红色旅游心得体会,600字左右，谢了
但是要成为一个真正的摄影师则要走很长的路。
如果一个人没有吃苦耐劳，忍辱负重，好学上进的刻苦精神那么他首先就丧失了作一个职业摄影师的基本先决条件。
从事这个职业肯定是很辛苦的，永远不会有其它人看待“摄影师”这个职业那样想象中的舒适与轻松洒脱（当然淡季不算）。
从出外景帮客人扯裙子到打反光板，室内放背景打灯光还有其它很多种极繁重与琐碎的工作都要助理去完成，我曾做过统计一天之中一个摄影助理弯腰的次数达50多次之多
光是每天出外景的车旅劳顿就非常辛苦
而夏天还要忍受高温与日晒的煎熬，背负沉重的外拍灯与外拍装备在室内外工作。
每天早晚清场的扫地卫生之类自不必说。
摄影助理还得要忍受得住委屈，因为不少摄影师在工作的时候脾气并不是太好，说人骂人都是极其正常，你的动作快一点还是慢一点，做得对还是不对等都是摄影师拿你来开涮的时候。
爱耍大牌的摄影师以前往往以台湾人居多，这些人脾气暴躁，一会似狂风烈火，一会又润物细无声，高深叵测，极难把握，他们对助理的之严格与苛刻，可以说是举世无双
不过现在情况要比以前好一些，毕竟社会在进步发展，人的文化道德水准在日益提高，言行也越来越文明规范。
所以很多刚入行的助理在刚入行时就受到了这样的委屈，不少人还真的一拍屁股就卷铺走人呢
还有最令人痛苦万分的一条，就是要得苦苦忍受低工资低待遇的折磨与煎熬（好多地方根本就谈不上待遇），而且这种苦日子的尽头是何时可以结束
其实自己心中也没有底。
在很多地方所谓摄影助理简直就是当地最低工资收入的代名词。
从几年前的月薪三00，到现在的500-吧00。
总之是根据各地区的经济发展状况而言。
当然摄影助理收入也有上千的，但这样的影楼不多，多般是那些效益很好，摄影助理也有一定提成的影楼。
说到这个提成，这在几年前绝大多数影楼摄影助理的收入中都是不可想象的。
而近年这些情况有所改善，不少影楼为摄影助理制定了底薪加提成的收入分配制度，在一定程度上提高了摄影助理的薪金褔利待遇，以更好的稳定士气，增加团队凝聚力。
如果说一个摄影助理能在很长的一段时间内（依年以上}熬得过以上三种境况，就算你对摄影知识还是一知半解，甚至没有机会摸相机，但我敢说他己经算是半个摄影师了
至少他对这个职业有着不同一般人挚着的热度与追求。
遗憾的是有很多摄影助理都没能做到这三点就会放弃，因为这是一个炼狱熔炉般的，大浪淘沙似的初级砥砺阶段。
不具备这几点基本的品质可以说就不可能做到一个真正意义上的摄影师。
在经受了吃苦耐劳，委屈求全，忍受低薪待遇的痛苦折磨这三重境界后，你还要渴望在摄影这座永远看不到巅峰的高山上艰难跋涉，期待在路途上出现黎明前的一丝曙光时，你又会再次面临着两个生死攸关的考验：你适不适合干这一行，就象俗话说的：你是不是这块料
还有一点就是：干下去又没有机会拿相机
别人肯不肯去培养你
自己怎样去掌握摄影的感觉与技巧
前面的三重境界可能很多人能够做到，但是后面的这两个困难却是前面的困难所不可比拟的，也能把握好的人就不多了。
它综合了种种不为客观原因左右的因素，包括能改变的和不可改变境况。
是个人机遇，凛赋天份，专业水平等复杂因素的综合载体。
再次让更多的摄影助理选择了放弃
毋庸置疑，做摄影这个职业有天份凛赋的人肯定要比没有的强。
有天份的人往往比没有的人拥有更好的感受转化模仿，乃至创新的能力。
他们在学习的过程中很容易做到比一般人事倍功半的效果。
我也曾见过很有这方面天赋的人从事这个职业，接受能力极快，学会摆美姿也只用了两三个月，而且有很强的沟通能力，形象也佳
但是在我们的职业生涯中类似这种很有天份的人毕竟是为数不多的，大多数人都是智商正常的普通人，这其中也只是比例不算庞大的一部分人算是受过了美术专业的基础训练（受过全面专业训练的则更少）。
