谁知道小说39级台阶讲的什么意思
《39级台阶》（The 39 Steps），原为英国作家约翰?巴肯（John Buchan）的一部冒险小说，出版于1915年，1935年希区柯克将这部小说改编成电影，成为他最有影响力作品之一，在英国电影协会(BFI)的“二十世纪100部英国电影经典”中排名第四。
电影制作者们决定不忠实于原著也许并不令人惊讶。
巴肯的故事太过于深奥，无法拍成一部好电影，它主要集中在汉耐在荒凉的高原上如何躲避追捕，焦点只在他一个人身上，其他人物都不超过几十页，尤其书中没有女性人物，也就没有了恋爱情节。
像总被狡猾的大反派愚弄的汉耐偶尔灵光一闪看清他们真面目这种艺术性的高潮，写在纸面上可以很精彩，在大屏幕上就没有那种吸引力了。
三部电影中的第一部，也应该是最好的一部，就是1935年,传奇的阿尔弗雷德·希区柯克执导的黑白电影版了。
电影与原著几乎完全不同，但精彩的离奇性却没怎么减少。
许多人都把它看做希区柯克最好的电影之一，或者就是最好的，因为这是他导演生涯的早期作品，是他去好莱坞前，在高蒙不列颠时的作品。
这部影片确实是他最有影响力作品之一，不过，他对故事的彻底再造带来的后果之一，就是拍出的电影完全与台阶，39级什么的没有一点关系。
就如乔治·佩里说过的“这就是希区柯克的风格，完全不管片名是什么，只在片尾稍加解说”。
这部电影捧红了“最优雅的演员”，30岁的罗伯特·多纳，剧中他扮演的主角理查德·汉耐，因获悉了一个间谍组织的计划，而在苏格兰被追捕。
不过，原著和电影的共同点到这就结束了，希区柯克给人们带来了一部扣人心弦的惊险喜剧片，故事情节出色合理又危机四伏。
与原著发生在辽阔荒原上相比，希区柯克的作品受摄影棚制约，却没有受到什么不良影响。
电影中出现了许多令人印象深刻的表演——佩琪·阿什克罗夫特和约翰·劳里扮演的夫妇与汉耐相遇；马德琳.卡罗尔出演的潘美拉，被反派与她的情人汉耐铐在一起，移动困难，却帮助了汉耐逃离，还有韦烈亚力·华生扮演的“记忆先生”，这位掌握了间谍组织关键信息的舞台演员。
当然你还能看到具有希区柯克特色的场景，像前面提到的连锁动作一幕，几乎是惊险片中最有影响力最出名的一幕。
为了使他们入戏，希区柯克绑住他们，之后就离开了，当有一人意识到他是真的绑住自己时，场景就非常精彩了。
约翰·巴肯非常高兴自己写的故事被拍成电影，他看完了整部电影，并宣布它的故事比自己的好。
不过，对第二部电影《39级台阶》他会怎么看，就不好说了。
1959年拉尔夫·托玛斯翻拍的那部是电影界少有的实例，证明了好故事和大牌明星并不意味着就有好电影，同时也证明了一个天才导演的价值。
托马斯的电影就是一幕幕地重复希区柯克的作品，只不过是用了彩色胶片而已。
也许制作者们认为用了彩色胶片就会有优秀电影出来。
但结果只是一部单调枯燥而没有任何悬念的惊险片。
然而两部电影的故事是完全一样的，后者还有着大牌明星——肯·默和塔尼亚·埃尔格主演。
照哈利韦尔电影指南说的，这部电影就是“一个教我们别怎样拍惊险片的指南”。
这两部电影产生了一个有趣的结果，《39级台阶》这一个标题讲诉了两个不同的故事。
熟悉小说的人了解的是一个故事，而看过这两部影片中某一部的观众了解的是另一个故事。
那么离现在最近的这部电影是依照前两部影片剧情，还是回归巴肯原著中的故事呢
实际上它糅合了这两个故事。
1978年的多恩·夏普版是最忠实于小说的一部。
不同于前两部，故事发生在书中的年代，出现了书中描写的大部分角色，并且是全明星阵容，主演汉耐的罗伯特·鲍威尔，还有约翰·米尔斯，埃里克·波特，凯林·多特里斯，大卫·华纳，罗纳德·皮卡普，乔治·贝克，提摩西·韦斯特，安德鲁·基尔等。
而这部影片也有一些怪诞惊险的场景，比如失控的轮椅，还有那个经典的高潮——汉耐在大本钟上危险地松开手去阻止炸弹爆炸和第一次世界大战的爆发（当然，我们知道这不是他能担心的）。
这在书上是找不到对应部分的——实际上原著中从没有这样激动人心的情节。
讽刺的是，正是这一场景使现代观众对《39级台阶》产生了共鸣。
罗伯特·鲍威尔如此完美地塑造了一个汉耐，以至于他80岁时出演的一部电视派生剧中，角色名字也是汉耐。
那么最后的问题就是不同版本中，“39级台阶”这个词到底指的是什么呢
小说中很明确，它指的是反派在德国悬崖顶藏身时，藏身之处在落潮时到海面的阶梯数。
希区柯克没有使用这个说法，而把它作为间谍组织的代号（在书里，它被叫做黑宝石），而在1978年的影片中，它指的是大本钟的39级台阶。
《39级台阶》 - 评价 1915年，英国人约翰·巴肯完成了他最具标志性的小说《39级台阶》，一出版就在英国境内引起轰动，一版再版，深入人心。
1935年，电影悬疑大师希区柯克把“39级台阶”的故事搬上大银幕。
他是个讲故事高手，也是电影技术派的代表，他在影片里尝试探索了快速剪辑的手法，看得观众目不暇接，欲罢不能。
口碑之好，使得他的电影同行们在70年间，将这部影片接连翻拍三次。
故事梗概：歌剧院里，杂耍表演结束的舞台上，报幕员走上舞台，隆重介绍“记忆先生”梅里克。
借惊人的记忆，梅里克回答着观众各种刁钻古怪的问题。
嘈杂的人群中，加拿大男人汉纳提问了一个有关加拿大地理方面的问题，“记忆先生”准确地给出答案。
枪声
两声枪响，让原本嘈杂不堪的歌剧院顿时陷入混乱。
人群涌向出口，一个陌生而漂亮的女子紧跟着汉纳，在拥挤的人群中挤出歌剧院，随汉纳来到他租住的布兰特公寓。
女子自称施密斯，受雇于英国间谍机构，因保护英国空军防空机密而遭到陌生人的追踪。
施密斯的任务是前往苏格兰，与一个右手小拇指缺一截的男人接头。
男人是秘密间谍组织“三十九级台阶”的负责人。
透过窗帘，汉纳确实看到窗外的墙根下站着两个神秘的男子。
入夜，施密斯突然闯进汉纳的房间，丢下一句“快走
下一个将是你”后，倒地死去，背后插着一把尖刀。
施密斯小姐的死，让汉纳感到恐惧，接着又觉得疑惑。
怀着恐惧而疑惑的心情，汉纳逃出旅馆，搭上火车，前往苏格兰。
火车上，汉纳从报纸上看到警察已经发现了施密斯的尸体，自己却成了凶杀犯正被警方通缉。
陌生女人的告密，让警察闻讯而至。
汉纳机智的甩开警察的追捕，跳下火车，来到苏格兰的一处农庄。
警察尾随而来。
贪财的农夫将汉纳出卖给警察，好心的农妇却给了汉纳一条生路。
翻山、越岭、涉水、斩棘，汉纳依然遭到警察的追捕。
此时，汉纳按照施密斯临死前留下一张地图，找到乔纳教授的山庄。
适逢酒神节。
乔纳巧妙地支走警察，露出“庐山真面”。
汉纳发现，乔纳竟然就是施密斯说的那个小拇指缺一截的接头人，而施密斯的真名叫安娜·贝拉。
接下来发生的事情更加扑朔迷离，汉纳的处境也越来越危险。
当汉纳从扑朔迷离中发现空军机密与“三十九级台阶”秘密间谍组织有关时，已经是在回到伦敦后的歌剧院。
“记忆先生”的回答，提醒了汉纳。
原来，间谍组织是想利用“记忆先生”惊人的记忆，将空军机密带出英国。
真相在最后一刻揭露，清白在最后一刻洗清，乔纳教授在最后一刻现形，“记忆先生”却在最后一刻用生命保护了国防机密。
世界最大伟大的文学家是谁
有没有他的简介
当地时间1974年2月4日，英国著名导演、编剧、制片人希区柯克（Alfred Hitchcock）在奥斯卡颁奖典礼上讲话。
图片来源：akg-images \\\/ IC photo阿尔弗莱德·希区柯克，世界公认的悬念大师。
在长达六十年的艺术生涯中，希区柯克共拍摄了超过五十部电影，至今仍有很多经典桥段，为人们所追捧。
希区柯克不仅是一位伟大的电影导演，更是一名电影艺术大师。
