多情大文豪歌德一生究竟有多少女人
歌德一生在做3件事:、做官、恋爱。
事实上，正是他一生轰轰烈烈的恋爱、生活和浪漫情感，才可能造就流芳千古的《浮士德》、《少年维特之烦恼》等文学巨著。
歌德一生虽只有1位妻子，只生过1个孩子，却和无数女人有着剪不断、理还乱的关系。
他的129部作品，多以自己的爱情生活为背景，且有亲笔所写的15卷日记可供索引。
周国平就曾说:“没有爱情，就没有歌德。
”最新小说《恋爱中的歌德》据媒体报道，2008年2月，80岁的德国老作家马丁·瓦尔泽出版了小说新作《恋爱中的男人》，赫然以大文豪歌德为主人公，写他在1823年，古稀74岁，戴着面具参加温泉城马里昂巴德的异装舞会时，对19岁姑娘、房东太太的长女乌尔丽克一见倾心。
她那一双湛蓝的迷人的大眼睛里，秋波无限。
“他看到她时，她早已捕获了他的目光。
”她经常陪他散步，像一个女儿对待父亲那样搀扶着他，天真地向他谈论自己即兴想到的一切。
老翁少女眉目传情，歌德神魂颠倒，再也不能自拔，时间一久，爱的激情在他心中荡漾起来，终于到了不可遏止的地步。
刚一听到林荫道上的笑声，这个古稀老翁简直像一个情窦初开的少男，立即放下工作，不戴帽子也不拿手杖，就急匆匆跑下台阶，去迎接那个活泼可爱的女孩子，像一个少年、一个男子汉似地向她大献殷勤。
15年前他还曾爱慕过她的母亲，1年前他还只是用父辈的口吻昵称她。
可是现在喜爱突然变成了情欲，仿佛情感世界的火山爆发。
他先是百般勾引，继而发动连番情书攻势，欲娶少女入门。
孰料儿子妒意横生，从中作梗，坏了老诗人好事。
歌翁伤心作别，回到魏玛，终日郁郁寡欢，至1832年去世。
时光如梭，乌尔丽克亦成老妇，临终前将歌德的情书付之一炬，一段奇特的祖孙恋情就此深埋。
这段黄昏恋并非作家杜撰，而是大体上实有其事。
乌尔丽克·冯·莱维措（1804—1899年），据说才貌双全，年轻时一度与晚年歌德关系密切。
歌德曾动过娶她的念头，还因为她写了不少情诗，最有名的是《玛丽昂巴德悲歌》。
老瓦尔泽是当今德国国宝级作家。
老翁钟爱少女时的迷乱春心，被他刻画得入木三分。
他写德国史上头号文豪晚年春情上头，十分有趣——如果不是让老无所依的翁叟们略感心酸的话。
书中歌德裸身对镜自赏，验证是否雄风犹存，结论是：还行。
而少女乌尔丽克花枝招展，刁蛮可爱；一老一少，共谱恋曲，其音调必是古怪别致，妙趣横生。
出版商为《恋爱中的男人》打出广告词，称此乃“歌德最后一爱”。
评论界大举鼓噪，推动此书在市场上快马加鞭，于是大为畅销。
也有女读者就书中的情欲描写向瓦尔泽发问。
比如，他为啥反复使用“那话儿”（Iste）一词
瓦尔泽则说，他写的不是德语，而是个拉丁语词，且无具体词义。
的确，在拉丁语中，Iste是个阳性代词，译成中文“那话儿”，大抵不错。
但是，并不是所有人都对此书大唱赞歌。
评论家沃尔夫冈·弗吕瓦尔德便说：“这是瓦尔泽的歌德，不是我的。
至多是1823年的歌德。
……我心目中的歌德不会改变，但我心目中的瓦尔泽变了。
”韦尔纳·弗里岑则认为，瓦尔泽写的不是歌德，而是维特；躲在面具后面的也不是歌德，而是瓦尔泽。
谁是歌德
约翰·沃尔夫冈·冯·歌德（johann wolfgang von goethe，1749～1832年），不仅是迄今为止德国最杰出的文学家和思想家，而且是世界上最伟大的文学家和思想家之一，与荷马、但丁、莎士比亚并称为四大文豪。
同时，他还是画家、美学家、政治家、教育家、自然科学家、物理学家；并长年担任魏玛宫廷剧院经理。
他多才多艺，是一位真正的天才。
哲学家谢林说：“歌德活着的时候，德国就不是孤苦伶仃的，不是一贫如洗的，尽管它虚弱、破碎，但精神上依然是伟大的、富有的和坚强的。
”尼采说：“歌德不仅善良伟大，而且自成一种文化，在德国人的历史上，他是一个后无来者的插曲。
”歌德是德国古典文学最主要的代表，“狂飙突进运动”代表人物。
他的一生经历了德国文学史上的狂飙突进运动、古典主义和浪漫主义3个阶段，是德国历史上少有的长寿作家（83岁）。
他在一系列作品中呼唤自由，歌颂反抗。
他的代表作有长篇诗剧《浮士德》（史诗巨著，创作时间长达60余年）、书信体中篇小说《少年维特之烦恼》（第一部发生重大国际影响的文学作品）、长诗《普罗米修斯》、历史剧《葛兹·冯·伯里欣根》、长篇小说《威廉·迈斯特》等，以及大量抒情诗、评论文章、散文、自传。
歌德出生于美因河畔法兰克福镇(今黑森州)的一个富裕市民家庭。
父亲是法学博士，曾任皇家参议；母亲是市长女儿，精明活泼，善讲故事。
他1765年进入莱比锡大学学习法律，1770年进入斯特拉斯堡大学继续深造，次年获法学博士学位，1771年在法兰克福任律师；年轻时想过当画家，但很快放弃；1772至1775年之间写出了大量作品，其中《少年维特之烦恼》在国内外引起强烈反响；1775年后积极进行地质学、矿物学、人体解剖学、植物学的研究，撰写出多种自然科学著作，以在人类胚胎中首次发现颌骨而闻名，并指出生物倾向于发展成螺旋形；1775～1786年为改良现实社会，应聘到魏玛公国做官，但成就不大；1786年前往意大利，专心研究自然科学；1788年回到魏玛后任剧院监督；1794年起同席勒交往，密切合作，促进了德国古典文学的繁荣；晚年过着隐居生活，孜孜不倦地进行创作，终于完成煌煌巨著《浮士德》。
歌德去世时，留下了著名遗言：“多些光
”书信体小说《少年维特之烦恼》讲述24岁的歌德因公去威兹拉，在出席一次舞会的途中，偶然认识了一个叫夏绿蒂的美丽少女，一见钟情。
夏绿蒂是歌德朋友凯士特南的未婚妻，时年19岁，而凯士特南却31岁。
歌德对夏绿蒂十分倾倒，便不顾一切向她表白了爱情。
这使夏绿蒂惊惶失措，她把歌德的表白告诉了未婚夫，凯士特南对此却表现得无所谓。
歌德知道这个情况后，感到十分震惊，为了自己，也为了夏绿蒂，他立即逃回法兰克福，斩断了这不合适的情丝。
几个月以后，他的另一个朋友叶尔查林，因为爱上别人的妻子，受不了社会舆论的指责，绝望自杀。
歌德知道这件事后，感触很深，使用叶尔查林作原型写了这部小说。
这部小说在20世纪初由“中国的歌德”——多情大才子郭沫若翻译并介绍到中国，同样引起巨大反响，文首那句脍炙人口的“青年男子哪个不善钟情，妙龄女郎谁个不善怀春”，几乎令亿万青年男女为之痴狂。
有研究学者评价，歌德一生在做3件事:写作、做官、恋爱。
事实上，正是他一生轰轰烈烈的恋爱、生活和浪漫情感，才可能造就流芳千古的《浮士德》、《少年维特之烦恼》等文学巨著。
歌德在《要素》一诗中提纲挈领地标明，要想作出一首真正的好诗来，“最要紧的乃是爱情”，其次是酒、“武器之声”和适当的“憎恨”。
这首诗写于1814年，诗人时年65岁，已经历过无数次爱情，写出了无数篇绚丽夺目的爱情诗篇。
歌德一生虽只有1位妻子，只生过1个孩子，却和无数女人有着剪不断、理还乱的关系。
他的129部作品，多以自己的爱情生活为背景，且有亲笔所写的15卷日记可供索引。
其爱情之绚烂多彩，与作品之烟波浩淼相映成趣。
周国平就曾说:“没有爱情，就没有歌德。
”全世界研究歌德的学者不计其数，对于他背后的女人，却至多评说一句:“歌德一生不停地爱上新的女人，可又在每次情欲汹涌时逃开了。
”歌德一生至少爱过10几个女子。
在1788年39岁时与克里斯蒂安娜·福尔皮乌斯同居前，他已经同至少7个女人有过恋爱关系。
青年时代的歌德性格活跃，感情丰富，遇见漂亮的女人便情不自禁要去追求。
尽管如此，他一想到要同某个女子结婚并长期生活在一起，便又有些胆怯，于是一次次退却和逃避。
“他在情场中总上演不辞而别的戏码”。
正因如此，他的前7次恋爱都以失败告终。
有人说，歌德是一个有魅力的人物，其中最重要的原因就是他人生的丰富性。
这表现在许多相互映衬的方面。
基本上每个这样的方面都被人研究了数十年之久，并在一定程度上构成一篇独立的传记。
两个特别的方面就是他和女人的关系和他的疾病，这两者也是对抗的：女人通常标志着歌德生活发展的开始——新的一页被打开，而一些严重的疾病则表示末尾、结束，也可能是逃避。
歌德漫长的情史女人是歌德这部人生盛装大戏的主角，是他所有鲜活生动作品源头的那道清泉，也是点燃他写作激情原子弹的那一小块高爆炸药。
女人，既是他的海水又是他的火焰。
到底歌德的女人有多少，她们都是谁，在歌德已去世逾170年的今天，在德国文学研究史上，还是歌德巴赫猜想。
1765年，16岁的歌德遵从父命，来到素有“小巴黎”美称的莱比锡学习法律。