其实很大一部分人都属于专业不对口，或是半路出家的角色（我所认识的很多摄影师都不是学美术专业的出身）。
但并这并不能成为一个人能不能从事这个职业的借口，甚至也有半路出家的人也能成为一个优秀的摄影师
因为专业技能的提高与经验积累，并不很大程度上取决于你以前所学过的专业背景，重要的是你是否有良好的学习进取积极心态，锲而不舍的专业态度，还有不断突破勤于求索，开拓思维的创造精神。
就象姚威巍一样，他是学电脑出身，但并不能阻碍他成为一名摄影级的大腕一样。
摄影毕竟是一种思维方式通过图片画面来表达与渲泄。
思维意识所表达的内容甚至往往要多于摄影技术的应用。
因为技术与艺术之间终究还是有很大差异。
所以说从事这个职业的人审美情趣修养，文化水平高低一般通过照片即知一二。
但现在是商业摄影时代。
有很多人也许并不受过这样那样的教育，可是它从事这行的时间很久，有极丰富的实践操作经验，所以也不能说他出不了很好的摄影作品。
但是同受过美育教育的人相比，他的缺陷也显而易见，即很容易将摄影变为一种纯粹谋生的工匠活，艺术创作上不能走远。
我们这个行业真是一个很奇怪的行业（直到现在我还这样认为）它是一个揉合了艺术行为特征又渗合了技术实践的行业。
一方面它总是自诩标榜为时髦开放，思想不拘一格，超脱传统意识羁绊的所谓艺术职业。
另一方面它的从业人员在技艺传播，经营管理上却又是极为保守狭隘。
在很多大型的影楼里一个摄影助理想要真正成为一个摄影师却是非常的难
有些甚至可以说根本就不可能，因为这些地方它们根本就不打算将任何一个摄影助理培训为一个摄影师，在老板眼里摄影助理还是化妆助理都是些可有可无的小角色，是影楼这个金字塔结构中最低的一层，他（她）们的存在就象一片随风而逝的鸿毛，无足轻重。
因为他们并不能为老板的利润帐簿上煜煜生辉的添上丰厚的几笔，更不是老板企业中的核心灵魂人物。
所以凡是追求利益最大化的老板是不可能将一个与自己无亲无故的人花很大的心血气力来调教培养.而摄影师也更不可能手把手的教摄影助理拍照(我几乎没见过这样的事),摄影助理一般只能边看边琢磨,边做事边记录.但是上手的机会是没有的(有些地方根本就不允许摄影助理碰一碰相机,碰了就要罚款!)同样摄影师也怕摄影助理一旦真正学会了会抢自己饭碗!虽然这行流动性很强,但很多人还是有这样的顾虑与想法.所以造成了摄影师这个圈子很强的排它性!这就形成了一个怪圈：即在一个城市里它的几家影楼之间来来去去就是这么几个熟悉的面孔反复的跳槽来跳槽去(顶多有些店再找一二个外地摄影师来充门面),而其它新人却鲜有机会进入这个圈子崭露头角.这也很容易形成了一个个山头帮派维系的人际关系中国络,只要那个摄影师曾在这家店(利益集团)干过,就从此结下了盘根错节的关系中国,反正留得青山在不怕没柴烧,以后去外地回来了找个工作还好方便嘛!而其它摄影师来应聘却因为没有关系连个试镜的机会都没有!（好多店写着招人其实根本就是挂羊头卖狗肉，它要找的还是自己的熟人）最苦的是那些摄影助理们,最后要出徒了,就要辞去工作,大老远的跑到外地的影楼(一般都是小影楼)去战战兢兢的应聘试镜.而要是摄影助理所在的影楼连摸相机,或是拍个儿童照的机会都没有,也就不能再奢望能出师了!顺便说一下，好多摄影师在初出道时也是采用这种迂回方式出徒，即小影楼做起（偏远离中心区域较远的）--中型影楼（离中心区域更近一步）---再到更大的影楼（也许是很远的外地）这样的一种曲线发展模式来完成摄影师的职业规划与训练。
其间所获取的经验见识为以后的职业生涯打下了良好的基础。
辛勤与汗水，忍耐与奋发，构成了摄影助理这个职业的基本工作内容。