他用独特的表达方式，将自己的美学思想、对真实世界的洞察和理解，全部融入到自己的作品中，开辟了属于“希区柯克式“的电影新天地。
也许你对希区柯克的作品如数家珍，但你见过这位名导演在片场指点江山的样子吗
你看过这位才华横溢的大师在现实生活中犹如“戏精”般的生活照片吗
IC photo将为你呈现珍贵的历史档案。
有哪些鬼片是真实故事改编的
电影评论 电影评论，简称影评，是对一部电影的导演、演员、镜头语言、拍摄技术、剧情、线索、环境、色彩、光线等进行分析和批评，又称电影批评。
评论目的 电影评论的目的在于分析、鉴定和评价蕴含在银幕中的审美价值、认识价值、社会意义、镜头语言等方面，达到拍摄影片的目的，解释影片中所体现出的道理，既能通过分析影片的成败得失，帮助导演开阔视野，提高创作水平，以促进电影艺术的繁荣和发展；还能通过分析和评价，影响观众对影片的理解和鉴赏，提高观众的欣赏水平，从而间接促进电影艺术的发展。
评论内容 景别运用 特写：拍摄人像的面部、被摄对象的一个局部的镜头。
它可使表现对象从周围环境中突现出来，造成清晰的视觉形象，得到强调的效果。
特写镜头能表现人物细微的情绪变化，揭示人物心灵瞬间的动向，使观众在视觉和心理上受到强烈的感染。
近景：摄取人物胸部以上的电影画面。
它能使观众看清人物的面部表情，或某种形体动作，有利于对人物的容貌、神态、衣着、仪表作细致的刻画。
中景：摄取人物膝盖以上部分的电影画面。
它有利于显示人物的形体动作，有利于交代人与人之间的关系，可以加深画面的纵深感，表现出一定的环境、气氛，而且通过镜头的组接，还能把某一冲突的经过叙述得有条不紊，常用以叙述剧情。
全景：摄取人物全身或场景全貌的电影画面。
它可以充分展示人物的整个动作和人物的相互关系。
在全景中，人物与环境常常融为一体，能创造出有人有景的生动画面。
远景：是指表现广阔空间或者开阔场面的画面的景别，是所有景别中视距最远、表现空间范围最大的一种景别。
在电视节目中常用于表现地理环境、自然风貌和开阔的场景和场面。
大远景：通常是从高角度拍摄的画面，用来做为定场镜头或提示宽广开阔的空间。
声画应用 声音：包括人声、背景音乐、音响 人声：交代说明、推进剧情、推动人物性格 背景音乐：烘托气氛、渲染氛围、深化主题、善于抒情 音响：增加真实感、烘托环境气氛、抒情言志 画面：包括人物、景物、道具 人物：视觉的中心，意念的载体 景物：抒情言志、推动情节发展、深化主题 道具：刻画人物性格、串联故事情节、抒情言志 声画结合：包括声画对应、声画分离、声画对比 声画对应：有什么画面，就有什么声音 声画分离：声音与画面分别叙述，两者不具备明显冲突 声画对比：声音和画面在意义和情绪上形成强烈反差 色彩：塑造人物形象、营造环境氛围、构成创造思想 色调：分为冷色调和暖色调 冷色调：色环中蓝、绿一边的色相称为冷色，它能给人以阴凉、宁静、后退、深远的感觉。
暖色调：色环中红、橙一边的色相称为暖色，它能给人以温馨、亢奋、前进、和谐的感觉。
光线：造型作用、表意作用、外画人物形象 镜头运用 长镜头：一段持续时间内连续摄取的、占用胶片较长的镜头，一般时长超过30秒。
长镜头可以保持整体效果，保持剧情空间、时间的完整性和统一性；可以如实、完整地再现现实影像，增加影片的可信性、说服力和感染力；还可以渲染气氛、表现人物的心理活动。
空镜头：又称“景物镜头”。
指影片中作自然景物或场面描写而不出现人物（主要指与剧情有关的人物）的镜头。
常用以介绍环境背景、交代时间空间、抒发人物情绪、推进故事情节、表达作者态度，具有说明、暗示、象征、隐喻等功能，在影片中能够产生借物喻情、见景生情、情景交融、渲染意境、烘托气氛、引起联想等艺术效果，在银幕的时空转换和调节影片节奏方面也有独特作用。
蒙太奇 蒙太奇原为建筑学术语，意为构成、装配。
现在是影视专业术语，是一种剪辑技巧，一般包括画面剪辑和画面合成两方面。
运用蒙太奇能丰富电影艺术的表现力，使表现内容主次分明，达到高度的概括和集中；还能够规范和引导观众的情绪和心理，启迪观众思考；还可以实现对时空的再造，形成独特的影视时评论方法 总述 电影评论的可评之处，可以就其导演的独特构思、声音画面、蕴含的深刻道理、影片的时代意义、影视音乐、电影内容、电影灯光照明、电影的拍摄技巧、电影中的角色等都可以进行评论，评论过程通过结合影片具体内容和影片在构思、结构、技术、任务等方面最为闪亮之处摆出自己的观点，从而近一步论证。
要点 要写好一片影评 用两个字总结“新”“奇”。
步骤 题目 题目是任何写作中的第一闪光点，影评也不例外。
一个好的影评题目，关键在于他能否用于传递作者想要在影评中表达的信息。
在看完电影后写影评时，首先要找一个好的切入点，当然，这个切入点就要从题目开始入手了。
影评的题目注重创新、新颖，起到让别人一看见题目就像读下去的作用。
此外，影评题目越短越好，6-7个字为宜。
开端 阅高考语文作文的老师们都有一个习惯阅卷方法，即题目-开头-（中间）-结尾，如果一位考生的中间部分写的再好，但开头却弄得很差劲，这样阅卷老师对这位考生的中间内容最多就会大体浏览一遍，有的甚至连看都不看，因此，开端无疑是很重要的一个部分。
在影评的开头，可以开门见山地一上来就介绍你所要写的影片最为亮点之处，或直接写影片的高潮结局，从而引起读者的兴趣 ；也可以先插入一电影名家的名言，例如巴赞、等，这样能为你的影评锦上添花。
中间 这一部分是影评的核心内容。
其实写影评就是写一篇议论文，因此我们在写影评时应注意多分析、少叙述，以你想要表达的内容为中心，摆出论据，层层推演，但要注意不要跑题，也就是说，你在影评中分析的内容，都必须要围绕你的中心。
结尾 我们完成了影评的最主要内容之后不能就此结束，还应当有一个响亮的结尾。
在结尾我们首先应该先对影评的主要内容进行一下总结，然后可以抒发自己的感想，表达一下自己对整个影片的理解；还可以引用名言、托物言志，让影评有一个好的收尾。
存在问题 跑题、讲故事、面面俱到、没有观点、写成“豆腐块”、本末倒置、常识问题、没有细节。
影评现状 在中国，电影评论通常考虑如下几个方面：①影片的倾向性和真实性是否统一；②人物的个性化和典型性如何；③影片从内容到形式对时代的反映是否有创新精神；④影片是不是有鲜明的民族风格和创作个性；⑤影片在电影观念和电影语言的运用上进行了哪些有价值的探索；⑥影片的观赏性及其社会效果如何。
电影表现手法 电影是集体创作的综合艺术，所有的创作成员都是银幕造型的创作者。
相对而言，每个部门只能对银幕造型的某个方面起到作用，通过各部门创作的有机结合才能构成完整的银幕造型。
这种集团创作归根到底仍是以导演的总体构思为依据的，因此，导演对银幕造型的质量负有主要责任。
电影导演工作的主要成果也表现在银幕造型上。
【节奏】是电影艺术至关重要的方面之一。
电影节奏是电影艺术中所有要素的综合构成并作用于观众生理心理所产生的效果。
节奏在电影中既表现在时间的流程中，也表现在空间的运动形态上，以及时空综合中。
影片节奏不单纯是艺术技巧的表现，而是根据剧情需要，人物塑造需要，对影片总体把握、对电影手段综合运用的结果，是节奏的局部构成与整体构成的辩证统一体。
电影的节奏总体存在于剧作中、存在于导演的总体构思和分镜头本中，渗透在表演、造型、声音、摄影、美工、剪辑等艺术创造中，形成情节节奏、造型节奏等节奏方面。
而导演作为影片总设计师和指挥者，对影片节奏面貌的体现和创造影片的节奏风格起着决定作用。
节奏在根本上是艺术情感的显现。
节奏的物理形态是运动，其心理根源是艺术家通过电影的特殊表现手段在作品中传递出一定强度的情绪情感的脉律，并引发观众情绪情感上的震荡或共鸣。
