摘 要：随着世界多元化的发展，家具的设计也出现了多样化的特征，中西合璧是红木家具发展趋势之一。如何设计出包含西方设计又有中国审美的红木家具是一项符合当代需求和实际意义的研究课题。本文主要以洛可可风格为例，主要论述造型特征和装饰特征在中国红木家具当
关键词：家居设计
随着世界多元化的发展，家具的设计也出现了多样化的特征，中西合璧是红木家具发展趋势之一。如何设计出包含西方设计又有中国审美的红木家具是一项符合当代需求和实际意义的研究课题。本文主要以洛可可风格为例，主要论述造型特征和装饰特征在中国红木家具当中的应用，以其欧式风格在红木家具中的设计起到一定的指导作用，并了解法国洛可可风格与中国风设计的关联。
洛可可风格和中国红木家具之简述
洛可可艺术是18世纪产生于法国、遍及欧洲的一种艺术形式，盛行于路易十五统治时期，该艺术形式具有轻快、精致、细腻、繁复等特点，其形成过程中受到中国艺术的影响，有人认为洛可可风格是巴洛克风格的晚期。洛可可艺术以其极度华丽纤细的曲线著称，相对于巴洛克艺术的庄严、豪华、宏伟的特征，洛可可艺术则打破了艺术上的对称、均衡、朴实的规律，以复杂自由的波浪曲线线条为主，室内装饰多用镶嵌以及许多镜子，形成一种华丽轻快、优美雅致、闪耀虚幻的效果。这样形成了洛可可艺术缺少深刻的思想内容和文明的主旨，仅以外形富丽堂皇，装饰精巧奇特，以有意不对称见长，以复杂的曲线著称的特色。
洛可可家具风格实在巴洛克家具造型基础上发展起来的一种新式的家具形式。它吸收并夸大了曲线多变的流动感，大量采用C型，S型曲线，以复杂的波浪曲线模仿了贝壳，岩石的外形，致力与运动中的纤细与华丽，强调使用中的轻便与舒适，打破了对称的格局，并以自然界的动物和植物形象作为主要装饰语言，叶子和花交叉错穿插在岩石和贝壳之间，外形轮廓不规则的形式遮住了传统的结构，熟悉的雕刻形式与令人耳目一新的图案有机的统一在一起。而这些富于想象的成分在这种并不实用的结构基础上是极其成功的，镜台，半圆狭台等家具的外轮廓都变得极其夸张，但橱柜、椅子和桌子的结构形式，都还是以矩形基座为基础的，形成了具有浪漫主义的色彩。常见的装饰图案有：植物类，如小花叶，球花、系有丝带的小花束、花形优雅的花篮，玫瑰花等；古典乐器类，如小提琴、方孔竖笛等；打猎和捕鱼等生活题材，如弓、箭、火炬和女牧羊人的草帽；神话故事题材等。
一般来说，洛可可家具主要强调表面的装饰设计，以使人们的眼睛不去注意那些矩形的连接部分，另外，还发展了青铜镀金、雕刻描金、线条着色或镶嵌花线与雕刻相结合等装饰手法。所有这些做法都致力于追求家具本身的纤巧与华丽，强调适用中的轻巧与舒适，以均衡代替对称，形成了富有浪漫主义色彩的新艺术风格。这类家具都以青白色为主要基调，在此基础上以雕刻件、金色的`自由曲线、贴金彩绘的浮雕进行装饰和点缀，这种精雕细作的家具构成了现实社会自由、轻松、浮华绚丽生活场景中不可缺少的元素。