每天他们都在脚踏实地，一步一个脚印的完全依靠自己的努力与奋斗去实现自己的摄影梦。
往前走一步，梦想就近了一步，不管路上中国棘荆坷坎，层峦叠嶂，正是他们一点一滴的进取才能构筑起明日我们这个行业的脊梁
虽然并不是每一个摄影助理最终能够成为一个摄影师，但若干年后当他回忆起青春这段美好的时光时，也许他就能够说：“做一个摄影助理我并不后悔
”
第一次拍摄电影心得怎么写
恩...首先~要看你是为什麼要拍摄电影阿~要写心得..那应该就是为了要做作业吧?那麼一开始..就先感谢老师或者是教授让你有机会能够体验自己的感觉~(实际形容词在自己想一下~)然後~中间有没有遇到了甚麼困难?是怎麼解决的?再来~有没有发生甚麼有趣的或是特别的事情~(可以稍微形容一下~)接下来~在这个过程中心里有甚麼感触?最後~要感谢同组的同学(如果是分组的话啦~)的合作等等..PS.如果有其他同学或是朋友有帮忙的话也稍微提一下感谢他们~这样大概就差不多了~因为我也做过类似的报告~所以稍微知道你的心情啦~其实只要能起个头~应该就能一路顺畅的写下来了!!加油~~^^
摄影学徒是最辛苦，最学不到东西的工作是吗
影视剪辑编辑艺术论文2007-12-02 12:32影视剪辑艺术是电影电视艺术的重要组成部分。
剪辑艺术随着电影的诞生发展而逐步形成和不断完善。
影视剪辑编辑艺术又推动了电影电视的发展和成熟。
影视艺术的有四个基本特性 。
一是：视觉和听觉形象。
影视艺术是视听艺术，电影电视都是通过画面和音箱，直接诉诸于人们的视觉和听觉，产生占83%的视觉形象和占11%听觉形象以及二者合一的银幕形象，进行叙事、抒情、表意，给人们以艺术的享受和审美的愉悦。
二是时间和空间艺术。
影视艺术既是空间艺术，同时又是时间艺术，是时间艺术与空间艺术的综合体。
电影电视都是时间的移动中展示空间，同时又是在空间变化中展示时间，二者联系紧密，不可分割。
这种时间和空间的复合，时间艺术与空间艺术的综合，是影视艺术的又一基本特性。
三是逼真性和运动性。
影视是“活动的照相”既能逼真地再现生活，又能生动地表现生活的运动状态和主体动作。
逼真性和运动性是影视与生俱来的的本性。
艺术家要努力发挥影视艺术的这一特性，将影视片拍的真实、生动、精彩。
影视剪辑也要运用剪辑技术剪除虚假，剪出动感，剪辑出内在的真实与外貌逼真高度统一的影视片。
四是综合性和艺术性。
影视既是现在科学技术发展的产物，又有人类文化艺术发展的结晶。
影视是新兴的综合艺术。
科技是影视发展的决定因素。
因此，综合性和技术性也是值得我们认真研究和把握的。
剪辑在影视创作中具有举足轻重的地位。
剪辑，作为影视艺术的有机组成部分，是在电视电影的发展过程中应运而生，独立出现并逐步完善的。
同时剪辑艺术的进步，又极大地影响和推动了影视艺术的提高和发展。
影视剪辑的功能和作用，用一句话就可以概括，即：正确、合理、高明的剪辑，能够增强影视片的艺术表现力和感染力。
反之，错误、平庸、低劣的剪辑，就会减弱甚至破坏影视片的艺术表现力和感染力。
剪辑（Film editing）是电影的后期制作流程之一，是由电影剪辑师将前期拍摄的视觉素材与声音素材重新分解、组合、编辑并构成一部完整电影的过程的总称。
电影剪辑要处理的最基础问题，是镜头与镜头之间的时间和空间关系。
而剪接（cutting）指胶片的具体工艺处理，蒙太奇既指镜头组接的艺术技巧，又常指由剪辑而获得的艺术效果，但在有些国家，蒙太奇也是“剪辑”的同义语。
将一部影片拍摄的大量素材，经过选择、取舍和组接，最终编成一个能传达创作者意图的作品，是电影创作的主要组成部分、一部影片从拍摄到完成的一次再创作。
