拯救大兵瑞恩拍摄技术分析，包括各场景的拍摄手法，用光等等
《拯救大兵瑞恩》这部影片是斯皮尔伯格继《辛德勒的名单》之后的又一部以战争为题材的力作，他高超的导演艺术又一次得到了淋漓尽致的发挥。
为了真实地揭示战争的本质，斯皮尔伯格摒弃了那种轻描淡写的表现手法，他赋予了大兵瑞恩一张极其悲伤的脸，在好莱坞影片中我们找不出第二张这样悲伤的脸，这张脸上写满了战争给每个人每个家庭带来的痛苦。
当然，这主要应归功于高超的摄影技术。
为了准确地展现战争场面，斯皮尔伯格向摄影师们提出了更高的要求。
三位超级摄影师利用手擎摄影机的新闻短片效果把战斗中难以想象的恐怖与混乱展现在观众面前，没有一部故事片曾做到这一点，甚至观众也未曾奢望会有如此经历。
若论电影技法，史皮尔当然是他其实是首次拍战争片，但这部《拯救大兵雷恩》，老史另辟蹊径，突破了战争电影都喜欢拍大场面，喜欢用广角镜头，喜欢用俯瞰式、全景式的拍摄构图的老套路。
但是在《拯救大兵雷恩》里头，老史忽然返璞归真，无论砸下多少钱，都不吝实景拍摄。
全片只有不超过五秒钟的广角拍摄，让观众看一眼在盟军登陆之後的诺曼第海滩，停靠著成排的登陆艇，和一排排防止空袭的气球，感受一下这个军事史上的壮举的视觉气氛。
而在两个钟头零四十五分钟的时间里面，用的都是近距离的、个人化的视觉。
从全片的结构看，一头一尾的登陆战和街巷坦克阻击战占据了1／3的片幅，在激烈的战争中，人物的刻画都非常丰富。
该剧的电影语言一如斯氏的旧作，精彩异常。
尤其在片头，那段漫长的诺曼底登陆之战的场景，风格有别于我们已往在影片上看到的各类战争，它甚至比纪实片更纪实，其真切程度有如“亲临其境”，让人喘不过气来。
为了增加真实感，斯皮尔伯格用近乎纪录片的拍摄手法来拍摄片头25分钟的登陆场面。
他在拍摄之前根本不去想故事情节，而是在大部分时间里使用手提摄影机跟踪登陆的士兵们进行近距离拍摄。
斯皮尔伯格说：“这样我就像一个跟随士兵上战场的战地记者，可以真实拍摄整个登陆场面。
”比照以往战争题材的影片往往节奏紧凑，而这部影片却是个例外，挥毫泼墨用了整整40分钟描写诺曼底登陆的血腥场面，以至许多观众都因受不了这样的视觉刺激而提前退场。
作为一个“极热”的热开场，导演无疑为屏幕前的观众们制造了与电影内容极为相符的情境，战争是惨烈而血腥的，人在彼时显得如此脆弱，枪林弹雨穿透头盔、撕裂身体；士兵在滩头上寻找自己的残肢断臂；一声炸响过后，米勒拖着的伤员只剩半截……战争场面的还原达到罕见的真实。
四十分钟漫长视听刺激过后，本片节奏的功力开始凸现：导演仅用了五分钟的胶片，八人小分队就已走在了寻找大兵瑞恩的路上，情节交待简洁明了。
一行人行军的过程可算开端单元的句号，到此为止，每个成员的性格都已有所体现，小翻译厄本跑前跑后问这问那既松弛了气氛，又为下文揭开“米勒战前的职业”打下伏笔。
斯皮尔伯格与《辛德勒的名单》的摄影师贾努兹·卡明斯基(Janusz Kaminski)再次合作，斯皮尔伯格称要将影片拍成1944年6月6日当天实地拍摄的彩色战地纪录片。
为此卡明斯基从摄影机镜头上取下保护镜，使这台现代摄影机接近于40年代的老式机器。
没有了保护镜，光线可以直接进入镜头并反射开来，比原来更加分散和柔和。
同时，这位摄影师还将胶片底片进行特殊处理，淡化色彩，最终形成了影片中的效果。
就艺术特色而言，这部影片的镜头运用很见功底，导演的意图在镜头中往往表现得十分明确，并有出色的感染力和表达能力。
在影片的前40分钟里，与其他人也一样，小分队队员抢滩时平行蒙太奇利落的切来切去要传达给观众的不只是“脸熟”（对第二次看片的人是），更多的是战争的高强度视听施压，导演在这里要表现的是人类成片死去的过程，还有一些未死之人争取活下来的过程，在这里没有英雄没有猛将，所有人的生命都微若草芥，随时可能化为冰冷的统计数字中的一个，没人相信“理智”，正如没人会有意识的试着躲一颗子弹。
又如卡巴佐牺牲的一场戏，镜头大部分时间对着敌方的高楼上的狙击手，主观镜头与脸部特写频繁切换，显示出人物内心的犹豫不决，琢磨不定，而当镜头里的准星终于辨认出狙击手杰克逊的影子，却也是自己命丧黄泉之时。
一个反视角的运用告诉我们，在战场上一对一的决斗中根本没有正义和非正义的言论必要，因为那时除了生，就是死。
镜头的内容完全与所要表达的主旨一致，厄本最后开枪打死他曾放走的德国人时，摄影师并没拍尸体，可见死的是谁并不重要，重要强调的是，他终于敢杀一个该死的人了。
影片结尾米勒死去，贺信的声音作为画外音响起，那是美国政府在宣读给瑞恩母亲的贺信，硝烟尚未散去的战场上，空镜头缓缓移动，杰克逊炸黑了的高塔，战坑，破碎的桥面和尸体，每个行动着的人的表情都沉静而安详，他们还活着，他们在聆听，那些军方赞美瑞恩的语言那么美，那同样是赞扬所有军士的语言，所有活着的人包括厄本，和那些死去的，更加无畏的人们。
战争与生命一旦被放在同一架天平的两侧，那么就注定了“毁灭”二字的分量沉重。
真正的战争片从不避讳人类为自己留下的创伤，而在战争阴霾的背后，同样折射出人性灿烂的光芒。
影视评论万能句
第一段从其主题切入。
结合名称、社会背景来分析。
第写影片技巧。
可以是你印象最深的地方——一个拍摄角度、拍摄手法、配乐、光线……只要你觉得有特色的地方，能够自圆其说都可以。
第三段写影片存在的遗憾之处。
这个只是一笔带过，比较主观的看法。
最后还要注意，影评与观后感完全不同，影评更加客观，而观后感是完全主观的东西。