关于红木家具的概念和定义无论是学术界还是产业界，仍有不同的解释和规定。为了保证消费者权益，明确企业的责任，相关机构出台了相应的标准，如《红木》标准、《红木家具通用技术条件》。现在大致认为红木家具应从材料和工艺两方面来考虑。红木家具从时间上可泛指明代以来的包括了明式家具、清代家具、民国时期西式中作的海派家具，以及当今生产的红木家具。现代红木家具企业近年来发展迅速，北京、上海、苏州、浙江、福建、广东传统产业的红木家具得到恢复和扩张外。现代红木家具的发展趋势大致分为以下几种：高仿的古典家具、现代化的新中式家具、中西结合的家具、新概念性家具。本文主要针对中西结合这一大的趋势中的一小块进行阐释，选取具有欧洲具有代表性的洛可可风格为例，与中国红木家具相结合，创造出新的设计风格。
洛可可艺术风格对中国红木家具的影响
在造型方面，可以抓住其主要的造型特点来设计出相应的家具，比如洛可可的整体造型和局部的特色以及洛可可风格的装饰和设计的元素都可以运用到中国红木家具中来。通过对洛可可风格的造型方面进行归纳，分析，总结 ，才能灵活的把洛可可的风格运用到中国红木家具中来。
中式家具虽对洛可可风格有所模仿，但大部分还是以中式风格为主。以透雕装饰和镶嵌理石螺钿见长。雕刻手法常常由家具的主要部分扩展到大面积的浮雕、透雕以及通体的雕刻与装饰。有时为了追求繁缛华贵的装饰，家具上各种镶嵌材料应用尽有；玉、骨牙、香木、螺钿、等等。工艺与装饰风格与洛可可风格有着本质的区别，但是在意境上，与法国凡尔赛宫有着异曲同工之妙。同时镶嵌艺术是广式家具的一大特色。镶嵌的材料形形色色，无论是云石还是玉石，珐琅还是陶瓷。特别是云石
《沉睡魔咒2》观后感（一）
这次，《沉睡魔咒2》上了热搜，大家欲哭无泪的吐槽着突然变得“傻白甜”的公主。说她实力坑母，被爱情冲昏了头脑，同时为朱莉扮演的仙女教母疯狂打call。
的确，这是老套的情节。野心勃勃的主战派王后给国王下了诅咒，所有人看到的她都是被营造出来的高贵善良有责任担当的模样。她指责着玛琳菲森，让所有人恐惧着这个头上有角的异类“女巫”，挑拨着她和公主爱洛的关系。战争和平，人与异类，亲情爱情，冲突与和解。
最触动我的还是救玛琳菲森的那个傻大个儿至死都嚷嚷着的和平和共存。还有玛琳菲森最后义无反顾的站在她的爱洛身后给挡的那一剑。
我觉得爱实在是太不对等了。这个用精美特效服装包裹着的，纯粹就是这样赤裸裸的母爱。仙女教母为她的小女儿笨拙的改变，从来不解释着，只有默默的付出。
其实如果没看过第一部的话，大家也许不会对第二部那么失望。它们同样的恢弘壮阔，只不过第一部的脑洞大开，新奇的百合画风的结局极大的吊起观众胃口获得好评，第二部却画风一转，突兀的让爱洛长大了，生硬的加入了代沟这一元素。它的情节不再是一波三折，尽在人们意料之中。
《沉睡魔咒2》观后感（二）
看过了《双子杀手》和《航海王：狂热行动》，最后看的这部由安吉丽娜·朱莉主演的迪士尼童话电影《沉睡魔咒2》。个人认为它是这三部作品中最好的一部了，无论是视觉还是故事都十分精彩。《航海王：狂热行动》我毕竟不是忠实粉，所以在人物上不是很了解，但是那部动画作品在打斗上我还是给出非常不错的评分。
《沉睡魔咒2》是一部非常标准化的童话电影，有痴心的爱情，恶毒的心机，也有傻里傻气的善良。童话故事的特点这部电影中应有尽有，每一个人物的刻画也都生动而充满角色魅力，恶毒王后阴谋得逞会令人恨到咬牙切齿，王子和公主的善良傻到令人为他们的智商着急，朱莉饰演的暗夜族凤凰后裔霸气又充满母爱。
