国内名家如何评价邓丽君
余秋雨：邓丽君是中国文化的密码。
白岩松：如果有一个声音能让全世界的华人安静下来，那就是邓丽君的歌声。
成龙：邓丽君是兰花，是最后的古典。
作为一个艺人，能如此走红，有这么大成就，实在已是生荣死哀，值得大家爱戴与尊敬，流芳百世，永垂不朽了
于丹：对于中国文化的意蕴来讲，她已经不是一个歌手，其歌艺成就已超越流行音乐的范畴与层次。
黄健翔：苦难深重的中华民族，有邓丽君的歌声，是神赐的福祉。
那英：我认为如果确立国语演唱标准的话，邓丽君是一个，苏芮是另一个。
崔健：我个人觉得邓丽君是代表一种自由创作的声音，流行歌曲开始真正是一种来自非政治性、非传统性的自由创造。
黄沾：像邓丽君这种级别的是不再需要用奖项、销量来证明的。
李宗盛：在演艺圈很多人是“奇迹”，但唯有邓丽君可以称为“传奇”。
刘德华：邓丽君她一辈子都非常传奇，她是我的偶像，当她出现广东歌的时候，我就觉得我们的距离拉近了很多。
王力宏：邓丽君对我来讲应该就是在我们华人音乐界最有影响的一个歌手，一直到现在我都非常欣赏她的唱腔，也影响了我们现在很多的歌手。
王菲：我从没想过也不认为自己可以超越邓丽君，她是我唯一的偶像，我喜欢她的歌，所以我就去唱。
刘欢：说实话，美轮美奂，真的是这样，就是她那个形态的歌曲，还真的没有人可以再超过她。
她已经把那样的方式，做的太完整了，太完美了。
龚琳娜：邓丽君的歌很有中国韵味，这种韵味是汉语的特征，也是区别于其它文化的音乐特色。
当今的流行音乐，缺的是韵味，是原创。
不能因为追随欧美的风格，而丢掉自己艺术的根。
董文华：邓丽君以情带声，以声带情口语化的演唱风格，自然，亲切，也是我在艺术上不断追求的目标，可以说邓丽君是华语乐坛永远无法逾越的高峰。
黄绮珊：邓丽君的歌对我的帮助很大，解决了我一个最重要的呼吸问题，呼吸是歌唱最基本的，我的心得体会是从她那里来的。
白燕升：曲艺界把“唱”分三个境界，一是“喊”，再是会“唱”，最后是“说”，我觉得邓丽君唱流行歌曲似乎已经达到了一种娓娓道来的“说”的境界。
戴思聪：邓丽君最值得传承的地方，就是她那没有人能取代的歌唱色彩的精髓。
她是国宝级的人才，我对她的评价就是这样。
左宏元：像邓丽君这种音色、技巧、呼吸控制，在亚洲还没人可以超越
她表现歌曲的时候，在舞台上或者录音都能发挥，都能把她的感情，把整个的梦想、情感表达无遗。
歌声像花卷，淡淡的，咬一口，便知内有层次，听起来温柔，却很有力量。
庄奴：有句老话，叫前无古人后无来者，在邓丽君之前，没有邓丽君，在邓丽君走之后，也绝不会再出现一个邓丽君。
王佩瑜：把邓丽君的吐字、行腔拿到我们这个京剧的标准来看，它也都是对的，这点和很多歌手是不一样的。
她的气特别匀，音色统一，情感完整。
朱桦：我是听着邓丽君所有的唱片走过来的，到今天我还是认为，华语歌坛上没有一个人能够超过她。
莫华伦：邓丽君是我非常敬佩的，她唱的流行歌，她的唱法，她的演绎，她所用的感情，到现在为止我觉得没有一个人能够超过她的，虽然我这么说可能会得罪很多人。
周杰伦：我觉得邓小姐是华人歌手里面最有影响力的歌手。
我希望我的音乐能成为经典，就像邓丽君和罗大佑那样
蔡琴：我最佩服邓丽君，她可以征服非国语的地方，这一点我现在还没有做到，也是我输给她的地方。
童安格：邓丽君是真正国宝级的艺人。
田震：我最崇拜的歌手就是邓丽君，她是非常伟大的一个歌手，绝对的大师。
她唱国语是最好的，她的吐字，她的归韵，她的气息，都给了我们很多很多借鉴的。
刘家昌：邓丽君是华人最伟大的歌手。
张靓颖：邓丽君是华语乐坛最有影响力的女歌手，没有之一。
再给我几十年，我也不奢望能够成为她那样的歌手，她是独一无二的，没有人能够超越。
梁静茹：没有邓丽君，就没有今天的梁静茹
邓姐可以说是我们大家永远最崇拜的一个巨星。
梅葆玖：邓丽君在流行方面绝对是第一，是冠军
她去世后没有一个歌星能追得上她。
腾格尔：邓丽君是我的偶像，她是用她全部的情感，用她的心来演唱，一直到现在我依然认为她是华语歌坛最好的歌手。
徐沛东：邓丽君把华人的风格体现得淋漓尽致，具有东方人的细腻、大方、不造作的特点。
费翔唱到了百老汇，蔡大生唱到了瑞典皇家首席男高音，彭康亮唱到了日本第一男低音，但是，这些都是可以超越的，而邓丽君无法超越。
邓丽君是唯一打入世界的值得华人骄傲的歌唱家。
韩红：她不但传递歌声，更是传递美好，用纯净的心灵去演绎歌曲，这样的歌手实在太少了。
听她的歌我能感受到流行音乐的快乐和美好。
她不是现在这种“献技派”，从不炫耀声音和唱功，而是用心灵来交流。
周华健：她的声音被很多人模仿，但到目前为止，没有模仿得像或可以超越她的，她是永远的歌后，华语歌坛中能够离开中国市场的第一人。
潘安邦：不管是作为一个听众觉得好听还是作为一个专业歌手佩服她的歌唱技巧和实力，我都觉得邓丽君是华人歌坛的第一人。
高晓松：邓丽君之后应该说各种叫天后、天王等等的有很多很多，但是能像邓丽君一样，全世界华人共同热爱的，是几乎没有的，应该说就是没有，也没有人有这么多作品让大家不停地翻唱。
李谷一：邓丽君是中国乐坛一位独树一帜的、不可磨灭的杰出艺术家。
在流行音乐界中，我认为她唱得最好。
齐秦：爱情很难被描述，但是邓丽君可以表达。
汪峰：像我们分析邓丽君，她几乎完美到，她几乎所有歌曲的每一个音符你挑不出毛病来，这一点太可怕了。
金铁霖：邓丽君是一个很有天才的、很善于演唱的、对歌曲理解很有深度的歌手，作为流行歌手的演唱，我认为她唱的是最好的。
林志炫：邓丽君是我们最终的偶像，她有非常稳定的气息，你几乎找不到她换气的点在哪里，那是柔中带刚的一种劲道，这是最难也是最值得推崇的，到现在始终没有人能达到她那样的水平。
谷建芬：邓丽君的造诣、贡献和影响是至今无人可及的。
她真正是中国人的骄傲。
她的歌在全世界范围内、如此长的时间内被接受、被传播、被上演，是只有此一人的奇迹。
艾青诗选摘抄加赏析（一定要有赏析）
艾青诗选名篇赏析礁石艾青一，一个浪无休止地扑过每一个浪都在它脚下被打成碎沫开……它的脸上和身上象刀砍过的一样但它依然站在那里含着微笑，看着海洋……从艺术手法来看，在《礁石》一诗中，诗人把他对生活的独到思考熔铸于“礁石”这一象征性的形象之中，使礁石人格化，所以在读的时候，应该超然于物外，想得更深远。
的确，象征手法的运用，使这首诗言有尽而意无穷
以微笑的方式生活，无论你遇到多大的困难与挫折，无论是一个人还是一个民族。
这是《礁石》给我们的最深刻的启示
