听爵士乐之后有什么感受
爵士乐 目录·【概述】 ·【寻根溯源】 ·【发展历史】 ·【艺术特色】 ·【入门三步说】 ·【种类】 ·【唱片厂牌】 ·【北京国际爵士音乐节】 【概述】 在不到一个世纪的时间内，这种名叫爵士乐的音乐，具有显著美国特色的音乐从默默无闻、起源于民间的音乐发展成为美国本土产生的最有份量的艺术种类。
如今在全世界几乎每个角落都有人聆听和演奏它，爵士乐以多种形式呈现出繁荣景象，从根源布鲁斯、拉格泰姆(Ragtime)，经过新奥尔良爵士乐到Dixieland爵士乐、摇摆乐、主流爵士、比波普、现代爵士到自由爵士及电子爵士。
令人惊异的不是爵士乐以如此众多的形式出现，而在于其每一种形式都相当重要，都保持了自己的特色及独具的魅力而流传至今。
如果要欣赏各种爵士乐，体会个中种种乐趣，就不能不需要拥有开放的态度，兼容并听。
【寻根溯源】 爵士乐由民歌发展而来，有多种源头，不易仔细考证。
19世纪期间音乐是美国南部种植园黑人奴隶们表达自我生活和情感的重要手段。
从19世纪末开始，爵士乐以英美传统音乐为基础，混合了布鲁斯、拉格泰姆及其它音乐类型，是一种“混血”的产物。
美洲的黑人音乐保存了大量非洲特色，节奏特色明显，而且保留了集体即兴创作的特点。
这种传统与新居住地的音乐——大部分是声乐——结合起来，结果诞生的不仅仅是一种新的声音而是一种全新的音乐表达形式。
最有名的非洲—美洲音乐是宗教性的。
这些优美动人的歌曲白人也听，不过比乡村黑人教堂里演唱的这类歌曲多一分上流社会的味道。
今天人们所知道的福音音乐(gospel music)更准确地说是反映了早期非洲裔美洲人的情感力量及旋律感，而不是对二十世纪起初十年中著名的Fisk Jubilee Singers的音乐中宗教性的继承。
其它早期的音乐形式包括可以追溯到蓄奴制时代的做工歌曲、儿歌及舞曲，这些都成为重要的音乐遗产，特别要考虑到在当时的制度下，音乐活动受到相当严格的限制。
【发展历史】 布鲁斯的诞生 在蓄奴制被废，黑奴得到解放以后，非洲—美洲音乐的发展很快。
军乐团所弃用的乐器加上新获得的迁徙自由形成了爵士乐的根底：铜管乐、舞曲、布鲁斯。
布鲁斯作为一种音乐形式看似简单，实际可以有几乎是无穷的变化，一直是任何一种爵士乐的重要组成部分，而且它成功地保持了自身独立的存在。
可以说如果没有布鲁斯就不可能有今天的摇滚乐。
简单说明一般布鲁斯的特点就是：它以每八或十二小节为一个乐段的音乐所组成，歌词紧密，它的“忧郁(蓝色)”特色产生的原因是将音阶中的“mi”音及“si”音降了半音。
实际上，布鲁斯是作为与宗教音乐相对应的一种世俗音乐形式。
铜管乐队和拉格泰姆 到了十九世纪八十年代后期，在美国绝大多数南部城市内，都出现了黑人铜管乐队、舞曲乐队及音乐会乐队。
与此同时，美国北部的黑人音乐倾向于欧陆风格。
在该时期，拉格泰姆(Ragtime)开始形成。
虽然拉格泰姆主要是在钢琴上弹奏，但是一些乐队也开始演奏它。
拉格泰姆的黄金时代大约是在1898年到1908年，但它的时问跨度实际很大，影响绵延不绝。
最近，它又被发掘出来，新的拉格泰姆特征是旋律迷人，大量使用切分音，但它的布鲁斯因素几乎荡然无存。
拉格泰姆与早期爵士乐联系密切，但可以肯定的是拉格泰姆节奏较为稳定。
拉格泰姆最有名的作曲家是Scott Joplin(1868-1917)。
其他有名的拉格泰姆大师包括James Scott、Louis Chauvink Eubie Blake(1883-1983)、Joseph Lamb等，其中后者虽然是白人，然而他完全吸收了这种音乐形式的内涵。
进入爵士时代 拉格泰姆，特别是淡化爵士色彩的通俗风格，其娱乐对象是中产阶级，为正统音乐人士所不喜。
爵士最早出现在19世纪末期，但当时还不叫“爵士”(Jazz)，它最初被称为Jass，首先出现在美国南部城市黑人工人居住区内。
和拉格泰姆一样，爵士乐最初也是作为舞曲出现的。
最早成为早期爵士乐同义词的城市是新奥尔良，这种说法有几分真实，但也有几分夸大。
新奥尔良：爵士乐的摇篮 新奥尔良在爵士乐诞生及发展过程中扮演了一个关键的角色。
在这里，对爵士乐早期的历史研究及记录比在其它地方都进行得更加深入。
在1895年到1917年这一段时间里，新奥尔良的爵士乐比起其它地方可能是种类更多、更好，但这绝不意味着新奥尔良是产生爵士乐唯一的一个地方。
在每一个有相当数量黑人聚居的美国南部城市所产生的音乐都应被视为是早期爵士乐的一种。
如在孟菲斯就出现了W．C．Handy(1873-1958)这样一位布鲁斯作曲家和搜集者。
其它城市还有亚特兰大、巴尔的摩等。
当时的新奥尔良显得卓而不群得益于其非常开放及自由的社会氛围。
不同信仰及不同种族的人可以相互联络，因此在这种容易沟通的环境下的音乐传统十分丰富，有法国的、西班牙的、爱尔兰的及非洲的。
这样，新奥尔良成为孕育爵士乐的肥沃土壤就一点也不奇怪了。
如果说新奥尔良是爵士乐诞生之地的这种说法虽有夸大，但还不失几分真实的话，那种关于爵士乐是诞生于红灯区的说法则完全是胡说八道。
虽然新奥尔良的确曾经使娼业合法化并因此产生了几座全美国最精致和有品位的“运动屋”，但是在这些地方所演奏的音乐如果有也只是钢琴独奏而已。
实际上，人们第一次听到爵士是在与此颇不相同的场所。
当时，新奥尔良引人注目的是有许多社团及兄弟会式的组织，它们大部分资助或雇佣一支乐队以在不同的场合——如室内或室外舞会、野餐会、商店开张仪式、生日或周年纪念派对上演奏。
当然，演奏爵士乐也是葬礼队伍行进的一个特色，一直到今天还是这样。
根据传统，乐队集合在教堂门口，演奏着庄严的进行曲及悲伤的圣歌，带领着葬礼队伍向着墓地徐徐前进。
在回来的路上，人们的步伐加快，轻快的进行曲和拉格泰姆代替了挽歌。
这种列队行进总是能吸引很多人观看，在爵士乐的发展上有重要意义。
那些小号手及单簧管手们就是在此时一展其创造天分，而鼓手们也打出了富于节奏性的节拍，这成为使拍子变得摇摆的基础。
一般地说，爵士乐都是二拍子的，每小节两拍或四拍。
这种二拍子的节奏背景在低音部始终存在，使得爵士乐有一个稳定的、规律的节奏基础。
在节奏性低音的上方，则是重音位置不规则的旋律、和声和对位声部，它们惯常使用的切分音效果与规律的低音声部之间形成了强烈的对比。
【艺术特色】 在爵士乐的曲调中，除了从欧洲传统音乐、白人的民谣和通俗歌曲中吸取的成分之外，最有个性的是“布鲁斯音阶”（关于这种音阶的结构，我们将在有关布鲁斯的部分专门介绍），而爵士乐的和声可以说是完全建立在传统和声的基础之上，只是更加自由地使用各种变化和弦，其中主要的与众不同之处，也是由布鲁斯和弦带来的。
爵士乐在使用的乐器和演奏方法上极有特色，完全不同于传统乐队。
自“爵士乐时代”以来，萨克斯管成为销售量最大的乐器之一；长号能够奏出其他铜管乐器做不到的、滑稽的或是怪诞的滑音，因而在爵士乐队中大出风头；小号也是爵士乐手偏爱的乐器，这种乐器加上不同的弱音器所产生的新奇的音色以及最高音区的几个音几乎成了爵士乐独有的音色特征；钢琴、班卓琴、吉他以及后来出现的电吉他则以其打击式的有力音响和演奏和弦的能力而占据重要地位。
相反，在传统乐队中最重要的弦乐器（小提琴、中提琴、大提琴）的地位相对次要一些；圆号的浓郁音色在管弦乐队中是很迷人的，但是对于爵士乐队来说，它的气质太温顺了，几乎无人使用。
在管弦乐队中，每件乐器在音色和音量的控制上都尽量溶入整体的音响之中，在爵士乐队中却恰恰相反，乐手们竭力使每一件乐器都“站起来”。
乐队的编制很灵活，最基本的是两个部分——节奏组与旋律组。
在早期的爵士乐队中，节奏组由低音号、班卓琴和鼓组成，后来，低音号和班卓琴逐渐被低音提琴和吉他所取代，钢琴也加入进来。
在30年代，兴起一种舞曲乐队，当时称为“大乐队”，它有三部分组成：节奏组、铜管组和木管组。
节奏组使用的乐器仍然是低音提琴、吉他、钢琴和鼓；铜管组常见的编制是三支小号和两支长号，但这个数目并不固定；木管组通常由四五支萨克斯管组成，每个人都兼吹单簧管或是别的木管乐器，如果编制是五支萨克斯管，一般是两支中音、两支次中音、一支上低音。
还有一种商业性的（有时也称为“甜美型”、“旅馆型”等等）的乐队，编制与“大乐队”差不多，但萨克斯管往往全部用次中音的，木管组会较多地使用其它的乐器（如长笛、双簧管），有时还加上三四个小提琴，在商品录音带中经常可以听到这类乐队的音响。
与传统音乐比较而言，爵士乐的另一大特征是它的发音方法和音色，无论是乐器还是人声，这些特征都足以使人们绝不会将它们与任何传统音乐的音色混淆。