人们常将速度作为节奏的唯一表达形式，以快、慢来衡量节奏，但速度并不等于节奏。
速度节奏只是节奏的一种。
节奏的衡量，也不单是镜头的长短，还有音响、线条、色彩、形体等艺术造型因素有规律的运动变化（高、低、强、弱、紧张、松弛、疏缓等等方面），以及它们引起欣赏者的生理感受状况。
节奏是主观和客观的统一，心理和生理的统一。
电影表现内涵的无限丰富性、电影表现手段的无限可能性和观众接受心理的复杂性，决定影片节奏形式和节奏变化的无穷多样性 【内部节奏】缘于情节发展的内在矛盾冲突、人物的情感波澜等内容要素而形成的节奏。
在电影中，内部节奏显现的一个重要方面，是与场面调度和蒙太奇技巧等密切融合的演员的表演、演员饰演的角色情感的内在张力。
【外部节奏】由画面上一切主体的运动，各种长度镜头组接和镜头的各种转换方式，以及速度和光影、色彩、各种画面形式的变换而产生的节奏。
外部节奏表现有时和内部节奏相一致，有时不一致，甚至可以做完全相反的表现。
服从于统一的艺术构思。
【】苏联电影导演列夫．库里肖夫为了弄清蒙太奇的并列作用，做了一项有名的镜头剪接实验。
他给俄国名演员莫兹尤辛拍了一个毫无表情的特写镜头，分别接在一盆汤、一个作游戏的孩子和一具老妇人的尸体镜头前面，出乎意外的是，他发现观众看到了演员的“表演”，即：看到汤时表现出饥饿感，看到孩子时表现出喜悦，看到老妇人尸体时表现出悲伤。
而实际上这都是由于镜头的组接使观众产生了联想。
从这个试验中，库里肖夫得出结论：造成电影情绪反应的，不是单个镜头的内容，而是几个画面之间的并列，是镜头组接和剪辑的作用。
这就是所谓。
【主观镜头】将电影摄影机的镜头，当做电影中某一角色的眼睛，去观看（摄制）其他人物、事物活动的情景，即为主观镜头摄制。
这种代表影片中某一人物视线的镜头，叫做主观镜头（狭义的主观镜头）。
主观镜头还包括明显表示出导演主观评论观点和主观情感与情绪的镜头（广义的具有强烈主观表现色彩的镜头）。
没有纯粹的客观镜头，也不会有纯粹的主观镜头，主观镜头总是在客观镜头表现中产生的。
例如这样一种典型的式的主观镜头表现：人物头部受伤，鲜血流下，逐渐遮盖了视线，鲜血覆盖了画面，是主观表现，但它不能离开人物受伤这个客观过程。
主观镜头表现比客观镜头表现更为复杂，有着变化多样的运用模式。
如反应式主观镜头、想象式主观镜头、多视角式主观镜头、多层次式主观镜头、近似式主观镜头等。
【客观镜头】一般指摄影机采用大多数人在拍摄现场所共有的视点拍摄的镜头。
这种镜头在银幕直观效果上可使观众产生共同临场感，达到客观表现的目的。
客观镜头客观性包括两个含义层：首先是指反映对象自身的客观实在性，即艺术所再现的生活内容的真实性。
这通常是导演在运用传统现实主义创作方法时所要求和恪守的。
如等影片中所表现的许多事件、环境、人物等生活画面，都要求对生活真实性的再现，也就是艺术所反映生活的能见性；二是指对对象的客观描述性。
这种客观描述性无论在现实生活片还是在童话片、神话片、荒诞片中都有其不可避免性。
如影片中种种事件过程的表现，都是客观镜头的用武之地。
客观镜头运用的目的是为了引导观众观赏无论哪一层含义的画面表现，都具有规定情境的客观实在性，使影片达到叙述和描写的目的。
最终，它们都免不了渗透着编、导、摄的思想情感。
【空镜头】即没有人物出现的景物镜头。
是导演阐述思想内容、叙述故事情节、抒发情感意境、转换银幕时空、调节节奏的重要手段。
有主观空镜头和客观空镜头两大类。
主观空镜头是人物眼中的、心理的和被刻意渲染的景物和感觉，客观空镜头是客观表现的环境景物以及过场性景物等，它要求景物表现的真实实在性。
【时空转换技巧】影片中用以表现一定时间、空间镜头或段落的变换，以造成各种艺术效果的手段。
常见的时空转换技巧有：利用渐隐、渐显、化、划等传统光学技法，在两个镜头或段落之间插入能够表现时间、季节、地点变换的景物镜头；利用字幕和绘画说明时间、地点的变换；无技巧剪辑，即完全利用画面内容本身的直接转换、而不用附加的光学技巧来表明时空的转换、划分时空段落。
【渐显、渐隐】亦称“淡入、淡出”、“渐明、渐暗”。
传统剪辑技巧手法之一。
电影艺术表现时空间隔的传统手段。
其常规表现形式是：前一场景的画面逐渐暗谈直至完全消失（渐隐），后一场景的画面逐渐显露直到十分清晰明亮（渐显）。
这种手法表现某一个情节（段落）的终了和另一个情节（段落）的开端，留有一定间隔，使观众在段落感中得到短暂的间歇，从容领会进展中的剧情。
并可表现一定的情绪和节奏。
【切】 “切换”，即“切出、切入”的简称。
属于无技巧剪辑手法。
渐已成为电影最基本的镜头转换方式之一。
指不用任何光学技巧如化、划、淡化之类作为过渡，而是直接由一个镜头转换成另一个镜头或由一场戏转换成另一场戏为保证镜头切换流畅，符合艺术逻辑性并适应一般观赏心理，在剪辑创作中，必须把握影片节奏和准确地掌握镜头恰切的剪接点。
【化】亦称“化出、化入”、“溶出、溶入”。
传统剪辑技巧之一。
电影艺术表现时空转换的传统手段。
其常规表现形式是；前一画面渐渐隐去（化入、溶出）之前，后一画面即开始渐渐显露（化出、溶入），两个画面同时重叠隐现，直到后一画面完全清晰。
“化”的作用很多，如：起到时空过渡作用；可简捷地表现大幅度时空转换；常常用来表现人物的想象、梦幻、回忆等，直接传递情绪；在时空距离较近情况下，连续使用“化”过渡镜头，可产生抒情、缓慢柔和的效果；在神话片中用来达到“变形”的特殊观赏效果等等。
【叠印】电影语言中特有的一种形式。
电影剪辑技巧手法之一。
将两个或两个以上不同时空、不同景物或人物的画面重叠起来，复印在一条胶片上，即叠印。
同时，叠印的各个画面的内容之间必须保持内在联系，以形成叠印画面的各种意义。
有的影片片头字幕或唱词字幕也采用叠印方法与画面合成。
【划】亦称“划出、划入”、“划过、划变”。
传统电影剪辑技巧手法之一。
为实现画面衔接所采用的一种技巧。
表现形式是后一镜头从前一镜头画面上做左右划、右左划、上下划、斜向划、棱形划等。
当代电影中，这种手法比较少用，但为了加强某种视觉效果或制造其他各种艺术效果，这种手法有时仍然使用，并且注意具有新颖性。
【跳切】 “切”的一种。
属于无技巧剪辑手法。
它打破常规状态镜头切换时所遵循的时空和动作连续性要求，以较大幅度的跳跃式镜头组接，突出某些必要内容，省略时空过程。
跳切既以情节内容的内在逻辑联系为依据，也以观众欣赏心理的能动性和连贯性为依据，排斥缺乏逻辑性的随意组接。
【闪回】通常指在一定的场景结构中插入另一场景或片断。
闪回可以是电影的一种片断叙述手法，也可以形成全片结构形态，即闪回结构影片。
从内容上看，闪回的内容一般为闪回前面镜头中某个人物的思维或回忆。
它可以是情绪性的，也可以是叙事性的；可以是较长篇幅的，也可以是瞬间意识表现，目的是使观众更清晰地感受人物的思维、情绪和了解事情原委。
【工作样片】每个摄制工作日都要将拍好的底片印出一条正片，即为工作样片。
供摄制组创作人员和厂负责人审查用。
在工作样片尚未经审查通过或需要重拍前，一切布景和拍摄现场的各项设置不得拆除。
在中，工作样片供导演和剪辑修剪、组接镜头用，也供配音、混合录音用，还供最终审查影片用，最后作为完成片套底用的依据。
工作样片属珍贵资料，要求精心保管。
【双片】即“完成双片”、“混录双片”。
由经剪辑完成的工作样片和混合录音后的磁性声带片两部分组成。
双片的用途是为听取审查意见后便于修改。
与正式拷贝不同，它必须通过声画同步放映机放映才能达到声画合成的效果。
