观念以及书画印修养全面的角度来说，王镛成为一代书法大师是当之无愧的。
陈振濂先生则是从一开始就反对现代书法，他推出了“学院派”书法展览并发表文章陈述“学院派”创作观念，提出“学院派”书法创作的三个基准：1、技术品位--手段，2．形式基点--效果，3．主题要求--思想。
他同时发文指责“现代派”书法“是一种现代艺术形态，但却未必一定是书法形态。
”他的这种所指其实只是现代书法试验领域内的其中一种现象而已，比如谷文达和王南溟的水墨试验，但这些并不能代表现代书法多元化的整体状态，因为现代书法作为一种新思潮下的文化现象，它的艺术观念也就不可能避开全世界现代艺术观念的影响。
陈振濂先生在书法理论及书法教育上取得了很大的成就，但不能否认他倡导的“学院派”书法创作模式其实就是现代书法，陈振濂先生曾一度走入既不承认自己是现代书法，又极力甩掉传统书法保守之名的尴尬境地。
“学院派”这一名称在今天人们看来会直接想到西方美术史的“学院派”，是指经过严格的学院传统技法训练，创作上沿袭古典的模式，并且是更多提倡继承而非创新的一种艺术风格的代名词。
而陈振濂的“学院派”笔法上是传统技法，他们的创作思想却借鉴了现代书法，只是换了个名称、打出不同的口号而已。
当然，这是学术观念的界定，不能否认陈振濂个人在书法理论与创作两方面都有着很高的造诣。
笔者在清华大学美术学院随导师杜大恺教授学习时，曾向在书法艺术上有极高修养的杜教授请教关于国内书法界的一些问题，杜教授在谈到陈振濂先生的书法时，评价是很高的。
1995年，中国美院王冬龄教授曾作为主要组织者在杭州参与举办“国际书法双年展”。
这次展览是有史以来最大规模的现代书法展，有来自30多个国家和地区的200余位艺术家参展。
展览的成功举办说明人们对书法的理解与追求也是呈多元化趋势，单一的书法表现已不能满足这种多元的审美需求。
中国古代的书法艺术尽管有着灿烂辉煌的成果，但今天它已没有了得以生存的文化土壤。
当今世界人们的审美观念已不同与古人，元代赵孟頫的“复古”提法放在当代也变得毫无意义，书法不是回归和固守传统，而是重建适合于这个时代的精神和审美需求的新形式。
十年后，王冬龄在《艺术当代》（2005年第3期）再次撰文指出“现代书法作为传统书法的发展，在21世纪必将打破传统书法所形成的僵化的规则。
传统书法在失去了自身的文化生存环境后，如何应对当代艺术语境就成为迫切的有待解决的问题。
”“现代书法必须在高层次的艺术团体和美术学院中展开。
打个比喻，传统书法好像全民皆兵，而现代书法则是特种兵。
艺术素质平平的人从事传统书法还可以将就，还可以以书法家面世。
但要从事现代书法肯定不行，因为他们无法完成一件完整的现代书法作品，也就是说，传统书法，不管什么人都可以雅玩一把，好像‘卡拉ok’。
这在现代书法绝无可能，现代书法需要更大的胆识和睿智。
”现代书法是时代审美需求和艺术发展的必然结果，它是相对于传统书法而言更适合现代人的多元心理审美需求。
90年代中后期，中国曾出现了“后现代书法”。
中国文艺界一致认为后现代既是一个时间概念，又是一种价值观念和一种文化精神。
它演绎着与传统相对的社会和文化的变迁，是精神上的嬗变。
国外后现代艺术的产生包涵种种复杂因素。
我们应当全面，实事求是地分析西方后现代文化，以及对我国艺术创作值得借鉴之处。
后现代在反传统、反精英、反权威方面与现代主义运动精神具有一致性。
因为现代主义就是对传统的反叛。
当突破传统之后，现代主义便成了新的权威和标准。
后起的现代主义者打出后现代主义的口号向老一代的现代主义者进行了反叛。
因此后现代主义就是现代主义的另一翻版，而“后现代书法”无疑也仅是现代书法的一脉。
文备在《中国现代书法发展轨迹》一文里指出，现代书法是从1885年开始，从1885年到1985年，这一百年是奠基时期；1985年到1995年，这十年是开拓时期。
可称之为“百年奠基、十年开拓”，而1995年以后是“流派纷呈，繁荣发展”时期。
在现代书法发展史上，文备是以一个勇敢的探索者、积极的组织者和领导者身份出现的，是对现代书法20年发展最具有话语权的艺术家之一。
