求一篇学习中国音乐史心得
音乐类的：先分专业 唱出心灵的悸动——声乐专业 声乐专业的研究方向一般分为美声唱法、民族唱法、通俗唱法。
以后跟着艺术团跑，或者当老师。
或者去文化部。
音乐类专业能工作的地方就少，只要跟文艺有关的地方你都能去。
奏响永恒的旋律--器乐专业 键盘乐器演奏研究方向有：电子琴、手风琴、钢琴(大多数学校把键盘乐器中的钢琴单独作为一个专业招生而不作为器乐专业的一个方向，如中国音乐学院把钢琴单独作为一个专业，分为钢琴演奏和钢琴声乐伴奏 民族乐器演奏研究方向有：古琴、筝、琵琶、三弦、柳琴、扬琴、中阮、二胡、板胡、笛、管子、笙、唢呐等。
搞民乐的少，要的也少。
。
中国的民乐确实在发展，但是发展不迅速。
毕业了可以考乐队，当老师，或者成为演奏家，去录音棚录制歌曲。
指挥专业 一般分为乐队指挥和合唱指挥两个方向 能去哪里就业
很简单了，有乐队的地方，所有单位企业，应该都有自己的文化或者艺术团。
传递快乐的天使--音乐教育专业 音乐教育专业主要有音乐教育学。
还有两个与音乐教育有关系的新兴学科：音乐心理学和音乐治疗学。
天长地久音犹在--录音专业 这是一个非传统的音乐艺术专业方向。
电影、电视、歌唱等艺术形式都离不开录音。
随着影视音乐的日渐繁荣，人们对录音的技术和效果的要求也越来越高。
随着音像制作公司的大量涌现、文化市场的多元化，社会对录音工作人员的需求也越来越迫切。
因此，录音艺术专业的毕业生在广播、电影、电视、音像、文艺团体等部门，都是非常受欢迎的高级专门人才。
尤其是一些唱片公司，对录音师的需求量更大，目前社会上对录音专业人才仍呈现供不应求局面。
与其他音乐专业相比，录音艺术专业的学生除了要求耳朵对声音敏感外，更要加强对音乐的认识和感受的训练，提高声音录制、艺术处理，以及声音(音响)设计、音频节目制作的能力。
这些看起来很有趣，但要真正掌握好也并非易事。
说得通俗点，乐器表演、声乐表演像是一门被欣赏的视觉、听觉艺术，而录音则是一门技术，是艺术与技术的“混血儿”，要求有动手能力和很强的综合素质。
作曲专业：不介绍。
。
比较NB的专业。
除了耳朵外，可以不用有乐器或声乐基础。
但学理论学的NB （（总结一下）） 简单的说，表演（声乐，器乐）教育（音乐教育，器乐声乐教学）音乐学（只要招生简章有写音乐学的，不同的学校学的很不一样，你一定要问好，有的是电脑音乐制作，有的是普通的乐理和声，有的偏向于教育，有的偏向于作曲，相当于学的比较杂。
。
这样的你出来没有一个明确的专业分类。
）。
录音（现在分录音艺术（文科类），音响工程（理科类），电音制作（作曲类））音乐心理学、音乐治疗学（新学科）指挥、作曲。
学的内容----------- 、、、基本上都要学大学英语两年。
。
乐理，和声，曲式中国音乐史，西方音乐史。
然后就细分了，表演的不清楚，应该是主项课开的多，还有啥演奏心理学。
教育的，以后要专门学教育类的书籍，偏向心理类。
指挥和作曲，和声 曲式 配器 复调 什么的都要学，理论学的比较深。
另外指挥还要专门学书，作曲很多学校还开了了电脑知识，为了用来做电脑音乐。
录音——理论类学的仅次于音乐学的和作曲类的。
多学的就是声学，影视评论，影视声音艺术什么的。
这个跟作曲差不多，也要自己写曲子，但是相比作曲专业大部分学校的录音课都是叫学生摸音响，听音色，天天跟着器材跑，每天加班做后期，挺累的。
相当于自己得会写曲子，然后得给自己写的曲子做后期制作，然后得会玩弄音响设备，给别人录音，追求音色音质的完美。
曾经见过几个搞录音的，都是跟着剧组走，他们说工作很累的。
没有意思，天天跟机器，打交道。
音乐治疗——就是通过各种音乐活动，让病人通过音乐活动得到各种不同的音乐体验，从而得到康复治疗。
半医半艺。
。
治疗优先。
艺术其次，适合喜欢涉足医学和心理学的同学。
要学解剖生理学，心理学好几本，音乐类的奥尔夫，音乐治疗书籍。
钢琴即兴伴奏。
声乐。
音乐心理学---据我所知首师大好像有这个专业，怎么介绍的望了，你可以去看看，有人说音乐心理学就是音乐治疗学的基础，我也不知道对不对，你自己去看吧。
说了这么多，应该有地了，艺术类考大学，我觉得最没底的就是表演和作曲。
。
。
工作不好找啊。