这些特殊之处大多来源于用乐器或人声对美洲黑人民歌的模仿。
如果我们有机会听到真正的黑人田间歌曲和灵歌，就会发现那些由粗嘎到圆滑、由窒闷到响亮、由刺耳到柔美、由野蛮到抒情的大幅度的变化是多么地富有特色、动人心魄。
而在爵士乐中，更加入了非歌唱的吼声、高叫和呻吟，突出了这种感觉。
除此以外，特殊的演奏和演唱技巧也是造成特异效果的重要手段，在这些技巧中最常用的是不同于传统观念的颤音。
我们知道，所谓颤音是音高（有时也可能是力度）的有规律的变化造成的；比如小提琴上的揉弦，就是利用这种变化而产生富有生命力的音响效果。
爵士乐中的颤音是有变化的，变化的方向一般是幅度由窄到宽，速度由慢到快，而且常常在一个音临近结束时增加抖动的幅度和速度，更加强了这种技巧的表现力。
同时，在一个音开始时，爵士乐手们会从下向上滑到预定的音高，在结束时，又从原来的音高滑下来。
所有这些变化都是无法用乐谱来详细记录的，有经验的爵士乐手都熟练地掌握了这一类的方法、尤其是这种观念，他们可以根据不同的旋律或伴奏音型将这些效果“制造”出来。
因此可以这样说：由于即兴的传统和技巧的个人发挥，爵士乐是由作曲家和乐手共同创造的。
受过传统教育的音乐家之所以很难表演爵士乐，就是因为他们没有培养出这样的特殊的音乐观念。
如果我们细心地比较一下真正的民间歌手和受过正规训练的歌手演唱同一首民歌的差别，对此中的含义就会有一个更直观的概念。
从爵士乐诞生之初，它就吸引了众多的转业作曲家。
1920年，美国指挥家保罗·怀特曼组织了一支著名的乐队，将改编的爵士乐作品带进了音乐厅。
这种新潮流引起了许多“严肃”的爵士乐爱好者的激烈反对，然而，正是从这以后，爵士乐在美国和欧洲家喻户晓，受到广泛的欢迎。
格什温的《蓝色狂想曲》在这时诞生，为这部作品配器的人就是怀特曼乐队的作曲家格罗菲。
按照手稿上的记录，写这部作品只用了三个星期，演出后几乎是立即引起轰动。
欧洲作曲家也有许多以爵士乐为基础或是受爵士乐影响的作品，例如：德彪西的钢琴曲《丑黑怪步态舞》（1908）、《游吟诗人》（1910）、《怪人拉维纳将军》（1910）；拉威尔的小提琴奏鸣曲中的慢乐章（布鲁斯）；斯特拉文斯基的《11件独奏乐器的雷格泰姆》（1919）、《士兵的故事》（1918）、《黑木协奏曲》；欣德米特的《室内乐第一号》（作品24，无调性）和钢琴组曲（1922）。
【入门三步说】 在当代中国，广大爱乐者有着极大的自由来欣赏自己感兴趣的音乐，而爵士乐无疑已经成为越来越多的爱乐者关注、喜爱甚至痴迷的一个音乐大类。
与古典音乐相比，爵士乐与生俱来的平民化血统使它更加贴近普罗大众，连引车卖浆之流都可以亲近它，酒吧饭馆处处可闻其声，而与摇滚乐等当代流行音乐相比，爵士乐又似乎有着更为深邃的情感以及更为深沉与蕴蓄的表现形式，或轻摇款摆，或重拍如磐，自有醉人妙处。
比古典音乐“俗”，比流行音乐“雅”——爵士乐这种寓雅于俗、以俗见雅的“中间化”特点，使得它能够轻易罗致包括众多古典音乐迷和流行音乐迷在内的广大受众，而在当代中国，爵士乐欣赏热潮正是方兴未艾。
老实说，爵士乐听得愈多，我就愈感到自己的孤陋寡闻、知识浅薄——爵士乐生息百年，流派众多，名家无数，佳作纷呈，穷尽余生数十载亦不能听完呵
爵士乐是个不折不扣的音乐宝库，其内容之广博其流派之繁盛实在是不能尽数。
正因为爵士乐浩瀚如海洋，所以，初听爵士、尚待入门的读者朋友还须找到合适的方法，从要处着眼入手，最终才能登堂入室、窥其秘奥。
第一步、泛听 学过外语的朋友都知道什么是“泛听”。
我把“泛听”这个词借用过来，意思是说朋友们在刚开始接触爵士乐的时候完全可以让自己的精神与注意力分散一些，可以一边干其他事一边有一搭没一搭地听爵士乐，稍微领略一下作品所内含的情感、精神以及表层特点（如编曲配器、节奏特点、音阶特点等），稍有所得即可，不必正儿八经地专心去听。
在“泛听”的内容选择方面，以那些在创作、编曲和演绎方面比较传统的爵士乐名曲为宜，特别是那些被称为“STANDARD”（标准曲）的经典作品，而且最好是大师名家们的演绎版本。
这些作品可以令初听者相当真切、鲜明地感知到爵士乐区别于其它音乐种类的那些固有的节奏与和声特点。
朋友们可以请身边的老牌爵士乐迷和唱片藏家推荐一些经典录音给自己欣赏“泛听”，而在本文中. 第二步、泛读 “泛听”可以使朋友们对爵士乐这个音乐门类有个大致、粗略的直觉了解与感悟，而在“泛听”之后就必须“泛读”了
朋友们可以把您自己能够找到的并且有真知灼见的讲述爵士乐历史、分类、名家、名作等各方面知识的书籍和文字（包括网络上的）都拿来阅读，不用追求深入研究，只要有一定程度的了解和掌握就行了，涉及面越广越好。
当然，“泛读”并不表示建议您见书就读，因为现在国内的爵士乐鉴赏类书籍虽然种类不少，但其中实在是良莠不齐、质量参差，要阅读的话必须有所甄选才行。
如果您身边有资深的爵士乐迷能够向您推荐相关的书籍和文章就更好了，这样可以使你少走很多弯路，在阅读相关书籍和文章的时候，您应该尽可能地找来相关的名家名曲经典录音听听，以所听映证所读，使自己从文字中读到的信息能与自己从录音中听到的音乐信息挂上勾来，这样一来，您自己就会对爵士乐方方面面的知识具有从感性到理性又从理性回归感性的初步了解，到此时，您可以说已经是“一只脚跨进门槛”了
第三步、精听 在泛听、泛读之后，您应该对爵士乐的方方面面有了大体而粗略的理性了解与感性认知，而要想“登堂入室”、真正入门，您还必须继续下一步，那就是“精听”。
与“泛听”的“心不在焉”、注意力分散、浅尝辄止不同，“精听”就必须心无旁骛、精神集中、深入琢磨了
到这个时候，朋友们就应该更有针对性地找来一些精彩的爵士乐录音，认真深入地聆听分析一些细节，包括曲式、编配特点、节奏与和声特点、爵士乐特色技巧（比如SCAT拟声歌唱、切分演奏、重拍、即兴等）、爵士乐特色乐器（比如电颤琴和电风琴，还有低音提琴、萨克管等乐器的大量使用）等等。
在选择录音的时候，当然还是以大师名家的名演录音为宜，既要听著名的专辑也要听编得不错的那些精选“拼盘”唱片。
考虑到爵士乐最伟大的生命力在于现场表演时的自由即兴，朋友们还可以选择更多的名家演出现场录音来听，听其中的即兴华彩，听其中乐手们的独奏与合奏细节，听其中从主题沿袭到即兴变奏的过程。
在这样的有选择聆听当中，朋友们当然还可以辅以大量的文字阅读，以帮助自己提高认识。
经过上述爵士入门三步之后，相信朋友您已经对爵士乐有了一定的了解和掌握，在欣赏爵士乐的实践中也已形成自己的独到方法。
到这个时候，您就可以让自己自由一些了，不拘流派，不限类型，可以随意地广闻博听，也可以随意地阅读学习。
这样一来，您不止是“登堂入室”，还必定会有更多的心得收获呢
【种类】 蓝调(Blues) 蓝调音乐的产生是为了抒发演唱者的个人情感，顾名思义，这种音乐听起来十分忧郁(Blue)。
这种以歌曲直接陈述内心想法的表现方式，与当时白人社会的音乐截然不同。
蓝调音乐最重要的作曲家即是W. C. Handy，这位1873年出生于美国亚拉巴马州的“蓝调之父”，创作了许多知名的蓝调音乐，例如：St. Louis Blues、Yellow Dog Blues、Aunt Hagars' Blues、The Memphis Blues、Beale Street Blues等等。
繁音拍子(Ragtime) 是一种采用黑人旋律，依切分音法(Syncopation)循环主题与变形乐句等法则，结合而成的早期爵士乐，盛行於第一次世界大战前后。
其发源与圣路易斯与纽奥尔良，而后美国的南方和中西部开始流行，它影响了纽奥尔良传统爵士乐的独奏与即兴演奏风格。
繁音拍子后来发展成结合流行音乐、进行曲、华尔滋与其他流行舞蹈的型式，因此繁音拍子的歌曲、乐器管弦乐队编制的曲目陆续出现，它不但在黑人乐手与乐迷间流行，也被美国白人中产阶级所接受。
新奥尔良传统爵士乐(New Orleans Traditional Jazz) 这种乐风的组成元素，就如同美国是一个民族文化大融炉那般复杂、多元化，它包括：蓝调、舞曲、进行曲、流行歌曲、赞美诗与碎乐句(Rags)等音乐元素，以对位法(Countpoint)与繁音拍子的切分音法等主体性音乐创作为动力元素，结合大量独奏、即兴装饰性演奏与改写旋律核心为要件所展现出来的音乐体系。
纽奥尔良传统爵士乐队以小型团体为主，演奏主旋律的乐器是：短号、黑笛、萨克斯风与伸缩喇叭；伴奏乐器则有：大号、班卓琴、贝斯(常以拨奏为主)、小提琴、鼓和钢琴。
它们经常多部同时进行对位吹奏，制造出一种热闹、欢乐气氛。