大学刻板乏味的生活，使青春勃发的学子感到远离家乡的孤独和失望。
相貌堂堂、英俊潇洒的他常去一家餐馆就餐，不久便与餐馆老板的女儿、比他大3岁的安娜·卡塔琳娜·舍恩科普夫打得火热了。
一个是苗条可亲、聪明伶俐的怀春少女；一个是满怀抱负、才华横溢的大学才子，真可谓天合之缘。
这是歌德人生的初恋。
他对朋友莫尔斯说:“现在，我第一次享受到真正的爱……”这份爱激发他创作了洛可可风格的欢乐、轻快的抒情诗，其中之一就是《安内特之歌》。
1768年春季，这段一开始就遭受压力的爱情，因为歌德极度的嫉妒而结束。
两人常常在相爱中互相争吵，又在争吵中相爱着，但终于失去了耐心。
期间，歌德又创作了剧本《恋人的情绪》。
在这部恋爱剧中，当一个嫉妒的恋人意识到他也可能不忠实时，就摆脱了他的嫉妒心。
关系结束后，歌德临走前仍给安娜写了几封完全是彬彬有礼的信。
而她在1770年嫁给了受人尊敬的法学工作者卡纳博士，他后来成了莱比锡市的副市长。
1770年在斯特拉斯堡，歌德认识了牧师的女儿弗里德里柯·布里翁，两人热恋，并把一些诗献给她，其中有《欢乐与别离》、《野蔷薇》等。
1772年歌德从法兰克福到威兹拉帝国法院实习。
在一次郊外的舞会上，他邂逅了19岁的夏绿蒂。
夏绿蒂是个一顾倾城、再顾倾国的惊世美人。
歌德明知她已是别人（公使馆秘书）的未婚妻，罗敷被嫁，名花有主，仍不可救药地爱上了她。
而夏绿蒂叹服的仅仅是歌德的才华，她很爱自己的未婚夫。
年少的歌德深受打击。
每到晚上，他都拿着一把短剑在胸膛上比比划划，体会剑锋投进胸腔，一了百了的痛快淋漓。
当然，歌德并没把剑刺进去。
他只是选择了逃离，且不辞而别。
后来夏绿蒂与心上人喜结连理，歌德也收到了请柬，却并没有参加婚礼。
他托人捎给夏绿蒂一封信:“我爱夏绿蒂。
我是幸福的。
您知道我的爱情是不会变的。
”在此前后，歌德其实又移爱上了罗蜜莲。
这位美丽的少女同样拒绝了歌德，听从父命嫁给一个比她大15岁、并有5个儿女的鳏夫银行家。
这是歌德在爱情上最后一次败给金钱，也是最为刻骨铭心的一次。
不久，歌德便以自己跟夏绿蒂5个月的交往为素材，写出《少年维特之烦恼》，面世之后一炮而红，洛阳纸贵，成为德国第一部真正获得欧洲和世界声誉的作品。
然而，少年成名的歌德并没履行“永不变心”的誓言。
没过多久，他在《我的爱，我的新生活》一诗中写道:“爱情，爱情你放开我
”这个爱情的对象早不已是夏绿蒂，而换作另一位16岁的美丽姑娘莉莉·勋纳曼。
莉莉是法兰克福银行家的女儿，也是唯一与歌德订过婚的女人。
歌德十分依恋这位美女，但正是这种依恋使他恐惧，他深怕自己就此沉溺在她的浓情蜜意中，从而忘记远方地平线对自己灵魂的呼唤。
也可能是因为资产阶级小姐毛病太大吧，使歌德常限于痛苦的境地：离开她，便思念她；和她在一起，生活方式又不能苟同。
像歌德这样一个已把心灵交付给大自然、交付给情感和思想的人，怎能容忍在灯红酒绿的社交场合浪费生命
于是，他借当时创作的剧本《斯台拉》表露心事:“这种环境会窒息我所有的力量，夺走我灵魂的全部勇气。
我必须离开。
”为对付这种困惑，他甚至专门去瑞士旅游了一次，企图以此赢回清醒的头脑。
订婚不过半年，歌德就提出与莉莉解除婚约。
宣布时他未敢露面，而是逃离了法兰克福，再次不辞而别。
之后，他写下了《莉莉之歌》和《莉莉的公园》。
在歌德的众多逃离中，最著名的莫过于为期2年、隐姓埋名的意大利之行。
歌德研究史称之为“歌德潜逃意大利”。
国内很多研究歌德的文章都会提及“潜逃”的结果：写就经典散文《意大利游记》，却对“潜逃”缘由含糊其辞。
潜逃意大利的歌德，除了厌倦“鄙俗的德意志”，厌倦“懦弱的资产阶级”，他还想逃开夏露笛·冯·施泰因。
这是歌德生命里不得不说的一个女人。
那是1775年，26岁的歌德在德国东部的魏玛。
夏露笛比歌德年长7岁，是典型的宫廷贵妇，风度优雅，具有迷人魅力。
33岁的她，正处于一个女人水丰草肥的成熟季节。
（但也有人说，夏露笛长得极一般，是个典型的“第二眼美女”，歌德并非对她一见钟情，而是第二年才主动追求她。
她再次证明了那句话：“女人不是因为美丽而可爱，而是因为可爱而美丽。
”）她精通法语，喜好钢琴、绘画和诗歌。
然而，她的丈夫，一位整日侍弄宫廷马匹的掌马大臣，却对她的才华毫不在意。
就在这时，夏露笛遭遇了曾经沧海、经历丰富的歌德的狂热追求。
两人虽日日见面，而且是在魏玛那样一个弹丸小城里，可仍频频通信。
在他们交往的日子里，歌德给夏露笛写了1800封信，不乏华彩之章。
他写道：“我不想再说什么我与你永不分开，什么高山大川也不能让我却步。
”“我陷入了命定的忧伤之中。
我真想大声嘲笑自己：每当我爱上一个女人时，她一定不爱我。
”在歌德如此炽热的情感炸弹与言词野火的进攻下，夏露笛却居然过了5年后才解除红装，投怀送抱，其坚固超过欧洲冷兵器战争史上任何一个被围攻的城堡。
她越拒绝，而他越热烈。
反过来说，用5年的生命去等候一个女人，在歌德而言也是绝无仅有。
当然，这也是值得的。
对于歌德来说，夏露笛是他的3个女人。
他后来说：“夏露笛渐渐代替了我的妈妈、姐姐和情人。
我们之间生成了一条纽带，那是大自然的纽带。
”夏露笛堪称歌德的精神教母，歌德可说是踏着她的灵魂和肉体走出了“狂飙突进”的青年时期，继而登上千古不倒的古典主义文学神坛。
歌德研究者们认为，在结识夏露笛之后，他的文学风格开始向平和澄净发展，代表作有《汉斯·萨克斯的使命》、《哈尔茨山东游记》、《渔夫》、《魔王》等。
老年时，歌德虽不止一次公开表示过，夏露笛对他的影响堪比莎士比亚诗歌，但他还是在与之相识后的第6年，秘而不宣地逃去了意大利。
原因是，这个像妈妈一样的情人，老母鸡一般时刻展翅圈围着他，开始让他喘不过气来了，而他又厌倦了她，激情不再。
之后，歌德把他在意大利写给夏露笛的信一同编入了《意大利游记》中。
自然，像所有天才一样，歌德理所当然地忘记了自己不辞而别给夏露笛留下的深深伤害。
他甚至连一声“对不起”也没说。
歌德在意大利的情感生活同样多姿多彩。
遇上美丽的米兰女郎丽吉，并一直坚持到她解除婚约才离开。
另外，至少还有一个我们现在不知道名字的美女，歌德自己称她为“浮士德娜”。
他还认识了已婚美女画家卡安佳，并与她深入发展了旖妮奔放的友谊。
还有克里斯蒂安娜·弗里德里柯·威尔翰米娜·弗罗曼（即米娜·海尔茨利普），作家在其长篇小说《亲和力》中以“奥蒂莉”的形象为她树立了永恒的纪念碑。
歌德虽对大多女人无情，对妻子伍碧丝（即克里斯蒂安娜·福尔皮乌斯）的态度却大相径庭。
她是23岁的打工妹，一头棕色卷发，芳华正好。
歌德说过，相对夏露笛的雍容华贵，水晶般透明的伍碧丝是“大自然的尤物”，未经雕琢，浑然天成。
当时她专程来找歌德，希望求枢密顾问给她的作家弟弟一个职位。
伍碧丝是个制花女工，出身低微，歌德则身处魏玛上流社会，两人的爱情一直受到贵族圈非议。
面对歧视，面对歌德时不时的感情出轨，伍碧丝始终忍耐，具有伟大的牺牲和奉献精神，她让歌德明白:身边的情人随时在变，但真正能使之惦念的只有妻子一人。
他们于1788年开始同居，那时歌德已39岁了，接近不惑之年。
在共同生活了18载后，伍碧丝终于和歌德有了夫妻之名。
伍碧丝不但坚强，而且热爱生活，性格开朗。
她喜欢红酒、骑马、滑冰和跳舞，有一次甚至把舞鞋都跳穿了。
而她能成为唯一的“歌德夫人”，有人说，其4大法宝是：倾听、尊敬、宽容、厨艺。
当丈夫出外旅游后，她会托人把他酷爱的葡萄酒、烤羊肉和火鸡不远万里地送到异地他乡。
二人的结合，也是德国文学史上一段脍炙人口的传奇:那年，德法战争中，法军一度打进魏玛。
士兵们闯入歌德家中，欲行劫掠，险些将这位意图抵挡的大师打翻在地。
此时伍碧丝站出来高呼:“你们不能打他
他是德国最伟大的诗人
”她的勇敢保护了歌德和他们的家。
据说，就是这一刻感动了歌德，使他下定决心迎娶伍碧丝。
而这也就成了伍碧丝正式成为歌德夫人的仪式。
当时参加婚礼的，还有他们已年满17岁的儿子奥古斯特。
那是1806年，歌德好友席勒已去世1年多了。
此后，夫妻俩又在一起生活了10年。
伍碧丝因身患尿毒症，于1816年去世。
伍碧丝去世带给歌德的痛苦无法形诸笔墨。
她去世当天，歌德的日记写道：“我太太的终点将近。
生命尽头可怕的挣扎。
近午时分，她去了。
我的体内，和体外，一片空虚和死静。
”歌德遇见舞蹈演员魏玛娜，是在伍碧丝去世前的1814年。
相比夏露笛和伍碧丝，他俩的爱情就是昙花一现，但那也有昙花一现的耀眼夺目。
