视觉酷炫电影《奇异博士》观后感一：
Benedict Cumberbatch饰演的是一个接受过十几年精英教育的医学博士，只接挑战性案例的顶级神经外科医生，自信满满，住纽约市中心，戴积家表，开兰博基尼。简直是最典型知识精英形象。
然而一场车祸改变了他的人生，那双拿柳叶刀的手被碎玻璃扎断了神经，连剃须刀都握不稳了。
接下来当然是套路：尝试、失败，再尝试、再失败，于是沉沦，于是颓废，直到最亲密的朋友也失望离去。
绝望之中的博士听说神秘的加德满都有人可能会治好自己的手疾，病急乱投医，他孤注一掷拿最后的钱买了机票，飞往东方。
一番套路后，他遇到了Tilda Swinton所饰的古一法师，原漫画中的古一法师是出生在喜马拉雅山麓的亚洲人，电影中却选择了白人来饰演，不过还有一些东方设定没有改变，古一法师用茶待客，手里摩挲着一把折扇，向博士说明法术义理，展示的是一本带人体穴位图的医书。
博士虽然落魄，但却没有忘记自己所接受的教育。他对这种巫医玩意嗤之以鼻，自嘲真是脑子坏了，竟然想到要来求助这种无聊玩意。在博士与法师的激辩中，出现了一些非常代表性的话语。
你完全是歪理学说!——“你以为你了解世界的运作方式么?”
劝说身体自己痊愈完全不符合医学规律!——“如果我告诉你，你知道的现实只是冰山一角呢?”
激辩了几个回合，古一法师突然向博士展现了“神迹”——她一掌击出了博士的“灵体”，使博士体验到灵魂出窍的感觉。然而博士依然不相信，他认为法师给他的茶里有致幻剂。第二次展示神迹，法师干脆来了个大的，她把博士推入了“异次时空”，影片在这里运用了CG手段，重现了混合2001太空漫游式时空隧道、盗梦空间式建筑折叠和东方万花筒式的瑰丽画面。观众和博士都在这种“神迹”中被折服了。博士跪下拜服，恳求法师收其为徒。
古一法师一掌击出博士“灵体”。
以上的一些语句，可能会一些人解读为“东西方哲学观念的对碰”。但细究下来，其实并不是这么回事。在我们熟悉的社会中，更加类似于这种话语的，是各种新兴宗教传播的话术。
传教对象往往是经过挑选的：本来就一无所有的人，和遇到重大挫折的人，都更容易相信宗教，博士属于后者，但他先前的知识结构决定了他并不是那么容易被说服。古一法师在传教中先是运用了传统的话术：“世界并不是你所以为的那样，你知道的只是冰山一角”发起对他原有世界观的攻击，无效。
于是她开始展现神迹，这几乎是所有宗教都会使用的手段，从古至今人们想出了各种各样的神迹形式：神乎其神的圣迹故事，走刀山，试油锅，口喷火，裤裆藏蛇，灵魂出窍，天神附体，点石成金，到了现代，你还可以看到新手段助力的崭新神迹，比如PS合成的“佛光”图片。当然，这种形式不仅为宗教所用，在直销会场上，你也一定能看到诸如从轮椅上站起来的瘫痪者，或是一台好像能包治百病的治疗仪。一次神迹不够就再来一次，当看到身边越来越多相信时，很多人也会在情绪感染中相信。
博士相信了那一神迹，拜法师为徒。这是成为信众的第一步，紧接着，就是给予信众以优越感，让他们“分享”自己的权力。“你是被神选中的人”，“我们是隐居在世间的守护者，这世界的秘密由我们所掌握”，“我会传授你世界的真理，我会传授给你威力巨大的法术”诸如此类。
给予优越感的同时也要注重仪式感的体验，仪式可以是大家共同修习攻课、对圣物的观摩、导师极其严肃的面授机宜、团体成员之间不许隐藏任何信息的相互评价等等。在分享秘密和权力的过程中，信徒逐渐深信不疑，融入了已有的团体，产生了极强的依赖感。这时候，传教基本完成，一个合格的信徒诞生了。
让我们回到影片中的神秘法术，不谈CG奇观，只谈片中的法术理论：从普通人看不见的世界汲取能量，这能量能改变实在物体、压缩空间、逆转时间，还能让人长生不老。这套路是不是有点熟悉?