审查通过和修改后，经过画面套底，将混录磁带转成光学声带，就可印制正式拷贝。
1.3 影视镜头表现手法 镜头是影视创作的基本单位，一个完整的影视作品，是由一个一个的镜头完成的，离开独立的镜头，也就没有了影视作品。
通过多个镜头的组合和设计的表现，完成整个影视作品镜头的制作，所以说，镜头的应用技巧也直接影响影视作品的最终效果。
那么在影视拍摄中，常用镜头是如何表现的呢，下面来详细讲解常用镜头的使用技巧。
一、推镜头 推镜头是拍摄中比较常用的一种拍摄手法，它主要利用摄像机前移或变焦来完成，逐渐靠近要表现的主题对象，使人感觉一步一步走近要观察的事物，近距离观看某个事物，它可以表现同一个对象从远到近变化，也可以表现一个对象到另一个对象的变化。
这种镜头的运用，主要突出要拍摄的对象的某个部位，从而更清楚地看到细节的变化。
比如观察一个古董，从整体通过变焦看到细部特征，也是应用推镜头。
二、移镜头 移镜头也叫移动拍摄，它是将摄像机固定在移动的物体上作各个方向地移动来拍摄不动的物体，使不动的物体产生运动效果，摄像时将拍摄画面逐步呈现，形成巡视或展示的视觉感受，它将一些对象连贯起来加以表现，形成动态效果而组成影视动画展现出来，可以表现出逐渐认识的效果，并能使主题逐渐明了，比如我们坐在奔驰的车上，看窗外的景物，景物本来是不动的，但却感觉是景物在动，这是同一个道理，这种拍摄手法多用于表现静物动态时的拍摄。
三、跟镜头 跟镜头也称为跟拍，在拍摄过程中找到兴趣点，然后跟随目标进行拍摄。
比如在一个酒店，开始拍摄的只是整个酒店中的大场面，然后跟随一个服务员从一个位置跟随拍摄，在桌子间走来走去的镜头。
跟镜头一般要表现的对象在画面中的位置保持不变，只是跟随它所走过的画面而有所变化，就如一个人跟着另一个人穿过大街小巷一样，周围的事物在变化，而本身的跟随式没有变化的，跟镜头也是影视拍摄中比较常见的一种方法，它可以很好地突出主体，表现主体的运动速度、方向及体态等信息，给人一种身临其境的感觉。
四、摇镜头 摇镜头也称为摇拍，在拍摄时相机不动，只摇动镜头作左右、上下、移动或旋转等运动，使人感觉从对象的一个部位到另一个部位逐渐观看，比如一个人站立不动转动脖子来观看事物，我们常说的环视四周，其实就是这个道理。
摇镜头也是影视拍摄中经常用到的，比如电影中出现一个洞穴，然后上下、左右或环周拍摄应用的就是摇镜头。
摇镜头主要用来表现事物的逐渐呈现，一个又一个的画面从渐入镜头到渐出镜头来完整整个事物发展。
五、旋转镜头 旋转镜头是指被拍摄对象呈旋转效果的画面，镜头沿镜头光轴或接近镜头光轴的角度旋转拍摄，摄像机快速做超过360度的旋转拍摄，这种拍摄手法多表现人物的眩晕感觉，是影视拍摄中常用的一种拍摄手法。
六、拉镜头 拉镜头与推镜头正好相反，它汉族要是利用摄像机后移或变焦来完成，逐渐远离要表现的主体对象，使人感觉正一步一步远离要观察的事物，远距离观看某个事物的整体效果，它可以表现同一个对象从近到远的变化，也可以表现一个对象到另一个对象的变化，这种镜头的应用，主要突出要拍摄对象与整体的效果，把握全局，比如常见影视中的峡谷内部拍摄到整个外部拍摄，应用的就是拉镜头。
七、甩镜头 甩镜头是快速地将镜头摇动，极快地转移到另一个景物，从而将画面切换到另一个内容，而中间的过程则产生模糊一片的效果，这种拍摄可以表现一种内容的突然过渡。
八、晃镜头 晃镜头的应用相对于前面的几种方式应用要少一些，它主要应用在特定的环境中，让画面产生上下、左右或前后等的摇摆效果，主要用于表现精神恍惚、头晕目眩、乘车船等摇晃效果，比如表现一个喝醉酒的人物场景时，就要用到晃镜头，再比如坐车在不平道路上所产生的颠簸效果。
谈起电影的表现手法一定要提的就是蒙太奇手法。
早在十九世纪末期的时候，们就开始使用蒙太奇——这个使电影产生了飞跃的手法。
蒙太奇在电影创作中呈现了惊人的艺术效果并创造了感人的艺术力，在流动的画面结构里面，蒙太奇成了最有效的创作方法。
蒙太奇方法，就是把两个或者多个元素合成一个具有全新内容的方法。
著名的蒙太奇大师，苏联的电影理论家兼导演艾森斯坦曾经在其著作中提到：汉字中的“口”和“犬”组成“吠”，要知道，这就是蒙太奇——“口”和“犬”都是名词，各自有独立的含义，但是，当把它们组合到一起的时候便发生了质的变化，成了动词。
它们展现在银幕上，“口”和“犬”的特写镜头剪辑在一起，自然使观众悟到那是一只叫着的狗，或是那有一只狗在叫，并且如闻其声。
这种蒙太奇方法成了电影独特的语言形式。
电影中蒙太奇指的是镜头的分切与组合，或者是剪辑。
下面是一个典型的蒙太奇创作试验的著名例子，同样是三个镜头，采取不同的剪辑方法，就会产生不同的效果： 1、一个人在笑。
2、手枪直指。
3、惊恐的脸。
如此的顺序组接的镜头，给观众的是人物的怯懦和惶恐。
1、惊恐的脸。
2、手枪直指。
3、一个人在笑。
如此组合的镜头，则表现人物的勇敢。
艾森斯坦对这个试验曾经加以概括，他说：“通过剪辑把两个不相干的问题并列起来，不是等于一个镜头加上另一个镜头——它导致了一种创造，而不是各个部分的合并。
因为这种并列的结果和分开地看各个组成部分是有着质的不同。
”(） 蒙太奇思维是以人的视知觉和听知觉形式为基础的。
电影蒙太奇所建立起来的镜头之间分割与组合的关系，即不同元素之间分离与交叉的关系，最终所以能够通过分析与综合的知觉作用，必须依赖联想的心理作用才能够得以实现。
联想可以同时引起对过去的回忆和对未来的想象，这一重要的心理现象，正是架设在蒙太奇结构中前后镜头画面之间，沟通画面联系的心理桥梁。
下面分别介绍这三种联想方式。
一、类比联想。
由于在镜头或镜头组之间采用相似的手法或者表现相似的内容，观众会产生类似情景的联想。
二、对比联想。
其镜头或片断之间在形式或者内容上呈对立状态，从相反的角度表现同一主题，并且使主题给人留下更加深的印象。
三、接近联想。
是通过同一、同时或相继成立的条件反射将空间、时间相接近的镜头连贯起来，从而引人联想并思忖其内涵。
卓别林自己评论说：那部电影是从一个抽象的概念——批评我们的机械化生活方式——发展而来的。
蒙太奇手法的应用，给电影注进生气和活力，使平常的画面组合成无穷的内涵，给观众留下无尽的想象空间。
可以说电影中蒙太奇手法的应用，是电影历史上的一场重大革命。
蒙太奇，法语montage的音译，原是建筑学上的术语，有构成、组装的含义。
借用到电影、电视理论中来，有剪辑、组合、连接的意思。
夏衍说：“所谓蒙太奇，就是依照着情节的发展和观众注意力和关心的程序，把一个个镜头合乎逻辑地、有节奏地连接起来，使观众得到一个明确、生动的印象或感觉，从而使他们正确地了解一件事情的发展的一种技巧。
”影视制作家只有根据蒙太奇法则来选择、安排、组织材料，才能获得成功。
构思影视作品时，常常要用到下列五种蒙太奇手法： （一） 复现蒙太奇 亦称反复蒙太奇、重复蒙太奇。
让一些重要的物件、场面，反复多次在影视文学剧本中出现，一方面起强调的作用，引起读者对他们的注意、重视；另一方面，在作品结构上起理清脉络、划分层次的作用。
如苏联中瓦尔瓦拉.瓦西里耶夫娜用的教具--地球仪，她任教之地小丘上的三棵松树，就是反复多次出现的物件，场景。
（二） 对比蒙太奇 又称对照蒙太奇。
运用这种手法组接的镜头之间，存在相互衬托、比较的逻辑联系。
这种蒙太奇不仅可以用在普通镜头的场景、人物表情之间，也可以用来组接长镜头。
（三） 平行蒙太奇 把同一时间不同地点发生的有关事件、场面连接起来，让它们有条不紊地呈现在观众面前，使剧情得以平行发展，强化观众的悬念心态。