艾青的诗《希望》《希 望》梦的朋友幻想的姊妹原是自己的影子却老走在你前面像光一样无形像风一样不安定她和你之间始终有距离像窗外的飞鸟像天上的流云像河边的蝴蝶既狡猾而美丽你上去，她就飞你不理她，她撵你她永远陪伴你一直到你终止呼吸参考资料：[bbs.bj.sina.com.cn]现代诗《希望》艾青内容与背景故事《希 望》梦的朋友幻想的姊妹原是自己的影子却老走在你前面像光一样无形像风一样不安定她和你之间始终有距离像窗外的飞鸟像天上的流云像河边的蝴蝶既狡猾而美丽你上去,她就飞你不理她,她撵你她永远陪伴你一直到你终止呼吸艾青的作品一般是描写太阳、火把、黎明等有象征性的事物，表现出艾青对旧社会的黑暗和恐怖的痛恨以及对黎明、光明、希望的向往与追求。
艾青从对农村劳动人民的热爱和接近他们的要求出发，十多年来，一直向他们呈献着自己最真切的诗情。
[9]艾青的诗歌以它紧密结合现实的、富于战斗精神的特点继承了“五四”新文学的优良传统，又以精美创新的艺术风格成为新诗发展的重要收获。
这里既反映了作者的艺术才能，又铭记下他严肃的、艰苦的艺术实践。
在他的诗歌中，饱满的进取精神和丰富的生活经验带来鲜明。
艾青的诗歌具有鲜明深刻的形象，随着诗歌结束，形象也就完成。
形象，不仅指人，也包括物，以及思想等的形象化。
《艾青诗选》中优美语句及赏析1、《礁石 》一个浪，一个浪无休止地扑过来每一个浪都在它脚下被打成碎沫，散开……它的脸上和身上象刀砍过的一样但它依然站在那里含着微笑，看着海洋……2、《我爱这土地 》假如我是一只鸟，我也应该用嘶哑的喉咙歌唱：这被暴风雨所打击着的土地，这永远汹涌着我们的悲愤的河流，这无止息地吹刮着的激怒的风，和那来自林间的无比温柔的黎明……——然后我死了，连羽毛也腐烂在土地里面。
为什么我的眼里常含泪水?因为我对这土地爱得深沉……3、《给太阳 》早晨，我从睡眠中醒来，看见你的光辉就高兴;——虽然昨夜我还是困倦，而且被无数的恶梦纠缠。
你新鲜、温柔、明洁的光辉，照在我久未打开的窗上，把窗纸敷上浅黄如花粉的颜色，嵌在浅蓝而整齐的格影里，我心里充满感激，从床上起来，打开已关了一个冬季的窗门，让你把全金丝织的明丽的台巾，铺展在我临窗的桌子上。
于是，我惊喜看见你：这样的真实，不容许怀疑，你站立在对面的山巅，而且笑得那么明朗。
我用力睁开眼睛看你，渴望能捕捉你的形象，多么强烈，多么恍惚，多么庄严!你的光芒刺痛我的瞳孔。
太阳啊，你这不朽的哲人，你把快乐带给人间，即使最不幸的看见你，也在心里感受你的安慰。
你是时间的锻冶工，美好的生活镀金匠;你把日子铸成无数金轮，飞旋在古老的荒原上……假如没有你，太阳，一切生命将匍匐在阴暗里，即使有翅膀，也只能像蝙蝠在永恒的黑夜里飞翔。
我爱你像人们爱他们的母亲，你用光热哺育我的观念和思想——使我热情地生活，为理想而痛苦，直到我的生命被死亡带走。
经历了寂寞漫长的冬季，今天，我想到山巅上去，解散我的衣服，赤裸着，在你的光辉里沐浴我的灵魂……4、《黎明的通知 》为了我的祈愿诗人啊，你起来吧而且请你告诉他们给太阳早晨，我从睡眠中醒来，看见你的光辉就高兴;——虽然昨夜我还是困倦，而且被无数的恶梦纠缠。
你新鲜、温柔、明洁的光辉，照在我久未打开的窗上，把窗纸敷上浅黄如花粉的颜色，嵌在浅蓝而整齐的格影里，我心里充满感激，从床上起来，打开已关了一个冬季的窗门，让你把全金丝织的明丽的台巾，铺展在我临窗的桌子上。
于是，我惊喜看见你：这样的真实，不容许怀疑，你站立在对面的山巅，而且笑得那么明朗。
我用力睁开眼睛看你，渴望能捕捉你的形象，多么强烈，多么恍惚，多么庄严!你的光芒刺痛我的瞳孔。
太阳啊，你这不朽的哲人，你把快乐带给人间，即使最不幸的看见你，也在心里感受你的安慰。
你是时间的锻冶工，美好的生活镀金匠;你把日子铸成无数金轮，飞旋在古老的荒原上……假如没有你，太阳，一切生命将匍匐在阴暗里，即使有翅膀，也只能像蝙蝠在永恒的黑夜里飞翔。
我爱你像人们爱他们的母亲，你用光热哺育我的观念和思想——使我热情地生活，为理想而痛苦，直到我的生命被死亡带走。
经历了寂寞漫长的冬季，今天，我想到山巅上去，解散我的衣服，赤裸着，在你的光辉里沐浴我的灵魂……......艾青的诗《树》首先回答你这首诗歌与爱情无关,是关于民族团结力量的.诗人以诗人敏感的心灵感受和锐利的政治目光深切地体察到时代和社会脉搏的动向，意识到了我们伟大民族的觉悟已经到来，从原野上一棵棵“彼此孤离地兀立着”的树的意象获得灵感，产生了“在看不见的深处 \\\/它们把根须纠缠在一起”的联想。
艾青赋予那些生长在大地上的一棵棵树以活生生的性格，以独具的眼光看到了“在泥土的覆盖下\\\/它们的根伸长着”的潜在的事实，把它们作为一个伟大民族正在团结并凝聚成坚强力量的象征。
还有就是:《树》写于1940年春天，当时伟大的抗日战争已经进行了两年多，正转入艰苦的相持阶段。
这场伟大的民族战争正给予我们全体人民一次洗礼，使他们的灵魂在战争中经受严酷的磨练，日益走向精神的觉醒。
诗人艾青清醒地感受到了这一点，产生灵感和联想，写作了这首诗。
求一艾青诗及其赏析我爱这土地假如我是一只鸟，我也应该用嘶哑的喉咙歌唱：这被暴风雨所打击着的土地，这永远汹涌着我们的悲愤的河流，这无止息地吹刮着的激怒的风，和那来自林间的无比温柔的黎明……---然后我死了连羽毛也腐烂在土地里面。
为什么我的眼里常含泪水?因为我对这土地爱得深沉……《我爱这土地》导读曹津源太阳与土地是最能概括艾青诗歌特色的两个概念。
诗人对于光明、理想和美好生活的热烈追求，常常借助太阳这一意象得以表现，艾青仿佛是一位夸父，至死不渝地追寻着太阳、光明和理想;作为另一面，与诗人血脉相连的土地也是他一生一世都无法割舍的眷恋。
他曾说过:“这个无限广阔的国家和无限丰富的农村生活—无论旧的还是新的—都要求在新诗上有它的重要篇幅。
”(《献给乡村的诗·序》)艾青对土地的关注，就是对农民、民族、祖国的挚爱。
写于抗战爆发后1938年的《我爱这土地》就是艾青这种特有的土地情结的代表作。
在国土沦丧、民族危亡的紧急关头，艾青向祖国捧出一颗赤子之心，爱国深情的抒发，波澜起伏，层层推进。
一、点出土地情结。
先偿赏起始两句:“假如我是一只鸟，\\\/我也应该用嘶哑的喉咙歌唱。
”诗人对土地的酷爱，已到了不知道如何倾诉的地步。
于是，他只能舍弃人的思维语言而借用鸟的简单朴素的语言倾泻他的爱情，在诗人看来，这简单朴素的往往是最真诚热烈的。
形容词“嘶哑”，已不能再唱出美丽悦耳清亮动听的情歌，但这“嘶哑”的歌声正能抒发对土地的义无反顾的真诚和执著。
于是土地情结的激越歌声由此响起。
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可分四层。