更好玩的是，Mads Mikkelsen所饰的反派法师叛出原来的'教门，拖走一帮信徒，另立门户，这两派互相攻击，指责对方是举世大骗子，是异端学说。吵得不可开交。而在外人看来，他们两派教义差别太小，根本难以分辨。这种事在现实社会的宗教传播中简直是家常便饭的事，新宗教的诞生往往是在旧宗教传播中裂变而来，新教主稍微改一下教义，增添一点内容，就能把新宗教的解释权控制在自己的手中，进而培植自己的宗教势力，形成与旧宗教势力竞争的态势。
宗教之争，与其说是教义之争，不如说是人心之争。宗教思想也常常充满了智慧和美，能给修行者带来至善的心灵体验。但宗教组织却并不是一片净土，任何能攫取利益的地方，总是充斥着尔虞我诈，深不可测是人心。
宗教可能能够从绝望中拯救一个人，但固守教义做一个忠诚的信徒并不能让你成为更棒的人。学术生涯中所养成的思维习惯和自学能力，使得博士成为法师门下进步最快的人，古一法师在临终前与博士长谈：你大师兄性情古板，不能继承我业，而你天赋异禀，头脑灵活，倘若能像你师兄一样坚毅，把平时所学融会贯通，或可承继我的事业。此后博士虽频频遇险，在与反派法师的斗争中处于劣势，但每每关键时刻，他却能机智化解——被击伤心脏，就传送自己到医院，借用现代医学力量拯救自己的生命;在“灵体”对抗中身处下风时，偶然发现心脏电击治疗能够增加“灵体”威力，就马上利用这一点，顺势解决敌人。
最后决战，反派大BOSS简直就是地球大杀器，他超越了时间，还拥有绝对的力量，没有人打得过他。只知道法术教义的大师兄和图书馆管理员惨遭对方大BOSS实力碾压，毫无还手之力。是博士想起那个信众被禁止修习的独门秘术：这个法术可以逆转时间，缺点是稍有不慎，就会让使用者陷入漫无止境的时间循环。这最大的缺点，可以变为最大的优点;最大的优点，也可以变为最大的缺点。博士意识到：反派BOSS超越了时间，所以能胜过所有无法逃脱时间的人类，但如果有人能够利用法术把反派BOSS拖入时间循环，即使在这样一个循环里，人类被击败无数次，也不会让循环外的其他人受到影响。他找到了对方唯一的漏洞，最终不辱使命，取得了胜利。即便失去了一切，即使信仰了另一套人生学说，那些在攻读博士学位时期所养成的思维和能力，却不会抛下你，最终，它们会助你推开新生活的大门。
所以，与其把自己托付给神，不如崇尚智识。
让我们去读个博士吧!
视觉酷炫电影《奇异博士》观后感二：
冰霜女巫在纳尼亚一役后，未尝败绩的她心灰意冷，遁走东方，无意中接触了神秘的东方玄学秘术。女巫潜心修习，终有所成，可脱发的副作用让她无颜以对江东父老，于是归隐山林。这时她的座下大弟子汉尼拔黑化，曾经爱吃人肉的他发现修习东方秘术可以让他吃什么都像人肉，于是对力量对永生的渴求让他发誓要让这世界变成一个酒池肉林的天堂。
于是某个月黑风高的夜晚，汉尼拔带了一群追随自己的虾兵蟹将前去偷冰霜女巫的召唤蓝票，以彻底告别自己非洲人的身份，被女巫发现，两人大战一百回合，汉尼拔败，尿遁。这时，远在美利坚的福尔摩斯遇到了严重的工伤，在报销无门，保险也不理陪的情况下，机缘巧合跑到了东方寻求心灵治疗，在女巫的帮助下，福尔摩斯终于学会了机器猫的随意门。
而那边的汉尼拔用偷来的蓝票终于召唤出了茨木童子，决定毁灭世界，福尔摩斯挺身而出，两人大战一百回合，不带脑子的福尔摩斯终究不敌同样高智商的汉尼拔，就在千钧一发之际，女巫前来救场，但被阴，被汉尼拔用打碎了的酒瓶子贯穿身体，高空坠楼，卒，福尔摩斯遁走。汉尼拔大计将成，大举进攻，福尔摩斯苦苦支撑，这时，突然灵光一现，出门把脑子带上了，于是反阴汉尼拔，汉尼拔败，被吞噬入饿鬼道，永世不得吃肉。
彩蛋是白雪公主的猎人爱上了喝啤酒，这时已经是至尊无敌大法师的福尔摩斯给他不停的续杯，灌醉后逼他说出了他跟他弟弟之间不可描述的情感纠缠。
读完某一作品后，想必你一定有很多值得分享的心得，这时最关键的
奥赛罗读后感600字1
本故事讲述的是一个悲惨的爱情故事。
奥赛罗是威尼斯公国一员勇将。他与元老的女儿苔丝狄梦娜相爱。但由于他是黑人，婚事未被允许。两人只好私下成婚。奥赛罗手下有一个阴险的旗官伊阿古，一心想除掉奥赛罗。他先是向元老告密，不料却促成了两人的婚事。他又挑拨奥赛罗与苔丝狄梦娜的感情，说另一名副将凯西奥与苔丝狄梦娜关系不同寻常，并伪造了所谓定情信物等。奥赛罗信以为真，在愤怒中掐死了自己的妻子。当他得知后，悔恨之余拔剑自刎，倒在了苔丝狄梦娜身边。
对于主角奥赛罗的看法通常有两种：他是位坚强博大和灵魂高尚的英雄；其所以害爱妻，只是由于轻信，尤其是奸谗者伊阿古过于狡猾所致；另一种是奥赛罗并不那么高尚，而是个自我意识很强和性格有缺陷的人；他是急急不能待地就听信了伊阿古，责任在他本人。