65岁的歌德对30岁的魏玛娜一见钟情，而魏玛娜也深为歌德的成熟睿智和妙语连珠所吸引。
他俩灯前起舞，月下漫步，彻夜长谈，度过了美妙的时光。
lo裙、lolita和洛丽塔都是一个意思
在瞬息万变的时尚界，喜新厌旧是时刻都在上演的戏码，永葆魅力几乎成为奢望，然而，卡尔·拉格斐站在时尚云端，以他一贯睥睨的姿态，引领时尚，颠覆时尚，超越时尚。
他是时尚圈内极富明星气质的设计师，个人特色相当分明，其光芒甚至超出了许多好莱坞大腕。
不论出席任何场合，他总是一袭黑衣，脑后扎个马尾，手中持着一支来回不停的折扇，脸上挂着一副时代久远的渐层墨镜，谁也无法洞察的眼睛，所以他时常语出惊人；他精通德、英、法、日、意大利语，应对各国媒体采访时皆能以流利的语言侃侃而谈；他——便是Chanel、Fendei、Lagerfeld Gallery的设计灵魂卡尔·拉格菲，人们称他为“时装界的老佛爷”。
初生之犊 炙手可热 1938年9月生于德国汉堡，卡尔·拉格菲的父亲是卖炼乳的商人，母亲是内衣销售员。
14岁时全家移居巴黎，并在此完成了学业。
而当60年代初成衣业显露头角时，秉持着对服装的热爱，他的父亲从此便认定他的事业发展轨迹，于是他设计一切与时装有关的东西：服装、面料以及配件，并且将各式顶级的皮革与皮草进行了时尚化的视觉改造。
卡尔·拉格斐正式成为女装设计师是在一位亲戚新开的名叫柯洛耶的服饰店工作，服饰店建立的目标，是认为可将高级时装款式里的高贵典雅与“成衣”的快速流行特性结合在一起。
1972年10月，卡尔·拉格菲设计的“Chloe 1973 春夏时装系列”大获成功，并成为当时的报纸头条新闻。
卡尔·拉格斐的店名和他那优雅迷人的气度使他名声大振。
1992年重新担任该品牌设计师。
这样的天赋与才华，被居于领导地位的时尚品牌Fendi姐妹所发掘、并且赏识有加，也因此展开了彼此长期合作的默契，卡尔·拉格菲更成为了Fendi整体形象的改革者。
1965年为Fendi品牌担任设计至今，同时Fendi著名的双F标志也是出自卡尔之手。
卡尔富有戏剧性的设计理念使芬迪（Fendi）品牌服装获得全球时装界的瞩目及好评，将Fendi推到了高级时装的一线地位。
接管“睡美人”香奈儿 1983年，卡尔·拉格菲受邀成为Chanel的首席设计师，然而，如他所言：“我接手香奈儿时，她是个睡美人，甚至称不上美人，她睡到打鼾了”。
这位来自德国的设计师，用他血液里天生就有的精准与冷静，将Chanel重新包装出新世纪的风貌。
年轻的拉格菲在第一季时就剪破Chanel雪纺长裙的裙摆，搭配Chanel外套，再加上鲜艳夸张的假珠宝饰品，让习惯Chanel优雅传统的时尚界非常震惊。
Lagerfeld Gallery的服装就如同拉格菲本人一样，轮廓鲜明而具有强烈的层次感，在简单的服饰线条下透露出神秘的魅力。
由于他拥有深厚的学术内涵与源源不绝的创造力，以及对于女性躯体的细心观察及天马行空的无限创意，一年之内便发展了16条系列线，数目惊人。
黑、白两色是拉格菲最广为使用的色系，不时地在整体系列中穿插明亮色彩，线条纤细、材质轻薄的长外套，是其代表特色之一。
粗心的人是永远也无法体会Lagerfeld Gallery服装设计的细腻之处，而细心的人则会从接触这个品牌开始，在不断体会服装奥妙的同时，对设计师的魅力也心悦诚服。
但是，最能代表拉格菲成就的，还是当属Chanel。
人们常说，拉格菲是最能领会Chanel时装真谛的男人。
从他接管Chanel王国开始，他做的第一件事便是建立备忘录，从第一件衣服开始，按每年、每10年的顺序排好，并着力揣摩分析Chanel在1939年以前约15年中的全部作品所折射的女性形象。
法国路易十四时代的装饰风格，十八世纪洛可可纹饰和浓郁东方风味的日本屏风画，都成为他创作灵感的来源。
他的时装总是充满了一种难以言状的情愫和无法拒绝的诱惑力，继承着Coco Chanel的精神内核，却又充斥着属于拉格菲“我行我素”的自恋。
拉格斐的艺术廊 在拉格斐眼中，“最值得”的部分就在于通过不断的工作，把自己的触角延伸到时尚之外的许多领域。
身为时装设计师，如果只专注在时尚行业，未必可以做到与整个世界保持如此充分的联系。
“我所做的每件事都有所联系，它们肯定与我的生活环境或条件有关，我从不做相互没有关系的事情。
” 1998年，拉格菲为自己制定了新的挑战：把时装、书籍和摄影三大爱好综合起来，创造自己的世界。
他梦想着建立一个独一无二的描写个人情感的世界——拉格菲艺术廊，从而向世人完整展现自己渊博的知识、丰富的文化素养和永远的前卫品味。
他在巴黎Rue Lille 开设了一家名为“7L”的书店，他本人还收藏有30万本书籍，足以在家里构成一堵壮观的景观墙。
这些书籍的主题涵盖了时装、摄影、文学、插画广告、建筑等等。
“我的生命中最重要的三样东西就是时尚、摄影、素描。
” “我虽热爱我的工作，但它和摄影，阅读同等重要，它是我生活的一部分”，对拉格菲而言，艺术的重要性不啻于时装本身。
由于对于自己设计的服装系列拍摄出来的效果不满，拉格斐决定走到相机后，亲自掌镜。
拉格斐的信条是“看，多看，无所不看”。
他怀着极大的好奇和与生俱来充沛的生命力，以无所不包的视角观察周围的世界再从中筛选，静观万物之后，他开始拿起镜头拍摄人像、风景、建筑、乃至景物。
对许多摄影师来说，每一次曝光都有风险，不能重来，这也是摄影吸引拉格斐的独特魅力所在。
“照片所捕捉到的瞬间，已一去不复返，再也无法重现。
摄影有种近乎忧郁，短暂却也永恒地特质，所以摄影才会如此迷人。
”他的灵感之泉绝对不是单纯的狂热，身后的艺术文化底蕴使是其作品别致隽永。
摄影历史上，摄影家兼具别种角色的颇不乏人，法国印象派画家Degas，《爱丽丝梦游仙境》作者兼数学教授Lewis Carrol，雕塑家Brancusi，在摄影和各自的专业领域均享有盛名。
这些多才多艺的摄影家各自以不同的方式拍出了独特而创意十足的作品。
而拉格斐是因为原本热爱绘画激发了他对摄影的兴趣。
线条画出形体，而形体拥抱光线。
“我以创作绘画的方式来创作摄影；但光线却给了它不同的象限。
”从这个角度来说，拉格斐按下快门并非是以光线来写作和绘画的。
他最近的一场游戏，便是2011年倍耐力年历的拍摄。
他选择一个最古老的命题——神话。
“如今，摄影已经成为我生活的一部分。
“有了它，我的艺术观就圆满了。
我已经无法脱离摄影师的眼光，总是通过相机镜头来观察世界、观察时装。
这种习惯为我的工作建立了一个客观的视角，我因此获益良多。
” “老佛爷”的烟火生活 工作、出行、着装、爱情、友情……这些我们普通人所能触及到的烟火生活，这位“时尚界的老佛爷”也时刻经历着。
剥离崇拜的眼光，无论是成长经历亦或生活态度，拉斐尔的确有他过于常人的独到之处。
他对于自己工作态度的评价是：我的童年还算过得去，我从没苦读或取得任何证书，我完全即兴创作，我甚至不够可靠，但我努力工作，但我恨工作狂，工作态度要轻松，你得认真看待，而不是夸耀，要识时务，去做而不是光说。
拉格斐出行时有个与众不同的小习惯：坐车的时候总会紧张到胃疼，从小我必须放东西在腹部上，随身携带保姆做的小垫子，这个垫子从10岁的时候就拥有了，上面还有火车的图案，这就是有趣的地方，我旅行时不能没有它。
关于“成功”，他也有自己的定义：一次成功不具意义，你得一次再一次超越它，最好还能有所不同，如果你还留恋现在，那你就守住现在的成就，无所谓，但那不是我的心性，我痛恨它，人们总爱谈论往日时光的美好，纵然那并不全然美好，谁在乎呢
但却让现在的事物显得次要，倘若过去那么好，那放弃现在算了，反正再怎样都没有以前好，一切要有所不同，你得顺应潮流，别老说“优雅定义与昔日不同”，概念、观念与观点瞬息万变，固执某件事只会导致不良的开端。
尽管已经是“老佛爷”，但孤独仍然常伴随着拉格斐：那是我的秘密，别说那些关于孤独的陈腔滥调，之于我这种人，孤独是一种胜利，这是场人生战役，像我一样从事创意工作的人，必须独处，让自己重新充电，赞成每人都应该有独立生活，将别人当成依靠，对像我这样的人来说很危险，我必须时时刻刻如履薄冰，并在它破裂之前跨出下一步。
我热爱人群，更热爱孤独，我需要有自己的时间，让自己充电，无法每天24小时与人为伴，我不适合婚姻生活，有些时候我需要独处，这是好事，我痛恨无法独处的人。