第一层:隐喻人民苦难。
“这被暴风雨所打击着的土地，这永远汹涌着我们的悲愤的河流”。
“暴风雨”、“悲愤的河流”这些意象告诉我们，艾青魂牵梦绕地爱着的土地，是布满痛苦、躯体上有太多凝结成块的流不动的悲愤的土地。
当时日寇连续攻占了华北、华东、华南等广大地区，所到之处疯狂肆虐，草菅人命。
艾青在《雪落在中国的土地上》有着相似的描写:“雪落在中国的土地上，\\\/寒冷在封锁着中国呀……风，\\\/像一个太悲哀了的老妇，\\\/紧紧地跟随着\\\/伸出寒冷的指爪\\\/拉扯着行人的衣襟，\\\/用着像土地一样古老的话\\\/一刻也不停地絮聒着……”诗人用“寒冷”、“雪”、“风”、“封锁”等意象勾勒出扼杀着一个个求生的生命的悲惨处境。
两首诗写于同一时期，都表现出诗人对人民苦难的深情关注。
第二层，隐喻人民反抗。
“这无止息地吹刮着的激怒的风”一句象征着中华民族不屈不挠的反抗精神，神州土地养育了中华民族，也养育了一种坚韧不屈的民族精神。
“无止息”暗寓反抗精神的传承，“刮”、“激怒”表示力量的强大，由悲土地之苦难转入赞土地的抗争，诗人的土地情结深了一层;第三层，“那来自林间的无比温柔的黎明”一句可以看作是斗争前景的象征，也可以更“实”一点，看作是充满生机的解放区的象征，伟大的民族解放战争的象征。
总之，诗人的情思已由悲愤、称颂进入憧憬，表现出坚定的必胜信念，构思又进一层:第四层，“—然后我死了，连羽毛也腐烂在土地里面。
”诗人没有沉溺于对“温柔”恬静的“黎明”的欣赏中，为了自己的爱永远留给土地，他作出了上述郑重庄严的抉择。
这种献身精神可以作这样的诠释:我来自土地而最终归于土地，这样，爱才得以升华，得以永恒。
这是一种多么超凡脱俗、悲壮高尚的土地情结啊!三、升华土地情结。
第二节的一问一......艾青《我爱这土地》赏析这首诗写于抗战初期，它集中展现了艾青对土地的一片赤诚之爱。
在个体生命的渺小、短暂与大地生命的博大、永恒之间，诗人为了表达自己对土地最真挚深沉的爱，把自己想像成是“一只鸟”，永远不知疲倦地围绕着祖国大地飞翔，永远不停歇地为祖国大地而歌唱，既唱出大地的苦难与悲愤，也唱出大地的欢乐与希望；即使死了，也要将整个身躯融进祖国的土地中，以表示自己对土地的深沉之爱。
全诗的感情是强烈而内在的，基调是深沉而忧郁的。
可以说，时代的投影与真实的感受相结合，使得这首诗的感情显得极为真诚，更有感染力，更能拨动读者的心弦。
写作艺术这首诗的显著特点是篇幅短小，构思精巧。
土地是个博大的意象，诗人选择它作为寄情的对象、倾诉的对象，其境界极其广阔，意象极其丰富，诗人的情思是多角度、多层次的，诗人的想像和诗思的回旋天地也是无限自由、广阔的。
但他没有把诗的篇幅拉长，不让诗的情思散漫开去，而只把诗人对土地广阔而深厚的爱浓缩在10行诗中，并且取得了最佳的艺术效果。
写作手法诗人不是从实处落笔，而是从虚处落笔，通过想像把自己虚拟为“一只鸟”，借鸟儿与土地的关系来展开全诗的艺术境界，使诗的整体构架显得巧妙自然，使人浑然不觉。
诗以“假如”开头，显得新奇，富有独创性，便于化人为鸟，把诗境推向虚拟的艺术境界。
当然，诗中的“鸟”，仅是泛指，具有象征性，不像古诗词中那些实指(如杜鹃、鹤鸽等)。
“用嘶哑的喉咙歌唱”，是一句引人注目、令人心动、值得品味和沉思的诗句，也是全诗中深化诗人对土地感情的一个奇异的亮点。
这是当时悲壮的时代氛围(抗战初期)、诗人特殊的个性与气质(艾青自称是“悲哀的诗人”)以及诗人特殊的表达需要等等，共同作用于鸟儿形象而产生的审美意象。
它大大提升和强化了形象的审美表现力—从中我们不仅能感到时代的氛围、诗人的个性和气质，更能感到诗人对土地的爱是如此的执著、坚贞和顽强。
歌唱对象从句式上看，用的是排比句；从方法上看，用的是类似电影蒙太奇式的特写镜头，向我们依次推出他要歌唱的对象：土地、河流、风、黎明。
这些都是博大的自然或宇宙意象，但诗人选择了这几种典型的形象，极其简洁、鲜明，却又能让我们产生丰富的想像和联想，引起深刻的沉思。
值得指出的是，诗人在“土地、河流、风、黎明”前都特意加上了带有感情色彩的形容词或修饰语，使它们一个个都转化成了富有象征意味和暗示力的画面，既暗示了祖国多灾多难的命运，也暗示着人民的不屈与抗争，以及大地上仍然在生长着的希望，同时还暗示着诗人要竭尽全力，与其共命运，为他们而歌唱；即使死了，也要埋进这片土地，用自己的身躯去肥沃这片土地。
从构思的角度看，到这里，诗人仍然紧扣“鸟儿”这个虚拟的形象(“连羽毛也腐烂在土地里面”)，让其生前与死后形成强烈的对比，于对比中表现出鸟儿对土地的执著、赤诚之爱，从而也艺术地塑造了一个土地忠诚的歌者形象。
这首诗的特点是巧妙转换，另辟诗境。
按理，诗情到达高潮之后，再接下来抒写难度就很大。
但诗人却巧妙地宕开一笔，隔开一行，作了必要的间歇和停顿后，开始了巧妙转换，写下了两行形象突出、感情进一步升华的结尾。
令人读后怦然心动，过目难忘，吟诵不已。
总结把握第一，抒情视角作了转换。
诗的第一节是从虚拟的视角，即从鸟儿的视角去想像，去表现鸟儿对土地的忠诚与挚爱，显得形象含蓄；第二节却换成实写的视角，即从诗人自我的视角去实写自己“常含泪水的眼睛”，倾诉自己对土地的“深沉”之爱，是直抒胸臆。
这样，虚境和实境的结合与对应，构筑了全诗内在完整的艺术空间；结果与原因的关联与对照，又构成了支撑全诗的内在逻辑结构。
第二，写作手法作了转换。
前一节用......艾青 《绿》赏析 10分【赏析】艾青的诗歌《绿》运用文字的魅力用文学的形式描述了春天到处都是绿色，树木大地中的小草在春风的春拂下来回摆动，风是绿的，水是绿的，世界充满了绿。
绿是生命的颜色，是生命的象征。
绿是自然的颜色，是希望，是慰安，是快乐
。
艾青先生的名诗《绿》，更是写出了绿的摇曳、绿的美幻，绿的闻风而动，乃至绿的生命。
绿色”真是具有永恒的魅力
解读艾青诗歌的忧郁艾青诗歌中的忧郁情结摘要：“忧郁”既是艾青诗歌创作的灵魂，也是我们解读其诗歌的关键词。
诗人在感受和表现人民苦难时，流露出他固有哀伤、忧郁的情调。
作为一个始终为民族摆脱种种枷锁而写作的歌者，艾青的“忧郁”情结主要有三个方面的来源：客观现实、主观心情和象征手法。
这种“忧郁”并非一己的悲苦与感伤，对一个忠于现实，对祖国和人民怀着满腔的挚爱的诗人来说，他的“忧郁”乃是民族的哀感，时代的愤懑。
只要世界上还有压迫和罪恶，只要诗人对美好事物的追求尚未实现，他的“忧郁”情结是不会终结的。
关键词：艾青诗歌、忧郁、人民、苦难“忧郁”既是艾青诗歌的灵魂，也是我们解读艾青诗歌的关键词。