格里菲斯在《党同伐异》里，成功地运用了这种组接方法：一个无辜的工人被误判了死刑，当绞索套在他脖子上时，他的妻子带着州长的赦免令赶到，这就是著名的“最后一分钟营救”。
我国影片《铁道游击队》里，刘洪飞马营救芳林嫂，也是运用蒙太奇的范例。
（四） 隐喻蒙太奇 也称比喻蒙太奇、象征蒙太奇、相似蒙太奇、联想蒙太奇。
它要求所连接的镜头，场面之间，存在某种微妙的类比联系，通过“相似点”、“具象点”和“寓意点”，突出事物之间的有关特征，促使观众领会其中内在的、深层的含义。
（五） 杂耍蒙太奇 这是一种综合性的蒙太奇，既有画面的分解，又有画面的集中；既有全景，又有特写；节奏快，有紧张感。
爱森斯坦在其代表作《战舰波将金号》里，在举世闻名的“敖德萨阶梯”那个段落里，成功地运用了杂耍蒙太奇，突出了沙皇军警屠杀包括老弱妇孺在内的和平居民的血腥暴行。
关于电影的名人名言
电影书写的影片，籍影像与声音的关系来表达，而非靠（演员或非演员的）动作和声调的模仿。
它不分析，也不解释。
它重组。
——罗伯特·布烈松（法国）要更好地理解一部影片的倾向如何，最好先理解该影片是如何表现其倾向的。
——安德烈·巴赞（法国）我现在已经老了，人越老想得越深，水面上的事情我已经抓不住了，我在水底思想。
——（法国）当幻想转向爱情时，直觉却并不总是跟随。
——艾里克·侯麦（法国）电影艺术的基础在于剪辑。
——普多夫金（苏联）演员也同样是人，与别人并无差别。
作家、画家或音乐家可以躲到角落里去舔净他的伤口，但演员却要站在大庭广众面前忍受这种伤痛。
——莫琳·斯特普尔顿（美国）我的电影从来无意写实，它们是镜子，是现实的片断，几乎跟梦一样。
——（瑞典）我对情节的发展、事件的串联并没有兴趣，我认为我的电影一部比一部不需要情节。
——（苏联）让一个人置身于变幻无穷的环境中，让他与数不尽或远或近的人物错身而过，让他与整个世界发生关系：这就是电影的意义。
——（苏联）电影始于格里菲斯，止于基亚罗斯塔米（阿巴斯）。
——（法国）很难找到确切的字眼评论基亚罗斯塔米（阿巴斯）的影片，只须观看就能理解他是多么了不起。
雷伊去世的时候我非常伤心。
后来，我看到了基亚罗斯塔米的影片，我认为上帝派这个人就是来接替雷伊的。
感谢上帝。
——黑泽明（日本）梦想要根植于现实。
——（伊朗）我曾反复说过，我作为一个电影人，拍了一部电影的话，观众就应当从这一部电影中，看到100部他们自己的电影，每一名观众都可以看到他自己的电影，这就是我所力争做到的。
——（伊朗）我更喜欢让观众在影院里睡着的电影，我觉得这样的电影体贴得让你能好好打个盹，当你离开影院的时候也并无困扰。
也曾有电影让我在影院里睡着了，但就是同一部片子又让我彻夜难眠，思考它直到天亮，甚至想上几个星期。
这是我喜欢的电影。
——（伊朗）梦想始于剧本，而终结于电影。
——（美国）每次表演一个角色时，演员都必须生活在这一角色之中。
——（苏联）我留下脚印，让后人来追寻。
——德里克·贾曼（英国）生活的全部，它行动的整体，乃是一部自然、生动的电影。
——（意大利）我们永远都无法预知一部电影的结果。
每部片子都有一道窄门，我们只能凭着自己的判断力决定是否应该跨进去。
——克里什托夫·（波兰）最好的电影是拍给聋者和哑者看的。
人类喋喋不休，话语泛滥，都快淹死在其中了。
只有看芭蕾舞，我们才能发现纯粹的美和纯粹的姿态，而这正是我的电影努力要去表现的。
——（亚美尼亚）电影是戏，不能把它拍成偶发的事件。
——（日本）（先锋派）的方法有这样的危险：1、作者已有结论，含含糊湖地提出猜谜似的东西，就像被小学老师提问一些根本不需要问的简单问题。
2、作者自己完全放弃想的出结论的欲望，借口把自己不懂得的问题如实提出来才是诚实，而以极低的水平提供极不完整的影象就心满意足了，自封为先锋电影的作品中，这类影片要多少有多少。
——（日本）真假混合时，真突显出假，假却妨碍我们去相信真。
一个演员，在一艘被真的风雨拍打着的真船的甲板上，假装害怕沉船，我们既不会相信那演员，也不相信那艘船和那场风雨。
——罗伯特·布烈松（法国）我的人生经验告诉我，非正常的阶级关系，没有同情心的人与人之间的关系就是现实。
——金基德（韩国）一个影像接触其他影像时必须发生转化，如一种颜色接触其他颜色时那样。
放在绿、黄或红旁边的蓝不是相同的蓝。
没有艺术不含转化。
——罗伯特·布烈松（法国）我像个雷达，我接受东西，然后再像镜子一样反射出来，夹杂着回忆、梦境和理念。
——（瑞典）人老了之后的现象之一就是，童年的回忆会越来越清晰地浮现出来，而壮年时期的种种大事却反而模糊，以至于消失。
——（瑞典）我想用我的电影盖一栋房子。
有些做成地窖，有些做墙壁，其他则做窗户。
然而，我希望到最后它能成一栋房子。
——赖纳·维纳·法斯宾德（德国）当我非常个人化地叙述一个故事时，这个故事要比我试图以放之四海皆准的语言叙述能令更多人认可。
——赖纳·维纳·法斯宾德（德国）我确实觉得美好的，肯定不会长久。
——许秦豪（韩国）我就是我。
如果必须以头撞墙来真实待己，那么我愿意。
——马龙·白兰度（美国）好莱坞由恐惧与嗜财支配。
但那不会支配我，因为我无所畏惧，不贪恋钱财。
——马龙·白兰度（美国）我倒不是怕死，只是死到临头，我不愿在场。
——伍迪·艾伦（美国）为了保卫韩国电影，我们甚至可以去死
——林权泽（韩国）人到十三岁，自以为对这个世界已相当重要，而世界才刚刚准备原谅你的幼稚。
——陈凯歌（中国）别给我挤眉弄眼，表演没有那么复杂。
——劳伦斯·奥立弗（英国）蠢比智慧更无限迷人、更无限深奥。
智慧有限度，而愚蠢则没有。
——克劳德·夏布洛尔（法国）影戏假如能用来描述民间的痛苦，至少可以促进社会的自警，让社会自己想一想，应该如何的改进自己。
——孙瑜（中国）一个编剧导演人不仅仅是随便把一个故事搬上胶片就算完事，而他至少应该是一个作家，一个有独特的风格、正确的认识而为大众所有的作家。
——蔡楚生（中国）如果说中国会好，国产片也会好。
——费穆（中国）炸弹决不能爆炸，炸弹不爆炸，观众就老在惴惴不安。
——阿尔弗雷德·希区柯克（英国）演戏的真谛就是把人生当成一场实验，在一次次的幕起幕落之间探究人生的千奇百怪和悲欢离合。
——苏珊·萨兰登（美国）我一直同步记录国民演变的过程，我生活在一个变革的时代，这种变革性要求一个导演很敏感很同步地来判断。
我相信我的作品会成为中国标志性的一组建筑物。
——贾樟柯（中国）在我身上有所有中国导演的缺点，比如说戏剧性，我很爱戏剧性，我也是看评书看章回小说长大的，但我知道那是一个缺陷，我们把现实简单化了、娱乐化了、传奇化了。
——贾樟柯（中国）有一种电影要求很长时间的积淀，有一种需要闪电般的灵感。
——贾樟柯（中国）不管我采用了什么题材，其实讲的都是宗教题材。
只不过他们的救赎发生在大街上，而不是教堂里。
——马丁·斯科塞斯（美国）我是一个独立制片导演
人们总说我的电影像好莱坞电影，或者就是好莱坞电影。
可是好莱坞要抄袭我，我有什么办法。
——乔治·卢卡斯（美国）无论你是英雄抑或歹徒，切记把你的角色演得有人味，那就是要尽可能赋予他某些相反的品质而又不影响他在故事里的主要身份。
——唐·理查逊（美国）我们并不处处袒露我们内心的真实想法，我们只表露我们想要别人信以为真的东西。
——唐·理查逊（美国）我拍不出的电影只有沟口（健二）的《祗园姐妹》和成濑（巳喜男）的《浮云》——小津安二郎（日本）我一天不拍片，就觉得少活了一天。
这样说来，拍片就像做爱一样。
——费德里克·费里尼（意大利）