他认为现代书法和传统书法之间不存在无法逾越的壁垒，它们是一脉相承的发展关系,不是互相对立的关系，现代书法是传统书法在当代文化语境中自然成长出来的笔墨线条新的表现形式，是传统书法的文化积淀与当今艺术语境的精神融合，是一种新的创造。
对于现代书法发展的前景，文备指出：“就连一批固守传统的书法家都知道，现代书法必将代表这个时代而流传后世。
当代的古典主义书法，传统书法的结局会如文学史上明清人写律诗不能和唐诗相比一样，唐诗是唐朝文学的代表，而明清文学的代表是章回小说、戏剧、散曲。
绝不能说律诗是明清文学的代表，尽管明清仍有不少诗人。
从世界艺术发展史看，野兽派、抽象派、立体派、达达主义、现代主义等都产生过了。
以后还走什么路。
外国艺术家已经开始想到中国的书画了。
1916年，瑞士的艺术家保罗·克利就从中国书法和中国画中汲取了文字可以造型的思想，并以独特的方式进行试验，创作了一批文字画，这可以说是西方最早的现代书法。
这些都可以证明，中国的现代书法，不只是这一时期中国艺术的代表，也是世界艺术的代表。
二十一世纪的世界艺术是中国的现代书法。
”综上所述，现代书法不仅在过去二十年影响了整个中国艺术的发展，而且这种影响也必将延伸至未来，将对中国艺术未来发展方向的选择提供更大的启示，并对艺术家的创作思想不断注入新鲜的活力。
中国传统文化 剪纸 200字左右
剪纸，又叫刻纸，窗花或剪画。
区别在创作时，有的用剪子，有的用刻刀，虽然工具有别，但创作出来的艺术作品基本相同，人们统称为剪纸。
剪纸是一种镂空艺术，其在视觉上给人以透空的感觉和艺术享受。
其载体可以是纸张、金银箔、树皮、树叶、布、皮、革等片状材料。
它们出自不同地域，不同流派的艺术大师及民间艺人之手，风格特点各异，题材内容广泛，种类有戏曲人物，鸟虫鱼兽，还有对农村现实生活的描绘，反映了劳动人民热爱生活，对真善美的追求和向往。
无论是反映人们对吉祥幸福的祁纳还是来源于劳动人民喜闻乐见的历史故事、民间传说及人物；无论是北方特有的文化背景和民俗风情的在现，还是用于四时节令、婚寿礼仪等庆典，都体现了民间高超的智慧和丰富的想象力。
加上疏密有致的、细致入微的精湛刀工、绚丽鲜艳的独特点染，每一件都十分生动、有味、耐看。
剪纸的观赏性，收藏性和实用性，是剪纸这门具有地方特色的艺术更加灿烂、辉煌。
中国传统色彩与西方色彩艺术理论和实践的区别
1.中国传统色彩方色彩-色彩区别 中华民族传统审美观念乃至内涵反映在绘画作品上，区别于西方绘画特有的表现形式。
传统中国画使用不同材料制成的毛笔在纸、绢上作画，用水做调和剂来中和颜料和墨的浓淡深浅。
从材料工具来看，更适合意境的制造，为“畅神”而作画，其中有深刻的人文精神。
笔墨是中国绘画的最基本的表现语言，也是传统中国画的核心要素，是伴随着中国绘画的历史发展而形成的。
中国画在内容和艺术创作上体现了古人对自然，社会、宗教、文艺等多方面的认识，因此具有多重意义。
唐代张彦远在《历代名画记》提出“运墨而五色具”，意在表明墨分浓淡，用墨要丰富。
笔墨运用恰当则可以生出无穷的变化，这些变化构成了区别于西方绘画特有的视觉效果。
西方绘画主要表现语言是素描和色彩。
18世纪以前侧重素描，尤其在文艺复兴时期绘画因得到透视学、解剖学和明暗法三大科学支撑，取得显著成就。
由于摄影技术在当时还没有出现，绘画担负着记录图像的任务，所以比起色彩来大多数艺术家更重视体积感也就是黑白的使用。
18世纪之后，色彩在绘画中的地位日趋显著。
美学家狄德罗曾说过“素描赋予人与物以形式；色彩则给他们生命”。
19世纪，西方印象派已经把色彩的表现力发挥到了极致。
印象派的特点是捕捉“瞬间”的自然景象。
画家细心观察研究自然的光、色，并努力找到合适的色彩关系表现它们。
印象派画家们的用色与色彩学研究的发展有必然联系。
早在17世纪，牛顿用一面三棱镜把白色的太阳光分解出红、橙、黄、绿、蓝、靛、紫七种颜色的光谱，七色又可重叠为白色。
人们对色彩有了新的认识，光学的研究进入科学时期。
而到了19世纪中叶，以光刺激作为色彩并被感知的原理为基础，科学家和艺术家将色彩体系化并做了各种尝试，色彩的研究从假说和理论开始走向实践。
浪漫主义画派画家德拉克罗瓦（1798―1863）的其中一突出贡献就在于发现了色彩的对比关系以及阴影和高光下固有色的变化。