观影过程中一直被王后的恶毒、阴谋牵引，令人对她充满仇恨，但她所拉的仇恨又将结尾王子与公主的爱情映衬的更加甜蜜。童话故事没有那么复杂大都是正邪对抗，而过程就是善良对立恶毒，心机、阴谋被一一戳破，最终再以甜蜜、圆满收尾。这部电影就是如此，过程纠结、憎恨，结尾时又令人获得感动。童话故事简单却充满善良、美好的憧憬，这也是童话故事的魅力所在。
魔尔森林呈现的梦幻、奇妙。老顽童般的花仙子，娇小、灵活的小精灵，每一个都充满趣味。朱莉饰演的玛琳菲森一双黑色的羽翼，展翅翱翔，羽毛逼真、振翅霸气，变身黑凤凰时的样子视觉震撼更为强烈。朱莉在这部电影中饰演的玛琳菲森给人留下了深刻的印象，冷面时冰凉透心，笑脸时有一份喜感，而在受伤后刚醒的时候又性感、妩媚。
总体来讲个人觉得这部电影非常不错，打造了一个丰富多彩的童话世界。而对于安吉丽娜·朱莉看过这部电影不禁再次被她圈粉，她所扮演的玛琳菲森形象鲜活、性感、冷艳。
《沉睡魔咒2》观后感（三）
迪士尼和以其为首的好莱坞，并不愿意停下压榨自己曾经创造的文化遗产的脚步，这也是其资本主义属性使然。尽管将艺术创作商品化的愿景并非总是令人失望，因为肯尼斯·布拉纳的《灰姑娘》就很好地捕捉到了迪士尼精神的魅力所在，即旨在吸引新一代观众的同时，反映时下美国社会意识形态的内容，又总是会让没有国界和赏味期限的艺术本身，变得有国界和赏味期限起来。
就《沉睡魔咒》而言，一大成功之处就在于前后两位导演——罗伯特·斯托姆伯格和乔阿吉姆·罗恩尼，都对于打造视觉华丽的，洛可可风格的魔幻世界有着非常的专注和成就。后者更在《沉睡魔咒2》中成功拓宽了这一原创世界的边界，无论是远景还是运动镜头，都有着很强的视觉吸引力。
而前作突破性的.反英雄设定，也让迪士尼产生了一种错觉，似乎只要是乘上政确的顺风车，就能够以“反映真实”的方法来“深化主题”。国家分裂和种族对立的题材，在魔法和魔法生物横行的世界中并非不可实现，甚至还非常合适（如《巫师3》）。但剧本似乎并不愿意在“摩擦—升级—爆发”上多费工夫，将引发冲突的责任完全推到了个人的头上——一个典型的反派，仿佛只要解决了她，整个社会中，参与暴行的每个个体从来都不存在，而她的家人也都当她从来不存在一样。
这种伪现实主义和理想主义的混搭，暴露出的实际是日趋左倾的好莱坞，只是在利用正确和政确的问题来打击敌人，而缺乏真正处理这些问题的能力。讽刺的是，这种真正的逃避现实，反而是好莱坞最擅长的事情。
这样一来，《沉睡魔咒2》在创作上的压力也就完全交给了演员。可靠的表演，搭配上难以言喻的尴尬情节，自作聪明的宫廷阴谋，或漫威或《权游》式的最终大战，似乎就足够让观众入场了。但能够吸引让观众入场的电影，并不代表这不是好电影。
充满诱惑的画面，貌似有深度的社会隐喻，都无法掩盖《沉睡魔咒2》变身《奇情后妈传》的功利和空虚的本质。仅仅凭借主演们的表演，是难以和前作一样，真正引起观众的共情的。虽然迪士尼已经逐渐淡出了弱化女性的做法，但又染上了一个更俗套的，对CG大战的过度痴迷。
和大多数主要出于商业原因而存在的续集一样，甚至同一周末就有阔别10年的《僵尸之地2》，《沉睡魔咒2》的确拓宽了故事宇宙，但仅限于实际的物理空间，而没有纵深和成长。这样一部无需过度投入的魔幻电影，在后《指环王》时代俨然成为了主流，并不是一件好事情。
《当卢浮宫遇见紫禁城》