要注意区分。
光线：1体现了导演和摄影师对影片画面视觉形式的追求。
2塑造人物形象，表达影片的视觉风格，创造环境氛围。
色彩：1渲染环境，营造气氛，表现人物心境。
2表达作者的思想感情和作品主题。
3表现作者的诗意和浪漫抒情的色彩。
4形成影片特殊的风格和韵味。
音乐：1渲染画面中所呈现的环境的氛围。
2表现时代感和地方特点。
3抒发作者的情感。
4表现作品的主题和作者的思想。
长镜头：具有不容置疑的真实性。
影调：1体现影片整体明暗关系。
2表达人物情感。
表达人物性格。
3表达影片节奏。
4扩大影片信息量。
运动：1使影片形成一种“动”的美感。
2避免呆板僵化。
3增加了影片真实感。
运动能制造成强烈的“视觉刺激”。
4摄影机的运动是实现“长镜头的效果”的重要手段而长镜头效果又可以使影片具有纪 实主义作品的美学特征和艺术魅力。
场景：1场景决定影片风格。
2场景影响影片的空间感觉。
3场景制约人物形象的塑造。
4场景关系影片的影调构成。
5场景决定一段叙事情节的完整。
影评常用句1、庄重而宁静的影像呈现 2、影片洋溢着唯美的诗意风格，渗透着深沉的人文关怀。
3、作为一部。
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的影片，整部影片叙事流畅，没有拖泥带水之感，镜头与镜头，场景与场景之间衔接的自然灵活。
4、宏观的历史反思和独特的造型叙事 5、那些不完整的构图所展现的肉体和精神的扭曲，那灰白影调所产生的雕塑般的力度美，既展现了中华民族于深重灾难之中不屈的抗争精神，同时也是。
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导演在逆境中为生存而挣扎，为自身价值的实现而苦斗的内心写照。
6、。
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影片倾注了导演一以贯之的人文关怀 7、影片通过。
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的艺术展现，使影片具有了超越时代的意义。
8、追求银幕造型的真实性 9、导演用朴实的镜头着力去描写。
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10、影片在表现风格上深沉隽永，但多数段落却显得明快诙谐，运用喜剧手法来传达悲剧性内容是其突出的美学特点。
11、。
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的叙事风格和影响风格 12、。
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导演以自身的传统美学功底，对电影的写实艺术特性也有精深的理解和把握，他特别擅长以生动的细节描绘人物的内心活动，并调动电影的各种艺术元素为塑造人物服务。
13、影片的镜头凝练，构图优美，节奏舒缓 14、影片在表现。
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与。
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之间寻求微妙的平衡 15、影片利用中近景展示人物细腻的心理，长镜头表现微妙的情绪变化 16、影片的纪实风格，散发出纯净的浓浓的现实诗意 17、。
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的极大反差营造出了影片叙事的张力 18、。
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的艺术风格使博大深邃的精神主题在庄重沉郁的诗性叙事中展开，获得完美的表达 19、展现抑扬顿挫的节奏，抓住观众的情绪 20、。
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的运用为影片增色不少 21、华丽的表现与残酷的嘲讽22、一粒沙中见世界，一部电影中展现人间百态，这就是这部电影的最大魅力。
23、色彩的高反差，不和谐，在观众心理上形成不稳定的，有利于渲染人物动荡急变的情绪，从而加强影片的节奏 万能语句增强影片内涵的力量和透明度。
剧情舒缓空间。
该片融合了中国众多导演的电影气质。
某某导演制作的某某对中国电影传统有着高度的继承和发展，使《某某》在当代电影语境中重新焕发魅力。
影片主人公这种自省式的叙述贯穿全片，语调沉郁而缓慢，确切地反映了主人公某某的情绪。
在某某影片中，镜头语言表现的十分到位。
影片通过对某某气氛的渲染，暗示了主人公的心理状态，营造了一种沉重而无奈的气氛，而在光影中营造出这一种环境和氛围的同时，影片加入了演员某某的无奈，而失落的画外音很好衬托出主人公那深入骨髓的孤独情绪。
影片通过某某这一复杂的三棱镜，折射出现代社会的某种侧面问题。
影片的某某的社会意义是不可否认的，它集中代表了导演某某的艺术成就和艺术理念，成功塑造了现代社会一个某某的形象，为人们反思现实提供了一个很好的艺术摹本。
某某导演将音乐和电影糅合在一起，用音乐表现电影，也用电影表现音乐。
影片保留了原小说荒诞讽刺性以及对政治的批判反思，通过各种音乐与破碎的镜头，这种特殊影像语言讲述着战争爱情，欲望。