蒙太奇理论主要讲的是什么
随着电影视媒介的延伸，艺术的高度发展，五彩的影视艺术手段层穷，不仅出现了许多新的手法，如数字技术在影视中的应用，而且对一些经典的手法也在不断地赋予新的涵义，如最早也是最经典的蒙太奇手法，这些手法的不断创新为绚丽的影视舞台提供了坚实的基础。
早在19}纪末期，电影大师们就开始使用蒙太奇(那时候还没有电视)，这是个使电影产生飞跃的手法。
蒙太奇最初在电影创作中呈现了惊人的艺术效果并创造了感人的艺术魅力。
电影大师普多夫金在他的经典著作《论电影的编剧、导演和演员》的开篇语就是这么一句话—“电影艺术就是蒙太奇，’a蒙太奇是法文Montag哟音译，原为建筑学术语，意为构成、装配。
蒙太奇是一种影视创作的叙述手段和表现手段，它将一系列在不同地点，从不同距离或角度，以不同方法拍摄的镜头按照一定的要求排列、组合起来，用以叙述故事情节，刻画影视人物。
因此，凭借蒙太奇的作用，影视作品享有时空上的极大自由，甚至可以构成与实际生活中的时间、空间并不一致的影视时间和空间。
这一手法在当今的影视创作中得到极大地推广，并延伸到了影视创作的思维领域。
下面是普多夫金引用的一个典型的蒙太奇创作试验的著 名例子，同样是三个镜头，采取不同的组合方法，就会产生不同的效果 镜头一，一个人在笑。
镜头二，一把手枪直指着。
镜头三，同一个人的脸上露出惊惧的样子。
通过上述顺序组接起来镜头，使观众感到的是主人公的怯懦和惶恐。
下面我们改变一下这三个镜头的顺序 镜头一，一个人的脸上露出惊惧的样子。
镜头二，一把手枪直指着。
镜头三，同一个人在笑。
如此组合的镜头，则表现了主人公是一个勇敢的人。
普多夫金非常重视这种顺序的调整，他甚至因而认为单个的镜头本身是没有什么价值的。
而另一位著名的蒙太奇大师、苏联的电影理论家兼导演艾森斯坦对这个试验曾经加以概括，他说:“通过剪辑把两个不相干的问题并列起来，不是等于一个镜头加上另一个镜头，最为重要的是它导致了一种创造性活动，而不是各个部分的简单合并。
因为这种并列的结果和分开地看各个组成部分是有着质的不同。
” 从现代意义上看，影视艺术中蒙太奇的涵义不仅包括传统的将许多拍摄下来的镜头组接起来的技巧手段，而且作为一种思维方式存在于影视创作的观念之中，它贯穿于从构思、选材直至制作的全过程，是影视艺术构成形式和方法的综合，也是创作者从高层次把握创作风格和运用创作技巧的出发点。
传统意义上的蒙太奇主要具有叙事和表意两大功能，据此可以把蒙太奇划分为三种最基本的类型叙事蒙太奇、表现蒙太奇、理性蒙太奇。
第一种是叙事手段，后两种主要用以表意。
叙事蒙太奇这种蒙太奇由美国电影大师格里菲斯等人首创，是影视作品中最常用的一种叙事方法，它的特征是以叙述故事情节、展示事件为主旨，按照故事情节发展的时间流程、因果关系来组合镜头、场面和段落，从而引导观众理解剧情。
这种蒙太奇组接脉络清楚，逻辑连贯，明白易懂。
叙事蒙太奇又包含下述几种具体技巧。
①平行蒙太奇这种蒙太奇常以不同时空或同时异地发生的两条或两条以上的情节线或者称为故事情节的主线和副线并列表现，分头叙述而统一在一个完整的结构之中。
格里菲斯、希区柯克都是极善于运用这种蒙太奇的大师。
平行蒙太奇得到广泛的应用，首先因为用它处理剧情，可以简化过程，节省画面篇幅，增大影视作品容量和表达空间，加强影片的节奏其次，由于这种手法是几条线索的平行表现，相互烘托，形成对比，易于产生强烈的艺术感染效果。
如影片《南征北战》中，创作者用平行蒙太奇表现敌我双方抢占摩天岭的场面，造成了紧张的节奏，扣人心弦。
②交叉蒙太奇又称交替蒙太奇，它将同一时间不同地域发生的两条或数条情节线迅速而频繁地交替剪接在一起，其中一条线索的发展往往影响其他的线索，各条线索之间相互依存，最后汇合在一起。
这种剪辑技巧极易引起悬念，造成紧张、激烈的气氛，加强矛盾冲突的尖锐性，是掌握观众情绪的极为有力的手法，惊险片、恐怖片和战争片常用此法造成追逐和惊险的场面。
如《南征北战》中抢渡大沙河一段，将我军和敌军急行军奔赴大沙河以及游击队炸水坝三条线索交替剪接在一起，表现了那场惊心动魄的战斗。
③重复蒙太奇在这种蒙太奇结构中，具有一定寓意的镜头在关键时刻反复出现，达到着重强调的作用，给观众以深刻的印象，从而深化影视作品的主题。
如《战舰波将金号》中的夹鼻眼镜和那面象征革命的红旗，都曾在影片中重复出现，使影片结构更为完整。
④连续蒙太奇这种蒙太奇不像平行蒙太奇或交叉蒙太奇有许多线索，而是沿着一条单一的情节线索或一个连贯动作的连续出现为主要内容，按照事件的逻辑顺序，有节奏地连续叙事。
这种叙事自然流畅，朴实平顺，在影视作品的开头和结尾，能够使影视作品的脉络清晰，层次分明，极易为观众所接受。
但由于该手法缺乏时空与场面的变换，无法直接展示同时发生的情节，难于突出各条情节线之间的相互关系，不利于概括，易造成拖沓冗长的印象，产生平铺直叙之感。
因此，在一部影视作品中绝少单独使用，多与平行、交叉蒙太奇混合使用，相辅相成。
表现蒙太奇表现蒙太奇是以镜头序列为基础，通过相连镜头在形式或内容上相互对照、冲击，从而产生单个镜头本身所不具有的丰富涵义，以表达某种情绪或思想。
其目的在于激发现众的联想，启迪观众的思维活动。
①抒情蒙太奇抒情蒙太奇是一种在保证叙事和描写的连贯性的同时，表现超越剧情之上的思想和情感。
让。
米特里指出:它的本意既是叙述故事，亦是绘声绘色的渲染，并且更偏重于后者。
意义重大的事件被分解成一系列近景或特写，从不同的侧面和角度捕捉事物的本质含义，渲染事物的特征。
最常见、最易被观众感受到的抒情蒙太奇，往往在一段叙事场面之后，恰当地切入象征情绪、情感的空镜头。
如苏联影片《乡村女教师》中，瓦尔瓦拉和马尔蒂诺夫相爱了，马尔蒂诺夫试探地问她是否永远等待他，她一往深情地答道“永远!”紧接着画面中切入两个盛开的花枝的镜头，它本与剧情并无直接关系，但却恰当地抒发了作者与人物的情感。
②心理蒙太奇心理蒙太奇是人物心理描写的重要手段，它通过画面镜头组接或声画有机结合，形象生动地展示出人物的内心世界，常用于表现人物的梦境、回忆、闪念、幻觉、遐想、思索等思维活动。
这种蒙太奇在剪接技巧上多用交叉穿插等手法，其特点是画面和声音形象的片断性、叙述的不连贯性和节奏的跳跃性，声画形象带有剧中人强烈的主观性。
③隐喻蒙太奇隐喻蒙太奇通过镜头或场面的类比，含蓄而形象地表达影视创作者的某种寓意。
这种手法往往将不同事物之间某种相似的特征凸现出来，以引起观众的联想，领会创作者的寓意和领略事件的情绪色彩。
如普多夫金在《母亲》‘片中将工人示威游行的镜头与春天冰河水解冻的镜头组接在一起，用以比喻革命运动势不可挡。
隐喻蒙太奇将巨大的概括力和极度简洁的表现手法相结合，往往具有强烈的情绪感染力。
不过，运用这种手法应当谨慎，隐喻与叙述应有机结合，避免生硬牵强以及晦涩难懂。
④对比蒙太奇对比蒙太奇类似文学中的对比描写，即通过镜头或场面之间在内容如贫与富、苦与乐、生与死、高尚与卑下、胜利与失败等)或形式如景别大小、色彩冷暖、声音强弱、动静等)上的强烈对比，产生相互冲突的作用，以表达创作者的某种寓意或强化所表现的内容和思想。
理性蒙太奇让•米特里给理性蒙太奇下的定义是:它是通过画面之间的关系，而不是通过单纯的一环接一环的连贯性叙事表情达意。
理性蒙太奇与连贯性叙事的区别在于，即使它的画面属于实际经历过的事实，按这种蒙太奇组合在一起的事实总是具有主观性的特征。
