《徐悲鸿一生》读后感1
这次的暑假,我的美术老师借给我一本沉甸甸的书——《徐悲鸿一生》珍藏版,我如获至宝,感激之余便是忘我的高兴。
如饥似渴地读完了这本很有分量的书,我感觉犹如走进了徐悲鸿的世界,感受到了大师坎坷而又短暂的.一生。
徐悲鸿的一生走过多少坎坷,,遭遇多少风雨。他年幼时与父亲为了生存到处流浪。成年后便走南闯北,为了自己的远大志向,艰难前行。他痴狂地爱着绘画,无论遇到什么挫折,甚至是自己的画作大量地遭到破坏;即使是数十年的结晶毁于一旦,他都没有放弃过。他的执着和坚忍不拔,终于战胜了无数困难,他以惊人的毅力创作了大型国画《巴人汲水》、《愚公移山》、《田横五百士》、《九方皋》……画面上的人物栩栩如生,呼之欲出,都强烈地吸引着我。尤其是那造型各异的奔马,总感觉给人一种力量,给人以鼓舞。
我对绘画也很喜爱。徐悲鸿每天作画十个小时,而我只会在高兴的时候画上几笔,老师留的作业更是草草完成。我的字迹一直令看者头疼,我也曾经练习过,在由于没有毅力,半途而废,至今字也不太理想。
徐悲鸿的一生印证了:不畏挫折,不怕困难,就会披荆斩棘,所向披靡,一切困难都会被你甩在身后。他执著坚强的一生,使我的心灵受到了一次洗礼。使我知道了,在今后的学习和生活中怎样去面对现实,让一切困难迎刃而解。
《徐悲鸿一生》读后感2
莎士比亚说过:“书籍是全世界的营养品”。在这个寒假里,我在书的海洋里畅游。最让我受益匪浅的就是《徐悲鸿一生》这本书。
这本书讲的是我国著名近代画家徐悲鸿的一生,作者是他的妻子廖静文。
徐悲鸿出生于一八九五年的旧中国,一九一九年徐悲鸿只身来到法国巴黎。在巴黎国立高等美术学院潜心研究绘画,为了买一些字画,他常常只能用一杯白开水和两片面包充饥。几年后,他得到了一张在海外流失多年的吴道子《八十七神仙图》真迹,一直想把它带回祖国。此画却因一次空袭而被盗,为此徐悲鸿三天三夜食不下咽、寝不安席,埋下了高血压的病根,十几年后因高血压发病而去世……
徐悲鸿这种爱艺术入骨髓,爱祖国胜生命的精神,深深地打动了我。在他去世的前一年,他多么希望自己晚生十年,有足够充沛的精力为新中国奉献自己的才华,而不是躺在床上养病(这时他已经有过一次脑溢血,静养)。
徐悲鸿是那么地热爱艺术,将他的一生都奉献给了艺术,毕生精力都用在了绘画上。
读了他的传记后,我明白了,干什么事情都需要对它有信心和热忱,还要有兴趣,“兴趣是最好的老师”,对一件事的专心致志和热爱,就一定会走向成功!徐悲鸿就是一个很好的例子,因为他热爱艺术,孜孜不倦的追求,所以成为了我国近代著名画家和美术教育家……
百年巨匠观后感1
把文艺先贤还原为鲜活的形象,讲述他们的艺术、人生和深远影响,《百年巨匠》可以说是一部视觉版的近现代中国文化史。
在迎接党的十九大胜利召开的日子里,《百年巨匠》创作团队自豪地宣告,经过8年艰苦奋斗,这套以110集规模摄制43位20世纪中国文艺领域杰出代表的大型人物传记纪录片终于全部摄制完成!可喜可庆!