某某是一种对社会人生的淡淡哀想和对故事人情深沉的相思。
某某盛满了对人世沧桑的眷恋之情，保存了一份难得的温馨。
某某这段镜头的运用对于表现影片主题起到了很大的渲染和深化作用。
庄重而宁静的影响呈现。
影片中某某音效的地运用，增强了视听感染力，强化了视觉冲击力和心理感染力。
导演用朴素的镜头着力去描写（追求银幕造型的真实性）。
导演充分认识到电影画面的作用，强调用镜头来记录事件。
某某构造的运用，大大深化了主题，暗合了导演的某某思考。
某某导演以自身的传统美誉功底，对电影的写卖艺术特征也有精深的理解和把握，他特别擅长以生动的细节描绘人物的内心活动，并调动电影的各种艺术元素，为塑造人物服务。
某某具有一种引人陶醉于艺术的力量。
某某的艺术的风格是博大深邃的精神主题在庄重沉郁的诗性叙事中展开，获得完美表达。
展现抑扬顿挫的节奏，抓住观众的情绪。
运用朴实的写实主义手法，向观众传达的一个某某的道理。
根据影片情节创作了音乐，节奏鲜明，富有浓厚的民族特色。
华丽的表现和残酷的嘲讽。
导演用精致的风格来提升观众的欣赏水平。
音乐的表现和感染力。
演员的表现出神入化；千变万化的表情；人物形象的塑造，强调了矛盾冲突的激励，妙趣横生的正是因为—成为持续吸引那些狂热观众的巨大吸引力。
剧情起承转折，环环相扣。
强烈的真实感；强调处理效果不服；扩展了银幕空间；提升了段落节奏。
深化主题，观赏快感，新鲜的视觉感受。
复杂的影响结构；丰富的造型语言；强烈的感官刺激。
推动剧情；延展了人物性格；起到了烘托的作用。
银幕呈现与思想深度俱进的效果。
艺术张力，可圈可点，人文关怀，镜头舒张而悠扬。
情节设置，特意构图，典型场景，视觉冲击，艺术感染力。
营造出一种形神合一的巧妙意境（写意风格，声画相得益彰）。
音乐仿古悠远，编造个人传奇的模式化漩涡，影像体系。
赋予人物内在情感的生命空间，樽空基调，史诗般情心修饰。
万能摸板1剧本、故事: 故事是剧情片的重要内容，而剧作法是衡量讲故事水平的体系指标，围绕电影讲了什么，讲得好不好，如何改进，一定能够做到言之有物。
这也是影评重要的组成部分。
2导演风格： 电影是有风格的，尤其是一些个性化的影片，比如我们常说的大师研究或者电影作者，几乎都离不开导演个人手法或风格的内容，要想写这个，你需要多看一些同一导演或者同类型的影片及资料，才能保证自己写的东西不跑偏。
3视听语言： 视听语言同样涵盖了很多的细碎学科，比如摄影、剪辑、场面调度等内容，之所以给他放到一起冠之以视听语言来介绍，主要是因为这些内容彼此之间联系紧密。
简单说，视听语言就是关于你所能看到和听到的电影的一切。
4主题和意义： 人活一口气，任何创作，一定要有其创作的意义，以及围绕电影的重要主题。
因此在写作影评的时候，也需要围绕主题和意义进行论述。
比如我们常说的人文关怀，爱情观念，正义与邪恶，自由与斗争，这些话题可以延伸很多，也与人们的生活息息相关。
5人物与表演： 我们记住一个电影，或者喜欢一个电影，很大程度上是因为我们喜欢电影中鲜活的角色。
因此，分析电影中关于人物的表现，以及这人物为什么对你有所触动，也是影评可以涉及的重点。
我把表演也归在此处，是因为谈论演员的表演，肯定是与他所饰演的人物分不开的。
6影片的特点： 不同的电影，一定会有着其独特之处，正因为它独特，才有着让我们去强调的价值。
比如动画片，我们可以说说他的美术设计，一个动作片，我们可以说说他的独特效果，配乐优秀的影片，我们可以分析下他的声音，一个偶像片，我们可以挖掘一下明星八卦，总而言之，找到一个电影最独特的地方，也是你看懂电影的关键。
印象派艺术对20世纪西方现代艺术的影响
印象派又称为“外光派”，产生于19世纪60年代的法国。
1874年莫奈创作的题为《印象·日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，印象派由此而得名。
一 色彩的影响 十九世纪的法国作为世界艺术中心，艺术流派百家争鸣，百花齐放，流派与流派之间的艺术论战也是异常激烈，这些艺术争论为当时法国的艺术发展起到了巨大的推动作用。
以新古典主义为首的学院派和浪漫主义艺术家的争论把艺术家的创作意识从古典的冷冰冰拉回到了个人感性认识主导画面的创作方式；19世纪30年代，现实主义与非现实主义（古典主义，浪漫主义）的争论让艺术家放弃对虚幻缥缈的理想世界的憧憬，回到现实生活当中，在艺术创作上要反映出时代特色。
这些艺术流派之间的碰撞造就出了一批年轻的艺术叛逆者，他们不再把学院派把守的沙龙展作为自己艺术创作的唯一目的，他们开始重新审视艺术，在前辈的精神鼓励下，他们走出画室放眼自然，放弃落后的创作方式，利用工业革命带来的新的科学技术成果，揭开了一场影响巨大的艺术革命，印象派就是这场革命的成果。
任何一个画派都没有印象派这么多元，前印象派，新印象派，后印象派，它带给现代艺术的是一次前所未有的革新。
十九世纪开始，美国经济迅速起飞，国土从大西洋到太平洋的扩张，广袤洪荒的自然激发了美国人强烈的民族自豪感，也催生了描绘美国本土风景画的发展。
更多的美国艺术家走出国门，融入了全球化的进程，印象主义在美国的流行毫不亚于当时的世界艺术之都巴黎。
技术性影响主要主要体现在色彩作为艺术创作的主要表现语言 色彩做现代艺术中最常用的艺术表现语言，色彩的独立对于古典绘画体系是一种革命性的创新。