另外音乐是相通的，乐理和声什么的都会了，然后要学会自学。
。
专业选择上，难免会迷茫。
。
怎么选择还看自己，还看命了。
。
另外还有学什么乐器制造啊，音乐科学，钢琴调弦的。
。
这些都是小专业，一般的学校都不开，只有音乐学院才有，而且招的不多，有特殊爱好的可以去看看。
纯手工。
。
。
。
嘿嘿 学音乐出路不大。
。
。
当歌手
当老师
或者去单位企业的艺术团
当音乐治疗师
或者跟着剧组做录音师
还是自己写曲子。
要么就去拉二胡要饭
不过大学学音乐，四年下来，会很陶醉的，前提是你好好学了。
。
。
音乐学习心得体会
学习音乐音乐新课标的体会一、音乐新课标的要求：音乐课是人文学科的一个重要领域，是实施美育的主要途径之一，是基础教育阶段的一门必修课。
音乐课程的价值主要体现在以下几个方面： 1.审美体验价值音乐教育以审美为核心，主要作用于人的情感世界。
音乐课的基本价值在于通过以聆听音乐、表现音乐和音乐创造活动为主的审美活动，使学生充分体验蕴涵于音乐音响形式中的美和丰富的情感，为音乐所表达的真善美理想境界所吸引、所陶醉，与之产生强烈的情感共鸣，使音乐艺术净化心灵、陶冶情操、启迪智慧、情智互补的作用和功能得到有效的发挥，以利于学生养成健康、高尚的审美情趣和积极乐观的生活态度，为其终身热爱音乐、热爱艺术、热爱生活打下良好的基础。
2.创造性发展价值 创造是艺术乃至整个社会历史发展的根本动力，是艺术教育功能和价值的重要体现。
音乐创造因其强烈而清晰的个性特征而充满魅力。
在音乐课中，生动活泼的音乐欣赏、表现和创造活动，能够激活学生的表现欲望和创造冲动，在主动参与中展现他们的个性和创造才能，使他们的想像力和创造性思维得到充分发挥。
3.表现与社会交往价值 音乐在许多情况下是群体性的活动，如齐唱、齐奏、合唱、合奏、重唱、重奏以及歌舞表演等，这种相互配合的群体音乐活动，同时也是一种以音乐为纽带进行的人际交流，它有助于养成学生共同参与的群体意识和相互尊重的合作精神。
成功的音乐教育不仅在学校的课堂上，而且也应在社会的大环境中进行，对社会音乐生活的关心，对班级、学校和社会音乐活动的积极参与，将使学生的群体意识、合作精神和实践能力等得到锻炼和发展。
依据音乐教育的性质和价值，音乐教育所承担的任务可概括为：通过提供给学生感受音乐、表现音乐、创造音乐的机会，使学生主动参与到音乐实践活动中，并在音乐实践活动中学习最基本的音乐文化知识技能技巧，以培养学生的音乐兴趣和爱好；使学生获得音乐审美的体验和享受成功的欢愉；提高学生的音乐鉴赏能力和表现能力；奠定其终身学习、享受音乐，发展音乐的坚实基础。
与此同时，通过音乐教育，着力培养学生个性，创造精神以及合作意识，陶冶高尚情操，发展创造力，并为其他方面的学习创造有利的条件，以促进学生的全面和谐发展，培养对人和生活乐观的态度。
播所产生的强大凝聚力，有助于培养学生的爱国主义情怀；学生通过学习世界上其他国家和民族的音乐文化，将会拓宽他们的审美视野，认识世界各民族音乐文化的丰富性和多样性，增进对不同文化的理解、尊重和热爱。
因为音乐教育承担着上述任务，因此其教育观念知道思想及其具体的行为方式沙锅必须承担以下几个特征。
（1）基础性。
传统意义上的基础知识和基本技能将不在是中小学音乐教育基础性的全部或主要内涵，使学生热爱音乐，对音乐产生浓厚的兴趣，并奠定学生在音乐方面的可持续发展的坚实基础，这是音乐教育基础性的要义所在。
这就要求中小学教学内容必须以是否有利于学生学习音乐、享受音乐、参与音乐实践活动，获得审美愉悦体验为主要取舍标准。
（2）民主性。
音乐教育要真正面向全体学生，包括弱智、残疾儿童在内的所有学生都有接受一虐教育的权利，承认和维护学生在音乐方面的个性差异，为学生在音乐方面的学习和自由发展，创造宽松的时空环境。
音乐教育要充分尊重学生的人格，维护学生在音乐学习方面的自尊心和自信心，欣赏学生在音乐鉴赏和表现方面的才能，真正把学习音乐的幸福和成功的欢愉带给每一个学生，音乐教育要充分尊重学生的教育主体地位，教学内容、方法、评价等都必须以学生主体为主要依据，真正做到以学生为本，以学习为本。
（3）开放性。
学校音乐教育要把社会音乐教育环境和家庭音乐教育主动纳入自己的视野，使三者形成合力，把音乐教育与学生的日常音乐生活有机地联系在一起。