我认为奥瑟罗是一个愚昧的人，一向习惯于听别人的，不去证实这些话，可书中的奥瑟罗为人坦率、正直、诚恳，从不随便地怀疑别人。不知什么是事实，不会做主。没有事实主见，但他自己还是一员勇将，还是很神勇，奥瑟罗是一个具有时代特征的形象。他尽管是贵族出身，但曾被人卖为奴隶，经受过无数艰辛。他也曾在战场上出生入死，建立了赫赫战功。正是这种不平凡的经历和英勇无畏的精神，博得了苔丝德蒙娜的爱情。他的手下有些不忠臣，最坏的还是伊阿古，伊阿古利用了他的单纯和轻信，使他对苔丝德蒙娜的贞节发生了怀疑。对奥瑟罗来讲，苔丝德蒙娜的不忠，就是理想的破灭：如果连苔丝德蒙娜这样的女性也没有什么真诚的感情，也就没有什么可以相信的了。
即使在他犯错误的时候，也并不单纯为了妒忌和报复，而是出于对罪恶的痛恨，是为了维护正义。唯其如此，奥瑟罗才是一个悲剧性形象。后来大白，他重新恢复了对人的信任，公正地裁决了自己，自刎而死，仍然保持了他的正面性和正义性。
奥赛罗读后感600字2
怀着一颗不平静的心读完《奥赛罗》，曾经历磨难的爱情，因为一场阴谋，没有进行双方的求证，在妒忌怀恨的心态下，用一种简单粗暴的方式，结束了甜蜜的爱情，也结束了自己和爱人的生命。
故事围绕伊阿古的阴谋和奥赛罗的心理变化展开，在各类事件的积累下，奥赛罗失去判断力，完全进入阴谋设计者的通道，由对妻子温柔的爱和完全的信任，转变为怀疑和仇恨，酿出了人间悲剧。
可怜苔丝狄蒙娜，一个纯真善良的女孩，因为崇拜奥塞罗的经历、心痛其遭遇，不顾家庭反对爱上这个人，最后含冤而死。这也是教育天下女孩，家长的话，还是要听的。
佩服爱米利亚，明断事非，在关键时候，主持正义，揭露丈夫，可惜被丈夫残害。
世上总有一些挑拨事非和为达目的不择手段的人，而伊阿古就是这样一个人，他是大家心目中的“老实人”、“好人”，大家那么信任他，所以聪明如奥赛罗，如凯西奥，还有他媳妇均被他欺骗。他设计了整个骗局，每个局中的人都在他的路上前行，他深知人类的弱点然后利用人类的弱点。
莎翁的故事里，有多少这样的人，因为美妙的语言、诚恳的话语，给他人造成错误的判断选择。可见，针对语言的判断，是多么重要。不能轻易的相信谁，也不能轻易的做决定。事，总有一定的逻辑基础，需要判断，需要理性。更何况人类的大脑生来是懒惰的，95%的情况下，是懒于动脑的。更何况那种种的情形呢。
“我要叫这摩尔人心里长起根深蒂固的嫉妒来，没有一种理智的药饵可以把他治疗”。
“你要留心嫉妒啊，那是一个绿眼的妖魔，谁做了它的牺牲，就要受它的玩弄。”。
奥赛罗读后感600字3
雅谷所说的，“主帅啊，当心你会妒忌，那可是一只绿眼的妖魔，他惯于耍弄爪下的猎物。”其实这句话，不仅仅是说给奥赛罗，更是说给全人类。妒忌心理的滋生，有的成长起来后就安静的消亡，可有的嫉妒却狂躁的犹如不可控制的野兽，最终去往不可知的方向。如叔本华所说的抑制本性，嫉妒这种与生俱来的缺陷应当是无法克服的，但是却可以抑制。
我们需要在这个物欲横流的时代，让自己心灵的脚步慢下来，不断地给自己的生活进行清零：不要让兴奋的情绪跟在自己身边很久，以免被这种喜悦蒙蔽了双眼；也不要让悲伤的感受一直待在心里，我们要学会自我调节和释放。其实情绪也是有周期的，或许有一段时间心情很低沉，做什么都不能如意，但只要学会自我控制和调整，就能很好的从低落的阶段走出来，让自己的生活进入另一个高峰。而不要总是看别人的长处，一味的否定自己，这样只能越来越没有自信，越来越找不到自己生活的乐趣和节奏。
其实一切都是持衡的，都是公平的'。在A点跌倒了，吃了点苦头，爬起来，别急着往前走，在原地好好反省自己，这样的“跟头”摔得漂亮，摔得有意义，到达B点的途中才走得更潇洒、更有魅力。而不是像雅谷一样，一味地盯着那块“不公”和“妒忌”，这样只能把自己迷失在“欲望”的漩涡当中，终其一生也难以有所施展。
日子当然不会一帆风顺，更不可能事事如意；它会有苦有甜，但是千万不要让苦日子白白过去，既然我们无法拒绝困苦的到来，那就做好准备，好好迎接，好好面对，好好处理，并从中感悟和成长；相信正是因为有了“苦日子”的积淀才会有更美好的明天。相信自己，以史为鉴，不要做另一个奥赛罗，更不要做另一个雅谷。人生的路还很值得闯一闯，要在不同的处境中及时调整自己的心境，把自己对他人的羡慕当作奋发的动力，万不可让嫉妒之火熊熊燃起！
奥赛罗读后感600字4
上周，我非常激动的观赏了一部由成吉思汗电影艺术学院同学表演的优秀话剧作品《奥赛罗》。
我以前读过这篇小说，其语言结构以及人物性格的刻画都给我留下了很深的印象。不同的人物，不同的思想，不同的感情都用不同的恰当的语言来表达，形象而富有诗意。特别是人物语言高度个性化，对刻画人物形象起了重要作用。电影学院同学们精湛饱满的演技仿佛把我拉入到了当时的情境之中，一颦一笑都是那么牵动人心， 让人久久不能遗忘。