从法国史前岩洞壁画到凡艾克时代，以至油画因材料的改进而诞生之后的几百年间，色彩的作用就是辅助素描更加真实的呈现物体本来的面貌，我们切把这段时期称作固有色时期，固有色顾名思义就是物体本身的颜色，这一时期的画家是不会考虑光线对物体色彩的影响，原因有这样几点，首先古典主义画家的工作地点通常处于室内一般情况下光线十分稳定，即使在一些阴雨天气，画家也能够根据自己在日常创作中所掌握的规律来完成所描绘物体的色彩。
其次一幅完整的古典主义作品的制作消耗的时间是很长的，制作过程也十分复杂，从素描稿拓到画布或着画板上，再一层一层的罩染（类似于中国工笔画），一直到完成最少也要半年甚至更长时间，所以艺术家在描绘物体的色彩时，基本上把物体在稳定光源下的色彩作为物体的固有色，这种观察方式与绘画方式十分类似于中国谢赫提出的六法之一的“随类赋彩”比如画一块红色的衣服，通过在红色颜料当中调和白色与黑色，来区分其明暗变化，分别涂到衣服的亮部和暗部，色彩并没有自己独立的一套系统而是依附于素描关系。
当然在这一时期并不是没有艺术家关注色彩，还是有很多天才级艺术家在长期的艺术实践过程中，逐渐地发现色彩是有冷暖关系和补色关系的存在的，比如我在一本印刷质量非常精致的外文画册中就看到米开朗基罗天顶壁画中的《先知》，他穿的黄色袍子的暗部明显存在大量的紫色成分，但当时这些艺术家并没有过多地去研究出现这种现象的原因，只是在大量创作的过程中的经验，认为只要加上些补色画面就会鲜亮些，仅仅是为了看起来舒服些。
固有色系统的创作方式一直持续到印象派之前。
美国建国之初，美国的艺术基本上是沿续着欧洲古典的绘画的模式。
大量的欧洲移民所带来的只是些以实用功能（装饰房屋，纪念先祖）为主的绘画形式，是欧洲学院派的风格与美国本土风俗画的结合产物，所以这时期的美国绘画也是属于古典色彩系统。
法国浪漫主义特别是热里柯和德拉克罗瓦十分重视色彩的表现，他们“强调浪漫主义艺术家强调感情和幻想，不重视理性，个性重于共性，色彩重于素描，要推翻所有古典形势与法则。
”[[1] 引自《西方美术史教程》李春著第258页 第7行 陕西人民美术出版社][1]他们重视光在画面中的运用，但是他们并没有把光与色彩联系起来，并没有考虑到光对色彩所产生的影响。
只是在相比以往的古典绘画他们对色彩开始更加重视。
古典色彩系统，不是不重视光线，只是他们是通过素描的明暗关系来表现光线，并没有通过色彩来表现光线。
印象派认为物体的固有色是理想化的，因为物体是随着光变化的，而光是在无时无刻的变化当中的，完全打破了古典主义所描绘得再理想状态下的固定光源下的物体色彩，。
色彩的运用第一次被提到前所未有的高度，色彩成为艺术家主要表现光线的手段。
成为独立于素描体系之外的艺术语言。
在绘画的诸多因素中（构成因素，素描因素，色彩因素），色彩本身是最具抽象性的，康定斯基说：“颜色是直接对心灵产生影响的一种方式，色彩是琴键，眼睛是音槌，心灵是绷满弦的琴。
颜色经由视觉通道拨动心灵的琴弦。
那么色彩的和谐只能以有目的地激荡人类灵魂这一原则为基础。
”[[2] 引自 《康定斯基论点线面》康定斯基著 罗世平 魏大海 辛丽 译 中国人民大学出版社][2]他在谈到“形与色的关系”时说：“二者的基本关系是颜色受形的规范，同时强化形的视觉效果。
”例如在古典写实绘画当中，画一个苹果，通过明暗的对比度强调苹果的空间站位，边缘线的虚实强化了苹果的前后关系，也就是说素描因素已经可以表现出苹果的特征，那么填上颜色后更加强化了“苹果”的视觉效果，就好比“苹果”的黑白照片与彩色照片，哪个更能影响我们的视觉需求呢
肯定是彩色照片，一个红润的苹果是可以引起我们的食欲的，食欲通过视觉观感引起我们的精神需求，我们宁愿吃形状难看的“苹果”也绝对吃不下颜色乌黑的“苹果”，因此色彩关乎人类的精神世界，比形更具备抽象性。
在打个比方来说一块“红色”色块我们很难说它具体是什么东西，但它可以带给人以“血腥的感觉”，如果要单纯的用“形”该如何表现“血腥感”呢
康定斯基把绘画分为两种“一种是为物质的，一种是为精神的。
物质绘画是通过视觉的神经刺激来感动观者，这是外在的；精神的绘画是通过心灵的激荡所产生的内心共鸣，他把前者归于写实艺术的特点，把后者看作抽象艺术的核心”。
在我们看到印象派的作品时首先应该是被他们所画出的颜色所感动，物体的具体形象已经被色彩所包含。
他们通过改变物体色彩的明度与纯度来表现素描关系，通过冷暖来表现物体的空间，补色关系被用来表现虚实。
莫奈在形容自己作画状态时说：“我看到的景物，不再是房子、树木、山丘，而是由不同颜色不同形状的色块所组成的画面”。
[3] 色彩的独立并不完全归功于印象派艺术家，而是这些艺术家利用当时新的科学研究成果，把这些光学理论运用到自己的艺术创造中去，可以说是科学与艺术的完美结合。
他们验证了“光”是物体被人眼所感知的真正原因。
十八世纪末牛顿通过三棱镜把白色光分出7色，并认为颜色是有不同波长的光引起的。
著名的文学家歌德在一次偶然的机会下发现了补色的存在，他在《颜色论》中不完全同意牛顿的理论，他认为颜色只与明暗有关，牛顿的观点是孤立的来看待色彩，排除了观察主体的作用，而歌德却看到了另一种关系。
歌德说：“在我所有计划当中，最使我感兴趣的就是一种新的关于光、阴影、颜色的理论，如果我没有弄错的话有时甚至自然和艺术研究中也必须出现革命。
”歌德的色彩理论一直没有受到人们的主意，直到爱因斯坦的相对论，特别是后来的普朗克的量子理论与海森堡的测不准原理的出现使得光学研究成为一门独立的学科。