生活在“时尚”中，拉格斐自然对时尚有着深刻的理解：时尚世界让我快乐，我乐在其中，常有人说“哪里不适合他”，但我处处逢源，还有人说“受不了时尚，建筑师优于设计师”，听了让人沮丧，时尚人士很吸引我，如果我不摄影、不以时尚为业，我就无法做到今日做的事，如果你还住在象牙塔里。
关于拉格斐有太多值得讲述的话题，一个人可以构建一个世界，在时尚的王国里，他无愧于“老佛爷”这个称号。
母亲的话总是对的 若说“女人如衣服”，那么对于拉格斐而言，大多数女人，甚至不及时装更让他痴迷。
在拉格斐所经历的生命里，除了他自己，唯一执着的“爱人”就是他的母亲。
六岁的时候，拉格斐的母亲告诫他“要么闭嘴，要么努力”。
在他十二岁的时候，被一男一女侵犯，回来告诉母亲后，母亲却说，“你看看你自己吧，都是你自己的问题，你不招摇，别人干嘛要那样对你”。
当拉格斐因留长发被老师训斥时，这位母亲站了出来，把他的领带扔到他脸上，吼着说：“凭什么
你以为这是在纳粹时代吗
” 与人交谈的过程中，拉格斐时常引用母亲的话，坦言“她总是对的”。
他对他的母亲评价很奇怪，但是给了她最高荣誉，虽然有鄙视其他母亲之嫌。
“她很完美、风趣机智且大胆，我没见过比她更厚脸皮的人，但她很能说服人，她能不讲道理，对人颐指气使，喜欢奴役爱人，能对人予取予求，而且从未感谢过任何人，她一定天生就具备这种才华，也有诙谐的一面，无庸置疑，她能对世事轻松以对，无忧无虑，这是种美好的生活态度，内心深处，她或许也会紧张严肃，但她总散发轻佻的气息，不会大惊小怪，不为形势所动，不会把乌鸦视为不祥之兆，和典型的德国母亲截然不同，德国文学时，母亲总是很无趣的角色。
她不是动不动就骂人的母亲，比较疏离，你得赢得她的关爱，从不让你感到窒息，也不亲亲抱抱，我讨厌她，但决不跟人交换，她太棒了，别人妈妈都很蠢 。
”也许正是这样一位另类的母亲，成就了我们今天所见的拉格斐。
历程评述： “我不想在别人生活中显得真实，我想成为幽灵，现身，然后消失。
我也不想面对任何人的真实，因为我不想面对真实的自己，那是我的秘密。
”就像我们仍然无法窥视拉格斐终年隐匿于墨镜下的那双眼睛，是否会有柔软或者迟疑，他带给人们的震撼已经足够消解轻薄的好奇心。
成功有太多的必然，也有无数的偶然，在偶然与必然之间，只有一小部分的幸运儿能捕捉到成功的瞬间，拉格菲尔德就是这样的人，率性的生活、随意的工作，用自己的理念左右世界的时尚，用独到的思想打造起完美的帝国。
审美的本质和特征
审美的本质:美术教本质是审美教育审美活动审美需要和动机为动力审美经验为基础的欣赏和创作过程，随着社会发展和人类文明的进步，审美已经渗透到社会各个角落，美术也从单纯的观赏进一步走向实用、贴近生活。
在初中教育由应试教育向素质教育转变的过程中，审美教育是初中美术教育的核心，初中美术教育如果不突出审美能力的培养似乎已失去了价值。
但在审美能力的培养过程中同时更加要重视创造性思维能力的培养。
在美术教学中，让学生接受丰富多采的实践活动，结合课堂的理论知识进行形象思维的创作活动，使学生积极的想，主动的想，培养勇于探求的精神，从而提高学生的综合能力。
我从教六年，在教育实践中，曾尝试着对学生进行创造性思维的培养，用理论和实践相结合的方法教学。
顿感效果颇佳，特在此文点露浅显之见，与广大同行探讨。
一、针对性练习促使学生动手创造。
所谓针对性的练习，即学即所用。
把理论知识转化生活使用技能的一种尝试，把抽象的理论转化形象的创造思维的一种形式。
初中美术教材中收编了大量美术理论知识，又概括了以理论为基础的实用制作，如初一的图案基础，初二的装潢美术设计，都是有计划有目的的循序渐进式的内容，教师只有掌握教学大纲，因材施教，布置针对性的作业和练习，使学生能够塑造符合自己审美情趣的艺术形象。
应该说每位学生都有隐藏性的天赋，只有表现不一罢了。
要挖掘他们的表现力，只有通过教师引导，使他们在心理上产生一种创造欲和表现欲，对于自己创造的艺术形象自然也有满足感，从而在学习上带来很大的信心，产生浓厚的兴趣。
我在初中美术工艺课中选择里几例针对性练习，对于增强课堂气氛和学生自我创造力有不小的作用。
如在初二册的广告课中，我选用了熟悉的“百事可乐”、“百威啤酒”等广告，让学生体会其创意，分析广告内涵，运用讨论形式，你一言，我一语，唤起他们的创造力与想象力。
在初二的标志课中，除了必要的理论知识传授外，我还运用大量的熟悉的标志让学生自己体会其形式和设计寓意，从而在自己的设计创作中得以应用，在练习中我特地选择了本校下一届的校运会标志设计的征集，这样学生设计创作目的明确，同时也加深了设计的好奇心理，即教育了学生热爱学校的主人翁的思想情感，又乐于大胆的创造和动手的实践性。
在学生心目中跃跃欲试，都想自己的作品得到价值的体现。
这样，越是学生熟悉的，喜欢的事物，学生越能积极的参与，不仅激发了学生创造的愿望，而且还将自己的热情展现与作品之中。
所以我觉得针对性的练习在初中的美术教学中，不光能更好的掌握和理解知识，同时对学生的创造思维的培养起着举足轻重的作用。
二、重视学生，在写生课中培养学生的审美情趣和创造力。
实践性强是美术课教学的重要特点。
丰富多采的实践活动是学生创作的源泉。
写生虽说是专业美术的基础训练，但艺术的创作往往都来源于生活，是自己对生活的感受的体现，写生也能够极大的提高学生的观察力，并由此而带动学生综合能力的发展，让中学生进行写生练习，首先能提高学生学习的兴趣，因为他们对走出室外充满好奇心理，对自然的亲身感受远高于对书本范例的感受。
不少学生还存在描绘大自然的想法。
其实这一切都有助于学生提高学习情趣的感受力。
其次，出外写生也有助于学生感受自然，提高审美能力和创造能力，因为创造思维的萌发，取决于学生头脑中接触过的，熟悉的事情，多感才能多知，根据学生主观感受，表现情趣，来加强艺术感染力。
虽然，外面的景色也是司空见怪的，但此时却不然，他们带着目的走向室外，较系统地、较理性地来认识客观事物，反而使学生有一种由然而生的爱意，原来自己的家乡是多么的美，他们对自然能产生的爱就会在画笔与颜色中得到宣泄，不管画出来的作品如何，可也是学生感情的投入，特别在色彩选择上经过深思熟虑而创造出来，单从这点上看来写生课既让学生接受到一定的感情教育，又能让学生发挥自己的主观能动性和创造性，这在教室里是很难体现出来的，这给学生以最大的表现空间，用自己的眼睛、自己的心灵来客观的体会写生物体。
再次，写生能促进学生思维能力的发展，思维是高级的认识活动，是智力的核心。
美术教育在此方面功能独具，而作为其形式之一的写生活动，在促进思维发展向的作用不容低估。
通过学生对写生对象的理解，用过对复杂的多体组合物之间的比较，培养鉴别能力，树立层次、空间、节奏等观念，使产生逐步掌握形象特征，使他们闭着眼睛也能感觉物体的形支体。
如树的结构，景物的空间关系，色彩关系等。
从而使他们在物的认识上更深了一层次，在一定的程度上我觉得审美能力就有所提高了。
这样为他们的创造也打下了良好的基础。
审美的特征:实用艺术是指与人们物质生活、生产劳动有直接关系的艺术门类。
一、工艺美术1.定义：指创作者按照美的规律设计，通过工艺手段对物质材料加工，制作出装饰环境、美化生活的物品的造型艺术。
如：实用工艺——陶瓷、金属、塑料制品等特殊工艺——玉雕、牙雕、装饰壁挂、漆器银器、珐琅刺绣等。
（相关的工艺品的图片）2.工艺美术的审美特征(1)充分利用物质材料的自然美质（玛瑙雕《虾盘》）(2)独特精湛的技巧、工艺《核舟记》(3)悠长、突出的装饰意味（民间剪纸）二、建筑艺术画面：中国古代建筑、现代建筑、西方古代建筑、现代建筑说明建筑艺术的外形、内部结构、门窗造型、色彩藻饰、布局位置的特点及其承载的民族文化和时代精神。
建筑艺术的审美特征：1.丰富的造型语言（哥特式教堂、巴洛克和洛可可建筑）2.特定的环境要求——自然环境和社会氛围（中山陵全景）3.深邃的象征表现力(1)象征手法：具象的象征手法——“一池三岛”抽象的象征手法——基督教建筑两种手法合一——天坛(2)象征的含义A.时代精神的象征（欧洲古代至现代建筑的代表作）B.民族文化的积淀（中国建筑的艺术性格——温柔敦厚）C.个人情感的表现（瑞士的朗香教堂）上一页下一页我们从远古时代的洞窟中所发现的岩壁画,到历代不同时期所创作出的不同类型和风格形成的画作媒体,以及到现今的广告海报和前卫的数字化视觉媒体等知悉——“艺术”本身都随着不同时代的意识形态、社会科技的演进而有所改变,并不断借着“艺术家”来诠释和展现各种不同的艺术类型、题材和媒体的创作力。