ODJB (The Original Dixieland Jazz Band) 这是历史上第一个在1917年灌录爵士乐唱片的白人五重奏乐团，它的五位原始成员全部出生在纽奥尔良：Nick LaRocca(领导人、短号)、Larry Shield(竖笛)、Eddie Edwards(伸缩喇叭)、Tony Sbarbarl(鼓)和Henry Rags(钢琴)。
ODJB在芝加哥逐渐窜起后转到纽约发展，并在当地造成轰动。
但是缺乏创造力、只迎合大众口味的乐风，很快的遭到新一辈天才爵士乐手们的挑战，并于20年代中期解散，走进爵士乐的历史。
狄西兰爵士乐(Dixieland) 这是1917-1923年间，在新奥尔良与芝加哥等地的爵士好手发展出来的早期爵士乐风，它也是纽奥尔良传统爵士乐的一个分支。
Dixieland的英文原意是军队露营之地“Dixie's Land”，因此可想而知它与进行曲等音乐有关。
这种风格的取材大都来自蓝调、进行曲，与当时的流行音乐，甚至某乐曲的某一小乐段，都可以拿来加以延伸、推展，这便是即兴演奏的滥觞。
有的爵士乐历史学者将“白人”乐手演奏的“New Orleans Traditional Jazz”称为狄西兰爵士乐；而黑人演奏的“NewOrleans Traditional Jazz”则称为纽奥尔良传统爵士乐。
大乐团(Big Band) 大乐团时代大约是起源于20年代中后期，以艾灵顿公爵( DukeEllington)、贝西伯爵(Count Basie)、班尼固德曼(Benny Goodman)等人为主的爵士乐风格，它不只兴盛於30年代中期的摇摆乐时期，40年代中期的咆哮乐、50年代的酷派爵士乐及改良咆哮乐、60年代的自由爵士乐、70年代的爵士／摇滚融合乐，乃至80年代的新咆哮乐中，都找得到它的踪迹。
大乐团的编制一般在10人以上，涵盖3支以上的小喇叭、2支以上的伸缩喇叭、4支以上的萨克斯风及贝斯、吉他、鼓和钢琴等伴奏乐器，透过这个大型组织，演奏各种爵士乐风的曲目。
摇摆乐(Swing) 最早起源于1930年前后，在1935-1946年间达到巅峰，其中最能代表这个乐风的则是「摇摆乐之王」班尼固德曼所领军的六重奏(Benny GoodmanSextet)。
20年代中后期，爵士大乐队在美国各主要都市的夜总会、舞厅等场所大受欢迎，许多年轻乐迷都被吸引到此地玩乐，因此需要更多适合跳舞的音乐，来满足蜂拥而至的年轻人与中产阶级。
摇摆乐后来随着艾灵顿公爵大乐团的脚步，演变成为歌舞表演的伴奏乐队和演奏会音乐(如：艾灵顿公爵每年定期在卡内基音乐厅演出)；摇摆乐因适合於跳舞，每小节有四拍，因此又被称为「四拍子爵士乐」。
咆哮乐(Bebop or Bop) 以字面上看，咆哮乐是一种吵杂喧闹的爵士乐，它的英文原名Bebop、Bop或Rebop在40年代初期萌芽时都有人使用，Rebop可能源自拉丁美洲一些乐队吹奏的曲目“Arriba”(哭叫的)，但现在已无人使用了。
咆哮乐是一种反叛性的爵士乐，它不只承袭纽奥尔良爵士乐与摇摆乐的传统音乐元素，并在创作概念上创新、突破和革命。
它最重要的特质是在于强调高度变化、富层次感的节奏部，同时，咆哮乐手也发明新的和声，以更自由宽广的空间，发挥音乐上的潜力与创造力。
咆哮乐的的代表人物是Charlie Parker、Dizzy Gillespie、Thelonious Monk等人，早期以小型爵士乐团为主流，后来也有大乐团的演出。
酷派爵士乐(Cool Jazz) 一般而言指1949-1950年间，由小喇叭手迈尔士戴维斯(Miles Davis)所领导的九重奏为Capitol唱片公司灌录的专辑《Birth of the Cool》所代表的乐风，它的诞生使主流爵士乐风，从咆哮乐风的“热”，转向另一个反方向酷派乐风的“冷”，这是一种180度大逆转的历史性发展。
酷派爵士乐代表一种内敛自省的情感，它是一种轻柔、清凉与抒情的含蓄情愫；它的音色不如一般铜管器那样亮丽夺目，取而代之的是柔和优美。
若说咆哮乐是代表热情奔放，那么酷派爵士乐就是内敛自省。
简而言之，酷派爵士乐是对咆哮乐的反抗与检讨，同时也唤醒美国西岸一些白人乐手的自觉运动，形成一股新兴的爵士乐潮流-西岸酷派爵士乐(West Coast Cool Jazz)。
而酷派爵士最著名的作品，即是迈尔士戴维斯五重奏的“KIND OF BLUE”。
改良咆哮乐(Hard Bop) 50年代中期，当很多人对平淡无力、让人昏昏欲睡的酷派爵士乐感到疲倦时，一度曾经失势，并趁机卷土重来的爵士势力改良咆哮乐正式诞生。
改良咆哮乐是一种激烈紧张、困难演奏的爵士乐风格，它的代表性乐手和团体是：鼓手亚特布莱基(Art Blakey)领导的五重奏“爵士信差”(The Jazz Messengers)和MaxRoach的“Clifford Brown”五重奏。
也有人把“Hard Bop”译成“硬式咆哮”。
改良咆哮乐有较和谐的音调、较明确易懂的旋律、较少的即兴独奏，并且加入大量的蓝调、教堂圣乐和声，尤其更强调鼓的节奏脉动。
50年代后期，改良咆哮乐发展成二个支派：与灵魂、福音音乐结合的“灵魂爵士乐”(Soul-Jazz)；而结合节奏蓝调、摇摆乐、灵魂音乐的一派，则成为“放克爵士乐”(Funk)。
自由爵士乐(Free Jazz) 此乐风是以创始人Ornette Coleman在1960年灌录的专辑《Free Jazz》为名，同期的代表人物包括Cecil Taylor和Albert Ayler等人，后期的倡导人则是约翰柯川(John Coltrane)。
自由爵士乐是舍弃在它之前的爵士乐和弦结构，重新建立自己一套松散、自由的集体即兴演奏方式的音乐型态。
它不照本宣科，不重覆叠句和变化不定的进行速度，如此展现出的音乐风格常夹杂着人声的哭号、小喇叭或萨克斯风的乐器悲鸣。
自由爵士乐的诞生有其政治上与种族上的背景因素，因为它曾是黑人争取人权与自觉运动的战歌，因此与60年代初期黑人民权运动息息相关。
具体的爵士乐有什么特征啊
首先关于楼上的误区。
爵士即JAZZ，蓝调叫做BLUES。
两种音乐风格接近但绝不是同样的音乐类型，不可混淆。
节奏蓝调即RYTHEM&BLUES，通常写做R&B。
SAXPHONE的运用，并非只有JAZZ才有。
你的这种说法，太不负责任了。
真假声
是人类都会用。
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关于爵士乐，网上有很多，我找了一段，比我自己写要全面的多了。
爵士乐的起源 爵士乐源自于二十世纪初期新奥尔良一带民间音乐、流行音乐、古典音乐的融合。
新奥尔良长期以来一直有着独一无二的文化传统。
从十八世纪晚期到十九世纪早期，新奥尔良大部分都被法国人占领居住着，他们始终保持着对艺术的高度关注，比这个国家其他地域的居住者更热衷于从音乐和舞蹈中获取乐趣。
因此，十九世纪时新奥尔良是全美国拥有各种音乐团体最多的城市。
总而言之，新奥尔良地区有着“寻欢作乐”的传统。
新奥尔良是各种音乐活动的中心，充斥着各种不同风格的音乐。
你可以听到歌剧，也能看到水手们欢快的号笛舞表演；欧洲的小步舞和四对舞与非洲的巫术仪式音乐居然在这城市中“和平共处”着；Patrick Gilmore和John Philip Sousa的铜管乐队音乐十分受大家欢迎，另外你还能听到劳工的做工曲和街头小贩们音乐般的叫卖声。
另外一个使新奥尔良成为爵士乐发源的理想环境的重要因素是它吸引着大量刚被解放获得自由的南方黑奴，这个城市以其众多的工作机遇、丰富的社会活动和多样化的生活方式充满了巨大的诱惑力。
随着1809年大量Haitian Creoles（克里奥耳）人涌入这个早已人满为患的城市，新奥尔良成为北美黑人文化的中心（同时各种各样的音乐也被融入其间）。
新奥尔良之所以成为经济的中心是由于它靠近密西西比河河口，密西西比航线是当时美洲和加勒比海之间的一条繁忙的水上贸易线路。
作为一个迎接着世界各地的旅行者歇脚的海港，新奥尔良保持着它的狂欢的气氛，而且还有着当时美国最大最有名的红灯区。
正是这里提到的新奥尔良的歌舞、色情、贩私酒等行业为音乐家们提供了大量的就业机会。
在17世纪中期之前新奥尔良地区白种人和黑种人之间的通婚促进了欧洲与非洲传统的融合。
这些通婚后繁衍下来的子孙后代，由于先人部分是非洲血统，部分是法国血统，被称作为“Creoles of Color”，或者就简称为“Creoles（克里奥耳人）”。
然而，在新奥尔良居住的两股同为非洲后裔的居民却有着显著的区分。