百集大型人物传记纪录片《百年巨匠》美术篇第一、二部已在央视和各地卫视播出多次。近日,在“百年巨匠——四十三位文学艺术大师作品展”开幕之际,《百年巨匠——梅兰芳》《百年巨匠——关山月》在央视纪录频道首播。本人先睹为快,为之激动感慨。前者透过大量存世的文献、影像资料,全面展现梅兰芳的生活及从艺经历,揭示他如何由一个“祖师爷不赏饭”的世家子弟,一步步成长为一代京剧表演艺术巨匠的人生传奇。后者展现了岭南画派旗帜性人物关山月的艺术人生。他一生饱经风雨,用艺术见证了启蒙救亡的百年沧桑,见证了一个民族崛起的历史进程。他痴心不改,将个人的创作紧贴时代脉搏,不仅为我们留下了众多珍贵的画作,也为我们留下了波澜壮阔的时代记忆。
《百年巨匠》从2010年开始筹划,彼时为填补空白,创作团队计划创作一套完整记录12位20世纪中国美术大师的大型电视纪录片,分3部摄制,每部4人。2012年第一部摄制完成,在央视和北京卫视黄金时间播出后受到各界观众赞誉,在美术界引起热烈议论和好评,在社会上掀起了关注中国传统文化的热潮。创作团队为本片取名《百年巨匠》,是考虑到这12位美术大师引领了近百年来中国美术创作潮流,而他们活跃在中国画坛的年代正是近百年中国社会沧桑巨变的特殊时代,他们用自己的精彩人生和非凡的艺术创作写下了不朽的篇章。创作团队坚持书记在文艺工作座谈会上的重要讲话精神。书记指出,“中华优秀传统文化是中华民族的精神命脉,是涵养社会主义核心价值观的重要源泉,也是我们在世界文化激荡中站稳脚跟的坚实根基”,“我们要结合新的时代条件传承和弘扬中华优秀传统文化,传承和弘扬中华美学精神”。创作团队在学习中深受鼓舞,决定将原拍摄计划扩展到其他文艺领域,分为美术篇、书法篇、京剧篇、话剧篇、音乐篇和文学篇,大规模、全方位拍摄代表20世纪中国文艺最高成就的文坛泰斗和艺苑大师。
本片创作团队在创作拍摄之初就提出“国际水准、精品意识、思想精深、艺术精湛、制作精良”的创作原则,摄制组汇集了国内纪录片界的创作摄制精英,各篇总导演均为中央电视台和中央新影集团的优秀纪录片导演。本片通过精心构思的镜头和言简意赅的叙述把逝去的文艺巨匠还原成鲜活的形象,生动地展示他们不朽的文艺作品、所处的时代背景和生活画卷,反映他们文艺生涯中对文化史有重要贡献的事件,讲述他们最具价值而又精彩纷呈的人生故事,深层次探索他们的内心世界,表现他们创作的艰辛和传承创新的精神,以及他们对近现代中国文艺产生的广泛深远影响。《百年巨匠》可以说是一部视觉版的近现代中国文化史。
这部系列电视纪录片,大量运用巨匠们的人物和作品影像,呈现他们使用过的原物和旧居等,并巧妙组合,将他们人生重要经历进行场景再现。摄制组为此不惜工本,到国内和海外追寻他们的踪迹,现场拍摄真实场景。巨匠们生前去过的地方,摄制组能去的几乎都拍了一遍。摄制组采访人数之多,采访地域之广,在传记纪录片中可以说是创纪录的。本片还穿插了巨匠亲属、弟子、友人和后人、相关历史事件亲历者和见证者口述内容,展现了一些珍贵影像资料,不仅提供了可信的事实依据,还揭开了尘封多年鲜为人知的故事细节,而对于无法拍摄还原的特殊场景,则通过三维写意手法营造氛围和意象。
本片形象生动而明白地告诉观众,巨匠们生活在一个沧桑巨变的时代,从清朝末年到民国初年,从抗日战争到解放战争直到新中国成立,如此巨大的社会形态跨度,对他们思想行程和文艺生涯影响至深。他们大都出身贫寒,但是具有远大的志向和理想,有着对国家的深厚情怀和对民族的强烈责任感,把个人的荣辱得失和文艺创作同祖国和民族的命运联系起来,用自己的文艺作为影响变革现实,实现理想。他们怀有远大的抱负和超凡的意志,刻苦钻研,努力创新。他们充满强烈的时代感,不仅传承中华优秀传统文化,更立足现实,从内涵到形式,从题材到技巧,都有自己的独特创造,开创近现代中国文艺事业之先河。他们既是巨匠又是凡人,既是杰出的文艺家又是谦逊的学者,艺术风格和人格魅力各具特色、丰富多彩,堪称一代楷模。本片还突出表现巨匠们自身厚重的文化功底,他们或自幼熟读四书五经,博闻强记,国学底子深厚,或对古文、诗歌、书法、收藏等下过苦功。本片还突出表现他们的人生历练。他们或走南闯北、或游学海外、或辗转飘零、或流浪颠簸,自身厚重文化和岁月历练成就了他们文艺创作的底蕴。
本片中还出现了许多当今知名文艺家和学者,他们深入浅出地解释巨匠们不同年龄、不同阶段、不同风格代表作品,并且把许多作品联系起来解读,阐明巨匠们的文艺造诣、创作风格和美学理念以及他们为什么会成为巨匠,解读精彩动人,简明扼要。这些文艺家和学者是本片创作摄制的坚强后盾,他们不仅进行了各自独特的解读,而且参与策划和创意,提出了许多重要而中肯的建议和意见,保证了本片的学术和专业水准,反映国内外对巨匠们的最新研究成果,反映当今时代对巨匠们的理解和诠释。