在内容的选择、要求的确立、教材的编排等方面不过分追求系统、全面和整齐划一，为教学留有足够的接口和创造余地。
要加强音乐课程与学校其他学科课程、特别是其他艺术课程之间的横向联系，使之密切配合，互相渗透，共同发展。
（4）科学性。
中小学音乐课程必须建立科学地反映出中小学音乐课程为普及的、普通的、音乐基本素质特点的独立、完整的国民音乐教育的科学体系。
要科学地把握教学内容和教学要求，使之切合中小学生的年龄特征与心理需求，并能更好的突出音乐学科的特点。
（5）实践性。
音乐课程在小学教育中是活劳动、实践性最强的课程之一，因此，小学音乐教育不应该理性化、学术化，而应该在一定程度上音乐生活化，让学生在参与丰富多彩的音乐活动中，有趣地、令人开心地掌握基本的文化知识技能，获得审美愉悦体验，增强进一步学习音乐的兴趣和自信，即在一定程度上让学生“从做中学”、“从乐中学”让音乐充满人生，让快乐伴随终身。
正因为有以上的一些特征，因此音乐教育要体现以下教学理念：1.以音乐审美为核心 以音乐审美为核心的基本理念，应贯穿于音乐教学的全过程，在潜移默化中培育学生美好的情操、健全的人格。
音乐基础知识和基本技能的学习，应有机地渗透在音乐艺术的审美体验之中。
音乐教学应该是师生共同体验、发现、创造、表现和享受音乐美的过程。
在教学中，要强调音乐的情感体验，根据音乐艺术的审美表现特征，引导学生对音乐表现形式和情感内涵的整体把握，领会音乐要素在音乐表现中的作用。
2.以兴趣爱好为动力 兴趣是学习音乐的基本动力，是学生与音乐保持密切联系、享受音乐、用音乐美化人生的前提。
音乐课应充分发挥音乐艺术特有的魅力，在不同的教学阶段，根据学生身心发展规律和审美心理特征，以丰富多彩的教学内容和生动活泼的教学形式，激发和培养学生的学习兴趣。
教学内容应重视与学生的生活经验相结合，加强音乐课与社会生活的联系。
、戏剧、影视、美术等姊妹艺术的综合；音乐与艺术之外的其他学科的综合。
在实施中，综合应以音乐为教学主线，通过具体的音乐材料构建起与其他艺术门类及其他学科的联系。
3.面向全体学生 义务教育阶段音乐课的任务，不是为了培养音乐的专门人才，而应面向全体学生，使每一个学生的音乐潜能得到开发并使他们从中受益。
音乐课的全部教学活动应以学生为主体，师生互动，将学生对音乐的感受和音乐活动的参与放在重要的位置。
4.注重个性发展 每一个学生都有权利以自己独特的方式学习音乐，享受音乐的乐趣，参与各种音乐活动，表达个人的情智。
要把全体学生的普遍参与与发展不同个性的因材施教有机结合起来，创造生动活泼、灵活多样的教学形式，为学生提供发展个性的可能和空间。
5.重视音乐实践 音乐课的教学过程就是音乐艺术的实践过程。
因此，所有的音乐教学领域都应重视学生的艺术实践，积极引导学生参与各项音乐活动，将其作为学生走进音乐，获得音乐审美体验的基本途径。
通过音乐艺术实践，增强学生音乐表现的自信心，培养良好的合作意识和团队精神。
6.鼓励音乐创造 中小学音乐课程中的音乐创造，目的在于通过音乐丰富学生的形象思维，开发学生的创造性潜质。
在教学过程中，应设定生动有趣的创造性活动的内容、形式和情景，发展学生的想像力，增强学生的创造意识。
对音乐创造活动的评价应主要着眼于创造性活动的过程。
7.提倡学科综合音乐教学的综合包括音乐教学不同领域之间的综合；音乐与舞蹈 8.弘扬民族音乐 应将我国各民族优秀的传统音乐作为音乐课重要的教学内容，通过学习民族音乐，使学生了解和热爱祖国的音乐文化，增强民族意识和爱国主义情操。
随着时代的发展和社会生活的变迁，反映近现代和当代中国社会生活的优秀民族音乐作品，同样应纳入音乐课的教学中。
9.理解多元文化 世界的和平与发展有赖于对不同民族文化的理解和尊重。
在强调弘扬民族音乐的同时，还应以开阔的视野，学习、理解和尊重世界其他国家和民族的音乐文化，通过音乐教学使学生树立平等的多元文化价值观，以利于我们共享人类文明的一切优秀成果。
10.完善评价机制 应在体现素质教育目标的前提下，以音乐课程价值和基本目标的实现为评价的出发点，建立综合评价机制。
评价应包括学生、教师和课程管理三个层次，可采用自评、互评和他评等多种形式。