忧郁情结，渗透在艾青的诗歌中，构成他诗歌创作最显著的个性因素。
从他的诗歌中我们可以看到：“诗人的忧郁是人民的忧郁，他的悲哀就是人民的悲哀，诗人灵魂深处涌出的歌唱就是人民心里的声音。
”艾青自从写穷困一生的乳母“大堰河”开始，尽管他不同时期的诗作，均有不同的时代色彩，但“忧郁”始终是他诗歌的基本内涵和主要色调，对此诗人也多次作过明确的表白。
他在抗战初期的《诗论·服役》中说：“ 在这苦难被我们所熟悉，幸福被我们所陌生的时代，好象只有把灵魂能喊叫出来是最幸福的事。
”“叫一个生活在这年代的忠实的灵魂不忧郁，这有如叫一个辗转在泥色的梦里的农夫不忧郁，是一样的属于天真的一种奢望。
”50年代中期他说：“我写过无数诗，一边写，一边悲伤。
”诗人的感受和表现对人民的苦难时，流露出他固有的哀伤、忧郁的情调。
70年代后期复出后，艾青依然认为“过度的愤怒和过度的悲哀都产生诗歌”。
作为一个始终为悲苦的民族摆脱种种枷锁而写作的歌者，艾青的“忧郁”主要有三个方面的原因：首先，是来自客观现实。
艾青出生在新旧两个时代交替的历史时期，社会的动荡使各种矛盾日渐尖锐激化。
他在童年便看到了农村的凋敝衰败，目睹了人间的混乱与不平，他最初面对着“不公道的世界”，拿起画笔的时候，便去描绘阴暗的茅屋、荒芜的旷野和搁浅的划子。
那些艰苦劳作的农夫、农家妇女与孩子、那些小贩车夫都成了他作画最惯用的对象，并借以寄托自己对不公道社会的愤怒之情。
“一·二八”事变后，困难的祖国正在血泊中呻吟，艾青说：“我看到闸北一带的残垣断壁时，我几乎要哭了。
”故乡则更是满面疮痍。
不久入狱，便以一腔愤激，向黑暗的旧世界吹奏起了“毁灭的咒歌。
”抗战爆发后，他看到了光明与黑暗的较量，正义与邪恶的交战。
诗人忠实于自己的体验，并向他所处的时代奉献出了最真挚的爱。
以诗集《大堰河》为起点，创作了一系列的佳作，《复活的土地》、《雪落在中国的土地上》、《旷野》、《公路》、《村庄》、《献给乡村的诗》……这是一幅幅困难中国的图画，一曲曲深情的咏叹调，一首首渴求新生活的歌，一篇篇颂扬斗争的诗，深沉的带些哀愁的爱，时时流露着忧郁的调子。
诗人的“忧郁”是现实的投影，他感受到民族的苦难，并以一颗诚挚的诗心沉浸在亿万人的悲欢、爱憎和愿望之中，才写出了如此忧郁的诗篇。
其次，是来自主观心情。
与时代特征、社会现实紧密联系的是诗人敏感的心情以及他个人的性格和气质。
艾青的早年的不幸身世和经历，是他从小就感染了农民的忧郁，并从乳母身上体会到了“人世生活的凌辱”和“奴隶的凄苦”。
异国的孤独漂泊和流浪，加之资本主义世界的繁华和罪恶，使他产生了一种孤单、寂寞、无所归依的感觉。
这种流浪汉的气质为诗人以后创作中的忧郁情调埋下了最初的种子。
而后的监狱生活几乎把艾青吞没，他由严酷的现实所激发出的忧郁与感伤较为浓重，这是十分自然的。
新中国成立后。
他曾表示为新生活而歌唱，但政治上的高......艾青《礁石》的赏析我正好很喜欢这首诗歌，下面是名家赏析，送给你《礁石》是艾青的一首短诗，只有两节八句，但是，这首八句组成的简短的抒情诗，却用了比拟、象征等好几种写作手法，创造了歌一样的旋律、画一样的景色、无穷的想象空间和深厚的意蕴。
从诗歌的声音语言层面分析，这首诗歌采用的是“自由诗体”，就声音特点看，并不讲究对句、平仄、押韵等等旧体诗歌的规矩，但是，其声音方面也并非完全没有节奏，比如第一节第一句的两个“浪”字，可以算“同韵”，与接下来的第二节第二句句末的“样”，是同一个韵，与第四句句末的“洋”虽然平仄不同，但是仍然是同一个韵，这样，就在一定时间内形成一种音韵的循环，增加了语音和谐，构成了歌一样的旋律。
从诗歌的句式看，长短比较自由，但是最长的一句“每一个浪都在它脚下”只有九个字，最短的一句“一个浪，一个浪”是六个字，其余几句觉得字数介于中间，显得相对整齐，体现了闻一多先生所说的“诗歌的建筑美”。
这种分行、相对整齐的句式，使我们从外观上一眼就能看出它与散文、小说句式的区别，这既是诗歌的惯例，也是区分诗歌和其它文体的最表面的形式。
从这首诗歌的意境看，简短的八句诗，给我们描绘了两个主要的画面：第一个，是无数浪花被礁石打成碎沫；第二个，是礁石屹立，面对浩瀚的海洋。
这两个画面，其实是同一个画面，所不同的是，第一个画面，着重描绘了被打碎的浪花，第二个画面，着重描绘了挺立的礁石，视觉的中心点有了变化，使读者关注到不同的层面。
这就是说，“主导意图”有所不同，第一个画面的主导意图，在于揭示“浪花”的反复攻击，第二个画面的主导意图，在于突出礁石的傲然屹立。
而且，诗歌语言构筑的画面，和真实的绘画有所不同。
在诗歌中，画面是动态的，就像在电影和电视中，视角是移动的，景物也是变动不居的，而绘画中，作者却只能采取一个固定的视角，其画面虽然也力图用特殊的笔墨语言写出“动态”，但是，相比而言，总是静态为主。
诗歌这种画面的营造，比绘画更灵活。
但是，诗歌中的画面与绘画的另一个不同，就是诗歌的画面是“间接的”，是借助语言文字，间接描写图像的，而绘画，则是直接描写图像的。
这首诗歌在写作手法上，采取了比拟的手法，如第一、二句：“一个浪，一个浪，无休止地扑过来”用“扑过来”描写浪花，无疑，是把浪花比喻成“人”的写法，本来没有生命的浪花，好像也有主观意志，能主动对礁石发起攻击。
而接下来的是：写礁石“打碎”浪花，同样把礁石拟人化了，客观事物的相磨相荡，仿佛是人与人的斗争。
这里，就有了比喻、拟人，同时，在更深的层次上，有“移情”的作用。
客观事物本来没有什么意志、目的，但是在作者看来，它们却似乎有了意志、目的，实际是作者把自己的思想感情“投射”到了外物身上，给没有生命的东西赋予了生命。
就像杜甫“感时花溅泪，恨别鸟惊心”的句子一样，花何尝溅泪
鸟何尝惊心
不过作者“感时”、“恨别”，心意悲伤，带着情感的有色眼镜去看待外物，觉得外物好像也在悲伤一样。
这首诗歌的第二节，进一步写礁石的“脸”、“身”和“笑”，更是清楚明白的拟人，而“移情”的审美心理活动，仍然渗透在其间。
这样的写法，使客观世界变得“人情化”，赋天地以生命，使生命的活力鼓荡在宇宙间，确实是打动人心的好诗。
这首简短的诗歌，通过比喻、拟人的手法，注入作者的感情。
但是，并没有把事情说尽，而是只简单地勾勒了两个画面，抓住事物的特点，而对其内涵，则采取“省略”的方式，没有做出什么说明，这就增加了读者猜测和想象的空间。
在艺术中，“形象大于思想”，思想往往阐述得清楚明白，也就没有多少想象的余地，而没有想象的余地，没有给读者留出“填空”和“对话”的......