《奥赛罗》是一个爱情悲剧，而爱情悲剧的产生不外乎在以下几个主题中纠缠，爱情与嫉妒、轻信与背信、门第之念、异族通婚、小人离间等等，而在这部剧里，这几种主题全部都体现了。伊阿古他是一个极端利己主义的典型，他阴险毒辣，两面三刀，心中充满妒忌和仇恨，为了达到个人目的而不择手段，而奥赛罗却真诚，坦率，相信人又疾恶如仇。
在我看来，导致这场爱情悲剧的，与其说是伊阿古的阴谋诡计和卑鄙伎俩，还不如归罪于奥赛罗的轻信和对现实缺乏清醒的认识。他自卑于自己的肤色、形象、年龄，他自己其实觉得自己是配不上苔丝狄蒙娜的，他甚至觉得自己不如凯西奥，才会对他有一种难以言喻的害怕。所以实际上，他是不敢相信那么美好的女子，那么美好的幸福是属于自己的。
在观剧的同时，也让我们看到了演员们的精彩演技和剧组的辛苦，所谓的台上一分钟，台下十年功，他们每一个细节拿捏的恰到好处，离不开私下的刻苦和琢磨。众人拾柴火焰高，团队配合也是一部作品是否成功的灵魂所在，如此完美的一部剧，非常感谢电影学院同学带来的视觉盛宴，和学院提供的优秀展示平台，让我在学期末来临之际的生活又添色彩。
《艺术与视知觉》读后感 篇1
最近一直在读《艺术与视知觉》这本书，刚开始接触，自己很难理解。因为里边讲了太多的理论知识，而且书中就对一个问题分析性、针对性很强，介于自己现在的理解能力，一时很难深入看下去。但是它里边谈到了很多自己感兴趣的话题，于是就尝试慢慢的看下去。最后自己觉得还是感受颇深。接下来我就对本书的理解谈谈自己的一下看法。
在书中引言中，作者鲁道夫·阿思海姆就谈到：“视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。”当时在看到这句话的时候就很有感触，我觉得我们现在看到的一切美的事物都是通过眼睛传达到大脑，然后经过大脑的思考，心灵上的有感而发，通过感性与理性的相结合而达到最终的美的效果。所有的这些视知觉都包含着一种思维，而这种思维中又存在着一种直觉。当我们在发现美、创造美的时候是这种直觉给了很大的灵感。当然每个人的思维不一样，在知觉与视觉上的感悟也存在差异，最后导致对于美的认识、对于美的感悟也是有不同之处的。
书中一共讲了十章：平衡、形状、形式、发展、空间、光线、色彩、运动、张力、表现。每一章都对本章的主题展开了很深入的探讨与研究，从各个角度去分析它，有的通过实验来证明；有的列举建筑、绘画、雕塑等来分析；有的则通过一些实际案例来作对比。所有的这些都是在围绕一个主题在进行讨论，研究它的问题合理性、存在的价值性、给人们造成的怎样的视知觉等等。通过这些可以看出，作者是花了很大的心思在里边，用心去思考问题，以一种认真的态度去对待问题，我想这就是我们现在所欠缺的东西。也是我今后要好好去学习努力改造的地方。下面我结合自己感兴趣的一些话题谈谈自己的一些看法。
首先是平衡，作者在书中提到了很多影响平衡的因素：重力、方向、顶与底、左与右等等，还有心理平衡与物理平衡存在的区别与联系。平衡给人的视觉因素很多，我们在观察一个建筑物的时候，就拿巴黎圣母院来说吧：当你第一眼看上去的时候，感觉是很神圣的，华丽的外表，中轴对称的形式，让人们对宗教产生了一种无言的崇敬。但是有多少人去认真分析这座建筑的平衡之处呢？它不单单是作为以中轴对称的形式体现平衡的，在这座建筑中，中间的那个圆形窗口所处的位置正是在这所建筑本身垂直于水平的结合点，把两边的建筑集中在一起，这样在视觉上就给人一种平衡感。就拿一件大师画的画来说，他在创作的时候，不管是写实的还是抽象的风格，在画面的表达上肯定都存在一种视觉上的平衡。这种平衡可以从画面的重力来下手，也可以将其画面的色彩进行调整等等。所有这些形式都为了使其画面有个视知觉上的平衡感，通过作者在作品中融入的情感，从而让读者更能够接受它，体会从中的乐趣。
其次要谈的是空间，我个人理解视觉上的空间表现其实就是对事物的本身存在的一种特质的抽象表现形式，物体的体积和面是作用于框架的基础之上的。记得当时我们在上平面构成和是立面构成的时候，围绕一个话题去表现空间的时候，都是基于一种“图形”跟“基底”的关系。平面构成所表现出来的空间只是一种二维的空间感，是要通过人们视觉上的感知去抽象的表达出来。而立体构成是以一种三维的表现形式出现的，立体效果是通过消除变形图形的张力而产生的，它的这种形式能够让人看得见、摸到找，实实在在呈现在人们眼前的。书中讲到：“要判断一个式样究竟被看成是二度的还是三度的，主要取决于哪种看法能够产生出较简单的式样。”我觉得它说的很有道理。当我们在分析一座雕塑像与这座雕塑像周围的空间之间的关系时，就可以被我们看成是“图与底”的关系。如果我们真正愿意把它周围的空间看成是具有一定体积的物体，而不是把它看成事无形的空气的时候，那么雕塑像本身就具有了“图形”所具有的一切性质，因为它不仅是一件封闭的小型的立体物，而且具有一定的质感、密度和硬度。