最开始给了五星，是因为很想看中西艺术史对比的纪录片，我觉得我这个目的达到了就很开心。但是，看了别人的评价后，再仔细想想具体内容的话，我掉了2颗星。
1，确实历史沿革方面作为记录片的线程展开得不太严谨，反正把我搞懵了；
2，的确有太多抒情散文式的描绘，玄妙煽情，我不知道每集出的人物对比恰不恰当，但是一组历史伟绩人物的对比，再加入一个与之相关的现代的中国艺术工作者，这样的方式我觉得很不错啊。有古今的中西对比，又有传统与现代的对比视角，我觉得已经相对多视角了
3，大家都批判这个作为艺术启蒙太坑了，但是确实也让我这种没有系统学过中西艺术史的人了解多了一些古今人物，也对中西体系多了些直观的感受，好歹也能收获一点，也许也被下了毒而不自知哈哈。不过呢，对于我个人而言，我的最初观看目的基本达到了，之余这对比好不好，我想随着我的见识和知识的增长，我能说得更清楚。而且，艺术的时代背景及其重要，就这一点而言，我觉得这部片子还是让人深深感受到了时代背景与艺术的息息相关性。
4所以就是，想随意感受下中西对比的可能觉得达到目的了，想看干货的可能嫌弃它不够严谨不够干货多，想随意陶冶情操的应该也觉得不错吧（片尾曲听好的啊虽然词写得有点无意义的煽情哈哈），不太了解西亚，和中国画史上的巨旦的应该也能记下些零星笔记了。
讲真，卢浮宫里的太多都欣赏不来，唯一喜欢的是最后一个时代里 梭罗的画了。山林树体水影实虚结合，光影舒服。还有就是德拉克罗瓦的
《当卢浮宫遇见紫禁城》观后感(二)：敢问：倪赞是谁？
借卢浮宫里的展品来梳理整个人类历史还算是说得通，如果把故宫里的那些家当拿出来说世界史就有些勉强了，即便算上台北的故宫，也能看出国人的狭隘和自大。至于把倪赞和达芬奇相比，基本上就“扯着蛋”了，国人有几个知道倪赞的，世界上又有谁不知道达芬奇啊，2012年全世界有一千万人跑到卢浮宫去朝拜蒙娜丽莎！
我对中国画并无敌意，但片中翻来复去地说国画如何写意，如何超越写实，有点儿YY。你不会写实就说你不会，在中国几千年的历史中，从来就没有画像过身边的真实世界，而西方不是，从古希腊、到罗马再到文艺复兴，都是写实艺术的历史。如果你曾经画像过一个人、一匹马，再去写意、再去抽象，比如毕加索、比如徐悲鸿，那我还折服你的追求，你从来就没有画像过，还说神马超越了具象、追求主观的“直抒胸臆”，就有点儿扯了。
个人认为，西方的素描和油画比中国画的技术含量要高，老干部退休了随便学一两个月就可以画花鸟，、办画展了，你见过有哪个老同志学素描吗？
《当卢浮宫遇见紫禁城》观后感(三)：观感笔记
喜欢朱青生老师宽广的艺术史观。也许从人出发，才是艺术史真实和未来的目的和方向。希望能完成全套笔记。
第一讲：导言
所谓的艺术史是基于西方甚至是还残留着德国学术语言的艺术史，它无法包含除西方外其他文明的解读，因此并不具有全球性和包容性。因此，现在所说的‘艺术已死’，如果是真的话，那也只指西方艺术。
艺术是什么这个问题如同人是什么一样，是无法解答的。我们只能通过考察艺术是如何被诠释的来了解艺术的一些特征。而什么是艺术品呢？基本有两种，一种是美的，如雕刻的花与鸟；而另一种艺术品并不一定美，甚至可能丑恶并且无法被所有人理解，它的艺术性在于它所包含的可以被人所解读的含义，所要传达的思想。但无论是哪种，艺术品都是要可以被人类所解释的东西。