五篇两千字名家散文
秋日在林间散步，无意中走进一片人迹杳然的阔叶林中。
遍地铺满了厚厚的落叶。
黑的，褐的，灰的，咖啡色的，以及刚刚落下的黄的，红的，绿的叶片。
在夕阳的光照里，组成一幅绵延的泼墨彩画。
枯叶虽然调零了，却自始至终都是如此美丽。
那彩色的叶片吸引我。
忍不住坐在一个树桩上，轻轻地赞叹，我突然看见一片枯叶在层层叶片中蠕动着。
凝视，才知道这是一只枯叶蝶，枯叶蝶在枯叶堆中寻找什么呢
这个念头使我感到兴趣盎然。
静静地观看，没有想到枯叶蝶就在这个时候翻倒，抽搐了几下，不动了。
枯叶蝶竟然就这样死了，这一生都在塑造自己成为一片枯叶的蝴蝶最后真的化为一片枯叶。
如果不是我亲眼目睹，相信无人能在一大片枯叶中，寻找出一只蝴蝶的尸身。
我把枯萎的蝴蝶，捧在手上。
思及枯叶蝶是一生站立或者飞翔在枯叶与蝴蝶界限之间的。
如果说它是执着于枯叶，那是对的。
否则为什么它的形状颜色，姿势都酷似一片叶子。
如果说它是执着于蝴蝶的生命，那也是对的。
酷似枯叶只是为了保护它内在的那一只蝴蝶。
如今它终于打破界限了，它终于放下执着了，它还原，而且完整了。
我们谁不是站立在某了界限上呢。
很少有人是全然的。
从左边看也许是枯叶，从右边看，却是蝴蝶，飞翔时是一只蝴蝶，落地时却是枯叶。
在飞舞与飘落之间，在绚丽于平淡之间，在跃动与平静之间。
大部分为了保命，压抑隐藏遮掩了内在美丽的蝴蝶，拟态为一片枯叶。
最后的时刻来临，众人走过森林，只见枯叶满地，无人看见蝴蝶。
蝉一旦唤醒内心的蝴蝶，创造了飞翔的意志。
就不再停止飞行。
不再压迫内在的美丽。
他会张开双眼看灿烂的夕阳。
它会大声念诵十四行诗。
它会侧耳倾听繁花的歌唱。
它会全身进入一朵兰花香。
最后或许也会颓倒在一片枯叶林间。
它内心的蝴蝶却与初生时一样美丽。
如果内心的蝴蝶从未苏醒，枯叶蝶的一生也只不过是一片无言的枯叶。
在一个偏僻遥远的山谷里，有一个高达数千尺的断崖。
不知道什么时候，断崖边上长出了一株小小的百合。
百合刚刚诞生的时候，长得和杂草一模一样。
但是，它心里知道自己不是一株野草。
它的内心深处，有一个内在的纯洁的念头：“我是一株百合，不是一株野草。
惟一能证明我是百合的方法，就是开出美丽的花朵。
” 有了这个念头，百合努力地吸收水分和阳光，深深地扎根，直直地挺着胸膛。
终于在一个春天的清晨，百合的顶部结出了第一个花苞。
百合的心里很高兴，附近的杂草却很不屑，它们在私底下嘲笑着百合：“这家伙明明是一株草，偏偏说自己是一株花，还真以为自己是一株花，我看它顶上结的不是花苞，而是头脑长瘤了。
” 公开场合，它们则讥讽百合：“你不要做梦了，即使你真的会开花，在这荒郊野外，你的价值还不是跟我们一样。
” 偶尔也有飞过的蜂蝶鸟雀，它们也会劝百合不用那么努力开花：“在这断崖边上，纵然开出世界上最美的花，也不会有人来欣赏呀!” 在野草和蜂蝶的鄙夷下，野百合努力地释放内心的能量。
有一天，它终于开花了，它那灵性的白和秀挺的风姿，成为断崖上最美丽的颜色。
这时候，野草与蜂蝶再也不敢嘲笑它了。
百合花一朵一朵地盛开着，花朵上每天都有晶莹的水珠，野草们以为那是昨夜的露水，只有百合自己知道，那是极深沉的欢喜所结的泪滴。
年年春天，野百合努力地开花，结籽。
它的种子随着风，落在山谷、草原和悬崖边上，到处都开满洁白的野百合。
几十年后，远在百里外的人，从城市，从乡村，千里迢迢赶来欣赏百合开花。
许多孩童跪下来，闻嗅百合花的芬芳；许多情侣互相拥抱，许下了“百年好合”的誓言；无数的人看到这从未见过的美，感动得落泪，触动内心那纯净温柔的一角。
那里，被人们称为“百合谷地”。
不管别人怎么欣赏，满山的百合花都谨记着第一株百合的教导：“我们要全心全意默默地开花，以花来证明自己的存在。
”张晓风 “月，阙也”那是一本二千年前的文学专书的解释。
阙，就是“缺”的意思。
那解释使我着迷。
曾国藩把自己的住所题作“求阙斋”，求缺
为什么
为什么不求完美
那斋名也使我着迷。
“阙”有什么好呢
“阙”简直有点像古中国性格中的一部分，我渐渐爱上了阙的 境界。
我不再爱花好月圆了吗
不是的，我只是开始了解花开是一种偶然，但我同时学会 了爱它们月不圆花不开的“常态”。
在中国的传统里，“天残地缺”或“”的说法几乎是毫无疑问地被一般人 所接受。
也许由于长期的患难困顿，中国神话对天地的解释常是令人惊讶的。
在里，我们的天空和中国的大地都是曾经受伤的。
以其柔 和的慈手补缀抚平了一切残破。
当时，天穿了，炼五色石补了天。
地摇了，折 断了神鳌的脚爪垫稳了四极（多像老祖母叠起报纸垫桌子腿）。
她又像一个能干的主妇， 扫了一堆芦灰，止住了洪水。
中国人一直相信天地也有其残缺。
我非常喜欢中国西南部有一少数民族的神话，他们说，天地是合造的。
当 时男神负责造天，女神负责造地。
等他们各自分头完成了天地而打算合在一起的时候， 可怕的事发生了；女神太勤快，她们把地造得太大，以至于跟天没办法合得起来了。
但 是，他们终于想到了一个好办法，他们把地折叠了起来，形成高山低谷，然后，大地才 虚合起来了。
是不是西南的崇山峻岭给他们灵感，使他们想起这则神话呢
天地是有缺陷的，但缺陷造成了皱折，皱折造成了奇峰幽谷之美。
月亮是不能常圆 的，人生不如意事十常八九，当我们心平气和地承认这一切缺陷的时候，我们忽然发觉 没有什么是不可以接受的。
在另一则汉民族的神话里，说到大地曾被共工氏撞不周山时撞歪了——从此“地陷 东南”，长江黄河便一路浩浩森森地向东流去，流出几千里的惊心动魄的风景。
而天空 也在当时被一起撞歪了，不过歪的方向相反，是歪向西北，据说日月星辰因此哗啦一声 大部分都倒到那个方向去了。
如果某个夏夜我们抬头而看，忽然发现群星灼灼然的方向， 就让我们相信，属于中国的天空是“天倾西北”的吧
五千年来，汉民族便在这歪倒倾斜的天地之间挺直脊骨生活下去，只因我们相信残 缺不但是可以接受的，而且是美丽的。
而月亮，到底曾经真正圆过吗
人生世上其实也没有看过真正圆的东西，一张葱油 饼不够圆，一块镍市也不够圆，即使是圆规画的圆，如果用高度显微镜来看也不可能圆 得很完美。
真正的圆存在于理念之中，而在现实的世界里，我们只能做圆的“复制品”。
就现 实的操作而言，一截圆规上的铅笔心在画圆的起点和终点时，已经粗细不一样了。
所有的天体远看都呈球形，但并不是绝对的圆，地球是约略近于椭圆形。
就算我们承认月亮约略的圆光也算圆，它也是“方其圆时，即其缺时”。
有如十二 点正的钟声，当你听到钟声时，已经不是十二点了。
此外，我们更可以换个角度看。
我们说月圆月阙其实是受我们有限的视觉所欺骗。
有盈虚变化的是月光，而不是月球本身。
月何尝圆，又何尝缺，它只不过像地球一样不 增不减的兀自圆着——以它那不十分圆的圆。