从建筑本身来说，很多建筑都在不同程度上在表达着空间视觉性。单从建筑外部是不能体现空间的具体存在，更要深入到建筑本身的内部，亲身体会那种给人带来凌驾于建筑空间之外的感觉。好的建筑师会运用各种手法，例如通过建筑框架、光线、装饰等等手法去营造建筑体的空间感，给人一种高大、宏伟、至高无上的感觉。很多建筑体现了空间带给人们那种强悍的视觉冲击力：西方建筑古希腊帕提农神庙、罗马的万神庙、罗马的大角斗场、中国的故宫等等，这些建筑从各个角度去体现了建筑空间带给人们视觉上的美。当然我这里只是举例说明较大的空间给人们营造的视觉冲击力，然而小空间也同样能够给你带来另一种美的感受。在这里我就不做表述了。
第三点要谈的是色彩。书中作者谈到：“歌德把色彩划分为积极的（主动的）色彩：黄、橙、黄红、朱红和消极的（被动的）色彩：蓝、红蓝、蓝红。主的的色彩能够产生出一种积极的，有生命力的和努力进取的态度；而被动的色彩则适合表现一种不安的，温柔的和向往的情绪。”我想这个观点是很多设计师在运用色彩做设计的时候要考虑的必然因素。运用什么样的色彩当然要具体事情具体分析了，前提是要达到色彩的和谐。运用各种颜色或者是混合色使得色彩的色调能够看上去自然而又和谐才是我们运用色彩的主要意图。如果说色彩的色调搭配的不好，看上去不和谐，就会影响了最终的视觉效果。
现在出现了很多要求色彩标准化的趋势，我想这种趋势并不是艺术真正的表现形式，好的艺术作品在运用色彩的时候并不趋于这种色彩标准化。这种色彩标准化不是来自艺术的实践，而是某些染料制造商或者大量生产带色产品的工业部门的产物。它们代表不了真正艺术作品所要追求的艺术色彩。
以上就是我结合书中的三大点谈的自己的一些看法，总体来说，我在这本书中学到了很多东西。它让我更加清楚自己在以后的学习过程中，一定要好好的用心去学，这里的用心就是一种认真的态度、看事情的全面性和带着问题去思考。这本书中也有一些自己不明白或者是不认同的地方，所以自己就把这部分给滤过了。我觉得任何东西只要是自己所需要的，就应该把它接受、采纳和运用，如果对自己没有用的就可以把它删除。没有全盘的接受也没有全盘的否定。问题总是存在着矛盾性，不管自己是持有矛也好，握有盾也罢，只要不拿自己的矛去刺自己的盾就是很好的解决途径。
《艺术与视知觉》读后感 篇2
本书采用一种不受羁绊的写作风格来系统地陈述艺术与视知觉。书中力图将那些潜在的原则清晰地陈述出来，阐述了视觉所具有的倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，以使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。
鲁道夫·阿恩海姆（RudolfArnheim，1904—2007），原籍德国，1946年定居美国。曾先后就任于纽约社会研究院和劳伦斯学院，1968年后担任哈佛大学艺术心理学教授，1974年退休后担任密西根大学艺术史系访问教授，1976年获“全美艺术教育协会突出贡献奖”。主要著作有《艺术与视知觉》、《视觉思维—审美直觉心理学》、《电影作为艺术》、《艺术心理学新论》、《熵与艺术》等。阿恩海姆是20世纪最伟大的艺术心理学家和美学家之一，他对艺术心理学、美学、美育、建筑及煤介等都做出了富有创见的贡献，是欧洲学术传统的继承者，其研究成果涉及20世纪思想领域的诸多方面。阿恩海姆很注重格式塔心理学的研究成果。从构图、笔墨、色彩三个方面体现了艺术品中的形式美。
俗语中往往蕴含着真理，生活中人们看到一个美的事物时，常用“带劲”一词来形容，这里的“劲”我想就是阿恩海姆在其著作中不厌其烦阐述的“张力”吧。按阿氏给的概念：“张力”不同于我们在生活中感知的物理性运动。，它是一种不动之动。“任何物体物体的视觉形象，只要它显示出类似楔形轨迹、倾斜的方向、模糊的或明暗相间的表面等知觉特征，就会给人造成一种正在运动的印象”。
雕塑艺术从展示方式来看，是一种静态艺术，“它只宜选择那些具有概括性的瞬间的表情与形体运动”来传达情感，但古今中外优秀的雕塑作品确实具有一种动感，能够寓动于静，破静为动，“由于形象本身就是死的、虚构的，如果在其中不能看到灵魂的运动和肉体的运动，他的僵死性就会成倍增加”。（达·芬奇）