第二讲：西亚
西亚文明起源于幼发拉底河和底格里斯河的两国流域，在今天的伊拉克一带。它主要由旧巴比伦和新巴比伦文明为代表。这块地域以前是水丰草茂，不同今天的大漠黄沙，因此是古文明的起源和群雄纷争之地。在遗留的艺术品来看，不同于中国文明中向往上天的传统，西亚文明多看中实际功能，如汉谟拉比法典，记载的是法律条文，更多与现实生活联系在一起。另外，描绘战争的石雕等遗物，也描述了旧巴比伦和新巴比伦之间亚述王朝的丰功伟绩。而这些文物今天之所以被看作艺术品，是因为它们的实际功能如残酷的战争和严苛的法律已被遗忘，因此，人们才能从它们的外形构造来发现美感。
而西亚文明被视为西方文明起源，也是从西方角度来看。如从印度等其他文明角度来看，也能从中发现一些共性。因此，文明的冲突的区别并没有想象中那么严重，文化间可以互通，差异也可以弥补。而从巴比伦塔的毁灭中，我们能看到的到底是什么？摧毁这座塔的到底是上帝，还是人性中的私心？
第三讲：埃及
发源于尼罗河的古埃及文化一直被西方看做是古希腊文明的起源，然而这只是一种西方的想法。虽然希腊文化中的一些东西如习惯使用尺度来衡量事物在古埃及文明中得以看见，但这并不是古埃及文化的全部。当用西方思维去解释埃及，其文明中固有的东西就可能被曲解，被妖魔化。如代表着智慧和权威的狮身人面像却被解释成了神话中的怪物。因此，我们要回归埃及自己的解释。或者通过跳出西方艺术史，用世界艺术史的方法去解读。
古埃及文明正如那永恒不变的尼罗河涨落一般，持续了很长的时间。在这段时间里，虽有政权变更，世事变化，但其固有的`文化和传统却一直基本不变。古埃及人把人间看做天地系统间的延伸。世间的一切尺度由法老王制定。艺术作为一种形相学，构造成天地系统间的巨大精神世界。其作为一种统治，渗透在人世间，甚至是死亡的世界里。
第四讲：希腊
古希腊文明是西方文明的起源，因此，现代艺术史也深深被古希腊艺术所影响。艺术实际上是人们对无法把握东西的一种诠释，这是艺术的本质。在各个艺术文明发展的早期，在其各自文化特征尚未显现之前，其实各个地方的艺术是有相通之处的。与富饶靠大自然吃饭的中国不同，上天并没有赐予希腊肥沃的土地，最初的古希腊人只有通过种植橄榄，这种可以在贫瘠土壤中生存的植物，并将它通过海洋贸易买出去，来获得繁荣。西方人重视契约和贸易的精神也由此而来。
而这种靠自己的传统使古希腊人认识到人类的伟大，因此，他们赞颂人类，并通过艺术的表达，来阐述他们对完美人类的追求。古希腊的艺术，如众神的传说，在一定程度上都是一种对人类自我诠释和超越的表达。因为“人是万物的尺度”。因此，在古希腊的艺术品中，我们能通过表象，看出内里蕴含的结构和逻辑。而也是这种内在的结构性，使得像断臂的维纳斯这样的艺术作品，即使残缺，但其内含的逻辑美仍能被我们所捕捉和感受。而中国传统艺术，则突出大自然的伟大。在自然面前，人是渺小的。而正是这种尺度的不同和对比，构成了世界不同文明和艺术的差异与丰富。
第五讲：罗马
罗马征服了希腊，却继承了希腊的艺术。然而，虽然西方艺术史通常将罗马希腊艺术一起拿来研究比较，但两者之间却存在了不同。与希腊艺术追求完美神圣不同，罗马艺术将其对世俗权利，对征服的欲望表达得更加实在。古罗马人欣赏希腊艺术，模仿了希腊雕塑，甚至将之反复复制，置于浴场或其他场所加以欣赏。因此，艺术变得更加世俗，其存在也无时无刻得彰显着得胜的骄傲和对征服的自豪。