这类蒙太奇是苏联学派主要代表人物爱森斯坦创立，主要包含:①杂耍蒙太奇爱森斯坦给杂耍蒙太奇的定义是，杂耍是一个特殊的时刻，其间一切元素都是为了促使把导演打算传达给观众的思想灌输到他们的意识中，使观众进入引起这一思想的精神状况或心理状态中，以造成情感的冲击。
这种手法在内容上可以随意选择，不受原剧情约束，促使造成最终能说明主题的效果。
与表现蒙太奇相比，这是一种更注重理性、更抽象的蒙太奇形式。
为了表达某种抽象的理性观念，往往硬摇进某些与剧情完全不相干的镜头。
譬如，影片《十月》中表现孟什维克代表居心区测的发言时，插入了弹竖琴的手的镜头，以说明其“老调重弹，迷惑听众”。
对于爱森斯坦来说，蒙太奇的重要性无论如何不限于造成艺术效果的特殊方式，而是表达意图的风格、传输思想的方式:通过两个镜头的撞击确立一个思想或一系列思想，造成一种情感状态，尔后，借助这种被激发起来的情感，使观众对创作者打算传输给他们的思想产生共鸣。
这样，观众不由自主地卷入这个过程中，心甘情愿地去附和这一过程的总的倾向、总的含义。
这就是这位伟大导演的原则。
192&`以后，爱森斯坦进一步把杂耍蒙太奇推进分电影辩证形式”，以视觉形象的象征性和内在含义的逻辑性为根本，而忽略了被表现的内容，以至陷入纯理论的迷津，同时也带来创作的失误。
后人吸取了他的教训，现代影视创作中杂耍蒙太奇的使用则较为慎重。
②反射蒙太奇它不像杂耍蒙太奇那样为表达抽象概念随意生硬地插入与剧情内容毫无相关的象征画面，而是所描述的事物和用来做比喻的事物同处一个空间，它们互为依存:或是为了与该事件形成对照，或是为了确定组接在一起的事物之间的反应，或是为了通过引起联想，揭示剧情中包含的类似事件，以此作用于观众的感官和意识。
譬如，《十月》中，克伦斯基在部长们簇拥下来到冬宫，一个仰拍镜头表现他头顶上方的一根画柱，柱头上有一个雕饰，它仿佛是罩在克伦斯基头上的光环，使独裁者显得无上尊荣。
这个镜头之所以不显得生硬，是因为爱森斯坦利用的是实实在在的布景中的一个雕饰，是存在于真实的戏剧空间中的一件实物。
③思想蒙太奇这是维尔托夫创造的，方法是利用新闻影片中的文献资料重新加工、编排来表达一个思想。
这种蒙太奇形式是一种抽象的形式，因为它只表现一系列思想和被理智所激发的情感。
观众冷眼旁观，在银幕和他们之间造成一定的“间离效果”，其参与完全是理性的。
罗姆导演的《普通法西斯》是典型之作。
而蒙太奇思维是近些年提出的一种创作思维方式，它是以人的视知觉和听知觉形式为基础的创造性思维。
影视作品中蒙太奇所建立起来的镜头之间分割与组合的关系，即不同元素或镜头之间分离与交叉的关系，最终之所以能够通过分析与综合的知觉作用，必须依赖充分联想和想象的思维作用才能够得以实现。
蒙太奇思维就是影视创作者通过影视作品使观众联想或想象，从而引起观众对过去的回忆和对未来的想象的思维活动，正是这一重要的思维活动，架设起蒙太奇结构中前后镜头、画面之间的心理桥梁，用以沟通画面之间的联系。
它通过引起回忆和启迪想象，在影视作品放映过程中，诱导观众对蒙太奇结构实现从分析到综合、从部分到整体的自觉的艺术思维活动。
按照创作者的意图，蒙太奇手法中不同镜头之间的关系，可以使观众产生不同的联想或想象，我们可以将 其大致分为类似蒙太奇思维、对比蒙太奇思维、接近蒙太奇思维三种思维方式。
正是通过这三种不同的思维方式，影视创作者才能使用蒙太奇思维进行构思和加工，用有限镜头的组合效果把观众带进无限的影视世界。
这一点往往不被人所注意，其实，正是这一点展现了创作者的功力所在。
下面分别介绍这三种蒙太奇思维方式:①类比蒙太奇思维这类思维方式是在镜头或镜头组之间采用相似的手法或者表现相似的内容，使影视作品的观众会产生类似情景的思维活动。
比如，《生死恋》中在大公假期接近尾声的时候，也就是两个人就要走进结婚礼堂的时候，通过两个人的信件(这里实际上还应用了声音和画面的混合蒙太奇:声音是一个人在读对方的来信，画面却是自己在奔跑。
)，通过两个人画面上的奔跑，使观众联想到两个人就要见面，就要走出思念的漫漫苦痛，已经开始提前感受幸福，当观众为主人公感到幸福时，这一创作思维也就成功了。
而在《末代皇帝》里面，当慈禧对小溥仪说“我立你为嗣皇帝，继承大清的皇帝。
你……就要成为天子了。
”之后便停止了呼吸，就在这时，影片将两个特写镜头组接在一起，一个是小溥仪把手指放在嘴里注视慈禧，另一个则是有一双手把夜明珠塞入慈禧半张的嘴里。
这种镜头组合，把充满着童真却要踏上皇位的小溥仪和已经走进坟墓的慈禧连接在一起，正是象征着小溥仪又将步入新的历史轮回。
此类蒙太奇思维通过简单的镜头表现了难以表达的深意。
②对比蒙太奇思维创作者在创作过程中，将其镜头素材或片断之间在形式或者内容上呈现出对立状态，从相反的角度表现相同的主题，并且使主题给观众留下更加深刻的印象。
比如，《黄土地》中，前一个镜头是夜间一只男人的黑手揭开红盖头，露出翠巧惊恐的脸，她怀着难以表达的恐惧无声地向后退去，紧接着的镜头是以蔚蓝的天空为衬底的撞击着的大拔，延安的庄稼汉们跳跃着敲击大拔，鼓起嘴巴吹着琐呐和腾跃着打着腰鼓的奔放欢腾场面，形成黑暗与光明、无声与喧腾、压抑与奔放、痛苦与欢乐的鲜明对比，令人思索封建与反封建的两种文化、两种制度、两种命运的反差。
③接近蒙太奇思维影视创作者通过同一、同时或相继成立的剧情将空间、时间相接近的镜头连贯起来，从而引导观众联想，并思忖其更深层次的内涵。
比如，《鬼婆》里面狂奔的少妇和随狂风摇荡的芦苇，在同一空间上使人想到放纵的欲望和急切的心情。
同样在《摩登时代》开始的镜头里，先是羊群拥挤在一起走过，紧接着是一大群工人拥挤着走进工厂，形式接近，行为接近，给人一种想哑然失笑的感觉，同时又使人对那个造成“机械化”的社会变态的深深思索。
卓别林自己评论说:那部电影是从一个抽象的概念，即批评我们的机械化生活方式中发展而来的。
总而言之，现代蒙太奇的应用，给影视创作注进了无尽的生气和活力，使平常的画面组合成无穷的具有深刻内涵的影视作品，给观众留下无尽的想象空间。
可以说影视创作中蒙太奇手法的应用，是电影历史上的一场重大革命，更是电视创作必须借鉴的重要手法。
此外，蒙太奇也指各种音响综合起来以达到艺术表现目的的方法。
蒙太奇在音响效果方面同样得到广泛的应用，它把各种音响效果综合起来以达到创作者所要求表现的艺术目的，这一点本文不再讨论了。
大家怎样看待史蒂芬·金的小说
我觉得变态得有点失常的说
对于史蒂金（Stephen King）这个，早已不陌生了。
任何一个美乐界影响力 榜，或者每一年的文艺界富豪榜上都有他的大名，而且必然名列前茅。
年初，这位当今全 球最成功的畅销书作家在接受《洛杉矶时报》采访时却表示，在完成手边的写作计划后， 年底将正式封笔。
这个消息虽然令众多读者泄气，但并不令人震惊，史蒂芬．金欲收山的 意图曾不止一次向新闻界透露过。
其最大原因是想在颠峰时终止写作生涯，而不是在状态 、销量、名声一路下滑时“恶梦般的结束”。
当然史蒂芬．金在内心深处仍有无法言说的 心事，那就是他十分渴望成为马克．吐温式的大作家，但不管他如何努力，人们总是称他 为“恐怖小说家”——无疑，这令他异常沮丧。
史蒂芬．金的离去，我们不仅将读不到他的小说了，而且也将看不到根据他的新作改编的 电影了。
以往，他的每一部小说几乎都曾搬上过银幕。
据说，论原著被改编为影视剧的比 率，史蒂芬．金可以排第二，第一则是莎士比亚。
的确很多人虽然没读过他的书，却为他 的电影痴迷过，其中最著名的是《肖申克的救赎》，最伟大的是《闪灵》，还有许许多多 ……本文将对根据史蒂芬．金小说改编的经典影片，沿着主题的线索做一个巡礼许也 可当作你观看“惊悚片”和“悬念片”一个藏宝图。