评价指标不仅要涵盖音乐的不同教学领域，更应关注学生对音乐的兴趣、爱好、情感反应、参与态度和程度，以及教师引导学生进入音乐的过程与方法的有效性等诸多方面。
应善于在动态的教学过程中利用评价起到促进学生发展、提高教师教学水平和完善教学管理的作用。
音乐的发展史
第一章 音乐的起源和上期的音乐 人类社会从什么时候开始有乐，已无法查考。
但至今在音乐中却没有国界之分和种族之别，所谓乐器，就是奏出音乐的工具。
如前所述，音乐的起源是以声带为乐器的“歌唱”，但人类伴随着智慧的发展，开始了使用工具。
不仅利用声音唱歌，而且在管上凿孔或者张弦抚弄以奏出音乐作为游戏，这就产生了乐器。
一、弦乐器的起源传说: 墨丘利（Mercury）是希腊神话中诸神的使神。
据说他在尼罗河畔散步时，脚触一物发出美妙的声音，他拾起一看，发现原是一个空龟壳内侧附有一条干枯的筋所发出的声响。
墨丘利从此得到启发，而发明了弦乐器。
虽说后人考证在墨丘利以前就已经有了弦乐器，但也可能是由此得到了启发。
二、管乐器的起源传说 :中国古代历史记述了距今五千年前的黄帝时代，有一位名叫做伶伦的音乐家，他进入西方昆化山内采竹为笛。
当时恰有五只凤凰在空中飞鸣，他便合其音而定律。
虽然这一故事也不能完全相信，但是，可将其看做是有关管乐器起源的带有神秘色彩的传说。
三、中国古代音乐: 中国最初的帝王——黄帝，是五千年前创造了历法和文字的名君。
当时，除了前述的伶伦之外，还有一位名叫“伏羲”的音乐家。
据说伏羲是人首蛇身，曾在母胎中孕育了十二年。
他弹奏了张有五十弦的琴，由于音调过于悲伤，黄帝将其琴断去一半，改为二十五弦。
此外，在黄帝时代的传说中，还有一位名为神农的音乐家，他教人耕作，并发现了医药，据说是牛首人身。
他创造了五弦琴，如果设想当时的音乐是使用五声音阶，那么这是理所当然的。
论及古代中国音乐的书籍，据说为数不下三百种之多。
孔子是距今大约二千五百年前的人，本人是音乐家，关于论述音乐的随笔很多。
他曾正式习琴，在悲哀与欢乐的时候都抚琴以慰，并传授弟子。
据说他有三千弟子，其中通六艺者达七十二人。
孔子之所教，可称为“诗、书、礼、乐”。
“礼”是谓理天地阴阳的秩序，“乐”是取得谐调。
也就是说，在他的哲学中，道德与音乐居于同等地位，力图以音乐来提高品德。
孔子非常爱好古琴，并能自行作曲，关于音乐的评论也可见于论语中。
另一方面，古代中国的宫廷音乐多为舞乐，即诗、舞和音乐融为一体，和今天的舞蹈是完全不同的。
四、埃及、阿拉伯的古代音乐 :埃及文明是世界上最古老的文明之一。
从作为帝王古墓的金字塔内石壁的雕刻上，可以看出演奏音乐的盛况以及音乐演奏者的行列，雕刻中有以手指弹奏的竖琴状的弦乐器，以及各种笛类乐器。
阿拉伯等地区的器乐也相当发达，自古以来就使用在一个八度之间分为十七个音名的特殊音阶。
五、希腊古代音乐: 希腊音乐的起源也笼罩着一层神话的面纱。
阿波罗神主掌音乐，其下有九位缪斯（Muse）女神，将音乐称为Music或Musik，希腊乐器中，有叫做阿乌洛斯的V字型双管笛，有叫做里拉（Lyra）的手琴，还有叫做齐特尔（Kithara）的类似吉它的弦乐器，这些乐器都是从埃及或阿拉伯传入的。
六、纯律的产生: 公元前六世纪，古希腊大哲学家和数学家毕达哥拉斯（Pythagoras）用一种称为弦琴（Monochord）的单弦乐器，首先解释出纯律理论。
这就是根据弦的长度，以一比二作为完全八度，以二比三作为完全五度的方法，把当时所使用的一切音程都计算出来了。
第二章 中世纪音乐 一、基督教与中世纪的音乐 :中世纪时代的欧洲，教会比国家或其它社会集团，都有更强大的统治权力。
在那个时代，包括哲学的各种学问和艺术都为教会服务，中世纪的音乐由于基督教而取得了不寻常的发展。
在教会音乐中，开创了复调音乐的形式并完成了对位法。
最初印刷乐谱，是教会为了作弥撒而用的。
键盘乐器的兴起以至其教授法，没有一件事能够离开教会而产生。
从音乐的全部理论到记谱法，以至合唱、合奏，多半都是中世纪教会的遗产。
今天的交响乐和歌剧的内容虽然绝大部分是描写世俗的，也不能说与中世纪的教会无关。
教会音乐，最初大概是原封不动地采用了从犹太王国传来的形式，即歌唱圣诗、朗诵圣经，可以想象是纯粹的声乐。