Creoles不再被称作为是“Negro”，但这个称谓还用于那些没有和只有很少白人血统的黑人。
Creoles大都是受过良好的教育的成功人士，诸如商人、医生、地主或手工艺人。
他们说法语，很多人都有奴隶，而且也要求他的奴隶也讲法语。
出生于Creoles家庭的小孩大都受过程度比较高的音乐训练，有些甚至远赴巴黎的音乐学校学习。
许多Creoles都住在新奥尔良现今被叫作法国街区的城中心地带，黑人则在临近的有色人种杂居地区生活着，大多是远离闹市的一些地方，他们基本上做佣人或没技术的苦力工。
Creoles完全是继承了欧洲音乐的传统，与此相反的是黑人们的音乐还是保留着非洲音乐的某些特征。
尽管许多远离闹市区的音乐家也接受了一些音乐训练，但整体来讲他们的音乐要比Creoles的粗糙一些。
在他们的音乐中已经出现了一些即兴的成分，然而这种特征还远未达到成熟的程度。
总的来讲，许多欧洲音乐的传统被Creoles音乐保留吸收了下来，黑人音乐也维持着非洲祖先的一些传统音乐特征。
住在新奥尔良下城区的黑人演唱包括黑人宗教音乐（欧洲教堂音乐和非洲唱腔的一种中和）以及做工歌（用来舒缓体力劳动的艰辛）两种形式。
另一种常见的黑人演唱是街头小贩的叫卖声，这种演唱在音色和音高上的诸多变化非常有感染力。
上述的三种黑人音乐融会贯通逐渐形成一种没有伴奏的表演唱，后来发展成使用吉他和班卓琴来伴奏。
起先无论演奏者使用何种方式来为演唱伴奏，他们使用的和声都是附带着旋律线的（与后来发展为爵士乐伴奏体系的传统欧洲音乐的旋律和声关系正好相反，欧洲音乐传统中和声对旋律音的选择是限制的）。
在早期美国黑人的演唱中伴奏和声是很简单的，有时候整首歌的伴奏只用到两三个和弦。
歌词与旋律也非常简单，而且在句与句、段落反复中间还有着很长的停顿。
这种早先的音乐形式我们现在称作为Blues。
有三个方面的因素可以用来解释爵士乐起源时间的问题。
第一个因素是二十世纪初期新奥尔良音乐活动异常活跃。
这是个多产的时期，因为对音乐家或乐队来讲有很多的工作机会，同时也有很多机会使得大量的表演和曲目相互融合。
第二个因素是多年来路易斯安娜州的社会和法制环境的不断变化导致Creoles的社会地位逐渐向黑人靠拢。
在十九世纪与二十世纪之间这段时期，纯种的血统和混血之间的区分不存在了。
只要有任何意义上的黑人血缘关系的公民就都被纳入同一类别的人种。
Creoles被迫放弃十八世纪期间所拥有的社会地位，改而接受黑人同样的生活处境。
尽管Creoles对此所不满，但爵士乐却成了最大的受益者，因为这种社会地位的调整使得欧洲音乐传统（Creoles人所代表的）和非洲音乐传统（黑人所代表的）更为便利地融合。
第三个因素是Ragtime音乐的流行。
这种音乐风格对当时新奥尔良流行音乐的节奏特征起了重要的影响。
Ragtime是一个多世纪以来欧洲和非洲音乐传统融合趋势集大成的一种音乐形式。
尽管音乐学家在这一点上有分歧，因为通常都认为黑人演唱技巧影响了爵士乐队中乐器的演奏（使得音色更伤感），Ragtime影响了爵士乐的节奏风格（带来了切分节拍）。
爵士乐在演奏上的表现 在表演上往两个特殊方面的不断探索。
一种是强调色彩化地变换音高，这种音高变换在正统的欧洲音乐中会被视为离调、走音，但在爵士乐中却很常见不被看作为是出错或非正规的演奏技巧；另一种是强调音色的粗旷与变化。
这两种以外还有一种特殊的演奏方式被称为Ragging，Ragging是指为了选择音符切进或强调重音而抢拍、拖拍的手法，它把本不切分的音型进行切分处理来造成Ragging的效果。
这使得音符与音符以一种含糊不清的方式来连接，而重音则起到一种推动音符和使之生动化的作用，最终导致我们现在视作为爵士乐的特殊节奏效果的形成，也是爵士摇摆感的构成基础之一。
爵士乐的特征 第一个特征就是即兴。
这种自发的、多样性的、独立的段落演奏手法是一些非洲音乐和大部分爵士乐的一个鲜明特点。
在西非的一些音乐形式中，即兴出现于一些大乐队的成员的演奏中。
然而无论如何都不能与今天爵士乐中大量的即兴相提并论。
对于西非和美国黑人歌手而言，即兴演奏并不是像爵士乐演奏者那样要在演奏中创造出一些精致的旋律。
这种即兴的倾向由于20年代晚期和30年代早期的不断拓展，逐渐演化成为今天我们通常所期望从爵士乐中得到的那种大段的即兴。
不幸的是，我们从不知道为什么这种转变会发生。
也许有如下的一些原因：1、对固定的演奏模式的厌倦；2、在没有大量活页乐谱资源的情况下学习演奏新东西的一种需要；3、一种对离题炫技独奏的强烈兴趣；4、欧洲和非洲音乐传统中自发求变的一种延续；5、乐手们自身约束不住的创造力；6、上述各种原因的结合。
第二个特征是切分。
这种节奏现象最为人熟知的是重拍出现在非主拍上。
第三个特征是和声。
第四个特征是对乐器的选择。
第五个特征是曲子中相对不频繁的音量大小变化。
一个既定曲目的演奏通常开始、发展、结束时的音量大小是相同的。
在演奏的力度上虽然有大小起伏的，但总体来讲，在这一点上是没有欧洲音乐来得变化多端的。
第六个特征是打击乐器在音乐中占有很突出的地位。
大多数的爵士乐团都有一位爵士鼓手，他演奏一套有很多相关配件的鼓，为音乐提供一个稳定的节奏同时也起到激发情绪的作用。
第七个特征是指为了增强听觉上的吸引力不断地变化音色的粗糙度、振动频率以及响度。
举个例子，爵士鼓手有时候会在骑钹上放一串钥匙来增强声音的延续性或丰富声响的层次。
另外鼓手有时也会在钹片上嵌入一枚铆钉，当铆钉的震动频率与钹片的频率不同时会产生“Sizzle”声。
需要指出的是许多萨克斯手在追求音色变化的过程中会倾向于刺耳的影响效果。
还值得一提的是爵士小号手和长号手有时候会以“咆哮”的方式来演奏。
第八个特征为短小反复乐段的广泛使用。
第九个特征是在音乐中你能同时听到不同的节奏体系。
具体来讲，乐团的一部分节奏形成双拍子的内在律动的同时，另一部分又构成了三拍子的内在律动，这两种节奏结合起来就形成了Polyrhythm（多重节奏），为爵士乐提供了一种节奏上的兴奋点。
因为它在听众内心产生了一种张力——听众可以拒绝听其中的任何一条节奏线，但一旦仔细去听的话会发现自己的注意力始终无法将这种多重节奏调和统一起来。
第十个特征是关于装饰音的问题，这个特征明显是起源自非洲音乐传统。
例如： 1、Duration（音符持续时间有多长
时值） 2、Intensity（音的响度、紧张度） 3、Pitch（是高音还是低音，音调是升还是降
） 4、Quality（音质） A、Size（大还是小
） B、Weight（厚重还是轻浮
） C、Color（音色是明还是暗
） D、Texture（粗糙还是平滑、锋利还是驽钝、集中还是分散） 5、Attack（音是如何开始的
突然起始的还是逐渐展开的
或者是先各自散乱地演奏然后逐渐集中起来加大力度的
） 此外，一些非洲歌手、爵士歌手和爵士器乐演奏者有一个常用的装饰音手法，即在音衰弱的同时音高也开始下降。
爵士管乐手称这种手法为“Drop-Off”或“Fall-Off”。
另一个在爵士乐器乐演奏中常出现的装饰音手法是在音结束时突然升高（可以参考一下“Sketches Of Spain”中Miles Davis在曲子“Solea”中的演奏）。
这种手法被称作“Doit”，一个非常接近于实际演奏效果的术语（在读音上可以读作“Doyt”或者“Doy-eet”）。
第十一个特征是非洲音乐对爵士乐的一大贡献——Bluenote。
这种声音的效果是通过演奏时将某几个关键音走调或离调来形成的。
第十二个特征是演奏中乐手们的相互应答形式。
这种形式具体表现为乐队中的某一部分或某一个人类似于提出问题般演奏出一个段落，然后由另一部分或个人紧跟形成一个类似于回答的新段落。
轮流应答式的演唱是遍布非洲音乐的一个重要特征，并且在美国传自欧洲的教堂音乐中也很普遍。
总体来说，JAZZ表现了一种自由、即兴的音乐。
爵士乐的一些常见类别 繁音拍子(Ragtime) 是一种采用黑人旋律，依切分音法(Syncopation)循环主题与变形乐句等法则，结合而成的早期爵士乐，盛行於第一次世界大战前后。
其发源与圣路易斯与纽奥尔良，而后美国的南方和中西部开始流行，它影响了纽奥尔良传统爵士乐的独奏与即兴演奏风格。
繁音拍子后来发展成结合流行音乐、进行曲、华尔滋与其他流行舞蹈的型式，因此繁音拍子的歌曲、乐器管弦乐队编制的曲目陆续出现，它不但在黑人乐手与乐迷间流行，也被美国白人中产阶级所接受。