花朝月夕，固然是好的，只是真正的看花人那一刻不能赏花
在初生的绿芽嫩嫩怯 怯的探头出土时，花已暗藏在那里。
当柔软的枝条试探地在大气中舒手舒脚时，花隐在 那里。
当蓓蕾悄然结胎时，花在那里。
当花瓣怒张时，花在那里。
当香销红黯委地成泥 的时候，花仍在那里。
当一场雨后只见满丛绿肥的时候，花还在那里。
当果实成熟时， 花恒在那里，甚至当果核深埋地下时，花依然在那里。
或见或不见，花总在那里。
或盈或缺，月总在那里，不要做一朝的看花人吧
不要 做一夕的赏月人吧
人生在世那一刻不美好完满
那一刹不该顶礼膜拜感激欢欣呢
因为我们爱过圆月，让我们也爱缺月吧——它们原是同一个月亮啊
《绿的歌》冰心原文 我的童年是在大海之滨过的，眼前是一望无际的湛蓝湛蓝的大海，身后是一抹浅黄的田地。
那时，我的大半个世界是蓝色的。
蓝色对于我，永远象征着阔大，深远，庄严…… 我很少注意到或想到其他的颜色。
离开海边，进入城市，说是“目迷五色”也好，但我看到的只是杂色的黯淡的一切。
我开始向往看到一大片的红色，来振奋我的精神。
我到西山去寻找枫林的红叶。
但眼前这一闪光艳，是秋天的“临去秋波”，很快的便被朔风吹落了。
在怅惘迷茫之中，我凝视着这满山满谷的吹落的红叶，而“向前看”的思路，却把我的心情渐渐引得欢畅了起来
“落红不是无情物”，它将在春泥中融化，来滋润培养它新的一代。
这时，在我眼前突兀地出现了一幅绿意迎人的图画
那是有一年的冬天，我回到我的故乡去，坐汽车从公路进入祖国的南疆。
小车在层峦叠嶂中穿行，两旁是密密层层的参天绿树：苍绿的是松柏，翠绿的是竹子，中间还有许许多多不知名的、色调深浅不同的绿树，衬以遍地的萋萋芳草。
“绿”把我包围起来了。
我从惊喜而沉入恬静，静默地、欢悦地陶醉在这铺天盖地的绿色之中。
我深深地体会到“绿”是象征着：浓郁的春光，蓬勃的青春，崇高的理想，热切的希望…… 绿，是人生中的青年时代。
个人、社会、国家、民族、人类都有其生命中的青年时代。
我愿以这支“绿的歌”献给生活在社会主义祖国的青年们
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我的祖国 我的祖国， 我深深爱恋的祖国。
你是昂首高吭的雄鸡-唤醒拂晓的沉默， 你是冲天腾飞的巨龙-叱咤时代的风云， 你是威风凛凛的雄狮-舞动神州的雄风， 你是人类智慧的起源-点燃文明的星火。
你有一个神圣的名字， 那就是中国
那就是中国啊，我的祖国。
我深深爱恋的祖国
古筝的历史
民乐结晶--古筝 ??古筝又名秦筝。
自秦、汉以来从我国西北地区逐渐流传到全国各地，逐渐形成了各具浓郁地方特色的流派。
山东筝、河南筝、潮州筝、客家筝、浙江筝、福建筝、内蒙筝（即雅托葛）、朝鲜族的延边筝（即伽揶琴）和被称为真秦之声的陕西筝九个流派。
??目前古筝的全国统一规格：1.63米，21弦。
古筝的面板大多数采用河南兰考的桐木制造，框架为白松，筝首、尾、四周侧板有红木、老红木（缅酸枝）、金丝楠木、紫檀等名贵木材，古筝的音质取决于面板和琴弦，周边用料对古筝的音色略有改善，以老红木、紫檀、金丝楠木为佳。
早期到近代也有过12、13、18、23、25弦等，不同地区的筝又有多种定弦法，筝的新种类还有“蝶式筝”、“转调筝”等。
??古筝常用演奏手法采用右手大、食、中三指拨弦，弹出旋律、掌握节奏，用左手在筝柱左侧顺应弦的张力、控制弦音的变化，以润色旋律。
筝的指法颇多，右手有托、劈、挑、抹、剔、勾、摇、撮等，左手有按、滑、揉、颤等。
古筝的传统演奏手法到了近代有了新的突破，1953年赵玉斋先生创作了《庆丰年》，解放了左手，曲调上运用复调的手法，采用了左右手交替和多声部演奏手法，大大丰富了演奏技巧，使古筝的演奏技术得到一个突破性的发展； ??1965年，王昌元成功创作出古筝曲《战台风》，《战台风》的出现，使古筝的演奏的技术、技巧，又进人了一个新的高度，从而结束了古筝只能轻弹慢揉的时代，此曲中的扫摇四点、密摇、扣摇、刮奏及使用无效区的噪音来制造台风效果等技法,都是创新技法,提高且丰富了筝的表现能力； ??70年代，赵曼琴在演奏实践中,创造使用了双弦过渡滑音、和弦长音、快拨及1\\\/5泛音等新技巧。
并突破传统的八度对称模式,创立了由轮指、弹轮、弹摇等几十种新指序构成的快速指序技法体系,使筝不须改变定弦即可单手演奏五声、七声及变化音阶的快速旋律,为筝由色彩乐器进入常奏乐器行列奠定了坚实的基础，代表作品有《打虎上山》、《井冈山上太阳红》等。
??90 年代以来，古筝创作迎来了百花争艳的春天。
《黔中赋》的演奏以运用扎桩摇和悬桩摇的交替手法而成为亮点；在这时期中，作曲家们参与筝曲创作，增强了创新力度，他们突破传统五声性调式的局限，吸收了日本琉球调式、都节调式的色彩，借鉴了梅西安人工调式的经验，自行设计了许多新的调式，甚至创造了全新的“下方小三度加上方小二度”的调式色彩，每个八度分为三个环节，每个环节是一个大三度音程，在每个环节上都可以演奏同主音大小调的调式。
新的调式色彩和多调性连环叠置的定弦方法，促进了演奏技法的变革。
如《幻想曲》(王建民曲)、《箜篌引》(庄曜曲)、《溟山》(王中山曲) 等。
在这些筝曲的定弦中，就为转调准备了条件。
不同音区还采用不同音列，使不同音区演奏不同的调式色彩成为可能，既有对传统调式色彩的偏离，又有对传统调式色彩的回归。
音程的变化又为新的音乐语言的诞生创造了条件； ??同时期内，更多的还是用五声音阶定弦法创作的筝曲，如《秦桑曲》、《临安遗恨》、《铁马吟》等等。
同时古筝的重奏曲作品亦陆续推出，说明人们注意到发挥古筝在群体中的表现力。
古筝琵琶二重奏《大浪淘沙》、《水乡高歌》、《春江花月夜》、：古筝与高胡二重奏《渔舟唱晚》：古筝高胡三重奏《丰收之歌》：古筝二重奏《满江红》; 古筝与蝶式筝二重奏《春之海》; 古筝四重奏《采蘑菇的小姑娘》、《步步高》、筝合奏《丰收锣鼓》、《瑶族舞曲》、《伊犁河畔》、《百花引》、《拔根芦柴花》等等，基本上都经受住了历史的考验。
??筝常用于独奏、重奏、器乐合奏和歌舞、戏曲、曲艺的伴奏，因音域宽广，音色优美动听，被称为“众乐之王”，亦称为“东方钢琴”。
附：古筝起源： ??古筝是一件古老的民族乐器，战国时期盛行于“秦”地，司马迁的《史记》所记载《李斯列转．谏逐客书》中所引资料，颇有值得我们注意的地方。
李斯《谏逐客书中》述及秦国乐舞的一段说：“夫击瓮，叩缶、弹筝、搏髀，而歌呜呜快耳者。
真秦之声也。
郑卫桑间，韶虞、武象者，异国之乐也。
今弃叩缶、击瓮而就症卫，退弹筝而取韶虞，若是者何也
快意当前，适观而已矣。