此外,本片的旁白和解说严谨恰当,简洁明快,朗朗上口,既有文学性又注重口语化,观众一听就明白,思量回味还觉得很有分量,让懂得文艺和不大懂得文艺的人都产生兴趣。
综而观之,《百年巨匠》思想性和艺术性皆强,而且纪实性和现场感俱佳,给近现代中国文化史的研究留下不可多得的实录文献。本片格调高雅,故事精彩,人物丰满,叙述巧妙,镜头精美,可看性强。摄制组创作态度严肃认真,坚持去伪存真,没有录入无法考证的民间传说和夸大其辞的故事,没有低级趣味和低俗噱头。摄制组在贯彻执行既定创作原则上是成功的,本片堪称倾心打造的精品力作。百集《百年巨匠》全部摄制完成,仅仅是成功的开始,关键是要持之以恒地把《百年巨匠》成果运用好、发挥好,为此今后还要走很长的路。
百年巨匠观后感2
《百年巨匠》国际宣传片21日在京启动。作为中宣部、国务院新闻办组织实施的“纪录中国”传播工程项目,该片浓缩中国百年文艺发展史,走近中国文艺界大师,展现巨匠风范、中国风采。
《百年巨匠》国际宣传片由中国艺术研究院、中央电视台、中央新影集团、中国民生银行、百年艺尊(北京)文化传播有限公司联合摄制。由诺贝尔文学奖得主莫言担任总撰稿,著名导演张艺谋担任总导演。取材于百集大型系列人物传记纪录片《百年巨匠》,将分为英语、西班牙语、阿拉伯语、俄语、法语等8种语言,展现鲁迅、梅兰芳、林风眠、张大千、吴作人、徐悲鸿、刘海粟等10位蜚声世界的艺术巨匠的丰富人生。
据介绍,《百年巨匠》国际版以文化为媒介,通过亲民易懂的镜头语言、传世珍贵的影音资料、在世大家的倾情讲述,向全世界介绍中国20世纪的文化艺术成就,以及造就这些辉煌成就的中国文艺界巨匠。
百年巨匠观后感3
2017年1月21日,在《百年巨匠》国际宣传片启动仪式上,全国政协外事委员会副主任、国家艺术基金理事会理事长、《百年巨匠》总顾问蔡武等向张艺谋颁发聘书。
百集大型系列人物传记纪录片《百年巨匠》国际宣传片在北京启动。《百年巨匠》国际版取材于百集大型系列人物传记纪录片《百年巨匠》,是中宣部、国务院新闻办组织实施的“纪录中国”传播工程项目,由诺贝尔文学奖得主莫言担任总撰稿、著名导演张艺谋担任总导演,分为英语、西班牙语、阿拉伯语、俄语、法语等八个版本,拍摄包括鲁迅、梅兰芳、林风眠、张大千、吴作人、徐悲鸿、刘海粟等十位蜚声世界的艺术巨匠。这部《百年巨匠》国际版将浓缩中国百年文艺发展史,让人深入解读中国文艺界大师,一睹巨匠风范。此片由中国艺术研究院、中央电视台、中央新影集团、中国民生银行、百年艺尊(北京)文化传播有限公司联合摄制。
本片将会把握好中国与世界的利益交汇点、把握好国际舆论议题的聚焦点、把握好中国人民与世界人民的情感共鸣点,将中国百年来文化艺术界的巨匠,带到更多的国家,让中国文化走向世界,让世界了解中国。
百年巨匠观后感4
纪录片《百年巨匠》国际宣传片启动仪式21日在北京举行,张艺谋将担纲《百年巨匠》国际宣传片总导演,莫言则将担任《百年巨匠》国际版的总撰稿。
《百年巨匠》国际版分为英语、西班牙语、阿拉伯语、俄语、法语等八种语言,第一季共10集,每集52分钟,拍摄鲁迅、冼星海、梅兰芳、焦菊隐、林风眠、张大千、吴作人、徐悲鸿、刘海粟、启功10位蜚声世界的艺术巨匠。
在启动仪式上,张艺谋表示,这些文化巨匠为中国文化做出了卓越贡献,我们要尽力做好这件事,给历史一个交代,给后人一个启迪,留下一份宝贵的遗产。
莫言在致辞中表示,撰稿首先是个反复的过程,面对这些大师的辉煌业绩、不平凡的人生道路,让我们产生很多联想和对自己的观照;其次,撰稿也是一个学习的过程,面对这些前辈在中国近现代波澜壮阔的历史中艺术上的创造,以及纪录片的艺术创作,对我的文学创作也产生很大的影响。
《百年巨匠》国际版取材于百集大型系列人物传记纪录片《百年巨匠》。该纪录片是中国第一部大规模、全方位拍摄制作的关于20世纪中国画坛巨匠、艺苑大师、文坛泰斗的人物传记纪录片,分为美术篇、书法篇、京剧篇、话剧篇、音乐篇、文学篇六个篇章共计四十余位中国文艺领域的杰出代表。《百年巨匠》国际版由中国艺术研究院、中央电视台、中央新影集团、中国民生银行、百年艺尊(北京)文化传播有限公司联合摄制。
百年巨匠观后感5
提到“匠人”,大家眼前似乎都会浮起差不多的画面:幽静安然的小屋里,穿着工作服的匠人或写或画或动,专心于自己的这门手艺,管你屋外是春色盎然还是冬雪纷飞,只是心无旁骛、几十年如一日地专注在自己的领域里。
渴望匠人精神的回归是当下浮躁社会中人们的精神诉求,遗憾的是,提到“匠人”,许多人第一反应都是日本或者德国那些精益求精的手艺人或者工程师,而淡忘了自己民族千年历史中那些闪耀的巨匠。