比如汉代的绘画与雕刻无不呈现一种飞舞灵动之势，图案常用云彩、雷纹和翻腾之龙构成，动物也常常是除遒劲雄壮之外，还要加上一双能飞的翅膀，唐代吴道子的壁画也有“天衣飞扬，满壁风动”之美誉。在相对“静止”建筑领域，飞檐也似乎要参与到这种飞舞灵动的合奏中。
双林寺的韦驮像。在全国同类题材作品中，这尊塑像可谓之精品。从构图上看，其身体重心基于左足，下肢朝前站立，从腰部开始，由头部带动整个上体躯干向右侧扭曲，这种扭曲程度，已极大地超出了人体生理所允许的限度，很像一节麻花，但人们从整体气势观看，这种违反人体解剖结构的姿态，不仅没有一点不舒服的感觉，相反却从这种艺术夸张变形之中，感到一种强大的力度和动势，这是由一条从头到脚贯穿于韦驮全身的S形曲线所表现出来的，这条曲线极富弹力和流动感，构成了韦驮身上的飘带萦绕飞舞，本身就是大的曲线，从视觉上也加强了动势。韦驮右臂握拳下垂，肘部向外部伸出，让人感觉肌肉紧张，充满力量。左臂抬起，同右臂形成对比。韦驮整个身躯外轮廓构成一个略带倾斜的三角形，这个三角形由左手、右手肘部和足部三个突出点形成。由于这个锐角三角形的顶点在下部并呈倾斜状态，给人心理上造成了一种微妙的不平衡和不稳定感，因而也增加了这尊塑像的活力和行动感觉。
从马里尼的《人与马》可以看出作者对于“不动之动”的苦苦追寻，作品在高宽深三个纬度上全面外拓，马头向前，人仰向后，人的双臂伸向左右，马腿向下……人们欣赏它时，会感到雕塑内部的“张力”正试图冲破表皮，向空间无限放射似的，这种空间最大化的追求是雕塑不可或缺的形式特质。我国台湾雕塑家朱铭的《太极系列》也是如此，大多运用凌厉，的斜向形体，佐以粗砺的切割肌理，营造出强烈的空间张力（场）美感。
综上所述，雕塑造型中运用倾斜、变形、膨胀、不对称以及节奏与韵律上的变化，就可以产生出“张力”，从而也就产生出静中有动的艺术效果。
这本书利用了心理学来告诉人们为什么会对艺术有美的感受并进行了深度剖析和解读，其间大量的分析和例证为我们这些入门级的学习者们理解艺术的原理提供了良好的土壤。从这本书里我看到了那些纷繁复杂的艺术作品里最本质的共性，也明白仅仅浮于表面创作是远不够的，深入去理解设计的原理才能在艺术这条大路上走得更远。
面对这两个学期的专业课的学习，深深感受到若是没有扎实的理论功底是不能够真正理会课程内容与老师要求的。没有一个设计师是在没有理论基础的同时能够达到登峰造极的成就的。而这本书《艺术与视知觉》基本上是所有老师都强烈推荐的所以一定值得一读。现在的阅历与知识都没有达到一定程度虽然读起这本书来还是有一定的困难的，但是不管怎样还是理解了一些。这是一本值得一生诵读的书籍，不同年龄段读起来都有不同的感受。
《艺术与视知觉》读后感 篇3
作为一个艺术领域的门外汉，对于现在的我而言，这实在算是一本晦涩枯燥的专业读物。虽然作者始终在力图以深入浅出的语言并结合心理学规律将种种视觉艺术的原理阐释的简单明了，但我努力跟随的思绪还是极易在稍不留神之间陷入懵懂。所以在企图洞悉视觉艺术与视觉心理关系的过程中，我首先感到对于作者严丝合缝的理论分析的由衷敬佩，还有对自己的境界实在差得太远的感慨。
以平衡、形状、光线、色彩等视觉元素为切入点，作者鲁道夫借由大量的图例将潜在原则清晰地陈述出来，阐述了如视觉倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性等等，以及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。而视觉艺术与视觉心理的关系，更是作者通过种种视觉实例首先向我们解答的问题，“视觉心理主要是指外界影像通过视觉器官引起的心理机理反应，是一个由外在向内在的过程，这一过程比较复杂，因为外界影像丰富，内心心理机能复杂，两者在相互联接并发生转化时建立起了千丝万缕的联系，因此不同的人不同影像，相同的人相同的影像以及不同的人相同的影像和相同的人不同的影像产生的心理反应是不同的。”他根据正方形中的单一圆形、多个墨点等简单图例向我们阐释，视觉心理不仅仅是视觉上对其形状、光线、色彩等的感觉，而是由我们对于特定视觉图例的感觉与知觉共同构成，它包含了大脑对外界感觉信息的组织和解释。“一个视觉式样所包含的东西，绝不仅仅是那些落到视网膜上的那些成分。”“这种感应现象绝不是理智的活动，所得到的结果也不是基于预先积累的知识推断出来的，而是直接感知到的整体事物中的一个不可分割的部分。”作者鲁道夫如是说。