纽奥尔良传统爵士乐(New Orleans Traditional Jazz) 这种乐风的组成元素，就如同美国是一个民族文化大融炉那般复杂、多元化，它包括：蓝调、舞曲、进行曲、流行歌曲、赞美诗与碎乐句(Rags)等音乐元素，以对位法(Countpoint)与繁音拍子的切分音法等主体性音乐创作为动力元素，结合大量独奏、即兴装饰性演奏与改写旋律核心为要件所展现出来的音乐体系。
纽奥尔良传统爵士乐队以小型团体为主，演奏主旋律的乐器是：短号、黑笛、萨克斯风与伸缩喇叭；伴奏乐器则有：土巴号、班鸠琴、贝斯(常以拨奏为主)、小提琴、鼓和钢琴。
它们经常多部同时进行对位吹奏，制造出一种热闹、欢乐气氛。
ODJB (The Original Dixieland Jazz Band) 这是历史上第一个在1917年灌录爵士乐唱片的白人五重奏乐团，它的五位原始成员全部出生在纽奥尔良：Nick LaRocca(领导人、短号)、Larry Shield(竖笛)、Eddie Edwards(伸缩喇叭)、Tony Sbarbarl(鼓)和Henry Rags(钢琴)。
ODJB在芝加哥逐渐窜起后转到纽约发展，并在当地造成轰动。
但是缺乏创造力、只迎合大众口味的乐风，很快的遭到新一辈天才爵士乐手们的挑战，并于20年代中期解散，走进爵士乐的历史。
狄西兰爵士乐(Dixieland) 这是1917-1923年间，在纽奥尔良与芝加哥等地的爵士好手发展出来的早期爵士乐风，它也是纽奥尔良传统爵士乐的一个分支。
Dixieland的英文原意是军队露营之地-Dixie's Land，因此可想而知它与进行曲等音乐有关。
这种风格的取材大都来自蓝调、进行曲，与当时的流行音乐，甚至某乐曲的某一小乐段，都可以拿来加以延伸、推展，这便是即兴演奏的滥殇。
有的爵士乐历史学者将白人乐手演奏的New Orleans Traditional Jazz称为狄西兰爵士乐；而黑人演奏的NewOrleans Traditional Jazz则称为纽奥尔良传统爵士乐。
大乐团(Big Band) 大乐团时代大约是起源于20年代中后期，以艾灵顿公爵(DukeEllington)、贝西伯爵(Count Basie)、班尼固德曼(Benny Goodman)等人为主的爵士乐风格，它不只兴盛於30年代中期的摇摆乐时期，40年代中期的咆哮乐、50年代的酷派爵士乐及改良咆哮乐、60年代的自由爵士乐、70年代的爵士／摇滚融合乐，乃至80年代的新咆哮乐中，都找得到它的踪迹。
大乐团的编制一般在10人以上，涵盖3支以上的小喇叭、2支以上的伸缩喇叭、4支以上的萨克斯风及贝斯、吉他、鼓和钢琴等伴奏乐器，透过这个大型组织，演奏各种爵士乐风的曲目。
摇摆乐(Swing) 最早起源于1930年前后，在1935-1946年间达到巅峰，其中最能代表这个乐风的则则是「摇摆乐之王」班尼固德曼所领军的六重奏(Benny GoodmanSextet)。
20年代中后期，爵士大乐队在美国各主要都市的夜总会、舞厅等场所大受欢迎，许多年轻乐迷都被吸引到此地玩乐，因此需要更多适合跳舞的音乐，来满足蜂涌而至的年轻人与中产阶级。
摇摆乐后来随着艾灵顿公爵大乐团的脚步，演变成为歌舞表演的伴奏乐队和演奏会音乐(如：艾灵顿公爵每年定期在卡内基音乐厅演出)；摇摆乐因适合於跳舞，每小节有四拍，因此又被称为「四拍子爵士乐」。
咆哮爵士乐(Bebop or Bop) 以字面上看，咆哮乐是一种吵杂喧闹的爵士乐，它的英文原名Bebop、Bop或Rebop在40年代初期萌芽时都有人使用，Rebop可能源自拉丁美洲一些乐队吹奏的曲目-Arriba(哭叫的)，但现在已无人使用了。
咆哮乐是一种反叛性的爵士乐，它不只承袭纽奥尔良爵士乐与摇摆乐的传统音乐元素，并在创作概念上创新、突破和革命。
它最重要的特质是在于强调高度变化、富层次感的节奏部，同时，咆哮乐手也发明新的和声，以更自由宽广的空间，发挥音乐上的潜力与创造力。
Bop与摇摆乐相比首先缺乏视觉上的观赏性，大多数摇摆乐队演出都有歌手、舞蹈演员和绚丽的舞台，而Bop只能用来听，无其它听觉外的装饰；其次Bop的旋律复杂不可预知，因而听众难以跟随和记忆，更别说哼唱了；最后Bop的节奏快速不固定，不适合听众随着音乐跳舞。
咆哮乐的的代表人物是Charlie Parker、Dizzy Gillespie、Thelonious Monk等人，早期以小型爵士乐团为主流，后来也有大乐团的演出。
酷派爵士乐(Cool Jazz) 一般而言指1949-1950年间，由小喇叭手迈尔士戴维斯(Miles Davis)所领导的九重奏为Capitol唱片公司灌录的专辑《Birth of the Cool》所代表的乐风，它的诞生使主流爵士乐风，从咆哮乐风的热，转向另一个反方向酷派乐风的冷，这是一种180度大逆转的历史性发展。
酷派爵士乐代表一种内敛自省的情感，它是一种轻柔、清凉与抒情的含蓄情愫；它的音色不如一般铜管器那样亮丽夺目，取而代之的是柔和优美。
若说咆哮乐是代表热情奔放，那麽酷派爵士乐就是内敛自省。
简而言之，酷派爵士乐是对咆哮乐的反抗与检讨，同时也唤醒美国西岸一些白人乐手的自觉运动，形成一股新兴的爵士乐潮流-西岸酷派爵士乐(West Coast Cool Jazz)。
而酷派爵士最着名的作品，即是迈尔士戴维斯五重奏的「KIND OF BLUE」。
改良咆哮乐(Hard Bop) 50年代中期，当很多人对平淡无力、让人昏昏欲睡的酷派爵士乐感到疲倦时，一度曾经失势，并趁机卷土重来的爵士势力改良咆哮乐正式诞生。
改良咆哮乐是一种激烈紧张、困难演奏的爵士乐风格，它的代表性乐手和团体是：鼓手亚特布莱基(Art Blakey)领导的五重奏「爵士信差」(The Jazz Messengers)和MaxRoach的「Clifford Brown」五重奏。
也有人把Hard Bop译成硬式咆哮。
改良咆哮乐有较和谐的音调、较明确易懂的旋律、较少的即兴独奏，并且加入大量的蓝调、教堂圣乐和声，尤其更强调鼓的节奏脉动。
50年代后期，改良咆哮乐发展成二个支派：与灵魂、福音音乐结合的「灵魂爵士乐」(Soul-Jazz)；而结合节奏蓝调、摇摆乐、灵魂音乐的一派，则成为「放克爵士乐」(Funk)。
自由爵士乐(Free Jazz) 此乐风是以创始人Ornette Coleman在1960年灌录的专《Free Jazz》为名，同期的代表人物包括Cecil Taylor和Albert Ayler等人，后期的倡导人则是约翰柯川(John Coltrane)。
自由爵士乐是舍弃在它之前的爵士乐和弦结构，重新建立自己一套松散、自由的集体即兴演奏方式的音乐型态。
它不照本宣科，不重覆叠句和变化不定的进行速度，如此展现出的音乐风格常夹杂着人声的哭号、小喇叭或萨克斯风的乐器悲鸣。
自由爵士乐的诞生有其政治上与种族上的背景因素，因为它曾是黑人争取人权与自觉运动的战歌，因此与60年代初期黑人民权运动息息相关。
摇滚爵士乐与融合爵士乐(Jazz-Rock & Fusion) 60年代中期，摇滚乐天王Beatles 披头四受到乐迷的热烈欢迎，并逐渐侵蚀爵士乐的江山。
在无法抵挡这股强大的新音乐流，并挽救日渐走入死胡同的爵士音乐，迈尔士戴维斯(Miles Davis)就以加入摇滚乐作为策略，推出2张结合摇滚乐节奏、电子乐器和爵士乐的成功专辑《In A SilentWay》、《Bitches Brew》，为爵士乐开启一个色彩缤纷的崭新大门，透过这扇大门，所有的音乐素材都能被融合在一起。
随着Miles Davis所代表的摇滚爵士乐风开启之后，随之而起的就是所谓的融合乐(Fusion)，直到80年代所有有关此类型风格的爵士乐，被称为摇滚融合爵士乐(Jazz-Rock-Fusion)。
新咆哮乐与后现代咆哮乐(Neo-Bop & Post-Modern Bop) 80年代，除了融合爵士乐与一息尚存的自由爵士乐之外，爵士音乐的发展，似乎已到了强弩之末的地步，欲振乏力的爵士乐已经失去它原有的焦点与重心。
面对一个每一种音乐型态都被先辈们探涉过的局面，让80年代的爵士乐手们只能重新回到过去，从经典爵士乐中找寻新的题材和创造灵感。
在这一波风潮中，以小喇叭手温顿马沙利斯(Wynton Marsalis)为首的回规传统热潮中：一个以咆哮乐风为基调，有纽奥尔良爵士乐、摇摆乐与灵魂乐色彩，高度强调演奏技巧与典雅旋律的所谓『新古典主义』或『新咆哮乐』被制造出来。
新古典主义是80年代爵士乐的主流风格，但还有新的爵士乐风会成为90年代的爵士乐风格，或许就是『后现代咆哮乐』(Post-Modern Bop)，这就有待事实去验证了。