宗教音乐历来以声乐为主，这是因为声乐有歌词。
与此相反，器乐主要是作为世俗音乐而得以发展起来的。
二、罗马式音乐 :“罗马风格”一词主要来自那个时代的建筑用语。
罗马式音乐是世界艺术史上最伟大的纪念碑式遗物之一。
这种音乐既无和声也无伴奏，其特征是以齐唱形式为主，通过教堂天井的回音产生庄严的和声感，其纯朴、清丽的宗教感情与罗马风格的教堂建筑是完全一致的。
罗马式音乐是中世纪这一时期的重要音乐形式之一，其代表当首推格雷戈里圣咏（Gregorian Chant），这是典型的天主教音乐。
在漫长的中世纪里，音乐方面起了最重要作用的正是格雷戈里圣咏，它是纯粹的单旋律的歌唱。
在格雷戈里圣咏中，已经有多利亚调式、弗利几亚调式、里第亚调式、混合里第亚调式等四种教会调式及其变格调式。
到了十六世纪，出现了伊奥尼亚调式及爱利亚调式，进而形成今日的大、小调音阶。
在格雷戈里一世时代，已经在罗马设立了称为“歌唱班”的教授圣咏的学校，这可看作是世界上最早的音乐学校之一。
安普罗修斯（Ambrosius，340－397）圣咏则收集了在教会中所唱的歌曲，为教会音乐制定了由七音组成的四种教会调式音阶，还创造了对唱的形式等。
在圣咏中，歌词与语言的语势、声调的高低和节奏的关系以极为理想的形式得到解决，它们非常自然而完善地表现了宗教感情，可以看作是到这一时代为止的音乐艺术的总结。
第三章 文艺复兴时期的音乐 一、哥特风格和文艺复兴 :从十三世纪中后期到十四世纪，欧洲社会进入文艺复兴时期，北欧兴起了哥特风格的艺术，哥特风格表现得最明显的是在建筑方面。
在音乐中，哥特风格从未明确地形成为代表一个时代的形式，但起始于奥干努姆（Organum）的复调形式，相当明确地表现出哥特风格的特征。
在十二世纪时期的许多经文歌中，除了庄严的格雷戈里圣咏的固定旋律之外，还有采用舞蹈旋律和爱情歌曲的旋律，配以不同的歌词和拍子共同歌唱的形式。
二、文艺复兴与音乐 :音乐上的文艺复兴，略晚于其他文艺形式如文学、美术等。
有代表性的作曲家，首先可以举出弗朗切斯·兰迪诺（Francescl Landino，1325(?)－1397），他采用了同时歌唱三种不同歌词的这一大胆手法，留下了许多牧歌和叙事曲。
杜法伊（Guillaume Dufay，1400－1474）则完成了四声部手法。
奥干努姆（Organum）的复调手法，更导致了以巴赫为顶峰的对位法理论的完成。
从十一世纪末叶到十三世纪末叶，欧洲发生了十字军东征事件。
这一历史事件对于东西方文化交流起了巨大的影响，在音乐上的显著表现是出现了游吟诗人、游吟歌手、抒情歌手等人物，所唱的诗歌内容有情歌、叙事诗式的故事、自然的赞美诗以及宗教或道德方面的内容等等。
作为乐器则使用类似竖琴那样的小型手琴或古提琴族内的乐器。
第四章 巴罗克时代的音乐 一、巴罗克（Baroque）风格: 从年代上说，大体上从十六世纪末到1750年间的音乐，称为巴罗克音乐。
十六世纪末叶，音乐史上第一部歌剧在意大利的佛罗伦萨上演，也是以乔万尼·加布里埃利（Giovanni Gabrieli，1557(?)－1612）为中心的“威尼斯乐派”的全盛时期。
而1750年则是对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫去世之年，代表巴罗克巅峰的对位法音乐可以认为以巴赫去世而告结束。
巴罗克（Baroque）一词，原来的意思是形状不整的珍珠，最初是在建筑方面来表明一种艺术形式。
文艺复兴时期的艺术是以希腊、罗马的形式美为第一性的，对之而言，巴罗克风格是一种全新的表现形式，也是后来兴起的洛可可（Rococo）艺术的前提。
巴罗克时代的欧洲音乐以德国、意大利和法国等几个国家为代表，音乐艺术在这一时期达到了前所未有的迅猛发展。
二、巴罗克时代的德国音乐: 巴罗克时代的德意志音乐，可以说以许茨、巴赫和亨德尔为代表。
如果把中世纪以来的复调音乐比做金字塔，则他们的音乐就是塔顶，他们吸收了文艺复兴以来的意大利的新音乐，并开拓了一条新的道路。
许茨（Heinrich Schutz，1585－1672年）比巴赫和亨德尔恰恰早生一百年，二十四岁时赴意大利留学，就读于威尼斯乐派的大师加布里埃利（Giovanni Gabrieli，1557－1612）。