但在斗兽场、大浴中充满的血腥、理性和残酷之下却能看到复杂的人性。万神殿不仅象征着罗马帝国的神圣强大，也透露出罗马人希望集众神之力量保佑帝国、保佑自己能得胜归来的渴望。所有的纵欲、控制与规范，都是扩张的前提和结果。也正是这种及时的释放恐惧、内疚和疲惫，使得战士们能够在出发的时刻抖擞精神，抱着胜利回来的希望，在领袖的带领下，踏上再次征战的旅程。
第六讲：中世纪
与希腊文化一样，中世纪艺术也是构成西方艺术史的重要组成部分。它表面上与希腊艺术不同，一个追求天然烂漫，一个向往严苛守教；一个对自然和人性是如此赞扬的表达，一个却尽力压抑人性，以显示上帝唯一的荣光。但有意识的是，我们却能在中世纪艺术中看到一些希腊的影子，如柏拉图的‘现实是对理论的模仿，艺术是对现实的模仿’正与中世纪的抛开表象以求直达真理相似。而在中世纪长达一千年的过程中，对希腊文明以及人性抒发的抑制和回溯却一直在复杂地交至进行着。
与中世纪艺术对比，中国并没有出现这样神权凌驾一切的情况，但也能在譬如道教和佛教的一些艺术象征图像中找到对比的可能。这种抛开外形直达本质的传统使得形象学深深地影响了中世纪乃至西方艺术史的传统。但是，正如王羲之的兰亭序等等这样伟大的艺术品，它的意义当然可以通过后人诠释去解读，我们也不会因为它们或潇洒或狂放的外形而错失了它们字面的含义。然而，了解字面的意义就够了么？如若真是这样，那艺术就可能真的危险了。
第七讲：文艺复兴
文艺复兴艺术将西方艺术的两个源头：古希腊与希伯来（基督教）文明融合起来，通过强调人性和自然，来彰显整个时代的特征。文艺复兴时期人们追求科学和理性，这两者是这个时代的最高信仰。但最初是通过关于描绘基督教艺术来显现、结合、协调出来的。文艺复兴艺术结合了希腊文化的情性、希伯来文化的理性和结合两者发张出来的心性，使得艺术成为了科学，科学也正是艺术。于是，文艺复兴时期经常出现是艺术家科学家结合于一身的完美。
上述的这些特征可以通过图像学（iconology）来进行研究，比如分析达芬奇笔下的圣女，或者米开朗基罗完成的基督。但这其中的差别却很难通过对单纯图像的分析来了解感受。正如中国水墨画中的那种意境，使我们也许看不到现实的线条，却能通过整体来感受难以言说的意境。而这种缥缈在作品之间的灵韵，却无法通过图像学来捕捉和分析。因此，当我们置身于如拉斐尔这样的文艺复兴时期的艺术家作品面前时，我们可以去尝试理性阐述，但它作为一个整体的美感和气韵，也只能可感而不可言说了。
第八讲：17世纪
将17世纪同时期的中国和荷兰进行比较。同是时代变迁的时候，一个走向繁荣，一个步向衰落。中国的八大山人作为晚明朱门后裔，一生波荡起伏，最后遁入空门，在禅修中习画，将坎坷的一生融入到了充满禅意的绘画中。随看其画作是出世的，却蕴含了时代影响的痕迹。而此时的荷兰共和国成立，自由平等和对人性的解放使得画作也充满时代的特征。伦勃朗的画作对真实事物和情感的表达反映了这一特征（现实主义）。