蓝调(Blues) ：蓝调音乐的产生是为了抒发演唱者的个人情感，顾名思义，这种音乐听起来十分忧郁(Blue)。
这种以歌曲直接陈述内心想法的表现方式，与当时白人社会的音乐截然不同。
是美国黑人的传统音乐形式，它的出现早于爵士乐，彼此之间互有影响。
它大约起源於种植园里的的歌曲，最初没人伴唱，而后有了类似吉他或者班卓琴之类的单一乐曲伴奏，器乐旋律与歌曲者交替表演。
20世纪初，这种音乐形式发展为三行十二小节的格式——当爵士乐手们说“我们来演奏蓝调吧”，指的就是这种十二小节的结构，而非某一演奏风格。
蓝调的模式成为爵士乐以即兴发挥的工具，于是，1920年代以前，蓝调已经被公认为爵士乐的分支流派。
与爵士乐相比，蓝调的音乐形式较为初级，但是早期演奏者手中，它也可以非常精彩。
可以去这里听听，
爵士乐的优点在哪
爵士乐的起源、含义： 爵士乐成形时间是19世纪末、20世纪初。
公认的发祥地是美国南部路易斯安那州的一个亚热带城市―新奥尔良。
在众多流行音乐中，爵士乐是出现最早并且是在世界上影响较广的一个乐种，爵士乐实际就是美国的民间音乐。
欧洲教堂音乐、美国黑人小提琴和班卓传统音乐融合非洲吟唱及美国黑人劳动号子形成了最初的民间蓝调，拉格泰姆和民间蓝调构成了早期的爵士乐。
从17-18世纪西方殖民主义者，将大批非洲黑人贩卖到美洲，成为那里白人的奴隶之后，他们被强迫劳动、受尽折磨。
在田间、在劳动之余，黑奴 们怀念故乡和亲人，常常唱一种哀歌，以表达他们痛苦的心声。
这种音乐也渗透在一些宗教 歌曲中。
由于蓝色在美国人民中，被看作是忧郁的色彩，这种悲哀的歌曲，也就统称之为Blues(蓝色)。
中国音译之为布鲁斯。
我们常常从美国音乐作品中发现带有Blues的曲名，如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等。
爵士乐的另一个起源，是来自一种叫拉格泰姆的钢琴音乐。
拉格泰姆是Ragtime这 个词的音译。
词意是参差不齐的拍子。
故又称为散拍乐。
它也是从非洲民间音乐发 展而成。
19世纪末，一个名叫司科特·乔普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人钢琴手，创造了一种新风格的钢琴音乐：右手高音声部演奏切分音节奏很特别的主旋律或琶音。
一般 4\\\/4拍乐曲，一、三拍为强拍，二、四拍为弱拍，而他在高音声部每一拍半、 即三个八分音符时，就出现一次强音，而左手则是规律地演奏由四分音符轻重音组成的节奏， 一、三拍为低音强拍，二、四拍为和弦、弱拍。
这样左右手形成交错的节拍，使音乐带有 幽默、欢乐、活泼的情趣，由于这一创造，乔普林被人们誉为拉格泰姆之王。
有人说Jazz这个词，是从非洲土语Jaiza演变而来。
这个词原意思是加快击鼓；另一种说法是：早年新奥尔良有位乐手名叫Jasper,大家叫惯了，都叫他Jas,后来一传再传，就变 成了Jazz了；还有人说Jazz这个词是由Chaz这个词演变而来的。
早期的黑人爵士乐师多不识谱，演奏时只是凭着灵感，对所熟悉的曲调自由地进行变化。
所以带有很强的即兴性质。
由于人数不多，三五个乐手经常在一起合作，时间久了，彼此之间也就自然地形成一种默契。
1923年冬天，纽约皇宫乐队 领班保罗·怀特曼找到作曲家格什温，说他想举办一次别出心裁的音乐会，其中有一个能让 听众大吃一惊的压轴节目，就是把爵士乐和交响乐揉合在一起，格什温是一位音乐革新者，他从1924年元月开始动笔，仅仅花了 一个星期的时间就完成了。
由于里面主要用的是布鲁斯音阶和小三度、纯五度、小六度 构成的七和弦，故将所作曲子取名为《布鲁斯狂想曲》(Rhapsody in Blue)，在我国译作《蓝色狂想曲》。
这次演出大获成功。
从此，爵士乐受到严肃音乐家及知识阶层的重现，许多作曲家也竟相效仿，创作了许多爵士风格的音乐作品，如美国的一些音乐剧，兴德米特的《舞蹈组曲》、斯特拉文斯基的《黑色协奏曲》等，都运用了爵士音乐的素材和节奏。
爵士乐音乐的特点： (1)从大音阶来讲，它的第三级(Mi)音和第七级(Si)音经常是降低一些(平时讲是降半音，实际上不到半音)。
有时第五级(Sol)音也降半音。
这些降音还常辅以滑音和颤音，因而更加强了歌曲忧郁、悲伤的色彩；由于有以上这些特点，按这种方法形成的音阶，人们称之为布鲁斯音阶。
(2)旋律中多用切分节奏和三连音，形成轻重音颠倒； (3)节奏多为双拍，通常为4\\\/4拍，也有部分是2\\\/4拍 ； (4)从歌词、曲调结构上讲，布鲁斯多采用对称的、带音韵的两行词。
第一句重复一遍。
每段曲调12小节，每句4小节，从而形成：‖∶ A ∶‖＋B三句的固式曲式结构 (5)和弦常用主和弦(Ⅰ)、属和弦(Ⅴ)和下属和弦。
(Ⅳ)，因此，和声听起来很和谐，而且朴素。
其他特点因素： 爵士乐的演唱利用无意义的“衬词”在即兴的规则下形成了风格独特爵士唱法。
爵士乐的切分节奏复杂多样，特别是跨小节的连续切分经常将原有的节奏整小节移位，造成一种飘忽不定的游移感。
原来的4／4拍节奏经改变后变成了3／16拍。
爵士乐的旋律经常采用布鲁斯音阶（ 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 ）来形成它的特点，有时还在布鲁斯音阶的基础上增加＃4和其他一些变化音，使其变得更加丰富多彩 。
爵士乐的和声比流行音乐和声要复杂得多，它以七和弦为基础，并且大量的运用扩展音（如：9音、11音、13音）和替代和弦，有时还经常出现连续的下行纯五度副属和弦进行，使其呈现出丰富多彩的和声效果。
即兴是爵士乐手（或歌手）必练的演奏（或演唱）技巧之一 。
爵士乐的一些变化分支： 早期爵士乐 早期的爵士乐（1900—1917）曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调；有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调；还有12小结的器乐布鲁斯曲调。
拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。
布鲁斯乐曲的和声节奏最慢，但它的独奏旋律线的变音转调较多，起音不一，音高变化也不少。
早期歌曲曲目中也有很多以“布鲁斯”作名称，而实际上是流行歌曲或别的什么同源形式。
早期爵士乐队的设置平均为8位乐师。
在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。
有时添一支短号和一件节奏乐器，有时加一把小提琴为领奏。
在演奏过程中，乐队的每个成员，不仅仅是独奏者，都要做即兴演奏。
彼此之间自发的互相谦让与合作，只受和弦进行结构的限制，这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出，它就是“爵士乐”。
自由爵士 自由爵士产生于60年代，这种全新的音乐刚一出现，就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。
自由爵士不同于以往爵士乐，在和声、旋律方面没有太多的限制，演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。
自由爵士具有全新的节奏概念，节拍、对称性被统统打乱，同时，它也强调音乐本身的强度与张力，加入大量的不谐和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起，采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子设备及打击乐器，因此，有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。
摇摆乐 二十年代末，美国出现大萧条，爵士乐也随之流行于一些秘密酒店、酒吧、妓院等场所，致使出现了一些更适合跳舞的爵士乐队——摇摆乐大乐队。
最早出现的摇摆乐队是Fletcher Henderson（费莱切·汉德森）的大乐队，但使摇摆乐真正确立乐坛的要算是1935年Benny Goodman（本尼·古德曼）大乐队的成功，直到1946年大乐队时代结束为止，摇摆乐一直是流行乐坛上一支重要的力量。
摇摆乐不同于早期的爵士乐，在演奏过程中不太注重合奏，反而更加强调独奏。
个人的即兴主要以旋律为基础，与以前的演奏相比，这更具有冒险性。