百集大型人物纪录片《百年巨匠》应运而生。由中国艺术研究院、中央电视台、中央新闻纪录电影制作厂(集团)等部门联合摄制,是中国第一部大规模、全方位拍摄制作的关于20世纪画坛巨匠、艺苑大师、文坛泰斗的纪录片。
还原真实生活,描述巨匠精神
《百年巨匠》分为美术篇、书法篇、文学篇、京剧篇、话剧篇、音乐篇,以百集的规模拍摄43位20世纪中国文艺领域的杰出代表。其中美术篇包括齐白石、黄宾虹、徐悲鸿、张大千、潘天寿、林风眠、傅抱石、李可染、刘海粟、吴作人、关山月、吴冠中、李苦禅、蒋兆和、石鲁、黄胄;书法篇包括于右任、沈尹默、林散之、沙孟海、舒同、赵朴初、启功;京剧篇包括梅兰芳、尚小云、程砚秋、荀慧生;话剧篇包括欧阳予倩、田汉、焦菊隐、金山;音乐篇包括萧友梅、刘天华、贺绿汀、黄自、冼星海、聂耳;文学篇包括鲁迅、郭沫若、茅盾、巴金、老舍、曹禺。
因为巨大的拍摄规模,有人称《百年巨匠》为一项“工程”,在九十岁高龄的表演艺术家、《百年巨匠》宣传片代言人蓝天野看来,这不仅是工程,而且是一项抢救工程。“如今见过这些前辈大师的人已经越来越少,拍摄以来,这些采访对象已经走了好几位。抢救任务迫在眉睫。也正是通过这些与前辈亲身接触过的人的讲述,这些巨匠被还原成一个个活生生的人。”而他本人也亲自践行着匠人精神,在美术、戏剧等领域的拍摄中接受采访时间长达12小时。
《百年巨匠》美术篇第一、二部日前已在国内外40余家卫视播出,并获得五项纪录片奖项。中国传媒大学电视学院副教授刘羽在采访中对《中国科学报》记者表示,深入直接地用史实说话,是《百年巨匠》的重要特点及优点之一。“用原貌、原作、原物、原址和情景再现的方式还原了巨匠们的人生奋斗和家国情怀,为弘扬中国传统文化作出了巨大的贡献。力求以客观的视角和平视的角度,还原巨匠本色,重塑大师形象。”
为了真实完整地还原大师生活,摄制组花费了一番大力气,拍《齐白石》,去了湘潭、长沙、北京、西安;拍《徐悲鸿》,去了宜兴、上海、南京、合肥、北京、法国巴黎、美国丹佛;拍《张大千》,去了重庆、成都、西安、兰州、台湾地区,法国尼斯、巴黎,美国蒙特雷、旧金山、洛杉矶;拍《黄宾虹》,去了安徽、浙江、上海……几乎无所遗漏地重走了大师路,只为最真实地还原与记录。
“另外一个特点便是大量的采访,而且是极有价值的采访。”刘羽强调。《百年巨匠》的采访对象包括艺术家亲属及其后人、弟子,还有友人及其后人、历史见证者、研究学者等,不仅有独家珍贵的口述历史资料,也有深度独特的专业见解。
不封神,只纪人
随着移动互联网的发展以及智能终端的增多,现代人可以说每时每刻都在接受着轰炸式的种种信息。原本门槛很高的.视频内容也是一样。花费一两个小时之后发现自己看了一部“烂片”,是很多人最尴尬的体验之一。
如何拍摄出受观众喜爱的纪录片,这对摄制组来说是一个巨大的考验。中央新闻纪录电影制片厂资深导演,曾执导过以色列、摩洛哥等跨国纪录片的吴墨在接受记者采访时表示,市场化的竞争对纪录片带来相当大的冲击,但随着《舌尖上的中国》《我在故宫修文物》等纪录片的热播,证明了在小众市场中还是有竞争潜力的。“总结下不难发现,这些受观众喜爱的纪录片都有一个共同的特征:人情味儿,最忌讳的就是裹脚布式又臭又长的东西。”
中国艺术研究院院长、《百年巨匠》出品人连辑也强调说,43位巨匠身上既有时代造就的共同特征,也有各自的鲜明个性。他说道:“在那个特殊的历史时期,传统文化、西方文化、革命文化碰撞的痕迹体现在了这43人中,纪录片全面梳理了百年来文化的维度与历史,从中可以找到当代文化的基因,启发大众认知社会。他们将个人命运与国家命运联系在一起的姿态,远远高于当今很多小众的个人主义的创作,为大众提供了精致的文化产品。”
“但每个人又都是个性化的,他们树立的文化标尺与今天千篇一律、千人一面、抄来抄去的文艺创作截然不同。未来,《百年巨匠》将走进校园,我们也将以此为基础继续文化精英们的资料整理工作。”连辑说。
增强文化自信,传递人格力量
对于喜爱韩剧以及欧美流行乐的年轻一代来说,发自内心的以本民族文化为傲、热爱民族文化是一件略显陌生的事情。而这也正是《百年巨匠》系列纪录片的另外一个重要诉求。
连辑指出,解放初期不少中国传统的东西逐渐地被淡化甚至边缘化,有些画家有段时间在学校都没有事干,因为都教西画不教中国画。
“那么在这种情况下中国的文化自信在哪里?通过这个片子我们就可以很有力地回答这个问题,因为这百年来形成的巨匠的群体,他们代表的是中国传统文化的根脉,传统文化的传承和延续,是当今的中国传统文化软实力的具体表现。你树立文化自信没有实例是不行的,把这43个人集中起来看,我们的文化软实力非常之强大,不输给任何一个国家。”