画室墙壁上就挂有一个色轮，每种色彩上面都标注可能的色彩配置。
这种建立在逻辑性，客观性基础上的色彩原则对塞尚、梵・高、修拉、西涅克和一些画家影响很大。
笔墨是中国绘画的标准，但误读了这句话的意思认为要重视笔墨、轻视色彩则是不合适的。
中国远在战国时期就有五色之说，这里的五色指的是赤黄青白黑这五种颜色，这种说法在河南洛阳出土的战国彩陶壶上得到证实。
除了五色还有“正色”和“间色”的区别，这与古代中国阴阳五行和政治生活密切相关。
到了隋代已经有墨彩结合的例子，如展子虔《游春图》就是使用“墨上刷色”的着色法；北宋时期出现了水墨代替颜色的画法；到了南宋，不少画家仍在使用青绿重彩。
接下来的几个时期，水墨画因格调高雅，受到上流社会青睐，但重色彩画在民间一直被大量使用，清朝出现写生画之后，用色更为讲究。
19世纪已有专门制作出售中国画颜色的商铺。
西方绘画大量使用调和色，用细腻丰富的色彩表现质感和光感，并制造出立体和空间的感觉。
与西方绘画不同的是，有代表性的汉唐壁画、传统工笔重彩和明清民间年画等则构成了中国绘画绚丽的表现形式，带给人视觉上强烈、鲜明的视觉感受。
作为世界文化遗产的敦煌石窟在壁画上具有典型性：以线造型为基础，以形写神，随类赋彩。
每个洞窟里的壁画都有不同主色调统一画面，补色对比控制的恰到好处，中性调和色保持壁画整体色彩鲜明和谐。
敦煌壁画历经千年，在自然氧化变色之后更显古朴和神秘。
现今对敦煌壁画敷色技法和各时期色彩应用演变过程分析都有专业的研究。
2.中国传统色彩与西方色彩-颜料的使用历史 古代的画家们使用的颜料粉末多来源于土质和矿物质，也有一部分来源于植物和动物。
矿物性颜料从矿石中磨炼出，早在公元前4世纪，古埃及人通过水洗提高颜料色彩的纯度和强度，如从辰砂矿中提炼水银和硫磺的方法制造不透明的朱砂，特点是色彩厚重，覆盖性强；植物性颜料，透明色薄，覆盖能力差；从动植物提取颜色的例子比如地中海沿岸一带的贝紫，需要大量的海螺贝壳制造，是最昂贵的颜料之一。
文艺复兴时期意大利人用煅烧的方式制造熟赭和熟赫，土系颜料是当时最常使用的的颜料；这时铅的生产工艺也得到改进，开发了如拿坡里黄的不透明铅系颜料。
第一种化学合成颜料是18世纪德国颜料制造商利用混入动物油杂质碳酸钾创造的普蓝。
直到上世纪90年代现代化学工业兴起，人工合成的有机色素不断被发明制造出来，画家有更多选择，表现手法也变得更丰富。
除了颜料粉末还需要黏合剂。
通常使用的大部分绘画颜料是以颜料粉末和黏合剂混合而成。
作为西方美术代表的油画见证了颜料革新的过程。
15世纪以前，欧洲有蛋彩、湿壁画、蜡画等画种，蛋彩画法颜料干得快，不利于色彩层次的衔接、湿壁画得趁湿绘制、蜡画要趁热绘制等弊端很大程度上限制画家绘画的自由性。
相对完整的油画材料体系是从15世纪尼德兰弗拉芒画派开创，总结前人经验，对蛋彩、湿壁画、蜡画的缺点展开研究探索，在油性材料中发现了亚麻油、核桃油，混合颜料粉末，形成现代意义上的油画颜料。
凭借颜料的遮盖力和调色媒介制造的透明效果能更充分地表现对象，体现了艺术家的技艺和手法。
但不管怎么说，无论哪一种颜料，所使用的颜料粉末大体上是一致的。
传统中国画颜料主要可分为矿物颜料、植物颜料、金属颜料、动物颜料、人工颜料等。
在古代中国，人们把水银和硫磺加热来制造银朱，这种不透明的红色在18世纪被朱砂取代；胭脂的成分中有红花、茜草根，还有紫铆；常见于敦煌壁画中的石绿是铜绿的一种，后有水洗孔雀石的方法提取得到。
在清代中叶有专门生产化工颜料的姜思序堂，如曙红、铬黄、天蓝等。
一般来说矿物颜料是粉末，用时需要加明胶；植物颜料和化工颜料用时在水中浸泡稀释便可直接使用。
中国传统绘画色彩带有中华民族传统审美观念乃至文化内涵，强调墨与色的融合。
表现在画纸上整体色彩感觉稳重、清秀而不张扬。
到了现代，随着中西美术交流加强，中西方美术相互影响，相互借鉴。
绘画中的一些差异可能逐渐减弱甚至消失，艺术家凭借着艺术活动的自觉探索色彩表现的更多可能性，色彩也变得绚丽斑斓，对于是不是中国画这个定义也会随着时代发展而变得不同。
中国绘画本身也是在不断融合外来艺术的同时发展起来的，只有不断吸收创新，解放色彩感觉，才能保持它新鲜的生命力。