目录 [隐藏] 1 剪辑综述 2 素材的工艺处理 3 剪辑的过程和功能 4 主要剪辑技法 4.1 传统剪辑技法 4.2 创造性剪辑 4.2.1 叙事、戏剧性效果剪辑 4.2.2 模拟、表现性效果剪辑 4.2.3 速度、节奏性效果剪辑 5 著名影人谈剪辑 6 参考 剪辑综述 早期阶段的电影只是将舞台剧原封不动地拍摄到胶片上，实际上是舞台剧的活动照相。
20世纪初，从美国电影导演格里菲斯开始，采用了分镜头的拍摄方法，将内容分解为一个个不同的镜头分别拍摄下来，譬如用近景、特写等镜头来突出细节，用全景、远景来介绍环境，用一系列短镜头的快速转换来制造气氛和节奏，从而使电影摆脱了舞台剧活动照相的框框，成为一门独立的现代艺术，也由此产生了剪辑的艺术。
Edwin S. Porter一般被认为是最早发明剪辑的电影导演之一。
爱迪生公司早期制作的电影多是静止拍摄的短片，随着电影长度的逐渐增加，Edwin S. Porter拍摄了里程碑般的The Life of An American Fireman（1902）。
第二年他拍了The Great Train Robbery，现在被当作早期剪辑术的范例。
剪辑本来是导演工作的一部分，而且是非常重要的部分。
随着科学技术的不断发展，电影从早期的无声片发展到有声片，剪辑的工艺越来越复杂，加上电影表现手法的不断更新，导演的创作任务也愈来愈繁重，他不可能再有时间，甚至未必有能力再去亲自操作剪辑设备、并剪辑影片了，于是便逐步产生了剪辑专业人员：剪辑师和剪辑助理。
剪辑师同摄影师、美工师、录音师一样，是导演的亲密合作者。
他从摄制组的筹备阶段开始，参加与导演有关的一切创作活动，如讨论分镜头剧本、排戏（即拍摄前的分镜头排练）等。
他须充分理解编、导、演的构思和设想，然后根据导演提供的分场、分镜头剧本和拍摄时的更为具体的方案剪辑影片。
分镜头（导演设计）与蒙太奇（镜头剪辑）是同一事物的两个方面。
前者是意图，后者是实施。
因此，也有人称剪辑为“分镜头的后期工作”。
但“后期”并不意味着单纯的工艺操作，它是一个富有创造性劳动的阶段。
镜头组接是否恰当，直接影响到银幕形像的完整性和感染力，决定着完成影片的质量。
对剪辑依赖的程度，因不同导演的工作方式而异，但剪辑师除了较完整地体现导演创作意图外，还可以在导演分镜头剧本的基础上提出新的剪辑构思，建议导演增加某些镜头或删减某些镜头、重新调整和补充原来的分镜头设计，以使影片的某个段落、某个情节的脉络更清楚、含义更明确、节奏更鲜明。
素材的工艺处理 剪辑是一项既繁重又细致的工作。
一部故事影片往往少则几百个、多则上千个镜头。
画面部分有内景、外景，有实景和搭制的景。
同一景中的内容通常都是集中拍摄的，剪辑时要按照内容的顺序重新编排；影片中的重要镜头因表演或技术上的原因，往往要反复拍摄数次，需要剪辑时要进行选择。
大部分的镜头都拍得较长，须从中寻找最为理想的剪接点；有些要作长短镜头交叉出现的画面，连续拍在了几条胶片上，需要在剪辑时分切成很多的镜头，再按照最有效的镜头顺序排列起来。
声音部分有先期录音、同期录音、后期配音3种录音方法，对这3种录音方法所录下的声带，要以不同的工艺和方式进行处理。
先期录音大都是完整的唱段和乐段，须严格按照音乐的旋律和唱词与画面组合；同期录音的声带多半是“对形”的对白和音响效果，通常都和相应的画面同时剪辑；后期录音的内容有“对形”的对白、内心独白及旁白，有背景气氛音乐，有“画面”和“画外”的音响效果等等，一般都在画面剪定的基础上录音，这就要求剪辑时预先考虑到声画结合和声音所能构成的一系列艺术效果。
在影片没有最后剪辑定稿之前，须妥善、有条理地保存所剪下的画面和各种声带，以便需要延长时再黏接上去。