Z0dH艺术与设计在它们产生起就是一对不可分割的矛盾，艺术讲求个性的体现而设计在于大众，设计的构思来自生活而其作品又服务与众人。
现代设计在艺术性和实用性上和以前的设计已有了翻天覆地的发展和变化,而与其他艺术艺术作品的发展和变化不同,设计的发展不仅和人们哲学观念有关,而且它还一直是跟随着科技的发展而发展的。
\\\/r*$W今天绘画等艺术形式都发生了巨大的革命,许多在“传统艺术”作品中展现的技法和效果,已陆续被电脑技术突破和革新,并成功地一一在“数字化艺术家”的“电脑画布”上呈现。
今天我们展开一页页的艺术发展史,从远古的石窟岩壁上所勾勒出的人类生活形状,以致到了现今人们利用电脑描绘出的图象形状,都同样是展现出多样“视觉艺术”的风貌。
假若世界上真的是只有“艺术家”而没有艺术，而“艺术家”借着其媒介的表现技法，用构图、线条、色彩、声音或文字等表现形式将自己的美学、情感和理念的内涵，通过艺术的活动来传递给具有共同经验的共鸣者，就可称之为“艺术”的话，那么21世纪的设计家和其他艺术家们运用着“电脑绘画”技术作为媒介的表现技法，可称为艺术的革新。
可是这种艺术表现形式同一切新事物一样受到某些缺乏创新精神的人的反对和唾弃。
但是今天不管我们是不是接受这一艺术革新,它已经深入了现代人的生活,也将是未来设计发展的趋势。
[1H设计的发展历史十分漫长，考古材料证明，实用工艺设计是人类历史上最古老的艺术种类之一。
早在原始社会，人类的祖先就开始用兽皮、兽骨、象牙、羽毛来装饰自己。
尤其是新石器时代大量出现的彩陶至今仍有很高的审美价值。
例如马家窑出土的一件尖底瓶，瓶上画有四方连续的旋纹，给人一种流动的韵律感。
尖底瓶这种造型不但美观，而且实用，它这样上重下轻是为了便于倾斜取水。
可见，原始社会的先民们就已经把实用和审美统一到实用工艺品的制造之中qnccHl显然,任何实用设计首先都应当具有实用性,如建筑应使人们在居住时感到舒适方便,实用工艺品应使人们在使用时感到称心如意等。
设计的实用性应当符合人类不同实际活动的需要。
如建筑从整体上看,其主要功能是避风避雨,为人们提供舒适方便的室内空间场所,但不同的建筑类型又具有不同的用途和功能。
在设计中实用性与审美性紧密的连系在一起,但应以实用为主, 审美从属于实用,服从于实用。
如陶瓷茶具、酒具,以及竹编篮子、筐子等,都首先应当让人感到方便适用,然后才谈得上漂亮美观。
因此,实用工艺品在设计制作的过程中,常常都是首先考虑到使用效果,根据实用特点来进行艺术处理与美化装饰。
这方面,我国古代的一些优秀工艺品堪称典范,例如河北满城出土的西汉“长信宫灯”,既是一件新颖独特的青铜工艺品,又是一件方便适用的生活用品。
设计还和生产技术具有紧密的联系,物质材料对实用艺术有直接的制约和影响。
建筑材料从木石砖瓦到钢筋水泥,不仅直接影响到建筑设计和施工,而且直接影响到建筑美学思想的变化。
不仅如此,设计的实用性还往往要考虑产品的用料、费时、加工和成本等经济方面的问题,尽量作到省工省料和降低成本，使其具有较低的消耗和较高等使用价值。
FQa与此同时，实用艺术又应当具有审美性，即满足人们的审美需要和精神需要。
由于实用艺术在我们日常生活中随时随地都可以见到，所以它几乎每日、每时、每刻都在发挥着审美作用，给人们以美的感受，从而在实用的前提下兼有审美的功能，达到物质与精神统一。
例如，我国数量众多的古代建筑艺术和园林艺术，以其独特的艺术魅力，成为名胜风景区的精华，使人们在游览观赏时，不但能够欣赏到自然风光之美，还能领略到传统艺术之美，并进而获得丰富的历史文化知识。
8v'#fE因此，实用艺术中，实用性与审美性二者应当是有机统一的。
实用性是审美性的前提和基础，审美性反过来也是可以增强实用性。
所以，实用性和审美性二者相互促进，缺一不可，密不可分，它们构成了实用艺术最基本的原则和特征。
尤其需要指出的是，随着社会生产力的不断发展和人民群众生活水平的不断提高，审美性在实用艺术中的比重越来越大，人们对实用艺术美的要求，比过去任何时候都更加广泛和迫切。
如室内装饰布置就越来越引起人们的关注，从地面装饰、墙面装饰，到花样繁多的灯具、琳琅满目的床上用品，乃至摆设的壁挂、字画、观赏工艺品等，都日益普及，进入千家万户。
随着社会的发展，这一趋势将更加明显。
up现代设计在中国的发展速度还十分缓慢,中国设计与某些设计大国的设计作品还存在着很大的差距。
这一方面是因为我国的科技还并不发达,另一方面也是因为我国设计师在哲学休养上还存在十分巨大的差距。
O对立统一规律是唯物辩证法的根本规律，是唯物辩证法的实质与核心。
它揭示了事物发展的源泉、动力和实质内容。
同样对立统一的规律也适用于现代设计这一艺术领域，也揭示了现代设计多媒体化、数字化的趋势。
近年来在我国电脑设计艺术也有了很大的发展，这也是我国设计界在认识上有了长足进步,正所谓新事物的发展总是需要一定的时间的。
N:}Zvg没有纯粹的艺术,同样也没有纯粹的哲学,哲学总是某时代的意识和人生之诗的精华,可以抽象而高远,似乎不食人间烟火,它是自己的人生,所以总与自己时代的伦理、科学和艺术有深刻的瓜葛和牵连。
哲学总包涵、包括或代表着自己时代的科学主流中的某些东西，是这些东西的升华或抽象。
正如笛卡儿哲学与当时的数学、洛克与心理学、康德与牛顿、黑格尔与当时科学中的进化观念、现代哲学与语言学……的关系一样，美的哲学亦复如此。
正如现代设计这一艺术形式同样与现代科技密不可分，形成了高科技化的发展方向。
l-*$v8实用工艺品设计是现代设计的一个十分重要的方面，实用工艺品，顾名思义首先应当考虑具有实用性，美学的审美性应当寓于实用性之中。
因此在设计创作时，都应当围绕着实际使用的要求来考虑和设计，从材料的选择、外部造型、色彩装饰等多方面，都要结合实用要求来考虑艺术处理和加工等问题。
甚至设计作为观赏用的特种工艺品也不例外，因为它们同样具有实用目的，即美化人们的生活环境，所以也需要在设计中考虑到适应环境和满足消费者的需求。
实用工艺品应当适用、经济、美观。
就是要在满足人们的物质需要的同时满足人们的精神需要,在具有实用功能的同时也具有审美的功能。
特别需要指出的是,随着社会的发展和科技的进步,人们对物质生活与精神生活提出了愈来愈高的要求,不仅希望日常生活用品坚固适用,而且希望这些用品精致美观,甚至把美观放到越来越重要的地位上。
所以,未来设计的范围和领域正在不断扩大。
工业设计将技术和艺术统一起来,努力使各项产品都达到适用、经济、美观的要求。
Yv纯艺术和设计在所要达到的目的上是统一的，纯艺术是通过艺术家的艺术创造力把他的生活经验用某种艺术形式展现给艺术欣赏者。
它的目的只有一个就是给人以精神上的美感，使观众感受到艺术家的心声。
而设计艺术是设计者通过对人们生活的方式和习惯结合美学因素而创作的，它给人们带来实用和美观结合的产品，给使用者带来愉悦。
然而它们在所运用的原理和工作的方式上又是对立的，设计主要考虑的是实用性原理，其次才考虑美学的因素，所谓设计出的作品可以是不美的但一定要是有用的。
而研究纯艺术的艺术家们可以不考虑作品的实用性而专门研究美学因素和个人风格，它所表现的内容可以是抽象的，设计作品却一定要有一个具体的内容。
每一个设计师都应该明白自己的作品中实用性和美观性的主次,了解自己创作的目的。
(+L了解了艺术和设计的对立和统一后，我们就应该学习运用这一特质好好为我们的设计创作服务，避免在设计过程中犯这样那样的错误。
纯艺术可以脱离科技而继续存在，远古时代的洞窟中所发现的岩壁画在今天看来一样是十分的具有美学价值，而把远古时代的洞窟作为居室设计的话我想没有那些现代人愿意居住在里面。
所以我们必须分清设计和纯艺术的界限，艺术就是艺术、设计就是设计。
我们学习的是设计,设计也将是我们未来的职业,所以如何把美学运用在设计作品中现在我们需要解决的问题。
lBm N;对立统一是一切事物的共同特质,如何解决矛盾的对立统一的关系是解决问题的关键,从事艺术的人解决了艺术在形式和内容的矛盾就可以成为杰出的艺术家;设计师解决了实用和美学的矛盾就可以成为伟大的设计家。
在实用中创造美,运用现代和未来一切可以运用的科技来美化人们的生活必将是现代设计的发展趋势。
\\\/艺术需要哲学,设计更需要哲学,不懂哲学的艺术家不是真正的艺术家, 不懂哲学的设计师更不是真正的设计师。
对于我们学习设计的人就更需要学习哲学, 运用可以运用的科技来美化人们的生活,成为一个真正的设计家.