印象派艺术家在进行创作的过程中，采用纯度和色彩倾向十分明显的颜色，尽量的使色彩的饱和度达到最高，但也并不是完全采用直接从颜料管中挤出的纯色，而是适当的进行调和，冷色与暖色的对比成为它主要表现物体体积与空间的主要表现手段，形成了一个基本的绘画规律：冷光下的物体暗部呈现暖色。
暖光下的物体呈现冷色，靠前的物体要比靠后的物体要暖。
古典画家与印象派在创造自己的画面时所依靠的画面因素是不一样的，古典画家依靠黑白调子，解剖，透视关系在二维的平面中创造出三维的错觉，印象派画家似乎抛弃了古典画家这一套被传承了几百年的模式，而是从新采用光学理论，把色彩冷暖与颜色的互补关系创造出了新的绘画语言。
除了光学研究，工业颜料的生产使得画家可以很方便的直接采用颜料管装的工业颜料进行绘画创作，锡管装的颜料方便了画家的携带，使得他们可以更好的进行户外写生。
而且工业生产的颜料品种也十分丰富，多达上百种，这在古典时期几乎是不可想象的，由于古典时期颜料生产技术的限制，并没有专门生产颜料的作坊和工厂。
颜料的制作与调和都是艺术家做学徒期间在作坊式的艺术工作场所从老师那里学来的，可以说是学习绘画前的必修课。
而制作颜料的材料大部分以非常稀少的矿物质颜料为主，所以艺术家在制作颜料时只能根据自己的创作内容和喜好来调制品种有限的几种颜色。
这在一定程度上也限制了当时画家对于色彩的关注。
在整个西方艺术史中，科学始终影响着艺术。
解剖，透视等要素构成了古典写实绘画的根基，但这些科学要素并没有形成独立的学科，画家对于这些要素的认识主要来自在老师的经验传授以及自己创作过程中积累下来的经验。
解剖、透视不是画家的表现对象，而是为了使所画的物体更加真实的工具。
与其说印象派画家描绘的是景物，不如说他们在描绘光线，科学理论与成果成为他们的表现对象。
二、工业革命成果的支持 光学理论的建立、化学颜料的工业化生产革新了艺术家看待世界，表现世界的方式。
照相机作为19世纪科学技术另一重大成果，也深刻的影响当时的艺术家。
照相机的发明使得当时画家产生了巨大的恐慌，这种恐慌应该更多的存在于当时学院派画家中。
照相机所创造的画面，从写实性超越了手工绘画的艺术家，而且完全可以取代古典绘画的功能性。
但印象派画家更多的是把照相机当作自己创作中的工具，“印象派画家把曾经被认为是粗俗不堪的生活情景快速的捕捉下来，因为他们发现了平凡事物之美，到户外对景物直接写生。
他们对题材选择一般都很随意，画面的内容并不刻意要传达什么思想，他们明显受到摄影中‘街头抓拍’的影响，构图也不像传统绘画那样去严谨的经营。
”[[4] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第47页 天津人民美术出版社][4]对于照相机的运用最明显的就是德加，他所画的大量的歌舞少女的形象大部分都是先用照相机抓拍下来然后画速写创作稿或者直接用于创作中。
可以从他所拍摄的照片中可以找出他画的一系列色粉画中的人物动作原型。
照相机特殊构图形式也对德加产生了很大的影响，如他的《舞蹈教室》和《浴女》系列都可以看到这种影响，画面就像照片，“摄影者”与“被摄影者”被放置到同一个空间当中，看到他的画面就像从相机的观景器看到的画面一样，带有“现场感”。
作为直接受德加指导的美国印象派女画家卡萨特，题材和德加一样关注现实社会中的人物形象，她所创作的《母与子》系列作品就受益于德加的粉笔画表现技法，并且采用了与德加一样的摄影式的构图，看起来就像是日常的生活照片。
除了德加，高更也十分喜爱用照相机为自己收集创作题材。
在他创作的一系列关于土著人的油画中，有些就是直接用他拍摄的照片作为原型的。
印象派艺术家是第一批运用照相机的艺术家，他们使工业革命的成果与艺术产生了又一次碰撞。
在20世纪60、70年代，美国流行的照相写实，风格高度的写实冷静、客观。
艺术家的创作直接采用照片作为描绘对象的工具，“在没有人为摆设、敢于的情况下捕捉现实”。
[[5] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第49页 第1行 天津人民美术出版社][5]最著名的美国照相写实画家安德鲁怀斯，以其精湛的绘画技术描绘了美国本土的风情面貌，形成了美国乡土主义。
还有美国照相写实艺术家克洛斯常喜欢借助照相机的短景和焦点以外朦胧的摄影效果，描绘肉眼无法看清楚的细节，呈现出摄影才能不找到的机械真实。
莫奈于1877画了一系列冒着浓浓蒸气烟雾进站的火车，画中高耸坚硬的玻璃钢铁车站建筑显示出进入现代的欧洲城市的生活面貌，艺术家所喻示的不仅是工业革命中的巴黎 “机械美学”已形成，同时也揭示了一种新的绘画方法，而这个画法的观念自始一直就紧跟着机械文明。
20世纪美国抽象主义画家波洛克是深受莫奈影响的艺术家，从他的《薰衣草之雾》就可以看出与莫奈《睡莲》的相似性，这种相似性并不单指朦胧的跳动的画面效果。
更多的是“绘画”作为一种行为得到波洛克的发扬，前面我们已经提到莫奈在画《大教堂》系列时的创作状态，在运动中不停的调换着画布，放到今天莫奈当时是在表演行为艺术。
波克洛在绘画时更加夸张身体跳动，油漆桶的泼洒都是一种激情下的艺术行为。
这样的画风所创作出的作品使观看者很自然的在联想他们在创作作品时的心理状态。
光的动感在印象派作品中也是一个重大的贡献，在他们眼中物体色彩是处于运动状态下的，他们所描绘的是一个动态光下物体的色彩。