他回德国后，发表了第一部德文歌剧《达夫内》，此外还创作了许多受难曲。
许茨的风格对后来的两位巴罗克音乐大师巴赫、亨德尔的创作有着重要的影响。
亨德尔和巴赫的音乐作品，无论在集成传统音乐方面，还是在追随新思潮方面，都在音乐史上放着射着异彩。
亨德尔的作品，多为歌剧和清唱剧音乐，在器乐作品中也含有强烈的声乐因素，这显然是受了意大利的影响；而巴赫的音乐，在声乐作品中也含有强烈的器乐因素，这预示了以后的古典主义时代的到来。
三、巴罗克时代的意大利音乐 :歌剧这一伟大的艺术形式，就诞生在“音乐的摇篮”——欧洲文明古国意大利。
古老的城市佛罗伦萨，有许多伟大的艺术家和一批对古希腊艺术感兴趣的贵族。
这些贵族决心赋予希腊戏剧以新的生命，他们开始给古老的希腊故事谱曲，并且穿上戏装演出，而整个故事是由一个合唱队唱出来的，这无疑就是歌剧的雏形了。
后来经过发展，故事里的每个角色由一个歌唱者演唱，而在合唱节目之间，由男女歌唱家分别担任独唱。
当角色的话语轻柔时，台词将半唱半说。
这种歌唱差不多象一首赞美诗：被叫做宣叙调。
而强烈的感情则是用叫做咏叹调的真旋律来表现。
不久，咏叹调开始用来炫耀歌手的美好声音。
那时，无论一部歌剧是在意大利还是在英国或德国上演，它的咏叹调总是用意大利语演唱的，而它的宣叙调部分则用那个国家的语言演唱。
意大利的巴罗克音乐中，弦乐可与早期的歌剧相提并论。
小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦乐器，至今仍是管弦乐队中不可缺少的乐器，也是极为重要的室内乐及独奏乐器。
在巴罗克时代的意大利，弦乐与歌剧相结合，做为古序曲而得以发展。
歌剧的序曲必须是以快速开始，中间部缓慢，最后再以快速终结这样的三部分构成，这种形式后来成为协奏曲和交响乐的基本形式。
而当时的古序曲和协奏曲都是以弦乐为主的。
这一时期的意大利盛产小提琴家，如托莱利（Giuseppe Torelli，1650－1708）、科莱里（Arcagello Corelli，1653－1713）、维塔利（T.Antonio Vitali，1665－1735）、维瓦尔第（Antonio Vivaldi，1675－1743）、塔蒂尼（Giuseppe Tartini，1692－1770）等，都是早于巴赫的音乐家，他们全都是小提琴名手，而且都是小提琴音乐的作曲家。
另外，意大利的小提琴制作家辈出，如阿玛蒂、瓜尔奈里和斯特拉迪瓦利等都是意大利北部阿尔卑斯地区的克雷莫纳（Cremona）人，他们精心制作的小提琴，一直到今天还活跃在舞台上，显示出空前绝后的艺术魅力。
四、巴罗克时代的法国音乐 :在这一时期的法国，以巴黎为中心，以各地王侯贵族的府邸为背景，歌剧和古钢琴音乐极为盛行。
当时的法国歌剧，脱离了意大利歌剧的传统而独自成长，可说是接近于舞剧的形式。
巴罗克时代，法国最有代表性的歌剧作曲家是吕利（Jean Baptiste Lully，1632－1687），他创作的歌剧简洁明晰、旋律动听，同时具有很强的舞蹈特点，内容也较为深刻，并大量运用了辛辣、幽默的手法。
与歌剧同时盛行的是古钢琴音乐。
古钢琴这种乐器，常常附以代表巴罗克文化的装饰，它与羽管键琴等都是今日钢琴的前身。
在这方面最著名的大师，是库泊兰（Francois Couperin，1668－1733年）和拉摩（J.P.Jean Philippe Rameau，1683－1764年），他们的作品中有许多是为古钢琴谱写的组曲，其中有许多曲目至今仍用现代钢琴广为演奏。
拉莫于1722年出版的和声学概论，是音乐史上最早的和声学理论著作。
第五章 古典主义音乐 一、音乐中的古典主义: 古典主义的萌芽，发生在巴罗克时代的意大利。
后来由于在维也纳出现了海顿、莫扎特和贝多芬三人，借此古典主义音乐便得以形成。
因此，音乐方面的“古典乐派”实际上指的是“维也纳古典乐派”。
古典主义艺术，首先发生在文艺领域中，它以恢复希腊、罗马的古典艺术为目的，注重形式上的匀称和谐调，主要放眼于追求客观的美。