对UI的理解?
设计可分为两个部分：编码与UI设计。
编码设计都很熟悉，但是 UI设计还是一个很陌生的词，即使一些专门从事网站与多媒体设计的人也不完全理解UI的意思。
UI的本意是用户界面，是英文User和 interface的缩写。
从字面上看是用户与界面2个组成部分，但实际上还包括用户与界面之间的交互关系。
界面设计。
在漫长的软件发展中，界面设计工作一直没有被重视起来。
做界面设计的人也被贬义的称为“美工”。
其实软件界面设计就像工业产品中的工业造型设计一样，是产品的重要卖点。
一个友好美观的界面会给人带来舒适的视觉享受，拉近人与电脑的距离，为商家创造卖点。
界面设计不是单纯的美术绘画，他需要定位使用者、使用环境、使用方式并且为最终用户而设计，是纯粹的科学性的艺术设计。
检验一个界面的标准既不是某个项目开发组领导的意见也不是项目成员投票的结果，而是最终用户的感受。
所以界面设计要和用户研究紧密结合，是一个不断为最终用户设计满意视觉效果的过程。
编辑本段UI设计师是做什么的 在中国，UI设计还是一个需要不断成长的设计领域，但eicodesign,Tigocn, lkkui design, Robin design等国内知名设计机构已经进入了探索UI设计的道路。
UI设计从工作内容上来说分为3个方向。
它主要是由UI 研究的3个因素决定的， 其分别是研究工具，研究人与界面的关系，研究人。
研究界面 图形设计师Graphic UI designer 国内目前大部分UI工作者都是从事这个行业。
也有人称之为美工，但实际上不是单纯意义上的美术工人，而是软件产品的产品外形设计师。
这些设计师大多是美术院校毕业的，其中大部分是有美术设计教育背景，例如工业外形设计，装潢设计，信息多媒体设计等。
研究人与界面的关系 交互设计师，interaction designer 在图形界面产生之前，长期以来UI设计师就是指交互设计师。
交互设计师的工作内容就是设计软件的操作流程，树状结构，软件的结构与操作规范（spec）等。
一个软件产品在编码之前需要作的就是交互设计，并且确立交互模型，交互规范。
交互设计师一般都是软件工程师背景居多。
研究人 用户测试\\\/研究工程师User experience engineer 任何的产品为了保证质量都需要测试，软件的编码需要测试，自然UI设计也需要被测试。
这个测试和编码没有任何关系，主要是测试交互设计的合理性以及图形设计的美观性。
测试方法一般都是采用焦点小组，用目标用户问卷的形式来衡量UI设计的合理性。
这个职位很重要，如果没有这个职位，UI设计的好坏只能凭借设计师的经验或者领导的审美来评判，这样就会给企业带来严重的风险性。
用户研究工程师一般是心理学人文学背景比较合适。
综上所述UI设计师就是：软件图形设计师、交互设计师和用户研究工程师。
编辑本段UI设计在中国的现状 目前在国内UI还是一个相对陌生的词，即便是洛可可设计也在UI设计的道路上不断探索客户及用户的需求。
我们经常看到一些招聘广告写着：招聘界面美工、界面美术设计师等等。
这表明在国内对UI的理解还停留在美术设计方面，认为UI的工作只是描边画线，缺乏对用户交互的重要性的理解；另一方面在软件开发过程中还存在重技术而不重应用的现象。
许多商家认为软件产品的核心是技术，而UI仅仅是次要的辅助，这点在人员的比例与待遇上可以表现出来。
但这不是UI设计真正的价值体现，只是UI设计发展的一个必经过程。
我们以物质产品手机行业为例，当手机刚刚进入市场的时候不但价格贵的惊人，而且除了通话以外没有什么其他功能。
由于当时的主导是技术，所以大家都把精力放在信号、待机时间、寿命等方面，对于产品的造型，使用的合理性很少关心。
事过境迁，如今技术已经完全的达到用户的需求，于是商家为了创造卖点，提高争力，非常重视产品的外观设计，除此之外还频频推出短信,彩屏，和铉，彩信,摄像头等等。
这样一来产品的美观、个性、易用、易学、人性化等等都成了产品的卖点。
软件产品与物质产品的发展是相同的。
过去由于计算机硬件的限制，编码设计成为软件开发的代名词，美观亲和的图形化界面与合理易用的交互方式都没有得到充分的重视，实际上这个时期的软件叫作软件程序，而不是软件产品。
现今随着计算机硬件的飞速发展，过去的软件程序已经不能适应用户的要求。
软件产品在激烈的市场竞争中，仅仅有强大的功能是远远不够的，不足以战胜强劲的对手。
幸运的是在国内一些高瞻远瞩的民族企业已经开始意识到UI给软件产品带来的巨大卖点了，例如金山公司的影霸、词霸、毒霸、网标，由于重视UI的开发与地位，才使得金山产品在同类软件产品中首屈一指。
联想软件的UI部门积极开展用户研究与使用性测试，将易用与美观相结合，推出的双模式电脑、幸福系列等成功UI范例，为联想赢得全球消费 PC第三的称号等等、等等.实践证明，各商家只要在产品美观和易用设计方面很小投入，将会有很大产出。
其投入产出比，要比在功能领先性开发上的投入大得多。
我们不得不承认现阶段中国在很多领域都与西方发达国家有相当大的差距，如何赶上并超过他们是我们这代人肩负的历史使命。
软件产品领域不象物质产品那样存在工艺、材料上的限制，软件产品核心问题就是人。
提高软件UI设计师个人能力减小人员上的差距是中国UI发展首要关键的问题。
目前国内各院校还没有设立相对健全的UI设计专业，所以提高UI设计师能力关键在于提供一个良好的学习与交流的资源环境。
国内已经有很多交流设计网站，介绍工业设计、平面设计、服装设计、绘画艺术、多媒体flash等，但是UI设计一直没有受到应有的关注，仅仅被放在数码设计或者平面网页设计的一个栏目里，这仅有的资源对培养优秀的设计师是不够的，必须有一个信息快捷、资源丰富、设计水平一流、专业权威的UI设计学习与交流的地方才能适应日益发展的UI设计师们的需求。
编辑本段UI设计原则 1.简易性 界面的简洁是要让用户便于使用、便于了解、并能减少用户发生错误选择的可能性。
2.用户语言 界面中要使用能反应用户本身的语言，而不是游戏设计者的语言。
3.记忆负担最小化 人脑不是电脑，在设计界面时必须要考虑人类大脑处理信息的限度。
人类的短期记忆极不稳定、有限，24小时内存在25%的遗忘率。
所以对用户来说，浏览信息要比记忆更容易。
4.一致性 是每一个优秀界面都具备的特点。
界面的结构必须清晰且一致，风格必须与游戏内容相一致。
5.清楚 在视觉效果上便于理解和使用。
6.用户的熟悉程度 用户可通过已掌握的知识来使用界面，但不应超出一般常识。
7.从用户的观点考虑 想用户所想，做用户所做。
用户总是按照他们自己的方法理解和使用。
通过比较两个不同世界(真实与虚拟)的事物，完成更好的设计。
如：书籍对比竹简。
8.排列 一个有序的界面能让用户轻松的使用。
9.安全性 用户能自由的作出选择，且所有选择都是可逆的。
在用户作出危险的选择时有信息介入系统的提示。
10.灵活性 简单来说就是要让用户方便的使用，但不同于上述。
即互动多重性，不局限于单一的工具(包括鼠标、键盘或手柄)。
11.人性化 高效率和用户满意度是人性化的体现。
应具备专家级和初级玩家系统，即用户可依据自己的习惯定制界面，并 能保存设置。
编辑本段UI设计的流程 确认目标用户 在洛可可的UI设计过程中，需求设计角色会确定软件的目标用户，获取最终用户和直接用户的需求。
用户交互要考虑到目标用户的不同引起的交互设计重点的不同。
例如：对于科学用户和对于电脑入门用户的设计重点就不同。
采集目标用户的习惯交互方式 不同类型的目标用户有不同的交互习惯。
这种习惯的交互方式往往来源于其原有的针对现实的交互流程、已有软件工具的交互流程。
当然还要在此基础上通过调研分析找到用户希望达到的交互效果，并且以流程确认下来。
提示和引导用户 软件是用户的工具。
因此应该由用户来操作和控制软件。
软件响应用户的动作和设定的规则。
对于用户交互的结果和反馈，提示用户结果和反馈信息，引导用户进行用户需要的下一步操作。
一致性原则 设计目标一致 软件中往往存在多个组成部分（组件、元素）。
不同组成部分之间的交互设计目标需要一致。
例如：如果以电脑操作初级用户作为目标用户，以简化界面逻辑为设计目标，那么该目标需要贯彻软件（软件包）整体，而不是局部。
元素外观一致 交互元素的外观往往影响用户的交互效果。
同一个（类）软件采用一致风格的外观，对于保持用户焦点，改进交互效果有很大帮助。
遗憾的是如何确认元素外观一致没有特别统一的衡量方法。
因此需要对目标用户进行调查取得反馈。
交互行为一致 在交互模型中，不同类型的元素用户触发其对应的行为事件后，其交互行为需要一致。
例如：所有需要用户确认操作的对话框都至少包含确认和放弃两个按钮。
对于交互行为一致性原则比较极端的理念是相同类型的交互元素所引起的行为事件相同。
但是我们可以看到这个理念虽然在大部分情况下正确，但是的确有相反的例子证明不按照这个理念设计，会更加简化用户操作流程。
可用性原则 可理解 软件要为用户使用，用户必须可以理解软件各元素对应的功能。
如果不能为用户理解，那么需要提供一种非破坏性的途径，使得用户可以通过对该元素的操作，理解其对应的功能。
例如：删除操作元素。
用户可以点击删除操作按钮，提示用户如何删除操作或者是否确认删除操作，用户可以更加详细的理解该元素对应的功能，同时可以取消该操作。
可达到 用户是交互的中心，交互元素对应用户需要的功能。
因此交互元素必须可以被用户控制。
用户可以用诸如键盘、鼠标之类的交互设备通过移动和触发已有的交互元素达到其它在此之前不可见或者不可交互的交互元素。
要注意的是交互的次数会影响可达到的效果。
当一个功能被深深隐藏（一般来说超过4层）那么用户达到该元素的几率就大大降低了。
可达到的效果也同界面设计有关。
过于复杂的界面会影响可达到的效果。
（参考简单导向原则） 可控制 软件的交互流程，用户可以控制。
功能的执行流程，用户可以控制。
如果确实无法提供控制，则用能为目标用户理解的方式提示用户。
什么是经典好莱坞时期电影?并举例说明.