印象派这些年轻的艺术家在摆脱固步自封的学院派沙龙展时，受到巴比松画派影响，风景画成为他们艺术追求上的突破口。
他们和巴比松画家之间带着一种师徒般的传承。
柯罗是年轻的印象派画家的朋友和导师，他们一起在枫丹白露森林中一起作画，在生活上一直支持和他们，比如西斯莱莫奈和柯罗就是忘年交，在他的绘画风格上更是受到柯罗的影响，银色的色调经常出现在他的画面上。
但是不同的是印象派的风景与传统风景画的界限划分得更加明显，这一点不像柯罗依然延续着古典风景画的特点，描绘长时间稳定光线下，静止的景物，唯一不同的是色彩更加绚丽丰富，游离在学院与前卫之间。
莫奈他们更加关注的是短时间内光线对于景物的影响，着力表现景物在不同时间环境下的色彩变化，因此印象派的风景画都是带有动感的，即使是梵高他笔下的星空也是像河流的一样的笔触在闪烁流动。
他们对恒定不动的光线不感兴趣，莫奈在画卢昂大教堂时通常都是10几幅画同时开始，不同的时间不同的天气状况在不同的画布上描绘，他也因此被称为“光的奴隶”。
莫奈的画不像是在描绘他所看到的物体，而是通过描绘物体的色彩变化来描绘光线，莫奈是彻底的印象派，也是最执著的印象派画家，最能代表其艺术追求的表现光的流动感的作品无疑是他晚年的巨制《睡莲》系列，通过水面的波光粼粼把早晨，傍晚的光线变化表现到了极致。
古典风景画如同古典肖像画，静态与永恒成是画家主要的表现方式，光在他们画面中是稳定的永恒的，带有宗教性，象征着上帝。
在印象派画家笔下光不代表上帝，他代表着真实真理，代表着科学。
印象派色彩的视觉冲击力十分的爆炸，鲜艳的颜色统治着整个画面，光影的跳动感被抢调到极致，完全没有宁静之感。
光的流动性所产生的现象作为工业时代的产物，被运用到了艺术创作当中。
机械文明与现代艺术的关系也逐步的从艺术家作画的方式，笔触到所用的材料一点点的影响画家看世界的观点态度。
他们对于科学理论及工业成果采取认同的态度并加以利用。
反叛精神的诱惑 印象派的反叛精神也极大的鼓舞了美国国内的年轻艺术家。
这种反叛主要有两个方面 1、东方感性认识对西方理性认识的反叛 印象派对东方的艺术（主要指中国日本）的运用更加直接的运用到自己的画面中。
莫奈创作了《穿和服的姑娘》明显的透漏出他对东方艺术的喜爱。
《睡莲》是莫奈在晚年眼睛几乎失明的状态下创作的，恣意的笔触带有十分强烈的中国书法写意风格，画面色彩洋溢着东方的感性色彩。
中国人之所以十分乐于接受印象派的作品，就源于印象派画家与中国书法绘画中的“写意”性十分相似。
波洛克说“当我画画前，我不知道自己要画什么，只有画了以后，我才看到我画了什么。
”这和中国书法绘画的创作状态基本一致。
凡高临摹了大量日本浮世绘，把这些画创作为油画。
浮世绘平面化的构图形式，消解透视，我们可以从凡高的《向日葵》中看出，装向日葵的花瓶与后面的墙壁基本没有空间关系，桌面与墙壁只是协调整幅画面色调的两大块冷色的平涂。
凡高非理性艺术风格一定程度上都是受到东方感性世界的影响。
也影响到了二战后美国的抽象表现主义，特别是热抽象表现主义。
像卡萨特一样的大批思想先进的美国年轻艺术家在涌入到巴黎留学期间，通过印象派艺术家了解到了东方艺术品，所以当时印象派画家的东方情结一定程度上影响到了美国艺术家。
深受德加影响的卡萨特，和德加一样迷恋着东方艺术，因此她的画带有极强的东方装饰感，在她的油画中，对于女性人物的衣着地描绘可以看出日本浮世绘般的平面装饰画的影响。
东方的感性艺术与西方原有的理性艺术碰撞通过法国艺术家传递给了美国。
为美国艺术家后来的抽象表现主义作了启蒙式的教育。
美国抽象画家克莱因和马瑟韦尔在20世纪60年代所创作的抽象艺术作品就带有很强的东方书法意味。
2、非主流艺术对主流艺术的反叛 印象派引导了近代艺术史上，第一次对传统艺术反叛的艺术革命。
他们的这种叛逆精神，刺激着传统艺术现代化的进程。
印象派成了19世纪末反叛的代名词，不仅他们绘画理论的产生源于对传统的反叛，即使印象派的内部反叛精神也使得印象派更加多元化。
印象派在发展的过程中，逐渐被社会大众所接受，而以莫奈为首的前印象派也逐渐发展成为印象派中的“学院派”，塞尚成为第一个退出印象派的艺术家，他认为莫奈过分的关注“光”对画面的影响，完全看不到画家个人与所被描绘的景物之间的关系，忽视了个人感受，他在给伯尔纳的信中说“光线对于绘画来说本质上是不存在的。
”随之而来印象派分裂为新印象派和后印象派两大流派，这两大各流派是对前印象派的两种极端发展方式。
新印象派把艺术家科学的理性态度运用到自己的创作中去，数学的计算方式影响到了他们的创作方式。
例如新印象派的代表艺术家修拉，在作画的时候，常常用数学公式计算出一块色彩区域所应该包含的颜色成分以及该颜色成分的含量，并且把莫奈那些前印象派的“写意式”的笔触转化为均匀的、规则的点状笔触。
修拉的画面减弱了画面的空间感，人物与背景呈现浮雕式的效果。
他和莫奈有些相似，都是把画布作为一种艺术实验，把科学家般理性的思维模式融入到自己的艺术创作当中； 后印象派艺术家排斥理性，认为前印象派过分的重视客观世界的描绘，只是停留在表面现象上。
他们强调主观世界，注重自我表现，主动地把所描绘的事物进行夸张、变形。
这两个画派都是由前印象派派生出来的画派，他们使得印象派的艺术表现形式更加现代。
高更笔下的人物形象稚拙单纯，平涂的色彩，明暗在他的画面上完全被忽略，带有极强的装饰风格，他也是第一个开始关注“原始世界艺术”的人。