除此之外，他还以大量的艺术史事例令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。例如，所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体，是他们不懂得所谓的透视法么？而迟雷科作品《一条忧郁和神秘的大街》对透视原则看似合理实则矛盾的利用营造出诡异的氛围，使整个画面浮动着隐隐的失衡感与危险感。在了解视知觉原理之后，许多之前不曾注意的细节显示出前所未有的趣味，许多难以表述的朦胧感受也在了解规律之后变得清晰而可以解释。不管是在视觉艺术的创作还是欣赏中，都大有裨益。
虽然目前我对此书的理解只能算是浅尝辄止，但再过一段时间等自己对书中理论有所消化和实践之后，还是值得一再细读的。尤其对于从事艺术类工作的我们来说，这本书对于视觉设计等方面非常有借鉴意义，比一些只分析现象而不给出解决方式的纯理论书实用得多，这些理论与规律也会使我们终身受益。
《艺术与视知觉》读后感 篇4
非常赞，在视觉文化研读课上老师提到过，当时在课上讲授，浅尝辄止看过，这一次，又再次拿起它细细品味。
《艺术与视知觉》看起来，艺术似乎正面临着被大肆泛滥的空头理论扼杀的危险，近年来，真正堪称为艺术的作品已不多见了。它们似乎在大量书籍、文章、学术演讲、报告会、发言和指导等——这一切都是想要帮助我们弄清楚什么是艺术，什么不是艺术；什么人在什么情况下创造了什么作品，他为什么或为了谁才创造了这些作品等等——组成的洪流中淹没了。在我们眼前出现的是一具被大批急于求成的外科医生和外行的化验员们合力解剖开的小小的尸体。由于这批人总是喜欢用思考和推理的方式去谈论艺术，就不可避免地给人造成这样一种印象：艺术是一种使人无法捉摸的东西。
上述内容分析或许是很随便的，但个人认为这是人们对艺术现状的不满，却也是无可否认的事实。如果我们认真追查原因的话，就会发现，这主要是因为，我们继承下来的文化现状不仅特别不适宜于艺术生产，而且还反过来促使那些错误的艺术理论滋生和蔓延。我们的经验和概念往往显得通俗而不深刻，当它们深刻的时候，又显得不通俗。这主要是因为我们忽视了通过感觉到的经验去理解事物的天赋。我们的概念脱离了知觉，我们的思维只是在抽象的世界中运动，我们的眼睛正在退化为纯粹是量度和辨别的工具。结果，可以用形象来表达的概念就大大减少了，从所见的事物外观中发现意义的'能力也丧失了。这样一来，在那些一眼便能看出其意义的事物面前，我们倒显得迟钝了，而不得不去求助于我们更加熟悉的另一种媒介——语言。
由于不能凭借自己的视觉去理解大师们的杰作，就使得许多人尽管经常进出于画廊之间，并收集了大量关于绘画艺术的资料，到头来还是不能欣赏艺术。他们天生具有的通过眼睛来理解艺术的能力沉睡了，因此很有必要设法唤醒它。而唤醒这种潜在能力的最好办法，就是拿起铅笔、画笔和凿刀。然而即使这样去做，却仍然避免不了长期养成的坏习惯和错觉的干扰，除非能从别的地方求到保护和帮助，否则这些坏习惯和错觉是不太容易消除的。人们能从中寻求到保护和帮助的唯一的东西，势必是语言媒介，这是因为，眼睛和眼睛之间所能交流的意义，已变得非常有限。但恰恰就是在语言交流的能力问题上，我们又遇到了某些十分强有力的偏见。
在这种种偏见中，有一种声称说，视觉事物是决然不能通过语言描述出来的。这一警言，当然也包含着一定的真理内核。一幅伦勃朗绘画所产生出来的那种特殊的经验，用描述性和解释性的语言只能将它部分的表达出来，而这种局限性在我们欣赏艺术时也并非是一种个别的事例。事实上，这一见解同样也适合其他任何一种经验对象，没有一种描述或解释——即使是最熟悉老板的秘书对老板的特征的描述，或是外科医生对他熟悉的病人的腺体组织的描述——能够把自己对于对象的经验完全表达出来。这种描述或解释充其量也不过是运用几个一般的范畴，把这些经验的大体轮廓呈现出来。科学家可以建立起概括性很强的模型，如果他幸运的话，这种模型还能够为他提供理解某些特定现象的本质所必须的东西。然而，所有的科学家都很清楚，对于某一个别事物来说，无论如何也找不到另外一个可能把它完完全全地再现出来的个别事物，而且也没有必要去对这个现存的个别事物进行全面的复制。
同科学家一样，艺术家也会运用类似于形和彩等要素，在个别事物之中猎取那些具有普遍意义的东西。他既不打算去猎获这些个别事物的全部，即使想这样做，也不可能做到。因此，理解或解释一件艺术品的一个重要前提，就是提出和制造某些指导性的原则。对艺术的理解和解释，并不比理解和解释其他复杂的事物（如生物的身心构造）更困难多少，艺术是由有机体创造出来的，因此它不可能比有机体本身更为复杂，当然也不一定会比有机体本身简单。