二、初期古典乐派 :文艺复兴以后在意大利兴起的主调形式的新音乐，以贵族社会为背景，在德意志和奥地利各地繁荣昌盛起来，其初期有三个主要乐派：第一派，是以音乐大师巴赫的次子卡·菲·埃·巴赫为中心的柏林乐派；第二派，是以约翰·施塔密茨（Johann Stamitz，1717－1757年）为中心的曼海姆乐派。
第三派，是以瓦根扎尔及蒙恩为中心的早期维也纳乐派。
在古典派音乐中，虽然歌剧也是一个重要部分，但从整体来看，古典派音乐的特色在于器乐，特别是奏鸣曲和交响曲形式的音乐。
曼海姆乐派的室内乐和交响乐不仅对维也纳乐派产生了影响，而且对波恩时代的少年贝多芬也给予了直接的影响。
奏鸣曲形式是古典乐派音乐中极有代表性的形式。
那就是在呈示部中有第一、第二主题的对比，中间出现发展部，然后继以两个主题反复的再现部。
曼海姆乐派当时已经具有了相当完整的这种形式。
在交响乐形式中加入小步舞曲乐章的也是曼海姆乐派，在他们的交响乐配器中，木管乐器也采用了双管编制。
莫扎特在自己的交响乐中加用单簧管这一乐器，也是在曼海姆听到他们的乐队的演奏之后学来的。
三、维也纳古典乐派: 以“交响乐之父”海顿、“音乐天才”莫扎特和“乐圣”贝多芬为代表的维也纳古典乐派，在音乐史上建立起一座不朽的丰碑。
这一乐派的主要特征是反映人类普遍的思想要求、追求美的观念、强调风格的高雅，给予人们乐观向上的进取精神。
音乐民族学的发展历程
音乐学专业学习音乐史、音乐研究方法、音乐美学、民族音乐概论、音乐分析等，属于纯理论学科。
音乐教育专业学习音乐教学法、教育学、心理学、演奏和演唱、合唱或乐队排练、基础作曲等，以音乐教育工作者为培养对象。
广义的音乐学也包括音乐教育。
中国传媒大学数字媒体专业考研考什么
中国传媒大学数字媒体专业考研初试科目包括： ①101思想政治理论；②201英语一、202俄、203日选一； ③723数字媒体艺术理论基础；④817综合考试[艺术学]。
中国传媒大学硕士研究生入学考试 723《数字媒体艺术理论基础》大纲一、考试的总体要求《数字媒体艺术理论基础》的研究对象是以数字媒体技术为基本支撑的艺术、审美活动，是数字媒体艺术专业重要的基础理论课程。
它以传统美学、艺术学等基础学科为理论根基，以数字技术为操作界面，对于涉及数字媒体的种种艺术的、技术的诸多新生艺术现象的本质、特征、规律展开多维的审视和思考，重点以数字影视艺术、网络多媒体艺术为研究对象，并对相邻领域的其他新兴媒体艺术有所辐射、有所涵盖。
本专业要求考生能够较为清晰地掌握美学、艺术学、传播学、数字媒体技术等基本概念与基本知识，并能综合运用所学知识和技能对数字媒体艺术领域内诸多理论与实践的现象、问题、命题进行较为深入地分析与论述。
二、考试的内容（一）数字媒体艺术与基础学科理论的交叉运用1、数字媒体艺术与美学理论以数字媒体艺术、尤其是数字影视艺术和网络多媒体艺术的审美活动为出发点，结合本专业特点，以中外美学理论、美学批评、美学史为基本知识框架，考察其审美活动的性质、特征、规律等问题。
2、数字媒体艺术与艺术学理论 以数字媒体艺术、尤其是数字影视艺术和网络多媒体艺术为出发点，结合其全新的艺术活动特点，以中外艺术理论、艺术批评、艺术史为基本知识框架，对数字时代的影视艺术、网络多媒体艺术活动进行考察。
3、数字媒体艺术与传播学理论以数字技术平台作为传播手段，以传播学理论为基本的知识框架，运用传播学理论及相应的方法论，重点考察数字影视艺术、网络多媒体艺术等所具备的新的艺术传播现象、传播特点、传播方式、传播规律等问题。
4、数字媒体艺术与数字媒体技术理论围绕数字媒体艺术、尤其是数字影视艺术与网络多媒体艺术这一核心，了解在其产生、发展、繁荣过程中起着决定性和支撑性作用的种种数字媒体技术概念、基本常识、基本功能等内容，重在考察在数字影视、网络多媒体等艺术活动过程中技术与艺术相互关系、相互作用等问题。
（二）数字媒体艺术本体理论及应用 在本专业自觉、独立的学科领域内，重点考察数字媒体艺术本体理论的内涵、构成、及其相关概念、原理的运用。
其中，主要包括以下两个方面的内容：1、数字影视艺术本体理论及应用 重点考察数字影视艺术的内涵与外延、形式与内容、创作手段与创作规律、审美特点与审美方式、传播平台与传播方式，以及数字影视艺术与社会文化、社会经济等层面的相互联系与相互作用等内容，并且能够理论联系实际，对数字时代影视艺术的发展变化，及其对人类艺术的发展所产生的作用给予较为深入、全面地把握。