剪辑的过程和功能 从镜头到场景、到段落、到完成片的组接，往往要经过初剪、复剪、精剪以至综合剪等步骤。
初剪一般是根据分镜头剧本、人物的形体动作、对话、反应等将镜头连接起来； 复剪是在初剪的基础上进行修正； 精剪更为细致、准确，对画面反复推敲； 综合剪是在全片所有场景的镜头都齐全、每个场景已基本剪好后，在对整个影片的结构和节奏做整体考虑的基础上进行的调整和增减。
有些片断孤立地看是可行的，但与前后场景连接起来看，会感到太紧凑或太松弛，这就需要通过剪辑加以调节。
这一关系到影片总体结构和节奏的调节工作，通常是导演和剪辑师共同研究决定的。
主要剪辑技法 剪辑既要保证镜头与镜头组成的动作事态外观的自然、连贯、流畅，又要突出镜头并列赋予动作事态内在含义的表现性效果。
叙事与表现双重功能的辩证统一，是剪辑艺术技巧运用于电影创作的总则。
为要实现上述双重功能，需要掌握传统的剪辑技法和创造性的剪辑艺术技巧。
传统剪辑技法 连贯、流畅是传统的剪辑技法，也可称作剪辑的基本功。
这一技法的功用主要有两个： 一是在镜头的组接和修剪中，保证镜头转换的流畅感，使观众感到所有画面是一气呵成地进行的； 二是在影片的段落转换中，使上下两个段落之间既有一定的连贯性，又能清楚地划分出段落的界限，使观众不致把不同时间，不同地点的内容误认为是同一场面。
连贯、流畅的剪辑技法，就镜头转换而言，须注意以下几点：防止错乱。
镜头动作间的衔接须准确无误，既不脱节也不重叠；人物行动的方向、彼此间的空间关系，不致因镜头转换而造成视觉印象的混乱。
如画面中的人物在他的书房里活动，上一镜头他由书柜向写字台方向走去，并且是由画面的右边走出画面，那么下一个镜头他走到写字台旁，必须是从画面的左边进画。
右出左进的方向是一致的，因此是流畅的。
如果上镜头是右出画，下镜头又是右进画，同一人物在两个镜头中的行动方向势必相对起来，容易在视觉上造成错乱。
尤其是剪辑双方交战和追击等场面，方向性必须清楚，否则就会使观众难以区分两方。
镜头转换协调。
剪辑往往以不同镜头中动作事态的造型、节奏类似的部分为剪接点，以达到和谐的转换。
常见的技法是“动接动”、“静接静”。
“动接动”指在镜头的运动中和人物形体动作中切换镜头，如上镜头是摇摄，在未摇定时切换到另一个摇摄镜头上，而且摇的方向、速度接近，衔接起来的效果相当流畅，观众会随着镜头摇动非常自然地从一个环境或景物过渡到另一环境或景物。
在推、拉、移、跟等的运动中转换镜头，“动接动”的原理是相同的。
“动接动”更多是在人物的形体动作中切换镜头。
如人发怒时拍桌子的动作，在电影里往往就是上下镜头的剪接点，即上镜头手举起，下镜头往下拍。
“静接静”指在一个动作结束后（或在静场时）切换镜头，切入的另一个镜头又是从静到动。
“静接静”多半是转场时运用，即上一场结束在静止的画面上，下一场又从静止的画面开始。
静接静既是衔接和谐的需要。
又可留给观众思考的余地。
省略实际过程。
就是通常所谓的紧凑剪辑，即同一动作内容可通过镜头的转换来省略其间不必要的过程，而仍然保持动作的连贯流畅。
有的对人物意向表白、间接暗示行动过程的省略，有的省略动向动势压缩实际过程。
如一个演员正在向阶梯跑去。
在左面的镜头进程中，观众已开始认识到，既然这个演员朝阶梯跑去，那么当他真正到达时，他就会跳上二、三级台阶。
在这样的情况下，把表现演员到达阶梯底部前几英尺时的镜头（右上）剪接到他已经踏上两三个台阶的镜头（右下）前，常常是能够让人接受的，这就压缩了动向动势的实际过程。
连贯流畅的传统剪辑技法，镜头的转换习惯用“切换”（将分切的镜头画面直接黏连），但场面段落的转换，一般用“渐隐、渐现”表现上一个场面段落的结束和下一个场面段落的开始；用“化”来表现一段省略掉的时间过程，划分两个不完整场面的段落；用“划”来表现地点、场合、事件的变换，划分两个以上的不完整场面的段落；以上是利用洗印或摄影方法制作在胶片上的“光学技巧”。