” ??筝乃“真秦之声也”，故而历来就有“秦筝”之名，但是若从行文来看，又有值得我们推敲的地方，那就是“击瓮、叩缶”与“郑卫桑间”对举，而“弹筝、搏髀”又与“韶于、武象”对举，因此接下去就有“今弃叩缶，击瓮而就郑卫，退弹筝而取韶虞，若是者何也”的犯戒。
这儿的对举显然不是为了文采，而所对举的乃是“乐”于“舞”的形式和内容，所谓“郑卫之音”，就是“桑间濮上”，乃是郑过和卫国的民间音乐，就由此可见“叩缶、击瓮”乃是秦国当时的民间音乐，就是“韶虞”就是“韶箫”，也就是孔子听了后赞之为“三月不知肉味”的《韶》。
??据说此乐为大虞所作。
以上所指的乃是音乐；这音乐显然不是民间音乐，而是宫廷音乐。
由此可见，至迟于赢政当政之时，秦国已用“韶箫”替代了筝，筝当时属于宫廷所用的乐器了，它理当比缶、瓮高雅一些。
至于“搏髀”，于之想对举的乃是“武象”。
这《武》，也就是《大武》，乃是乐舞，是周人歌颂武王伐??的。
由此可见，“搏髀”当是秦国的宫廷乐舞。
李斯所举之例，证明秦国宫廷所用的歌、舞、乐都是别国的，为反驳政治上不用客卿张本。
其那文已经提及，李斯进呈《谏逐客书》乃是公元前237年，因此，筝在秦国的流行当是在此之前。
筝的产生就相对完善也就理当比李斯书《谏逐客书》要早一些。
??关于筝的命名，有两种说法，一说乃是有瑟分劈而来，另一说乃是因发音铮铮而得名。
《集韵》就持“分瑟为筝”之说：“秦俗薄恶，父子有争瑟者，人各其半，当时名为筝”。
当然除了父子争瑟的说法而外，还有兄弟争瑟，以及姊妹争瑟的说法。
这些大同小异的传说也正好说明这些说法的不可靠。
此外就常识而言，瑟分为二就就成了破瑟，岂能算筝
若将瑟破为二而修补成筝，恐怕远比制作筝、瑟要难吧
另一种说法是因为其发音的性质而得名，刘熙《释名》中“筝，施弦高，筝筝然”，就持此说。
说筝因“施弦高”而发音“筝筝然”，这音色显然乃是对瑟的音色舒缓而言的，这就把筝与瑟联系起来了。
确实，我们的民族乐器可以因乐器的来源而命名（例如胡琴），也可以因研制方法而命名（例如琵琶），更可以因为音色而得名（例如巴乌），这儿的筝因音色发音“筝（铮）筝然”，而得名也未尝不可。
从后文来看，起初的筝与瑟并不密切，这就失去了筝瑟音色对比的意义，从而使此说显得难以使人全信。
??以上所说筝的命名，也涉及到筝的起源。
既然“分瑟为筝”之说不可信，那么出事的筝呀就不是破瑟而成的了。
那么筝究竟是怎么形成的呢
??汉．应邵《风俗通》载文：筝，“谨按《礼乐记》，五弦，筑身也。
今并、凉二州筝形如瑟，不知谁所改作也。
或曰蒙恬所造。
” ??从应邵的《风俗通》所载可知，汉以前的筝其制度应为“五弦，筑身”，但是当时“并（山）凉（甘肃）二州筝形如瑟”，应邵不知何人所作的改革，还记下了“蒙恬所造”的传闻，这又是说明，汉代在西北地区已经流传瑟形的筝了。
??唐代的杜佑在《通典．乐四》中说：“筝，秦声也。
傅玄《筝赋序》曰：“以为蒙恬所造”。
今观其器，上崇似天，下平似地，中空准六合，弦柱拟十二月，设之则四象在，鼓之则五音发，斯乃仁智之器，岂蒙恬亡国之臣关思哉。
并有附注说：“今清乐筝并十有二弦，他乐肯十有三弦。
轧筝，以竹片润其端而轧之。
弹筝用骨爪，长寸余，以代指。
” ??以上两条资料颇值得我们注意，应邵乃东汉末年（二世纪末，三世纪初）人，他所记的“五弦、筑身”，乃是按照《礼乐记》的记载，并非亲眼目睹，而他所见的“并、凉二州，筝形如瑟”，却未提及其他地区筝形是否有异。
唐代末年的杜佑，乃是九世纪人，他在《通典》中比较详细地说明了当时筝完全如瑟的形制，这形制也符合正统礼器的标准。
当然，杜佑同时也提出了对“蒙恬造筝”这一传说的疑问。
??筝究竟是否为蒙恬所造
近年有人认为蒙恬乃文武全才，他造筝也完全具有可能性。
但是根据年代来看，蒙恬造筝并不具备这种可能性。
蒙恬祖父蒙骜，死与公元前240年（秦王政七年），此时蒙恬不过是20多岁的青年，即使青年的蒙恬有制筝的才华，制成后却要它在短短数年内就流行秦国，并成为当时秦的宫廷乐器，看来不具有这种可能。
更有人说，筝乃蒙恬筑长城时所造。
这一说法就更不具备可能性。
因为蒙恬修长城，乃是秦王二十六年（公元前221年）灭齐国以后之事，这比李斯呈《谏逐客书》至少要晚十六年
亦有说蒙恬所造为“笔”，古繁体“笔”与“筝”近似，因为记载失误，于是以讹传讹有此说。
??应邵《风俗通》说，筝乃“五弦、筑身”。
但“筑”是什么样式，历代文献都语焉不详。
1973年，长沙马王堆三号汉墓出土了一具汉筑明器。
这具筑之所以说他是明器，是因为该器虽然髹以黑漆，却是用独木雕成。
实心，不利于共鸣，若用来演奏，无法获得足够的音量。
此外，该器通长约34厘米，用来演奏显然太短小，而《同典》载，唐代的筑长四尺三寸，汉筑演变至唐代虽然有异，但相差也不至于如此悬殊。
这些理由都足以证明它是明器，该器犹如有柄的小瑟，筑面首位各钉以横排竹钉，一排五个，这就与《风俗通》的记载相符。
这具明器筑的样式与瑟相同，似乎又说明瑟、筑、筝的样式是极其相似的。
??假如真的瑟、筑、筝的样式雷同，那么我们只能认定筝与瑟的差别除了音色有别而外，外在的差别主要在于弦数，即：瑟有二十五与五十弦之分，而唐代的筝仅为十二弦与十三弦，当时的筑也发展成为十二陷与十三弦，那么筑与筝之间的区别又在何处呢
《通雅》在筝下注明“踏步筝用骨爪，是、长寸余，以代指”；而在注筑时引《释名》的说法：“筑，以竹鼓之也”。
如此看来，其实、差别主要在于筝是弹拨乐器而已。
当然，《通雅》还在筑下注明：“似筝，细项”，这“细项”便成了筑与筝形态上的主要差别。
原来初试的筑，是要以左手握住颈部而用右手击奏的，故而“细项”，唐代已长四尺余，显然无法握持，这细项看来乃是保存了旧有体制而已。
《通雅》在筝这一条目下还注上了“轧筝以竹片润其端而轧之，弹筝用骨爪。
长寸余，以代指”的说明。
这一注释在于说明CHOU（手部 诌去言）与轧筝本是同一器物，其名称的差异仅仅是一为弹奏、一为拉奏而已。
??当然也有人认为中国的筝乃传自外国。
日本的田边尚雄在他的《东洋音乐史》中就提出了筝是战国末期从西方传入秦国的观点。
日本的另一学者林谦三则认为田边尚雄的论据不足。
??从以上讨论可知，无论是筝似筑还是筑似筝，筝的初试形态至今并未弄清楚。
因此，筝的起源至尽依然还是个谜，还需要我们继续探求。
关于筝的起源的探求，显然是无法从文献中寻求根据的，看来必须求助于考古的新发现。
古筝又名“秦筝”，中国传统民族乐器之一,分布甚广。
其发音清脆悦耳，如泉流畅。
按五声音定弦， 极具中国民族特色。
据记载，古筝早在秦代即已在陕西一带民间盛行，故名。
筝的形制为：长方形木质音箱上，一弦孔与弦轴弦。
弦架于可以自由于移动的“筝柱”（即马）上，一弦一音，按五声音阶排列。
右手用姆指、食指、中指弹拨琴弦，分别称为托、劈、挑、抹、剔、勾，还有摇指（颤音）、琶音等。