这时期许多爵士艺术家经常与一些欧洲经典乐艺术家一起交流、探讨、相互借鉴，所以在摇摆乐中你也可以听到贝多芬、勃拉姆斯的回响。
摇摆乐继承了早期爵士乐的一些传统，同时也开辟了个人表演的新领域，许多大乐队的乐手后来都成为爵士巨星。
Cool爵士 1950年，Miles Davis九人小组推出的专辑《The Birth of The Cool》，标志着Cool爵士的产 生。
Cool爵士选用的音调是轻柔的、淡雅的，音质柔和干爽。
独奏中，带给你一种柔和舒缓、克制的感觉。
其重奏部分微妙深奥，有时让你联想起欧州经典室内乐。
Cool爵士虽然也揉进了Bop的音调、旋律与和声的优势，但是比Bop的即兴演奏更舒缓平滑，音色更加和谐，与Bop相比，Cool爵士乐经常突出体现一种松弛感，而没有Bop那么强的内在张力。
Cool爵士鼓手也更加安静，不干扰其他音色，总而言之，Cool爵士风格是节制的，“点到为止”，这正是为什么其乐迷称之为“Cool”的原因。
Fusion 二十世纪七十年代，Fusion音乐渐渐发展起来，它的最初定义实际上是一种融合了爵士乐即兴和摇滚乐节奏的音乐。
然而随着流行音乐、节奏布鲁斯以及各种音乐形式在世界乐坛逐渐繁荣，Fusion音乐又将这些音乐风格加以借鉴，我们现在所熟悉的Fusion音乐，其实已经成为一种冠有爵士乐名称的混合型音乐。
Regtime Regtime（拉格泰姆）爵士乐融合了欧洲古典音乐和欧洲军乐的特点而产生的。
他打乱了古典音乐中严格的节拍规律，有演奏者掌握节奏的迟缓。
乐曲的进行通常是起奏延缓，随即强调音节，这种风格在当时的钢琴演奏中极为常见。
Regtime爵士乐在二十世纪出的十五年中非常盛行，虽然这种风格对爵士乐的形式具有非常重大的影响但是因为 它缺乏Blues的感觉和没有即兴感觉，所以并不能称之为真正的爵士乐。
Bebop “Bebop”一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节（或无意义的狂喊乱叫）。
比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的“长一短”音型突然结束，而这个节奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。
这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。
Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组，还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。
Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。
他们不用乐谱，这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。
演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次（如果是12小节的布鲁斯则演奏两次），接下来是在节奏组（一般是钢琴、低音提琴和鼓）伴奏下的几段即兴独奏叠句，再重复第一叠句的旋律结束全曲。
节奏组自始至终重复着全曲的和声音型（包括变化音型），以保持乐曲的结构。
乐理基础很低，可以学爵士乐吗
该怎么去学
好吧，看了他们这些不懂的人回答，我觉得是误人子弟，所以我觉得有必要说两句。
爵士乐的根基是布鲁斯。
一个调子可以做到九曲十八弯的那种感觉。
所以，爵士乐听的不是音符。
而是一种律动。
而律动，就是很抽象的一种东西，C7+D7+EM7和旋，1~2~3~4，假设把这四个拍子按高低音加快演奏出来，那就是一种律动。
而高端的爵士乐就需要更复杂的律动。
如果你把律动了解透彻，听爵士乐就会清晰很多。
比如330拍的爵士鼓，摇摆节奏，乐手演奏城300拍，那整体音乐的律动就好似被中断了一样。
《美国史》读后感(一)--黑人和美欧音乐
[《美国史》读后感(一)--黑人和美欧音乐](题外话：1，早读完了书园买的《美国史》，想真正写点感受，由于信息量太大，很乱没啥头绪，现在能静下来点，慢慢找些支撑点写点东西，主要为了搞严重缺乏的刀币，我不是专业的啥啥，所以想啥写啥，放在水区，说错了乱说了大家莫见怪2，我这人粗而且容易激动，所以肯定会有一些不好的文字和思想，希望版主们不要扣我刀刀，就算没功劳当苦劳)看完《美国史》我第一个想到的是黑人声音对美国的影响，做个依据历史顺序的感想梳理，《美国史》读后感(一)--黑人和美欧音乐。
1，应该是福音的复兴，早期南方黑奴自建教堂的灵歌决定性的促进了这场福音运动。
我一直这么想，基督教的核心应该是福音，这才是耶稣使徒们作为一群末日论者真正带来的东西，他们传达给那些生活在最底层的绝望的罗马人好消息：不要绝望，只要相信耶稣就有希望，学会爱自己和别人，所以从本质上说，基督带来的是一种快乐欣慰，只有经历过绝望的人才能体味的绝望中的乐观主义。
但后来基督教变味了，奥古斯丁给基督教注入原罪观念，他彻底改变了基督教的性质，转基督教为悲观主义，这是一种恐吓，而后来基督教会成功的利用了这种带有恐吓性质的悲观主义论调来达到其社会和政治目的，进一步引入了所谓天堂和地狱的异教观念，并发明了炼狱这个新观念，来控制信徒。
所以这时的基督教与其说是一种精神信仰，不如说是一种控制系统。
听听天主教堂弥撒仪式中的唱诗声音就明白了：干净、组织严密、机械，似乎空灵实则空洞。
历史似乎很讽刺，没人想到却是连圣经都不会读的南方黑奴恢复了使徒时代早期基督徒的本真信仰，我觉得这是因为这些黑奴恰到好处的得到了与早期基督徒惊人相似的生存处境：一样的绝望、一样的被封闭在一个隔离的小圈子中而不得不相互依靠(美国史中对黑人大家族化的生存方式的描述可以证明)、一样的非文明化因而能够被最简单的东西打动并在这种理解力中把最简单的东西当做最真实的，他们不会产生出怀疑思辨这样的所谓文明人的高级思维，我告诉你，只要信耶稣，你就能得救，对黑人和早期基督徒而言，这个好消息就能成为信仰的充分理由，无须过多文明化的论证(这也是我理解的传销能够横行中国的原因，传销也是一种类似早期基督教的宗教，而中国有这种形式的宗教存在的社会现实土壤)。
所以白人们惊奇的听到了那些简陋的教堂里那些绝望得黑奴们单纯原始和兴奋的blues,他们难以理解这种在他们看来如此之绝望的处境中竟然有如此之真心的快乐声音，而这是他们所极力找寻的最初快乐--他们和他们的清教徒先辈离开欧洲来到新大陆就是想寻找一块自由的空间重建在欧洲已经不可能获得的人和上帝之间交融的纯粹欣喜。
我想白人们意识到了这种黑人灵歌的力量，blues也成为了美国性格的一部分，今天福音教派成为了美国最大的基督教派别也就顺理成章了。
Blues重铸了美国声音。
2，Blues继续发展就是爵士乐，爵士乐是一种繁荣时代的blues,一战后的美国建列了10多年的经济高速发展，爵士乐成为了这个黄金时代的象征，爵士乐是一种节奏感很强烈的伴舞音乐，舞厅成为了这个繁荣时代年轻人社交的一部分，正如他们的父辈们把酒吧作为他们的社交生活一样。
这里我不得不承认黑人的这种节奏感天赋，没办法，别的种族就做不来。
别的也不说了，黑人那种天生的非洲节奏是爵士的灵魂，白人继续学吧，虽然那些乡巴佬白人不敢承认这点，拼命指责这种爵士暧昧的堕落。
3，40年代，是摇摆舞和摇摆音乐的时代，这是一个乐队大堂演奏的时代。
这我想大家熟悉，很多电影有，这算是爵士的一种革新吧，值得注意的是黑人的大屁股对这种音乐的推动，读后感《《美国史》读后感(一)--黑人和美欧音乐》。
4，50年代属于摇滚，虽然猫王是这个时代的代表，但作为白人的猫王唱的仍旧是黑人的音乐，之所以是白人唱，因为隔离的社会现实让白人在自尊心的驱使下搞了这个掩耳盗铃的伎俩。
我不喜欢听他的歌。
摇滚说白了就是节奏+blues，这种音乐形式的革新个人觉得离不开50年代的环境：在50年代，美国社会价值观经历了一个深刻的变化，自此富裕成为了美国社会除了自由之外另一个美国精神。
二战让美国彻底走出了萧条，二战对美国最大的贡献，在于其大规模的国家投资改变美国社会的经济观念，从此政府已更积极的手段进入了经济生活，这是以前历届美国联邦政府所尽量避免的，包括在这个方面走得最远的罗斯福都把财政平衡看的非常重，其国家振兴计划也是小心翼翼，不敢深入市场--这不是政府的领地。