除此之外,传递巨匠们的人格力量也是《百年巨匠》系列纪录片的重要诉求之一。《百年巨匠》的总监制贾磊磊表示,自己觉得最重要的就是从片子中“找到了一种人格的力量”,“在43位伟大的艺术家身上我们感受到他们的人格力量,无论处在什么样恶劣的历史环境,每个人都非常坚强、自信”。他强调,在某种意义上突出体现了纪录片的两个主题—— 一个是创作艺术美学,另一个就是人格。
《当卢浮宫遇见紫禁城》
最开始给了五星,是因为很想看中西艺术史对比的纪录片,我觉得我这个目的达到了就很开心。但是,看了别人的评价后,再仔细想想具体内容的话,我掉了2颗星。
1,确实历史沿革方面作为记录片的线程展开得不太严谨,反正把我搞懵了;
2,的确有太多抒情散文式的描绘,玄妙煽情,我不知道每集出的人物对比恰不恰当,但是一组历史伟绩人物的对比,再加入一个与之相关的现代的中国艺术工作者,这样的方式我觉得很不错啊。有古今的中西对比,又有传统与现代的对比视角,我觉得已经相对多视角了
3,大家都批判这个作为艺术启蒙太坑了,但是确实也让我这种没有系统学过中西艺术史的人了解多了一些古今人物,也对中西体系多了些直观的感受,好歹也能收获一点,也许也被下了毒而不自知哈哈。不过呢,对于我个人而言,我的最初观看目的基本达到了,之余这对比好不好,我想随着我的见识和知识的增长,我能说得更清楚。而且,艺术的时代背景及其重要,就这一点而言,我觉得这部片子还是让人深深感受到了时代背景与艺术的息息相关性。
4所以就是,想随意感受下中西对比的可能觉得达到目的了,想看干货的可能嫌弃它不够严谨不够干货多,想随意陶冶情操的应该也觉得不错吧(片尾曲听好的啊虽然词写得有点无意义的煽情哈哈),不太了解西亚,和中国画史上的巨旦的应该也能记下些零星笔记了。
讲真,卢浮宫里的太多都欣赏不来,唯一喜欢的是最后一个时代里 梭罗的画了。山林树体水影实虚结合,光影舒服。还有就是德拉克罗瓦的
《当卢浮宫遇见紫禁城》观后感(二):敢问:倪赞是谁?
借卢浮宫里的展品来梳理整个人类历史还算是说得通,如果把故宫里的那些家当拿出来说世界史就有些勉强了,即便算上台北的故宫,也能看出国人的狭隘和自大。至于把倪赞和达芬奇相比,基本上就“扯着蛋”了,国人有几个知道倪赞的,世界上又有谁不知道达芬奇啊,2012年全世界有一千万人跑到卢浮宫去朝拜蒙娜丽莎!
我对中国画并无敌意,但片中翻来复去地说国画如何写意,如何超越写实,有点儿YY。你不会写实就说你不会,在中国几千年的历史中,从来就没有画像过身边的真实世界,而西方不是,从古希腊、到罗马再到文艺复兴,都是写实艺术的历史。如果你曾经画像过一个人、一匹马,再去写意、再去抽象,比如毕加索、比如徐悲鸿,那我还折服你的追求,你从来就没有画像过,还说神马超越了具象、追求主观的“直抒胸臆”,就有点儿扯了。
个人认为,西方的素描和油画比中国画的技术含量要高,老干部退休了随便学一两个月就可以画花鸟,、办画展了,你见过有哪个老同志学素描吗?
《当卢浮宫遇见紫禁城》观后感(三):观感笔记
喜欢朱青生老师宽广的艺术史观。也许从人出发,才是艺术史真实和未来的目的和方向。希望能完成全套笔记。
第一讲:导言
所谓的艺术史是基于西方甚至是还残留着德国学术语言的艺术史,它无法包含除西方外其他文明的解读,因此并不具有全球性和包容性。因此,现在所说的‘艺术已死’,如果是真的话,那也只指西方艺术。
艺术是什么这个问题如同人是什么一样,是无法解答的。我们只能通过考察艺术是如何被诠释的来了解艺术的一些特征。而什么是艺术品呢?基本有两种,一种是美的,如雕刻的花与鸟;而另一种艺术品并不一定美,甚至可能丑恶并且无法被所有人理解,它的艺术性在于它所包含的可以被人所解读的含义,所要传达的思想。但无论是哪种,艺术品都是要可以被人类所解释的东西。
第二讲:西亚
西亚文明起源于幼发拉底河和底格里斯河的两国流域,在今天的伊拉克一带。它主要由旧巴比伦和新巴比伦文明为代表。这块地域以前是水丰草茂,不同今天的大漠黄沙,因此是古文明的起源和群雄纷争之地。在遗留的艺术品来看,不同于中国文明中向往上天的传统,西亚文明多看中实际功能,如汉谟拉比法典,记载的是法律条文,更多与现实生活联系在一起。另外,描绘战争的石雕等遗物,也描述了旧巴比伦和新巴比伦之间亚述王朝的丰功伟绩。而这些文物今天之所以被看作艺术品,是因为它们的实际功能如残酷的战争和严苛的法律已被遗忘,因此,人们才能从它们的外形构造来发现美感。
而西亚文明被视为西方文明起源,也是从西方角度来看。如从印度等其他文明角度来看,也能从中发现一些共性。因此,文明的冲突的区别并没有想象中那么严重,文化间可以互通,差异也可以弥补。而从巴比伦塔的毁灭中,我们能看到的到底是什么?摧毁这座塔的到底是上帝,还是人性中的私心?