塞尚应该说是个人成就最大的一个艺术家，他不论从色彩还是造型上都给现代艺术带来一次巨大的革新，颜色成了画面的构成因素，形体也被他主观的进行夸张，增强了物体的体积与重量感。
他对色彩与素描的创新原则分别影响到了毕加索为代表的立体主义和以马蒂斯为代表的野兽派。
因此塞尚被称为“现代主义之父”，说明现代艺术的根源在印象派。
新印象派和后印象派代表了当时艺术的两个发展方式，冷抽象与热抽象。
印象派对美国艺术的精神影响，就好比库尔贝、马奈对印象派的影响一般，使他们对传统负有极强的反抗精神。
在1908年前后，美国也形成了一个与法国学院派沙龙性质相似的艺术机构——国家设计学院。
一位艺术家是否能够在艺术界取得成就完全看他们是否获得国家设计院的会员资格。
1908年2月，把为美国艺术家在纽约的麦克贝思美术馆举办了一次类似于“法国沙龙落选作品展”的八人画展。
这八位美国艺术家分别是：罗伯特亨利、格莱肯斯、卢克斯、希恩、斯隆、戴维斯、劳森、普伦德加斯特，这八人中罗伯特亨利是他们的领军人物，他早年多次留学巴黎，十分喜爱马奈的作品，并把这些作品介绍给年轻的画家格莱肯斯，这使得格莱肯斯受到了极大的影响，如格莱肯斯创作的《切兹蒙昆》无论从构图还使色彩完全与德加的《苦艾酒》一致。
还有普伦德加斯特受到新印象派的影响，画面多采用平面性的色彩图案。
这个八人画派就是美国的“垃圾箱画派”。
阿纳森在《西方现代艺术史》中这样评价“垃圾箱画派”：“1908年的八人画展的重要意义，大概在于它是美国艺术史上一块孤立的里程碑。
……然而却又一批艺术家和学生，汇入亨利创立的独立艺术画派，他们以不同的方式，继续探索美国绘画新思想。
这些人包括美国重要的抽象艺术家麦克唐纳-赖特、布鲁斯和斯图尔特戴维斯，以及致力于探索各种不同形式的现实主义和浪漫主义的贝洛斯、霍伯。
……这把个人以及他们最紧密的追随者们的活动，在美国现代绘画史上具有十分重大的意义。
”[[5] 引自《西方现代美术史》 阿纳森（美）著 邹德侬 巴竹师 刘珽 译 天津人民美术出版社][5] 印象派作为美国现代艺术的启蒙导师，传递给美国艺术家与传统反叛的精神，这种反叛精神使得美国的艺术风格风起云涌，逐渐在二十世纪后美国接替了法国成为世界现代艺术的领军者。
小 结 法国印象派通过技术革新与精神的支持对美国现代艺术产生了巨大影响，在这两种影响使得美国艺术逐步摆脱了欧洲艺术学徒的身份，逐步探索出一条美国独立的艺术道路。
20世纪美国成为世界头号经济强国，商业艺术与大众文化的兴起，博物馆与新的传播媒体的普及，使得美国现代艺术引领了世界范围内的艺术的发展方向。
注释： [1] 引自《西方美术史教程》李春著第258页 第7行 陕西人民美术出版社 [2] 引自 《康定斯基论点线面》康定斯基著 罗世平 魏大海 辛丽 译 中国人民大学出版社 [3] 引自 《中国油画》2002年第6期中《物我两忘的东方境界》祁海平著 第42页 天津人民美术出版社 [4] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第47页 天津人民美术出版社 [5] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第49页 第1行 天津人民美术出版社 [6] 引自《西方现代美术史》 阿纳森（美）著 邹德侬 巴竹师 刘珽 译 天津人民美术出版社 参考书目： 《水彩艺术》 主编：赵大鵩 人民美术出版社 2000年6月出版 《世界美术》 编辑者：《世界美术》编辑委员会 人民美术出版社 1980年6月出版 《中国现代书法到汉字艺术简史》 编著：濮列平 郭燕平 四川美术出版社 2005年出版 《西方美术史教程》 编著：李春 陕西人民美术出版社 2002年3月出版 《中国油画》 主编：戴剑红 朱乃正 天津人民美术出版社 2002年6月出版 《康定斯基论点线面》 编著：康定斯基 中国人民大学出版社 2003年出版 《西方现代艺术史》 原著：H•H•阿纳森 天津人民美术出版社 1994年2月
常州特产
强力推荐:南大街步行街西边中间的一个出口旁有一个专卖店常州梳篦 (南大街步行街西边中间的一个出口旁有一个专卖店,其他地方没有的)常州梳篦（简称栉）是我国古代八大发饰之一，自南北朝流行，至今已有一千五百余年历史，曾享有宫梳名篦之称。
常州梳篦系天然材料制成，技术精湛，造型美观，经常使用，有缓解头痛、治疗失眠、提脑、聪耳、明目之保健功效，既是生活必需品，又是玲珑精致的工艺欣赏品。
常州梳篦驰名中外，近百年来，多次获得国际、国内金银质奖，1915年获巴拿马国际和平展览会银质奖，1926年获美国费城博览会金质奖，1979年获我国轻工部优质产品银质奖，91年锋国家银质奖，90年长寿相拼梳获得国家专利权，91年获第二届北京国际博览金质奖，并被评为常州市十大名牌产品。
梳篦产品远销东南亚、西欧及非洲等国，美誉交加，深受国内外各界人士的喜爱和欢迎。
还有以下特产:3：景泰蓝掐丝工艺画 景泰蓝--古代称金属胎珐琅器、金属胎掐丝珐琅器，是全世界工艺美术作品宝库中最珍贵的财富之一。
金属胎掐丝工艺画是采用传统的纯手工掐丝工艺，在金属材料底面上构制画面，画面主色调与底色采用现代新技术及配色技巧，画面清晰、新颖，色彩丰富、艳丽，晶莹剔透，立体感强；在底色衬映下，主题突出，寓意更为深刻，给人耳目一新之感 4：砖刻屏 砖刻屏是一种用篆刻艺术的刀法，将汉碑文字、汉画图象刻在明清时期的古砖上，再配上用红木雕花精致而成的座屏和挂屏。