无声电影变成有声电影，1930--1960算是好莱坞的黄金时代，1967--1976是新好莱坞时期。
以下转自 百度知道：好莱坞电影自诞生后不久就在国际上占据了重要的地位，时至今日已成为世界电影工业的霸主，活跃于世界的每一个角落。
纵观好莱坞发展史，好莱坞电影美学风格在上世纪的六、七十年代有一次较大的变化，在此之前可以称为经典好莱坞时期，而之后则可成为新好莱坞时期。
第一次世界大战结束以后十年中间，对于美国电影而言，乃是一个征服全世界的兴盛时期。
外国影片在美国两万家电影院的上映节目中已经完全消灭。
在世界各国，美国影片占着上映节目60～90％的优势，每年约有两亿美元被用来生产800多部影片。
电影方面的投资超过15亿美元，这样大的资金使电影事业在美国成了一种大规模的工业，在资本上可以与制造汽车、罐头、钢铁、石油、纸烟这些美国最大的工业相比拟。
派拉蒙、劳乌、福斯、米高梅、环球这些大制片公司，支配着影片的生产以及全世界影片的上映和发行。
它们和华尔街的金融巨头如柯恩·洛埃伯银行、通用汽车公司、杜邦·德·奈莫尔、摩根、洛克菲勒等密切地结合在一起。
自从格里菲斯失势之后，金融资本家所重视的已不是导演，而是电影明星。
后者成了制片公司的一种工具或者商标。
从这时起，影片的真正主人是制片人，也就是那些被华尔街的银行家所赏识与选定的企业家。
电影导演和照明技师、摄影师、布景设计师一样，只不过是每周领取一定报酬的受雇者而已。
制片人利用解除合同这种暗中威胁的办法，把导演过去所掌握的大部分实权，如对主题、明星和技师的选择、剧本和蒙太奇的仔细推敲、布景和服装的监督等等，全部夺取过去。
这样一来，制片人便成了决定艺术成败的一切因素的主人。
他最关切的乃是怎样多赚钱，他的董事会也只根据影片的利润率来估量他的价值。
因此摄制影片完全以票房收入为指导原则。
他们对独立的影评家的评论，满不放在眼中，而事实上，这种影评在美国当时可说几乎全未存在。
但制片人自己只在幕后指挥一切。
在好莱坞露面的乃是电影明星，而“明星制度”也成为好莱坞征服世界的基础。
观众对电影明星的崇拜是用几百万张签名的照片来维持的，广告和宣传在这些偶像周围创造一种传奇的气氛。
明星的恋爱、离婚以及他们所使用的化妆品、住宅、他们喜爱的动物，在某些国家成了一般人关心和津津乐道的题材。
“明星制度”甚至使鲁道夫·范伦铁诺、玛丽·璧克馥、道格拉斯·范朋克、格洛丽亚·史璜逊、华莱士·雷德、约翰·基尔伯特、梅·茂莱、瑙尔玛·塔尔麦琦等人变成了真正被崇拜的偶像。
一些有名的宗教团体对这种竞争深感不安。
清教徒对好莱坞展开了一起起攻击，这些攻击又因一些明星丑事的传播（如：华莱士·雷德因吸毒和酗酒而身死，某一舞女在有胖明星亚布克尔参加的一次宴会上遭到了谋杀，以及某些明星曾犯谋杀或因恋爱犯罪等等），而变得更加猛烈。
此时资本家成立了一个名叫“美国制片人与发行人协会”的机构，这个机构是由一个虔诚的清教徒、共和党领袖威廉·海斯负责组织起来的。
按照海斯的说法，电影变成了旅行商人，“商品跟在影片后面，凡是美国影片深入的地方，我们一定能够销售更多的美国货物”。
当好莱坞了解到这种国际使命时，美国某些明星扮演的人物也发生了变化。
道格拉斯·范朋克在“三角影片公司”时曾幽默地扮演一个强壮、天真、乐观、为女人所喜爱的美国英雄，但到后来却在墨西哥的《佐罗的标记》、法国的《三个火枪手》、英国的《罗宾汉》、东方的《巴格达窃贼》及《黑海盗》中变成一个不可战胜的大力士，一个无所畏惧和无可指责的骑士和保卫正义而且总是获得胜利的人。
随着年岁的增长，范朋克日益喜好巨大的布景、极端的豪华和神秘的力量。
拒绝把自己附属于明星的导演为数可说极少。
随着好莱坞的建立，电影先驱人物不是日趋没落就是销声匿迹。
托马斯·英斯已经故世；麦克·塞纳特虽然还在继续摄制一些优良的作品，但他的声誉却并未因此增长；至于格里菲斯此时则正在逐渐走下坡路。
标志格里菲斯登峰造极的作品，在美国乃是他的《一个国家的诞生》，在欧洲乃是他的《被摧残的花朵》，在电影艺术方面则是《党同伐异》。
但是，商业上的失败终于注定了格里菲斯的悲惨命运。
这位被列入制片厂黑名单的伟大艺术家，在他以后残余的二十几年生命中，再也没有机会导演一部影片了。
好莱坞的拜金主义把它的创始人都毁灭了。
格里菲斯的没落，正好和西席·地密尔的兴隆形成鲜明的对照。
后者的庸俗的商人气息和浮夸的作风，成了好莱坞影片四十年以来的特征。
他拍了各种样式的影片，从浮华喜剧《男性和女性》和其他由格洛丽亚·史璜逊主演的影片，一直到场面豪华的反苏宣传片《伏尔加的船夫》和反对无神论的闹剧片《不信上帝的少女》（片中有对儿童监狱的杰出描写），凡是能够赚钱的影片，他都加以摄制。
地密尔最成功的作品是一些带有浓厚游艺场气氛的大型片，在这些大型片中，地密尔除了取材于圣经上的故事以外，还加进了一些色情的描写。
好莱坞给他一笔格里菲斯所得不到的资金来摄制场面浩大的影片《十诫》和《万王之王》。
地密尔由于承袭了意大利电影的老传统，结果成了最能卖座的商业性影片的导演之一。
弗莱德·尼勃罗模仿他的例子，替高德温和梅育拍了一部叫做《宾虚传》的巨片，这部影片花去了600万美元的摄制费，虽然风行一时，可是收入却不过400万美元。
好莱坞这个骤然之间交了红运的城市，具有暴发户们的那种低级趣味，他们建造的豪华的别墅，硬把罗马的露天剧场和洛可可式的堡垒，天主教的大教堂和摩天大楼结合在一起。
这种建筑上东拼西凑的夸张趣味连同那种说教式的象征趣味，在根据勃拉斯哥·伊巴涅兹的原作改编的影片《启示录四骑士》里表现得最为突出。
这部由雷克斯·英格兰姆导演、使范伦铁诺因此成为明星的超级影片在上映收入上打破了纪录。
英格兰姆在其他影片中——例如在无声电影末期他将结束电影生涯时在尼斯摄制的那些影片中——也显示出这种讲究形式的作法。
好莱坞在成为国际上的强大势力以后，它摄制的题材也变成国际化了。
在它最卖座的无声片中，以美国为背景的为数很少。
在这些影片中，只有詹姆斯·克鲁兹导演的那部极著名的《篷车》直接取材于美国历史，是一部歌颂开拓西部地区者的史诗。
西部片由于托马斯·英斯和W．S．哈特的功劳，曾提高到艺术的水平，但此时的西部片，除了象约翰·福特的《铁骑》这样极例外的影片以外，又变成了一种廉价影片的同义语，由一些专门迎合平民观众的导演和无名的演员粗制滥造地摄制出来。
美国电影这种“失去本国特性”的倾向成了极其普遍的趋势。
亨利·金虽然还能按照托马斯·英斯和格里菲斯的传统，导演了一部完美的、描写美国地方生活的影片《孝子大卫》，可是人们不但不鼓励他沿着这一方向前进，反而导使他去摄制一些流行的言情小说（如《史泰拉恨史》），或者象他以后在罗马摄制的那些影片那样，向着意大利那种场面巨大的影片方向去发展（如《罗莫拉》、《白修女》等）。
由于金融资本的国际联合、审查制度的严格、流行小说被有系统地搬上银幕、明星制度、专为卖座的打算和制片人的拜金主义这些原因，使得美国电影艺术日趋贫乏，这种贫乏和物质的丰富相形之下，显得更为突出。
但美国电影中至少还存在着一个作品丰富的喜剧学派和几部例外的作品，这些影片几乎都是由外国籍的导演摄制出来的。
莱昂斯·彼雷给美国人培植了对浮华喜剧的爱好，加斯尼埃则是系列影片的创造者之一。
除这两人以外，还可以举出肖塔尔、阿尔倍·卡普拉尼，以及协助卓别林导演《巴黎一妇人》的阿巴迪·达拉斯特。
1920年以后，好莱坞为了打倒它的竞争者，大量吸收外国籍的优秀导演和演员前往美国。
莫里茨·斯蒂勒带着葛丽泰·嘉宝来到美国。
但他专门为从德国来的演员波拉·尼格丽和强宁斯导演影片。
他导演的《帝国旅馆》和《罪恶之街》这两部影片，无论在艺术上或商业上来说，都不是很成功的作品。
与斯蒂勒相反，嘉宝在美国却大走红运。
这位著名的女悲剧演员，确实是好莱坞一棵摇钱树，同时也给好莱坞的摄影棚带来了艺术。
广告宣传使嘉宝成了传奇式的人物。
她所主演的影片片名本身就具有一种宣传性质，如：《诱惑的女人》、《肉与魔》、《仙女下凡》、《神秘夫人》、《野兰花》、《接吻》等等。
她在传奇式的故事中表现了历史上最著名的多情女子。
除了嘉宝以外，斯堪的纳维亚半岛的移民，对好莱坞几乎没有带来什么贡献。
但从德国来的移民，特别是斯特劳亨、刘别谦、冯·斯登堡，却对美国电影有很大的贡献。