第三讲:埃及
发源于尼罗河的古埃及文化一直被西方看做是古希腊文明的起源,然而这只是一种西方的想法。虽然希腊文化中的一些东西如习惯使用尺度来衡量事物在古埃及文明中得以看见,但这并不是古埃及文化的全部。当用西方思维去解释埃及,其文明中固有的东西就可能被曲解,被妖魔化。如代表着智慧和权威的狮身人面像却被解释成了神话中的怪物。因此,我们要回归埃及自己的解释。或者通过跳出西方艺术史,用世界艺术史的方法去解读。
古埃及文明正如那永恒不变的尼罗河涨落一般,持续了很长的时间。在这段时间里,虽有政权变更,世事变化,但其固有的`文化和传统却一直基本不变。古埃及人把人间看做天地系统间的延伸。世间的一切尺度由法老王制定。艺术作为一种形相学,构造成天地系统间的巨大精神世界。其作为一种统治,渗透在人世间,甚至是死亡的世界里。
第四讲:希腊
古希腊文明是西方文明的起源,因此,现代艺术史也深深被古希腊艺术所影响。艺术实际上是人们对无法把握东西的一种诠释,这是艺术的本质。在各个艺术文明发展的早期,在其各自文化特征尚未显现之前,其实各个地方的艺术是有相通之处的。与富饶靠大自然吃饭的中国不同,上天并没有赐予希腊肥沃的土地,最初的古希腊人只有通过种植橄榄,这种可以在贫瘠土壤中生存的植物,并将它通过海洋贸易买出去,来获得繁荣。西方人重视契约和贸易的精神也由此而来。
而这种靠自己的传统使古希腊人认识到人类的伟大,因此,他们赞颂人类,并通过艺术的表达,来阐述他们对完美人类的追求。古希腊的艺术,如众神的传说,在一定程度上都是一种对人类自我诠释和超越的表达。因为“人是万物的尺度”。因此,在古希腊的艺术品中,我们能通过表象,看出内里蕴含的结构和逻辑。而也是这种内在的结构性,使得像断臂的维纳斯这样的艺术作品,即使残缺,但其内含的逻辑美仍能被我们所捕捉和感受。而中国传统艺术,则突出大自然的伟大。在自然面前,人是渺小的。而正是这种尺度的不同和对比,构成了世界不同文明和艺术的差异与丰富。
第五讲:罗马
罗马征服了希腊,却继承了希腊的艺术。然而,虽然西方艺术史通常将罗马希腊艺术一起拿来研究比较,但两者之间却存在了不同。与希腊艺术追求完美神圣不同,罗马艺术将其对世俗权利,对征服的欲望表达得更加实在。古罗马人欣赏希腊艺术,模仿了希腊雕塑,甚至将之反复复制,置于浴场或其他场所加以欣赏。因此,艺术变得更加世俗,其存在也无时无刻得彰显着得胜的骄傲和对征服的自豪。
但在斗兽场、大浴中充满的血腥、理性和残酷之下却能看到复杂的人性。万神殿不仅象征着罗马帝国的神圣强大,也透露出罗马人希望集众神之力量保佑帝国、保佑自己能得胜归来的渴望。所有的纵欲、控制与规范,都是扩张的前提和结果。也正是这种及时的释放恐惧、内疚和疲惫,使得战士们能够在出发的时刻抖擞精神,抱着胜利回来的希望,在领袖的带领下,踏上再次征战的旅程。
第六讲:中世纪
与希腊文化一样,中世纪艺术也是构成西方艺术史的重要组成部分。它表面上与希腊艺术不同,一个追求天然烂漫,一个向往严苛守教;一个对自然和人性是如此赞扬的表达,一个却尽力压抑人性,以显示上帝唯一的荣光。但有意识的是,我们却能在中世纪艺术中看到一些希腊的影子,如柏拉图的‘现实是对理论的模仿,艺术是对现实的模仿’正与中世纪的抛开表象以求直达真理相似。而在中世纪长达一千年的过程中,对希腊文明以及人性抒发的抑制和回溯却一直在复杂地交至进行着。
与中世纪艺术对比,中国并没有出现这样神权凌驾一切的情况,但也能在譬如道教和佛教的一些艺术象征图像中找到对比的可能。这种抛开外形直达本质的传统使得形象学深深地影响了中世纪乃至西方艺术史的传统。但是,正如王羲之的兰亭序等等这样伟大的艺术品,它的意义当然可以通过后人诠释去解读,我们也不会因为它们或潇洒或狂放的外形而错失了它们字面的含义。然而,了解字面的意义就够了么?如若真是这样,那艺术就可能真的危险了。
第七讲:文艺复兴