艺术首先是为了表达人的情感，然后再反映时代特征。但同时人又会被时代所影响，所以艺术作品可以看做窥视艺术家内心和一探当时历史背景的工具。然而它的这种作用又是微弱的，特别是现在，当媒体逐渐取代了艺术以前的作用。人们更多地使用媒体去表达，去反映。艺术，或者所谓西方艺术史指的那种艺术也被认为已经衰落。
第九讲：18世纪
十八世纪的中国和西方并没有直接交回，却在有限的传教士对东方的描绘和夸张中，通过海上的波浪，得以一窥彼此的模样。然而，这种仅凭有限线索的触碰和想象却是带着自身的臆想，并不是真实的对方。犹如郎世宁绘画的雍正身着西装的肖像，或是皇家对西洋钟这种奇技淫巧的收藏；又或是皇家第一画家布歇笔下的中国市集和宫廷，更像是法国当时盛行的洛可可风格极尽奢华烂漫的描绘。
而此时的法国的瑰丽浪漫，却是暴风雨来临之前的绚丽的夕阳。在皇权空前集中的时代里，贵族们整日无所事事，只能成日沉溺在骄奢淫逸之风中，哀叹感慨着青春的短暂和爱情的美好。这种现象也投射在布歇的笔下。因此，画中的中国，无不富含这这个时代的艺术特征，是一种百无聊赖的空虚中浮升出的对遥远东方的exotic想象。反而，通过对受中国画影响的日本浮世绘的学习，荷兰的梵高却创造出了新的艺术表达方式，更能和中国艺术精神相契合。然而，这种非西方艺术的创作却无法被当时的欧洲所接受。
第十讲：19世纪（上）
十九世纪的西方美术以从以意大利为中心转到以法国为中心。其中是两股力量的较量。一个是崇尚自由性格的表达，辉煌绚丽的浪漫主义；还有一派是以理性逻辑为规范的新古典主义。而其中法国艺术画作的起源、包括学院派的传统，都是从后者出发。体现了启蒙运动的影响。相反，中国艺术此时到了元代，从赵孟頫开始，也开始了提倡尚古仿古的风尚。与法国的新古典主义不同，中国画讲究意境，不略物体情节的写实性，更多地表达了艺术家个人情感的抒发和表达。
因此，奠定了当今艺术史，主要是西方艺术史的新古典主义（学院派），也暗示了如今艺术的衰落甚至死亡。如果艺术只是为了描绘现实世界，机械地按照理性逻辑来演绎，那么艺术还有什么可期待的么？艺术家各自之间的不同又能体现在何处？因此，借由中国艺术的理念和方法，也许重新去审视和反思一直以来由学院派所统治的西方艺术史，获取一种新的艺术史观能得以发展。进而，“艺术已死”这个结论能被推翻。
第十一讲：19世纪（下）
随着1839年摄像技术的诞生，以希腊艺术和希伯来艺术为渊源的西方艺术开始走向衰亡。机械摄像技术代替了以追求写实刻画的希腊艺术，以此来反映现实。而希伯来艺术中所倡导的标志和图像也慢慢被取代。从1839年到1962年波普艺术的产生，以及到最后1995年互联网的诞生，西方艺术在这一百多年之间逐渐经历了回光返照，改革创新，以及最后进化成了广泛的图像学。以前狭隘的西方艺术史观注定走向衰落。
因此，从一万年前人类的祖先将语言和图像这两种天赋的能力演变成文字和绘画之后，到今天，经历了主要以近代西方艺术史为主导的艺术史观发展的过程，最终回归到了语言和图像本身。但是，我们也不能忽略这漫长岁月中留下的璀璨星光和人类智慧的历程。今天，我们将回到艺术其本身，在意识到西方艺术史的历史客观必然的兴起和衰落之后，要重新审视艺术，加入中国艺术乃至其他人类艺术的反思，以图像学这个广泛的含义去研究艺术真正的含义。
第十二讲：20世纪