2、网络多媒体艺术重点考察网络多媒体艺术的内涵与外延、形式与内容、创作手段与创作规律、传播平台与传播方式、审美方式与审美特点，以及网络多媒体艺术与社会文化、社会经济及其他艺术形式之间的相互联系与相互作用等内容。
并且能够理论联系实际，对网络多媒体艺术所赖以发生发展的种种数字技术及其艺术应用，具备基本的理解或设计把握能力。
（三）数字媒体艺术焦点热点分析 综合利用所学知识，对数字媒体艺术领域、尤其是数字影视艺术、网络多媒体艺术领域中出现的新的理论观点、艺术现象、审美趋向、实践应用等诸多焦点热点问题做多方位、多层次的考察与研究，并能做出包含独到见解的深入分析和论述。
三、考试的基本题型以综合论述为主要题型四、考试的形式及时间笔试，不需要任何辅助工具。
考试时间为三小时。
中国传媒大学硕士研究生入学考试 817《综合考试[艺术学]》考试大纲一、考试的总体要求《综合考试（艺术学）》是报考中国传媒大学艺术学所属各个专业方向的学科基础课，其特点是涵盖范围广，基础性较强，理论考察与能力考察相结合。
《综合考试（艺术学）》考试内容包括三个部分：一、中外艺术基本知识；二、艺术学基本理论；三、综合分析能力。
具体要求如下： 1、了解中外艺术发展史上著名艺术家、经典艺术作品、主要艺术思潮、主要流派风格等基本知识，包括但不限于音乐、美术（绘画、雕塑、设计艺术等）、戏剧（含戏曲）、电影、电视等艺术种类。
2、了解艺术学的基本概念、基本规律和基本原理，包括艺术本质、艺术活动、艺术种类、艺术作品等。
3、理解艺术的本质、艺术活动的性质、各艺术种类的主要特征，掌握艺术创作、艺术生产、艺术传播、艺术接受等基本理论。
4、综合运用所学艺术基本理论，分析和评述中外艺术发展历史与现实实践中的重要现象、作品和问题，分析和阐述中外艺术理论发展中的重要理论命题。
二、考试的内容 第一部分 中外艺术基本知识1、中外音乐发展史上著名作曲家、经典音乐作品、主要音乐流派与风格等。
2、中外美术（绘画、雕塑、设计艺术等）发展史上著名画家（雕塑家、书法家等）、经典美术作品、主要美术流派与风格等。
3、中外戏剧（含戏曲）发展史上著名剧作家、著名演员、经典戏剧（戏曲）作品、主要表演流派与风格等。
4、中外电影发展史上著名导演、著名演员、经典电影作品、主要电影思潮、主要导演表演风格等。
5、中外电视艺术发展上经典电视艺术（含电视剧、电视文艺）作品等。
6、中外艺术理论与批评发展上著名学者、经典著作、知名学派与思潮等。
7、当代中外艺术名家、名作与热点现象等。
第二部分 艺术学基本理论（一）艺术的本质与特征1、艺术的起源2、艺术的本质3、艺术的功能4、艺术的特征（二）艺术活动1、艺术家与艺术创作2、艺术生产与传播3、艺术鉴赏与批评（三）艺术作品1、艺术作品的构成2、艺术作品的层次3、艺术形象和意境4、艺术思潮、艺术流派、艺术风格（四）艺术种类1、音乐2、美术（设计艺术）3、戏剧戏曲4、电影5、广播电视艺术第三部分 综合分析能力1、对中外艺术发展历史与现实实践中重要现象、作品和问题的评析能力2、对中外艺术理论发展史上有关重要理论命题的阐述能力 三、考试的基本题型主要题型可能有：填空题、简释题、简答题、论述题、综合题等。
四、考试的时间及形式考试总分：150分，考试时间为三小时。
闭卷笔试，不需要任何辅助工具。
学习《概论》的心得体会
本学期我们学习了马克思主义基本原理概论，通过学习，我不仅掌握了基本的哲学知识，同时，也为构造自己的正确的世界观、人生观、价值观找到了正确的方向。
让我开始运用哲学的两面性的观点去分析生活中的问题和解决问题，找出共性和个性，处理好共性和个性，从而让自己的目光是全面的，促使自己更快更好的成长起来，并迅速成熟。
马克思主义哲学是哲学发展史上的伟大变革，是以实践为基础的彻底的唯物主义哲学。
学习这门课程对于学习其他课程是一个从宏观角度理解的基础。
如果这门课程学习好了，其他课程也就可以融会贯通，举一反三，理解起来就容易多了。
我觉得学习这门课程对我最大的益处，不仅在于学习到了理论知识，更多的是让我自己的思想觉悟提高许多，分析和解决生活学习问题的能力有了很大的提高。