砖刻屏重量轻、体积小、携带方便，其外观古朴典雅，图象既有汉代碑刻和画像石的雄强阳刚之气，又有古代碑刻的金石之气，具有较高的艺术价值，观者能从中感受到汉朝文化艺术的博大精深，得到美的享受。
5：乱针绣 由我国著名刺绣艺术家杨守玉教授首创，将绘画艺术与刺绣技法相结合，打破传统密接其针，排比其线的框架，以针代笔，以线代色，运用长短交叉的线条，来表现物体的深度和广度。
作品具有独特的艺术效果，宛如油画或近似艺术摄影。
6：留青竹刻 是一种在竹子表面极簿的一层青筠上进行镌刻的传统艺术。
竹刻艺人在竹筠上巧施全留、微留、不留、多留、少留的功夫，使作品展示层次、明暗、浓淡、透出较强的立体感；又因竹皮为黄色，竹肌为红色，年深日久，竹皮竹肌的色泽反差很大，竹肌颜色渐呈紫红，犹如初熟樱桃、抛光琥珀，令人赏心悦目、爱不释手。
7：天宁寺素斋 天宁寺素斋是有历史传统的，各地香客到此朝山进香，游客来瞻仰游览，每每喜欢在此用膳，一是趁做佛事之际，宴请亲朋好友、品尝佛门斋味，以表欢聚之情，也是虔诚祝愿之意；二来变换口味，或合家共餐，或亲朋相聚，不失为一种流行时尚。
尤其是酷热暑天，人们厌烦荤腥油腻，而素斋多数是豆制品，鲜蔬瓜果和香菇、木耳、发菜等山珍海藻，佐以香油烹制，入口清淡，香味可口，加上佛地清净庄严，环境雅致，一年光顾几次，调剂生活情趣，满足好奇心理，确是一件赏心乐事。
为顺应经济发展，改善消费格局，促进旅游事业，充实饮食文化，增强寺庙创收自养能力，天宁寺于1988年恢复开设了“如意素斋馆”，馆址庙在山门东侧，既有寺庙建筑的古朴庄重，又具现代装修的时代气派，馆内一副抱柱联描绘得令人神往：“金碧耀琳宫，习静清斋，入门如意；宽闲临福地，延年益寿，到此加餐”。
联为邑人著名书法家、诗人钱小山撰题情景交融，对仗工整，僧俗共赏，读来心旷神怡。
馆内餐室可分可隔，可同时接待百余人就餐。
素食有宫素、民素、佛素之分，宫素是古代帝王将相聚宴时的素膳；现代民素、佛素中许多品种已跻身名菜之列，这里的厨师大多是在上海玉佛寺和镇江金山寺素菜馆培训的，能烹调40多种具有传统特色的佛门素斋和常州地方风味的佳肴。
这里的素斋具有佛门色彩的如“佛光普照”，以金黄的粟子为主，象征佛光，盘周配以碧绿鲜嫩的菜心，赭色的香菇，黄色的杏仁，色彩纷呈，入口酥软鲜美，香味扑鼻；还有“延年益寿”、“招财纳宝”、“恭喜发财”、“五谷丰登”等祝颂吉祥康乐的各色菜肴；精心制作的元宝、佛手、寿桃、色、香、形俱佳，被人们视为精巧的“工艺品”而深受中外宾客的喜爱。
8：金钱菜 常州传统特产——乌塌菜。
由于它的菜片状如金钱，植株葱绿而富有生气，因而习惯上叫它“金钱菜”，以遂四季顺利，吉祥如意的心愿，旧时天宁寺主持素斋膳堂的当家人，当使人们三伏酷暑季节也能吃到这种“金钱菜”，他认真学习，使“金钱菜”成为他的拿手好菜，他们与一河之隔的桃园村（今桃园新村地段）的菜农，有一个无须签订合同的“君子协定”——每年寒冬腊月，要为寺里提供几千斤乌塌菜，由炊事员洗净晾干后，存进装满大半“七石缸”豆油的大容器里，不让乌塌菜“透气”，到第二年大伏天拿出来，供香客施主来寺做佛事，或宴请客人吃素斋时，作为一道稀有名菜。
“伏缺”季节的炎炎盛暑，叶菜并不多，竟能吃到“金钱菜”，清凉爽口之余，使人自然联想到那白雪皓皓的冬日景象，自觉凉意顿生，情趣倍增。
9：银丝面 银丝面是常州特色品种，有30多年历史。
配料讲究，操作工序严格，具有面细如丝，色白似银，柔软滑爽，富有韧性，下锅不糊等特点，为《中国小吃谱》收辑品种之一。
10：大麻糕 在清咸丰年间，由仁育桥畔的长乐茶社王长生点心师傅创制，已有140余年历史。
其特点：色呈金黄，香脆松软，皮薄酥重，甜馅醇厚，咸馅味鲜，葱香扑鼻，肥而不腻。
为《中国小吃谱》收辑品种之一，1983年被评为江苏省名特食品。
1985年获市优质产品称号。
11：茅尖花红 据传乾隆皇帝下江南，问到溧阳的风土特产时，大学士史贻直（溧阳下压人）曾回答说：“茅尖花红棠下瓜。
”可见茅尖花红是溧阳传统的土特产之一。
茅尖产花红已有近六年的历史。
花红树的老家，在太湖边的东洞庭山上。
那里湖光山色，环境优美，盛产果木，有“东山枇杷”，“西山杨梅”之说，花红也是其中的产品之一。
12：南式麻糖 南式麻糖系列产品是常州传统的土特产品，主要品种有芝麻糖、寸金糖、铳管糖、花生糖、浇切片等。
芝麻糖色泽光亮，口味甜、香、松、脆，1984年被评为江苏省优质食品；寸金糖又称董糖，内含酥心，外粘白芝麻，具有香、甜、松、酥的特点，1985年被评为江苏省优质食品；食品浇切片是常州人长期来喜爱的食品之一，具有香、甜、松、脆的特点，1985年被评为江苏省优质食品1：天目湖砂锅鱼头 天目湖砂锅鱼头始创于江苏省天目湖宾馆，经江苏省特级名厨朱顺才近三十年的精心烹制，现已被誉为江苏最佳传统名菜，成为中国美食天地的一枝奇葩。
烹制天目湖砂锅鱼头，选用天目湖水体中天然生养的大花鲢鱼头作原料，纯天然天目湖水为汤基，加上特有的烹调工艺加工而成，由于山青水秀的天目湖不仅周围山体绿色植被过滤了湖水，而且湖底为沙质而非淤泥，这一独特的自然环境造就了天目湖水清澈甘甜，纤尘不染，故其中生长的鱼类也绝没有土腥味。
因而，天目湖砂锅鱼头以其成品 鲜而不腥 ，肥而不腻的优良品质倍受广大美食爱好者的赞誉。
阐述艺术真实与生活真实的关系如何
一般指在开机前，主创团队对拍摄场景的再次检查确认