二战改变了这一点，出于对日作战的需要，整个西部海岸在短短6年成长为可以与东部抗衡的美国新的经济引擎，而几年前西部海岸还是美国最落后的地区之一，300多亿的有史以来最大投资打造了遍及全国的告诉公路网，自此一种以汽车为核心的以郊区白人中产价值观为主导的自信富足乐观的美国观出现在美国，但与此同时还有另一个美国，一个由黑人、西裔、墨西哥裔、职业女性组成的3000万美国人，这5分之一美国人被50年代美国边缘化了，他们没能享受到50年代的富足，他们游荡在空洞化的城市中，闻着繁荣的50年代的味道，如早期沿着密西西比河河北上的黑人一样，这些美国人也闻到了blues的味道，一种绝望。
但与早期blues不同，这是城市化的blues,早期blues是一种农业时代的绝望--空旷、简单、平静而安于天命的诉说，而工业时代的blues则更多的在绝望中有了愤怒，他们不再安静，而是寻找一种破坏性的平静--即通过更有力量和破坏性的声音来压过城市生活各种带着诱惑的声音，以更有力量的吼叫来压过其他声音从而使自己安静，所以节奏---强烈的节奏感破坏性的带进blues，于是有了摇滚，50年代的声音。
5，60年代，属于甲壳虫的摇滚，黑人音乐也跟着美国大兵影响到了欧洲。
由于甲壳虫在我心中有着特殊分量，所以我也不说了，我怕我的无知亵渎了他们。
如果大家感兴趣，注意这时欧洲的战后重建史，没有这个重建的历程，不可能有英式摇滚，请大家不要把英式摇滚理解理解为美式摇滚的欧洲版。
6，70年代属于金属摇滚，美国白人黑鬼忙著一边吸毒一边搞民权，出了很多狗屎和噪音，但得到黑人奇迹的还是英国。
我想提提我喜欢的英国最伟大的专辑，这个乐队组成如下：john,贝司手，人很内向无趣，但他的bass line稳定了这支乐队整体感和节奏；roger，一个金发娃娃脸，作为鼓手，他敲出了音乐史上最有力最伟大的节奏：咚-咚-锵，咚-咚-锵。
；brian，吉他手，他的那把自制黑红吉他奏出的solo，前无古人后无来者，那头克伦威尔式的蘑菇云，我的挚爱；灵魂是freddie，我说不清楚他：70年代他是一个妖艳的波斯妖姬，80年代他像个墨西哥毒贩，虽然嗓音没了，但他的西班牙斗牛士班傲慢的站姿、像英国国王权杖班的带棍麦克风，那件黄色的外套，那嘴龅牙。
我想大家知道我说谁了，喜欢摇滚的请一定要听这张1975年出版的有史以来最外大的专辑queen的《night at the opera》,千万不要到百度那个狗屎那儿下载啊，一定要去音乐商店买，不要像骑着摩托车放音乐的家伙那样糟蹋了音乐，尤其是queen。
7，有点累了，不想说了，80年代后的大家都知道。
一句话，美国黑人的历史也就是美国音乐的历史，也是现代音乐的历史，其他都是陪衬。
顺便乱搞下，现代中国没有音乐，全是狗屎，原因很简单，因为中国没有生活，没有真实的生活，中国人是听着戈培尔式的声音长大的，我们也说着戈培尔式的声音，中国特色的谎言王国已经到了谎言的最高境界：谎言不再是对真实的掩盖，连谎言本身都是虚幻的，无力的，他没有意思，只是一种格式习惯，这只是声音，永远不是也不会成为音乐，我们已经彻底远离了诗经的声音，当代中国有两种伪音乐形式：第一是官妓的叫床，整天辣妹子辣，辣，辣。
，我当它是深喉邀宠来着，还跑到西班牙去丢人，老外可理解不了这种中国特色，他们只会哦、哦、耶；第二是返祖兽啼，前者如果是主动呻吟，这算是自残叫春，曾哥叫得最像，这算高级的，没品的先拍艳照再无辜真情的哭诉般吟唱，比日本还会达到自虐高潮，佩服。
港台那边我不乱说，免得破坏了一国两制国体，但某些人少些拾人残羹冷炙来大陆假正经，也不看看大陆也开放搞活天天翻墙啊，还以为我们蹲在湖南山沟看湖南卫视了?中国就是这个样子，西式的文雅我们就学了个皮毛 〔《美国史》读后感(一)--黑人和美欧音乐〕随文赠言：【这世上的一切都借希望而完成，农夫不会剥下一粒玉米，如果他不曾希望它长成种粒；单身汉不会娶妻，如果他不曾希望有孩子；商人也不会去工作，如果他不曾希望因此而有收益。
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唱出爵士的声音
爵士乐对节奏感要求很好，爵士乐中大量的切分和三连音是它一个特色，我们可以通过节奏的训练来掌握它的规律，其实也不是难事。
详细的如下：在当代中国，广大爱乐者有着极大的自由来欣赏自己感兴趣的音乐，而爵士乐无疑已经成为越来越多的爱乐者关注、喜爱甚至痴迷的一个音乐大类。
与古典音乐相比，爵士乐与生俱来的平民化血统使它更加贴近普罗大众，连引车卖浆之流都可以亲近它，酒吧饭馆处处可闻其声，而与摇滚乐等当代流行音乐相比，爵士乐又似乎有着更为深邃的情感以及更为深沉与蕴蓄的表现形式，或轻摇款摆，或重拍如磐，自有醉人妙处。
比古典音乐“俗”，比流行音乐“雅”——爵士乐这种寓雅于俗、以俗见雅的“中间化”特点，使得它能够轻易罗致包括众多古典音乐迷和流行音乐迷在内的广大受众，而在当代中国，爵士乐欣赏热潮正是方兴未艾。
老实说，爵士乐听得愈多，我就愈感到自己的孤陋寡闻、知识浅薄——爵士乐生息百年，流派众多，名家无数，佳作纷呈，穷尽余生数十载亦不能听完呵
爵士乐是个不折不扣的音乐宝库，其内容之广博其流派之繁盛实在是不能尽数。
正因为爵士乐浩瀚如海洋，所以，初听爵士、尚待入门的读者朋友还须找到合适的方法，从要处着眼入手，最终才能登堂入室、窥其秘奥。
第一步、泛听 学过外语的朋友都知道什么是“泛听”。
我把“泛听”这个词借用过来，意思是说朋友们在刚开始接触爵士乐的时候完全可以让自己的精神与注意力分散一些，可以一边干其他事一边有一搭没一搭地听爵士乐，稍微领略一下作品所内含的情感、精神以及表层特点（如编曲配器、节奏特点、音阶特点等），稍有所得即可，不必正儿八经地专心去听。
在“泛听”的内容选择方面，以那些在创作、编曲和演绎方面比较传统的爵士乐名曲为宜，特别是那些被称为“STANDARD”（标准曲）的经典作品，而且最好是大师名家们的演绎版本。
这些作品可以令初听者相当真切、鲜明地感知到爵士乐区别于其它音乐种类的那些固有的节奏与和声特点。
朋友们可以请身边的老牌爵士乐迷和唱片藏家推荐一些经典录音给自己欣赏“泛听”，而在本文中。
第二步、泛读 “泛听”可以使朋友们对爵士乐这个音乐门类有个大致、粗略的直觉了解与感悟，而在“泛听”之后就必须“泛读”了
朋友们可以把您自己能够找到的并且有真知灼见的讲述爵士乐历史、分类、名家、名作等各方面知识的书籍和文字（包括网络上的）都拿来阅读，不用追求深入研究，只要有一定程度的了解和掌握就行了，涉及面越广越好。
当然，“泛读”并不表示建议您见书就读，因为现在国内的爵士乐鉴赏类书籍虽然种类不少，但其中实在是良莠不齐、质量参差，要阅读的话必须有所甄选才行。
如果您身边有资深的爵士乐迷能够向您推荐相关的书籍和文章就更好了，这样可以使你少走很多弯路，在阅读相关书籍和文章的时候，您应该尽可能地找来相关的名家名曲经典录音听听，以所听映证所读，使自己从文字中读到的信息能与自己从录音中听到的音乐信息挂上勾来，这样一来，您自己就会对爵士乐方方面面的知识具有从感性到理性又从理性回归感性的初步了解，到此时，您可以说已经是“一只脚跨进门槛”了
第三步、精听 在泛听、泛读之后，您应该对爵士乐的方方面面有了大体而粗略的理性了解与感性认知，而要想“登堂入室”、真正入门，您还必须继续下一步，那就是“精听”。
与“泛听”的“心不在焉”、注意力分散、浅尝辄止不同，“精听”就必须心无旁骛、精神集中、深入琢磨了
到这个时候，朋友们就应该更有针对性地找来一些精彩的爵士乐录音，认真深入地聆听分析一些细节，包括曲式、编配特点、节奏与和声特点、爵士乐特色技巧（比如SCAT拟声歌唱、切分演奏、重拍、即兴等）、爵士乐特色乐器（比如电颤琴和电风琴，还有低音提琴、萨克管等乐器的大量使用）等等。
在选择录音的时候，当然还是以大师名家的名演录音为宜，既要听著名的专辑也要听编得不错的那些精选“拼盘”唱片。
考虑到爵士乐最伟大的生命力在于现场表演时的自由即兴，朋友们还可以选择更多的名家演出现场录音来听，听其中的即兴华彩，听其中乐手们的独奏与合奏细节，听其中从主题沿袭到即兴变奏的过程。
在这样的有选择聆听当中，朋友们当然还可以辅以大量的文字阅读，以帮助自己提高认识。
经过上述爵士入门三步之后，相信朋友您已经对爵士乐有了一定的了解和掌握，在欣赏爵士乐的实践中也已形成自己的独到方法。
到这个时候，您就可以让自己自由一些了，不拘流派，不限类型，可以随意地广闻博听，也可以随意地阅读学习。
这样一来，您不止是“登堂入室”，还必定会有更多的心得收获呢