筝的音域宽广，音色明亮、清脆。
吟揉等手法的运用，它与人声十分近似，演奏起来十分迷人。
在中国民间，常用的筝为十三弦和十六弦。
经过改良的筝有十八弦、十九弦、二十一弦、二十三弦、二十五弦等规格。
品种大筝，小筝和钢弦筝。
五声音阶定弦，最低音从G或c始，音域达三个八度。
不同地区的筝又有多种定弦法。
利用余弦的抑按可弹奏出七声音阶。
大筝全长2左右。
小筝全长130 — 150厘米左右，筝的柱高约5厘米。
演奏时、以右手大、食、中三拨弦，弹出旋律、掌握节奏，用 左手在筝柱左侧顺应弦的张力、控制弦音变化，以润美音色、装饰旋律。
右手有托、劈、挑、抹、剔、勾、摇、撮等指法，左手有按、滑、揉、颤等指法，重按可使原音增高大二度或小三度音程。
可奏单音曲调或和弦，也可双手演奏，同时发出六个音。
用于独奏、重奏、器乐合奏和歌舞、戏曲、曲艺伴奏。
近代筝在不同地区形成富有地方特色的流派，如山东、河南、浙江、广东潮州和广东梅县、大埔等地的客家等，各有独特的演奏技巧和代表曲目。
在现代民族管弦乐的合奏中，筝已居非常重要的位置。
筝的渊流和形制的沿革 关于筝的渊流，史料记载说法不一。
大致有三种说法： 1、分瑟为筝说 在古代文献中确实有分瑟为筝的说法。
唐赵磷《因话录》中记述：“筝，秦乐也，乃琴之流（一作琴）。
古瑟五十弦，自黄帝令素女鼓瑟，帝悲不止，破之，自后瑟至二十五弦。
秦人鼓瑟，兄弟争之，又破为二。
筝之名自此始。
”宋代的丁度在他的《集韵》中也载有类似的说法：“秦人薄义，父子争瑟而分之，因此为名。
筝十二弦，盖破二十五而为之也。
”日本第十七世纪元禄年间宫廷乐师冈昌名所著《乐道类集》中记载有：“...或云：秦有婉无义者。
以一瑟传二女，二女争引破，终为二器，故号筝。
” 二人争瑟，由争夺而产生了“筝”，这种说法是毫无科学根据的，只是传说而已，不说把争的人说的多么无情无义，单就一种乐器来说，都是由无数个部件组成的，缺一不可，争一而破为二，必然破碎或残缺不全，怎末会成为两件单独的乐器呢。
2、筝筑同源说 东汉应劭《风俗通》云：“筝，谨按《礼·乐记》五弦，筑身也。
”东汉许慎《说文解字》（宋代徐铉校定重刊本）中记载：“筝，鼓弦，竹身乐也，从竹，争声。
” 我国的乐器发展史是现有打击乐器，后有弹拨乐器的。
筑的右手奏法，以竹尺击之，沿用了打击乐器的奏法，这与筝相比用指弹奏简单的多。
综上所述，筝与筑有着不可分割的渊源关西，筝是由筑发展而来的，筑之源即筝之源，所以在这个意义上姜，筝筑是同源的。
3、蒙恬造筝 据《隋书·音乐志》载：“筝，十三弦，所谓秦声，蒙恬所造。
”但刘朐在《旧唐书.音乐志》中记载：“筝，秦声也，相传蒙恬所造，非也
”公元前237年（始皇十年），秦宰相李斯上书劝秦始皇收回他对客卿们下的逐客令的《谏逐客书》中说：“夫击瓮叩缶，弹筝博髀，而歌呼呜呜快耳者，真秦声也。
”这在时间上比蒙恬发迹之初早了十六年。
所以蒙恬造筝的说法是靠不住不的。
至于蒙恬改革筝的说法倒是有可能的。
清朝著名的训诂学家朱骏声在《说文通训定声》记载：“古筝五弦，施于竹，如筑。
秦蒙恬改为十二弦，变形如瑟，易竹于木，唐以后为十三弦。
这一段文字记述了蒙恬曾改革了筝。
从历史材料看，早期筝与筑更为类似：都是筑身，都是竹制，棒状、细颈、都是五弦。
总之，筝很可能来源于一种大竹筒制作的五弦或少于五弦的简单乐器。
年代当在春秋战国时期或春秋战国之前，不可能在秦始皇统一中国后的秦代。
筝、筑、瑟的关系，既不是分瑟为筝，也不是由筑演变为筝，而很可能是筝筑同源，筝瑟并存。
五弦竹制筝演变为十二弦木制筝，筑身筒状共鸣结构演变为瑟身长匣形共鸣结构，可能是参照了瑟的结构而改革的。
全国音乐学院的排名（详细）
1、中央音乐2、中国音乐学院；3、上海音乐学院；4、四川音乐学院；5、天津音乐学院；6、音乐学院；7、武汉音乐学院；8、沈阳音乐学院；9、西安音乐学院；解释如下：第一名中央音乐学院：中央院西洋乐尤其是指挥，作曲，钢琴非常强打，又有中央财政和北京市财政的大力支持，和地处首都的地缘优势，所以依然是第一名。
第二名中国音乐学院：中国院民族音乐毫无以为是第一名，是民族音乐的最高学府。
西洋乐开办虽然不是很早，但是其吸引人才的实力非同一般，尤其歌剧系吸纳了像中央院的金铁霖，迪里拜尔，梁宁，宋一等大师，也吸纳了上海音乐学院的声歌系主任温可铮等这类的名家以及丁毅，孙秀纬等国际歌唱家，加上中国院自身打造的吴碧霞，张英席等国际大师，无疑形成了中国最强大的声乐教育明星团体。
而且也是全国唯一一所拥有斯坦威钢琴学院资格的音乐学院、并且也拥有像中央音乐学院一样的地理优势和中央，北京两方面的财政支持优势。
其第二的地位难以撼动第三名上海音乐学院：上海院有强大的上海市财政做支持，一点不逊色于中央院和中国院，无论从作曲，声乐，钢琴等任何方面都很有优势，加上上海的开放政策，上海院对外交流发展的异常的好，并且有周小燕，廖昌永，沈洋等这样的国际大师，而且每个系都有类似的大家，其实力也是非常强大，民乐系更是吸收了一部分中国音乐学院的精英并委以大任，像吴琼等人。
钢琴系也吸纳了中央音乐学院的部分精英，第三名当之无愧。
第四名四川音乐学院近些年来一直发展的还不错，不断打造新生代的教师队伍，其教师平均年龄在音乐学院中师最年轻的，声歌系近几年取得了不少成果，分校也建立，上升至第四位无可厚非。
第五名天津音乐学院，天津音乐学院也是比较成熟的音乐学院，其实力一点不比四川音乐学院差，所以天津院的排名一般就在4-5名间浮动。
天津院有天津市的强大财政支持，也是财力雄厚，并不断吸引人才，像杜吉刚等人。
第六名星海音乐学院. 没有大的变化，排名稳定，实力还不错。
第七名武汉音乐学院，没有大的变化，排名稳定，实力还不错。
第八名：沈阳音乐学院：沈音下降的幅度较大，人才的大量流失，学生质量的下滑，加上建成沈阳音乐学院南院（属于金钱校区），更是大大降低了沈音的学生质量，尤其声乐系这几年出人才寥寥无几，教师队伍也不是很强大，下滑实属无奈。
第九名：西安音乐学院：西安音乐学院因为院系繁杂，甚至有美术系和舞蹈系，所以已经不是专门的音乐学院了，这也引起了西安院音乐系的不满，而且西安音乐学院即将更名为西安艺术学院，改名后西安院就被排除出九大音乐学院，这对一心向往去专门的音乐学院学习的音乐学生来说的确很令人沮丧
但从西安音乐学院其财政支持，地理位置，对好学生的吸引力，西安市本身的文化市场来说都很难与前8所音乐学院相比，所以西安音乐学院转向综合性较强的艺术学院，多枝发展，还是明智，至少西安音乐学院变成西安艺术学院后，其实力在艺术学院里除了解放军艺术学院和南京艺术学院绝对的胜过它以外，其他像山东省艺术学院等一类的艺术学院难以与其相比，所以应该理解西安音乐学院的转型