文艺复兴艺术将西方艺术的两个源头:古希腊与希伯来(基督教)文明融合起来,通过强调人性和自然,来彰显整个时代的特征。文艺复兴时期人们追求科学和理性,这两者是这个时代的最高信仰。但最初是通过关于描绘基督教艺术来显现、结合、协调出来的。文艺复兴艺术结合了希腊文化的情性、希伯来文化的理性和结合两者发张出来的心性,使得艺术成为了科学,科学也正是艺术。于是,文艺复兴时期经常出现是艺术家科学家结合于一身的完美。
上述的这些特征可以通过图像学(iconology)来进行研究,比如分析达芬奇笔下的圣女,或者米开朗基罗完成的基督。但这其中的差别却很难通过对单纯图像的分析来了解感受。正如中国水墨画中的那种意境,使我们也许看不到现实的线条,却能通过整体来感受难以言说的意境。而这种缥缈在作品之间的灵韵,却无法通过图像学来捕捉和分析。因此,当我们置身于如拉斐尔这样的文艺复兴时期的艺术家作品面前时,我们可以去尝试理性阐述,但它作为一个整体的美感和气韵,也只能可感而不可言说了。
第八讲:17世纪
将17世纪同时期的中国和荷兰进行比较。同是时代变迁的时候,一个走向繁荣,一个步向衰落。中国的八大山人作为晚明朱门后裔,一生波荡起伏,最后遁入空门,在禅修中习画,将坎坷的一生融入到了充满禅意的绘画中。随看其画作是出世的,却蕴含了时代影响的痕迹。而此时的荷兰共和国成立,自由平等和对人性的解放使得画作也充满时代的特征。伦勃朗的画作对真实事物和情感的表达反映了这一特征(现实主义)。
艺术首先是为了表达人的情感,然后再反映时代特征。但同时人又会被时代所影响,所以艺术作品可以看做窥视艺术家内心和一探当时历史背景的工具。然而它的这种作用又是微弱的,特别是现在,当媒体逐渐取代了艺术以前的作用。人们更多地使用媒体去表达,去反映。艺术,或者所谓西方艺术史指的那种艺术也被认为已经衰落。
第九讲:18世纪
十八世纪的中国和西方并没有直接交回,却在有限的传教士对东方的描绘和夸张中,通过海上的波浪,得以一窥彼此的模样。然而,这种仅凭有限线索的触碰和想象却是带着自身的臆想,并不是真实的对方。犹如郎世宁绘画的雍正身着西装的肖像,或是皇家对西洋钟这种奇技淫巧的收藏;又或是皇家第一画家布歇笔下的中国市集和宫廷,更像是法国当时盛行的洛可可风格极尽奢华烂漫的描绘。
而此时的法国的瑰丽浪漫,却是暴风雨来临之前的绚丽的夕阳。在皇权空前集中的时代里,贵族们整日无所事事,只能成日沉溺在骄奢淫逸之风中,哀叹感慨着青春的短暂和爱情的美好。这种现象也投射在布歇的笔下。因此,画中的中国,无不富含这这个时代的艺术特征,是一种百无聊赖的空虚中浮升出的对遥远东方的exotic想象。反而,通过对受中国画影响的日本浮世绘的学习,荷兰的梵高却创造出了新的艺术表达方式,更能和中国艺术精神相契合。然而,这种非西方艺术的创作却无法被当时的欧洲所接受。
第十讲:19世纪(上)
十九世纪的西方美术以从以意大利为中心转到以法国为中心。其中是两股力量的较量。一个是崇尚自由性格的表达,辉煌绚丽的浪漫主义;还有一派是以理性逻辑为规范的新古典主义。而其中法国艺术画作的起源、包括学院派的传统,都是从后者出发。体现了启蒙运动的影响。相反,中国艺术此时到了元代,从赵孟頫开始,也开始了提倡尚古仿古的风尚。与法国的新古典主义不同,中国画讲究意境,不略物体情节的写实性,更多地表达了艺术家个人情感的抒发和表达。
因此,奠定了当今艺术史,主要是西方艺术史的新古典主义(学院派),也暗示了如今艺术的衰落甚至死亡。如果艺术只是为了描绘现实世界,机械地按照理性逻辑来演绎,那么艺术还有什么可期待的么?艺术家各自之间的不同又能体现在何处?因此,借由中国艺术的理念和方法,也许重新去审视和反思一直以来由学院派所统治的西方艺术史,获取一种新的艺术史观能得以发展。进而,“艺术已死”这个结论能被推翻。
第十一讲:19世纪(下)
随着1839年摄像技术的诞生,以希腊艺术和希伯来艺术为渊源的西方艺术开始走向衰亡。机械摄像技术代替了以追求写实刻画的希腊艺术,以此来反映现实。而希伯来艺术中所倡导的标志和图像也慢慢被取代。从1839年到1962年波普艺术的产生,以及到最后1995年互联网的诞生,西方艺术在这一百多年之间逐渐经历了回光返照,改革创新,以及最后进化成了广泛的图像学。以前狭隘的西方艺术史观注定走向衰落。