【1】 1973年的春天，妻子妲碧莎从家里的垃圾堆中捡到史蒂芬．金遗弃的一叠旧稿，她觉得故 事很不错，于是劝说丈夫润色一下拿到出版社试试。
结果这本处女作总共卖出了230万册， 从此辞掉中学教师的工作，成为职业作家。
这本名为《魔女嘉莉》（Carrie）的小说紧接 着被效法希区柯克的大导演布莱恩．德．帕尔玛拍成了电影，这也是史蒂芬．金第一次与 影视沾上边。
主角嘉莉是一个晚熟、孤僻的女孩，母亲的宗教狂热使她备受邻居与同学的 歧视和嘲笑，然而谁也不知道她是一个拥有魔力的孩子。
初潮使得嘉莉受到严重惊吓，母 亲认定邪恶降临，强迫她认罪，嘉莉的压抑与悲愤在学校舞会上彻底爆发。
为了捉弄他， 同学与老师特地邀请鼓励她站到舞会皇后的舞台上，却被一盆猪血临头洒下。
嘉莉忍无可 忍终于魔性大发，将舞会化作火海，所有向那些嘲弄过她的人开始了无情报复。
在史蒂芬．金的故事里，常以受到社会与家庭不公对待的孩子为主人公，这完全来自其本 人的经历。
史蒂芬三岁时父母离异，与哥哥由母亲抚养成人，而收入仅是母亲在一家智障 收容所的工作所得。
故此，史蒂芬贫困凄惨的童年在他日后的创作中屡屡出现，也可想见 他本人在少年时代对外部世界是怀着一种惊恐与怨恨的心态。
1984年，琳达．汉密尔顿出 演了由史蒂芬．金的得意之作改编的《玉米田的小孩》（Children of the Corn），影片 里一群邪教的青少年，专门杀害成年人，用他们的血祭奠自己的神。
这个故事也来自于未 成年者对成人世界的反抗、报复心理。
恐怖片大师约翰．卡彭特在1983年执导他的作品《 克里斯汀》，同样也是讲述高中生阿尼因呆板懦弱经常被同学欺负，在买下一辆名叫克里 斯汀的不祥的老车后，他开始变得暴烈，向以往亏待过他的人实施报复，最终因罪恶走向 毁灭。
影片成为青春恐怖片的经典之作。
2001年9月，由史蒂芬．金的最新小说《亚特兰蒂斯之心》(Hearts in Atlantis)改编的影 片上映。
小说原本写了五个萦绕着越战回忆的故事串连起来，背景是令史蒂芬．金本人十 分着迷的五六十年代。
影片则取材于第一个故事，编剧是曾改编过史蒂芬．金作品《危情 十日》的威廉姆．古德曼。
同样，11岁小主人公鲍比来自一个单亲家庭，母亲刻薄自私从 不满足他小小的心愿。
然而他最终从由安东尼．霍普金斯扮演的神秘老人泰德那里找到了 属于自己的亲情。
在这位具有超能力的老人的帮助下，鲍比拜托了终日欺负他的大孩子， 并获得了女孩凯洛尔的好感。
尽管影片没有过多悬念，但突出的温情亲切倒正是史蒂芬． 金这位“恐怖小说之王”最被人忽略的另一面。
在此主题与风格下的“史蒂芬．金电影”中，《伴我同行》（Stand by Me）无疑是最优秀 的。
史蒂芬．金本人从不掩饰对这部影片的喜爱，他认为“这是罗伯．雷纳导演的最杰出 、最震撼人心的作品。
我喜欢它是因为看影片时，能感觉到当初写作时的心情。
”这部电 影改编自他的小说《尸体》（The Body），讲述日后成为作家的戈迪在12岁时与三个死党 克里斯、泰迪、维恩一起去寻找一具同龄男孩尸体的故事。
在两天的长途跋涉中，戈迪终 于找回了即将失去的自我。
值得注意的是，故事里的四个小孩的家庭都不幸福，他们都受 到学校、家庭，以及比自己年长的孩子的忽视或欺辱，这些无疑都是原著作者史蒂芬．金 的亲身体验。
影片的成功不仅来自风格清新自然，而且剧本改编也极为吸引人，片中五十 年代的流行歌曲也适当地烘托了时代气氛。
这也是最为特别的一部“史蒂芬．金电影”。
【2】 “灵异”无疑是史蒂芬．金中推动情节、渲染气氛的最重要因素，当然在寻常恐怖气氛中 ，他特别喜欢运用类似古典音乐中“华彩”的出奇片段。
他在点评1985年里维斯．提古执 导的自己原著的影片《猫眼》（Cat's Eye）时大发牢骚：“原本影片的第一个镜头是茱儿 ．巴莉摩端着机关枪在房间里追杀她的猫。
太精彩了，绝对是神来之笔。
可导演坚持把它 剪掉
真是个败兴鬼
”的确里维斯．提古没能营造出太好的惊悚气氛，尽管这部三段式 影片每段故事都十分出众。
比如第一个讲述詹姆斯．伍德与一家戒烟公司签约，这家公司 的规矩是一旦签约绝无反悔，以后只要你吸一口烟，全家就会惨遭电击——究竟是这个公 司眼线四布，还是有灵异窥视，各种奥妙的确抓人。
1989年玛丽．兰博特导演了史蒂芬．金的《宠物坟场》（Pet Sematary），史蒂芬回忆说 “当时评论家恨透了它。
其实它完成了它所有的任务——吓死观众而已。
”这确实是一部 够下人的影片：克瑞德一家搬到郊区居住，在屋后有一处动物坟场，但没有人愿意谈起。
有一天，克瑞德的猫遇到车祸丧生，邻居才告诉他那片坟场有着起死回生的能力。
克瑞德 一家决定去尝试，果然，他们的猫活着回来了——但，回来不仅仅是一只猫。
影片运用“ 邪灵”的说法，制造恐怖情节，当然其中的寓意就是，人无论如何不能违背自然法则，不 如必遭报应。
加拿大人大卫．柯能堡是营造恐怖、惊悚效果的高手，而且很少运用刺激的视觉效果。
他 在1983年拍摄了史蒂芬．金的小说《死亡禁地》（The Dead Zone）。
主人公强尼发生车祸 ，昏睡五年后醒来发现自己拥有了超能力，他可以借助接触别人的手来遇见未来。
原本用 此来惩善除恶的强尼却发现自己必须独自背负着十字架生活下去。
同样一个主题出现在， 1999年的《绿里》（the Green Mile）中，在这部长大3小时的影片中，天性善良又洞察世 事的黑人，在运用超能力帮助世人之后，最终不堪忍受精神的折磨，自愿选择了死亡这一 解脱的方式。
而汤姆．汉克斯也因长生不死而忍受着送走一个又一个亲友的痛苦。
史蒂芬 ．金的观点仍然是自然法是无法抗拒的，不然是祸而非福。
【3】 《绿里》由于过分“神化”史蒂芬．金的小说，在人物刻划与情节铺垫上机心过重，使得 影片拖沓冗长难以忍受。
导演法兰克．德拉邦特据说是“史蒂芬．金专业户”，他在1983 年的处女作就是改编自史蒂芬．金的小说《房间中的女人》（The Woman in the Room）。
1994年他拍摄了第二部作品，《肖申克的救赎》（The Shawshank Redemption），又被翻 译为《刺激1995》（1995年在香港上映）。
史蒂芬．金说：“一切都很完美——我没像传 说的在影片结束时嚎啕大哭，但眼眶确实有点潮。
” 这的确是一部激动人心的作品，至今仍然是“影迷心中永恒的经典、电影论坛里不过时的 话题、影碟店内的畅销货、权威电影网站IMDB上的前三名。
”影片关于救赎的论点已经被 探讨的差不多了，而就普通影迷来说，《肖申克的救赎》不仅在结尾提供了一个伟大的悬 念，而且对人物的刻划、男性友谊的描绘，以及对希望永不磨灭的书写。
很多人甚至将堤 姆．罗宾斯在广播室播放莫扎特的片段当作讴歌美好人性的最伟大的场景。
影片中那个“ 太平洋上没有回忆的小岛”，也成为人们希望的象征地。
就一部通俗剧来说，产生如此之 大的影片不仅在导演叙事手法的娴熟煽情，而且史蒂芬．金的确提供了一个出色的模板— —一个囚犯在看守极其严密的监狱里，是如何利用一只小凿子，花19年时间挖地道逃出去 。
甚至由于《肖申克的救赎》过于轰动，史蒂芬．金曾信誓旦说，为保有美好记录，以后绝 不再写监狱小说。
然而过了几年，德拉邦特仍然没有影片拍，史蒂芬只得破例并一连写成 了六本有关“绿里”死刑狱所的畅销小说。
然而影片没有能够取得预期的效果，史蒂芬． 金在那一年也遇到了车祸，令他对人生改变了看法，逐渐萌生退意。
而德拉邦特也与“史 蒂芬．金的监狱”告别，去筹拍《电影人生》了。