此外，还可以用很多方法来划分段落，例如仍用切换方式，只是在前段落转换时沿用最有代表性的人或景物镜头做为下段落的开头。
传统的剪辑技法，遵循的是生活的逻辑，但又不是自然主义地再现生活中的一切过程。
紧凑剪辑、省略剪辑也说明了镜头间动作纯粹自然的连贯并非总是必要的，压缩（或延伸）真正的时间，让有意义的动作事件全部表现，把自然动作减少到最低限度，是连贯流畅剪辑技法的一条重要补充原则。
创造性剪辑 剪辑艺术技巧，在长期的制片实践中，已具有丰富的经验，在欧美的理论著述中，有时统称为创造性的剪辑；特别是经过爱森斯坦、普多夫金等导演师的开拓探索和理论总结，已形成为蒙太奇的某些根本性的原则和法则，并被作为电影艺术独特的结构表现手段，渗透于电影创作的全过程。
常见的创造性剪辑技巧有下面几种 叙事、戏剧性效果剪辑 尽管经过剧作构思、分镜头摄录，但电影叙事的生动、戏剧性效果，最终还取决于剪辑能否控制关键镜头的时间安排。
叙事技巧的要点是，运用调整重点、关键性镜头出现的时机和顺序，在镜头动作事态的连贯中，选择恰当的剪辑点，使每一个镜头动作的新发展都在戏剧上最合适的时刻表现出来。
故事片常提前暗示或有意延缓“危机”、“事变”来制造紧张期待的悬念、出人意外的惊恐。
模拟、表现性效果剪辑 内容或形式不同的镜头间的对列，是创造性的剪辑广泛运用的表现手法。
一般引人注意的是通过剪辑的安排和穿插，将一些与直叙故事的内容相对比或者相类似的镜头并列在一起，以取得揭示内在含义、渲染情绪气氛的艺术效果。
表现性剪辑的要点是在保证叙事连贯性的同时，利用连贯性表现超越直叙事态之上的思想与情感。
这样的剪辑不但不使观众感觉到跳跃和不舒服，反而恰恰符合情绪和节奏的需要。
它大胆地简化自然动作，有选择地运用统一的情绪，来集中渲染气氛和情绪。
速度、节奏性效果剪辑 当不同景别的镜头组接技巧在空间的具体造型方面成为电影独特表现手段的早期，已发现镜头持续的长短，在心理方面具有影响情绪的感染力。
镜头短，画面转换快，引起急迫、激动感；镜头长，画面转换慢，导致迟缓乃至压抑感；长短镜头交替切换可造成心理紧张度的起伏。
因此，剪辑控制画面的长短，可强化或减弱镜头切换中动作事态的速度，调整与叙事内容格调相应的情绪节奏。
这种通过镜头长短对比形成的速度节奏的技巧效果，一般称作剪辑调子，通常叫作快速剪接或慢速剪接。
镜头的长短基本取决于镜头画面内容的简繁，画面快慢的切换不能超越镜头内容含义的充分表达和为观众了解的最低时限。
剪接调子也表现于场面或情节的段落。
快速剪接段落，往往与慢速剪接对列，起互相强调的作用。
一个场面（段落）的剪接调子，是由其中那些占有一定长度、一定放映时间的镜头数目来计算的，称作剪接率。
数目少意味着场面内长镜头占优势，称作剪接率慢或慢调剪接；镜头数目多意味着场面内短镜头占优势，称作剪接率快或快调剪接。
准确运用速度节奏技巧的经典例子，是爱森斯坦的《战舰彼将金号》。
全片由3大段较大的运动组成，每段又分布着无数较小场面不同调子的运动。
在叙述兵舰起义的第一大段中，水兵和军官冲突时调子越来越强烈，最后水兵起义夺取军舰达到高潮，是用逐渐强烈的画面片断以及相应的愈益紧急的剪接调子；高潮后逐渐进入一组平静的场景，一个水兵的葬礼使用极长的回转的镜头，这些镜头都使用平静的、缓慢的剪接速率。
这里显示出不同场面剪接调子间的强烈对照。
求《55条班规》阅读的心得体会， 字数不限。
给10分
这一题我刚做完，答案确实是选择C ①③⑤⑥⑦⑧