因此,从一万年前人类的祖先将语言和图像这两种天赋的能力演变成文字和绘画之后,到今天,经历了主要以近代西方艺术史为主导的艺术史观发展的过程,最终回归到了语言和图像本身。但是,我们也不能忽略这漫长岁月中留下的璀璨星光和人类智慧的历程。今天,我们将回到艺术其本身,在意识到西方艺术史的历史客观必然的兴起和衰落之后,要重新审视艺术,加入中国艺术乃至其他人类艺术的反思,以图像学这个广泛的含义去研究艺术真正的含义。
第十二讲:20世纪
20世纪以希腊写实和希伯来符号学为引导的,在文艺复兴交织而达到顶峰的西方艺术逐渐衰微,在巴比松画派逃离现实,回归自然的风尚下走到了尽头。按朱教授的说法,这是西方艺术走了一个大曲线,又回归了图像的真实作用,这种作用是人所天生拥有的,不该只以绘画这种形式表现出来。随着摄影技术的发展和互联网的诞生,艺术也越来越回归图像学。一切可以通过图像看见、甚至只是感知的都可以算作是艺术的一部分。
因此,艺术史不因止于此,正如艺术不应只限于西方。现代艺术是西方当代艺术自信的来源,也是历史选择必然的结果。当我们对待过去的艺术时,所做的不应是盲目的追从,或是一味地排斥,而是尽力将其中精华的整理、收集起来,随着时代的发展,通过追溯以往的灵感,去更新创造新的、符合时代的艺术。因为,作为一个定义模糊困难的词语,艺术从来都没有它独自的历史,它只是在历史中出现,去体现、感应、试图影响而已。
《当卢浮宫遇见紫禁城》观后感(四):文化碰撞?
本来我觉得这部记录片肯定很有价值————介绍卢浮宫和故宫的艺术珍宝的记录片,怎么可能会差?何况这是“卢浮宫首次向中国媒体开放拍摄”,至少也能先“零距离”地对那些艺术杰作膜拜一番吧?
结果......
艺术和巨匠(如:希腊雕塑与中国书法,达芬奇与倪瓒)的类比牵强附会,对艺术作品不是进行详实的介绍而是要么强加上道德伦理涵义(如:埃及书记官的思乡情怀),要么无谓地诗意化(如:米洛的维纳斯和爱琴海中的泡沫)或者,更多的则根本是在滥竽充数(如:蒙娜丽莎背景的“精确透视”)。
中世纪的西方神像和敦煌的佛像的区别是一个“被抽离了人性”一个被“赋予了人性”?古希腊和文艺复兴时期的雕刻作品旨在“重现自然”而中国的绘画艺术则“追求超越自然的更高境界”?此类充满了低级错误,狭隘得令人瞠目结舌的观点实在令人无法不质疑这些制作人的真实艺术鉴赏水准和他们制作这部“艺术记录片”的真实动机。
剥 去这层假惺惺的“文化碰撞”外衣,这部“大型艺术记录片”只不过是一“中国特色文化话语体系”的产物而已,审美价值无几。几段卢浮宫工作人员对艺术作品朴实详尽的讲解和旁白里朱青生那些厚此薄彼且夜郎自大的“抒情散文”对比极其鲜明,鲜明得让我听得面红耳赤,恨不得挖个地缝钻进去。
我没有看完这套 DVD,因为感到实在不堪忍受。猛然又想起最近一直充斥网络的某人关于“《建党伟业》票房要过八亿”的豪言壮语,我突然又是一阵眩晕。或许,《当卢浮宫遇 见紫禁城》对我来说会是“压死骆驼的最后一根稻草”————作为一个艺术工作者,我好像从未像此时此刻这样,对这个大环境如此绝望过。
《当卢浮宫遇见紫禁城》观后感(五):历史片并非艺术片
乍一看像是艺术盛宴,但个人感觉本片主要是以艺术品为线索来讲中外历史,并且按照时期对比着讲,并没有多少用艺术思维来分析或解读艺术品的艺术价值。整个画面华而不实,内容含金量不高。从叙事上以时间的对比,一会东方,一会西方,这样的结构有点生搬硬套,很多对比也牵强附会。首先在同时代的中西方绘画对比本来就很勉强,再拿倪瓒和达芬奇对比就更加不知所云。达芬奇是西方绘画代表人物,即使中国有可与之相比的画家,也并非倪瓒,也该是顾恺之、吴道子等人。
以上应该是缺点。优点是画面效果很赞,配音和背景音乐都不错,尤其是巴赫的背景音乐和片尾曲。另外这是为数不多以艺术为主题的大型纪录片,有就是好的。