如果我们看到了或感到了艺术品的某些特征，然而又不能把它们描写或表述出来，其失败的原因又在哪里呢？可以肯定，这种失败不是因为我们运用了语言，而是因为我们的眼睛和思维及其不能成功的发现那些能够描写或表达这些特征的概念。当然，语言并不是我们的感觉同现实接触的通路——它仅仅是给那些看到、听到或想到的事物赋以名称。但对于描述和解释视觉对象来说，语言却并不是一个生疏的或不合适的媒介。我们的失败，往往是发生在我们的视觉分析器遭到破坏的时候。所幸的是，我们的视觉分析系统还能够进一步地得到发展，并且还可以唤起能够“透视”事物的那些潜在能力。而这些潜在能力的发挥，又能帮助我们弄清那些不能够分析的事物的本质。
持第二种偏见的人声称：语言分析会麻痹人们的直觉创造能力和悟解能力。这种见解同样包含着某些真理的内核。以往的历史和现在的经验都向我们表明，仅仅依赖固定的公式和处方，会给人们造成多大的危害。但我们能不能就由此得出结论说，在艺术这一领域里，当心灵的一种能力发挥作用的时候，另一种能力就必定要失去效用呢？事实不是已经证明，乱子恰恰就发生在心灵的一种能力发挥作用而心灵的其他功能都受到抑制的时候吗？不仅理智干扰直觉时会破坏各种心理的平衡（只有这种平衡才能使我们的生活和工作愉快），当情感压倒理智时也会破坏这种平衡。过份地沉溺于自我表现并不比盲目地服从规矩好多少。对自我进行毫不节制的分析固然是有害的，但拒绝认识自己为什么要创作以及怎样创作的原始主义行为同样也是有害的。现代的人能够而且必须在崭新的自我意识状态下生活，生活的任务或许是更困难了，然而却没有任何捷径可循。
此书好像结构谈的很多，结构与人的视觉性，与人的观看心理挂钩，从谈论结构来分析为何图像和谐或稳定或成为经典等。将结构的作用归结为“力”的作用（忘记了是物理力还是视觉力），记得最清楚的案例是颜色的力度（明亮的颜色重力较大，所以明亮的颜色小一些和暗的色块大一些正好可以在图中平衡）；图左边的重力比右边重力小一些（所以左边的物体位置可以比右边物体位置低些）；横线的作用（横线用在图下方和谐，而上方用了就打破平衡了）等等，还有很多诸如此类的构图力的分析，很值得品读。
除此外，就是讲了儿童的画作为何会这样画或那样画，从圆形谈到垂直水平型谈到倾斜谈到空间，儿童的画就是这样向成人画过渡的，这对于小学美术教师非常有帮助，也是我成为一名小学美术教师后深有感触的。通过一些艺术史上的实例，来阐释视知觉的一些基本原则，我也希望通过此书的学习把握一些基本的视知觉原则帮助不同层次阶段的学生更好更明确的表达自我，表现画面。
《艺术与视知觉》读后感 篇5
经过专业老师的多次推荐，最终读完了阿恩海姆的《艺术与视知觉》这本书。感触和领悟非常大，它采用一种不受羁绊的写作风格来系统地陈述艺术与视知觉。
这本书里，作者力图将那些潜在的规则一最简洁的语言形式描述出来，阐述了视觉所具有的倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，以使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。
本书一共分为十章，有平衡，形状，形式，发展，空间，光线，色彩，运动，张力和表象。每一章每一节所阐述的一些设计的基本原则和这些元素所呈现的状态，对自己所做的一些设计都有很大启发。之前做设计都是完全凭感觉性的东西，缺乏理论的支撑，导致脑袋里既有一些浅薄的理论，又有中度的感性，思维很不清晰，也不知道什么样的才是艺术，什么样的才是好的设计。但是读了这本书之后，感觉真的理性好多。看一些设计作品，能够稍微联想到这本书中所阐述的道理，从而在脑海中形成很深刻的印象，指导自己辨别好的艺术和不好的艺术。
作者阐述的艺术的原理，以及这些原理所呈现的视觉和知觉上的异同，都是我们学设计所应该必须掌握的。其中第一章有关于平衡的一些列知识。阿恩海姆从完形心理学出发，反对元素主义的审美联想观。他认为，审美知觉并不像元素主认为的那样是初级的、零碎的、无意义的，而是本身就显示出一种整体性，一种统一的结构，情感和意义就渗透于这种整体性和统一结构之中，而知觉结构是审美经验的基础。在这本书里，学到了平衡，重力和方向等等在艺术设计中的作用。怎样的构图，怎样的形状和色彩，才能符合人们的视知觉，才能在正常的视知觉中相识错误的信息等等，都给我们了一个很清晰有逻辑的阐释，以至于在日后从事的设计工作中少走弯路，提升设计价值都有很大影响。
除了这些，最大的感悟就是，应该多读一些理论之类的书籍，理论指导实践，实践又丰富并发展着理论，二者相辅相成，才能创作出好作品。
还有就是，在读书时读好书，否则既浪费时间又学不到东西，没有效率还会产生排斥心理。而一本好书则会引起心灵的震撼和共鸣，从而提升自我。