20世纪以希腊写实和希伯来符号学为引导的，在文艺复兴交织而达到顶峰的西方艺术逐渐衰微，在巴比松画派逃离现实，回归自然的风尚下走到了尽头。按朱教授的说法，这是西方艺术走了一个大曲线，又回归了图像的真实作用，这种作用是人所天生拥有的，不该只以绘画这种形式表现出来。随着摄影技术的发展和互联网的诞生，艺术也越来越回归图像学。一切可以通过图像看见、甚至只是感知的都可以算作是艺术的一部分。
因此，艺术史不因止于此，正如艺术不应只限于西方。现代艺术是西方当代艺术自信的来源，也是历史选择必然的结果。当我们对待过去的艺术时，所做的不应是盲目的追从，或是一味地排斥，而是尽力将其中精华的整理、收集起来，随着时代的发展，通过追溯以往的灵感，去更新创造新的、符合时代的艺术。因为，作为一个定义模糊困难的词语，艺术从来都没有它独自的历史，它只是在历史中出现，去体现、感应、试图影响而已。
《当卢浮宫遇见紫禁城》观后感(四)：文化碰撞？
本来我觉得这部记录片肯定很有价值————介绍卢浮宫和故宫的艺术珍宝的记录片，怎么可能会差？何况这是“卢浮宫首次向中国媒体开放拍摄”，至少也能先“零距离”地对那些艺术杰作膜拜一番吧？
结果......
艺术和巨匠（如：希腊雕塑与中国书法，达芬奇与倪瓒）的类比牵强附会，对艺术作品不是进行详实的介绍而是要么强加上道德伦理涵义（如：埃及书记官的思乡情怀），要么无谓地诗意化（如：米洛的维纳斯和爱琴海中的泡沫）或者，更多的则根本是在滥竽充数（如：蒙娜丽莎背景的“精确透视”）。
中世纪的西方神像和敦煌的佛像的区别是一个“被抽离了人性”一个被“赋予了人性”？古希腊和文艺复兴时期的雕刻作品旨在“重现自然”而中国的绘画艺术则“追求超越自然的更高境界”？此类充满了低级错误，狭隘得令人瞠目结舌的观点实在令人无法不质疑这些制作人的真实艺术鉴赏水准和他们制作这部“艺术记录片”的真实动机。
剥 去这层假惺惺的“文化碰撞”外衣，这部“大型艺术记录片”只不过是一“中国特色文化话语体系”的产物而已，审美价值无几。几段卢浮宫工作人员对艺术作品朴实详尽的讲解和旁白里朱青生那些厚此薄彼且夜郎自大的“抒情散文”对比极其鲜明，鲜明得让我听得面红耳赤，恨不得挖个地缝钻进去。
我没有看完这套 DVD，因为感到实在不堪忍受。猛然又想起最近一直充斥网络的某人关于“《建党伟业》票房要过八亿”的豪言壮语，我突然又是一阵眩晕。或许，《当卢浮宫遇 见紫禁城》对我来说会是“压死骆驼的最后一根稻草”————作为一个艺术工作者，我好像从未像此时此刻这样，对这个大环境如此绝望过。
《当卢浮宫遇见紫禁城》观后感(五)：历史片并非艺术片
乍一看像是艺术盛宴，但个人感觉本片主要是以艺术品为线索来讲中外历史，并且按照时期对比着讲，并没有多少用艺术思维来分析或解读艺术品的艺术价值。整个画面华而不实，内容含金量不高。从叙事上以时间的对比，一会东方，一会西方，这样的结构有点生搬硬套，很多对比也牵强附会。首先在同时代的中西方绘画对比本来就很勉强，再拿倪瓒和达芬奇对比就更加不知所云。达芬奇是西方绘画代表人物，即使中国有可与之相比的画家，也并非倪瓒，也该是顾恺之、吴道子等人。
以上应该是缺点。优点是画面效果很赞，配音和背景音乐都不错，尤其是巴赫的背景音乐和片尾曲。另外这是为数不多以艺术为主题的大型纪录片，有就是好的。