欧洲电影的示范作用，使几个美国导演倾向于摄制一些艺术性超过商业性的影片。
他们之中有几个确实达到了艺术的水平。
有声电影兴起的前夕，美国出现了一批有才能的新电影导演，这些导演在某种程度上开始接替了先驱者的地位。
好莱坞在它历史上最繁荣时期，它的电影先驱者和欧洲最伟大的电影艺术家，与其说是加以利用，毋宁说是加以排斥。
随着好莱坞的世界霸权的建立，它大部分生产就陷于毫无意义和追求豪华场面的停滞局面。
1927年10月23日，阿兰·克劳斯兰德摄制的有声响、对白和歌唱的《爵士歌王》的第一次上映，标志着电影已进入了它的历史的一个新时代。
有声技术的运用使电影中复杂的叙事与流畅的对话成为可能，这一切促成了经典好莱坞电影浓重的戏剧化风格。
同时这种风格也符合当时的制片厂制度。
由好莱坞巨鳄麦克•塞纳特创造的制片厂制度客观上要求电影必须以迎合最广大观众的审美需求为目标，而传统的被大众所熟悉的戏剧化美学观显然是最好的选择。
类型电影在这样的背景下应运而生。
这些被克拉考尔称为迎合观众“深层集体心理”的影片，通过程式化的情节、类型化的人物，迅速占据了观众的视野，科幻、歌舞、犯罪等形式的类型片得以在世界影院中大行其道。
西部片作为最“美国化”的类型片在经典好莱坞时期占有重要的地位。
西部片颂扬、推崇那种粗犷的个人主义和适者生存的精神，体现着善必胜恶的道德理想，因而在美国影坛上长盛不衰。
弗雷德•金尼曼拍摄于1952年的《正午》就在很多方面体现了西部片的特征，或者说是体现了经典好莱坞时期影片的特征。
然而，《正午》虽然在很多方面有着经典好莱坞的影子，但它决不算是一部地道的经典好莱坞电影。
事实上这部拍摄于1952年的影片在好莱坞发展史中扮演着新旧两时期转折点的角色。
《正午》中最明显异于传统好莱坞影片的莫过于对凯恩这个形象的塑造。
传统西部片中的英雄形象往往代表着绝对的正义与公理，而凯恩在影片中却处在一个尴尬的境地。
由于小镇居民不肯帮助这个曾经保卫他们的警长，使得凯恩的对立方不仅是恶棍，甚至还包括了小镇居民。
影片对凯恩作了大量的心理描写，他开始思考自己的立场与行为，思考自己的何去何从。
《正午》中塑造人物避免了过于类型化，对以往的警长形象也有了一定地颠覆，影片还放弃了西部片一贯的大团圆结局，选择了凯恩扔掉警徽离开小镇作为结束，增强了故事的客观性。
《正午》拍摄于1952年，而这恰是好莱坞黄金时期刚刚结束的时间，好莱坞随之进入了一段困顿的低潮期。
直至上世纪的六、七十年代，随着西方社会后工业化、后社会化的愈演愈烈，新的社会艺术思潮泛滥。
这些新思潮激荡着人们的思想，改变了人们对于艺术的欣赏取向和接受程度。
电影的观众群体也发生了变化，经典好莱坞时期电影的风格已不能满足他们的观影需要了。
四十年代的意大利新现实主义运动和五十年代的法国电影新浪潮冲击和影响了当时的美国影坛，加速了好莱坞电影的变化。
于是以亚瑟•佩恩的《邦尼与克莱德》为代表的一批“新式”的影片应运而生，也拉开了新好莱坞时期的序幕。
新好莱坞时期描写人物的典型手法是，影片中的主人公不再是善恶分明的类型化人物，而是具有更加复杂的内心世界。
新好莱坞注重人物的立体化与心理化，增加了影片的层次与深度。
新好莱坞电影的叙事特点，即在继承好莱坞善于讲故事传统的基础上，将影片的故事纳入到广阔的社会背景中，为影片融入真实性与社会性，使好莱坞电影较之以前更加具有社会意义与深度。
新好莱坞电影还受到欧洲电影的深刻影响。
商业电影艺术化、艺术电影商业化成为这一时期电影发展的一个趋势，许多欧洲艺术电影的处理方法被用于好莱坞电影中。
从经典时期到新时期，电影在好莱坞这块土地上经历了半个世纪的演变，无论是故事结构还是人物形象或是观念意识，都发生了巨大的变化。
经典好莱坞时期的一套手法在当代已不能满足观众的需要，而更善于适应社会时代需要的新好莱坞电影却悄然占据了观众的视线。
从70年代到80年代的过渡时期，新好莱坞完成了自己的使命。
近10年的时间，美国每年生产200部左右的影片，电影与电视争夺观众的竞争已达到平衡。
电影保持着10到12亿的观众，并且有了自己的越来越广阔的海外市场。
据1993年的统计证实，美国电影国内票房收入达52亿，发行收入26亿。
视听产品的贸易顺差仅次于飞机制造出口业，为美国第二大行业。
在全年世界银幕上上座率最高的10O部影片中美国影片占88部。
好莱坞电影通过自身的调整完成了向后工业时代的过渡，至今仍雄踞世界电影工业金字塔的顶端，显示出其强大的生命力。
通过对好莱坞的全面考察，有助于我们对日常生活中电影的思考，有助于我们对自己的民族电影的判断。
对一般观众来说，可以作为娱乐方式看待好莱坞电影；对电影创作者来说，可以学习好莱坞式商业电影独特的艺术形式的规则；对于制片人来说，可以从好莱坞式的商业规则中，学习好莱坞的电影理念和运作方式；而对理论家来说，可以通过对好莱坞特性的认识反思的历史和问题。
考察好莱坞的电影史对于中国电影产业的发展，不可不说是有所裨益。
服装设计专业简介
服装设计一直处于一个热门的专业，其中美国服装设计也是一个不错的选择，深得国内外学生的关注。
那么，美国有哪些服装设计院校呢
下面让我们跟acg艺术留学小编给大家介绍一下美国服装设计专业院校，希望对你有帮助。
美国服装设计专业院校1.帕森斯设计学院Parsons The New School for Design申请难度：4.5;优势专业：服装设计、室内设计、插画;院校地址：美国纽约州纽12街66号美国帕森斯设计学院或帕森设计学院(Parsons School of Design at The New School)在1896年成立，是享誉世界的设计学院，是美国最著名的服装设计学院。
帕森设计学院自1970年起便附属于新学院(又称“新学院大学”)，是全美国第一所设有服装设计课程的大学，也是私立艺术与设计学院协会(Association of Independent Colleges of Art and Design，简称AICAD)的会员之一。
服装设计专业(Fashion Design)：4年制，帕森斯设计学院的服装设计是在全美兴起的第一类服装设计专业之一，毕业生们引领着美国时装界。
创新是服装设计专业的传统。
现在，除此之外，环保也是服装设计考虑的另一关键因素了。
服装设计专业的学生会学习缝纫、立体裁剪、样式制作等技巧，另外素描和数码设计也是需要掌握的。
大四时，需要投入毕业作品集的准备当中。
2.纽约时装学院Fashion Institute of Technology申请难度：4.5;优势专业：服装设计、配饰设计、插画;院校地址：美国纽约州纽约市纽约时装技术学院(Fashion Institute of Technology，State University of New York)是国际著名的服装与艺术设计院校，成立于1944年，位于美国纽约市曼哈顿区。
开设专业涉及如时装设计、广告设计、电脑动画及互动媒体、织物设计、室内设计、时装摄影、时尚产品管理等。
时装设计专业：课程提供了时尚艺术与服装设计的技术培训。
学生可以继续学业并获得BFA学位。
第五学期都是是混合的课程，你可以选择：童装、内衣、针织服装、运动服装等课程。
FIT还提供了一年在纽约学习，其余学期在米兰的项目。
3.普瑞特艺术学院Pratt Institute申请难度：4.0;优势专业：工业设计、建筑设计、平面设计、插画、室内设计;院校地址：美国纽约布鲁克林区Pratt Institute普瑞特艺术学院成立于1887年，是一所极具特色的艺术类院校。
作为美国著名的艺术类院校之一，普瑞特艺术学院提供建筑、平面设计、艺术设计、工业设计、时装设计、珠宝设计、插图、室内设计、数字艺术、创意写作、历史、图书馆和信息科学等领域的教学和研究。
其中，建筑设计系，工业设计系等享誉于美国。
时装设计专业(Fashion Design)：4年制，普瑞特学院的时装教育是跨学科性质的课程，与插图、摄影、电影、表演、视觉研究和物质文化有关系密切。
通过学习生产、工艺和当代美学学会严格的关注，时尚教的是在社会的框架体现个人的文化。
通过强调好奇心、想象力和即兴发挥的过程，学生们建立视觉和语言的概念。
他们沟通视觉通过建设能力和插画能力。
跨学科和协作的课堂将课程分开，给学生提供工具和创造性参与的机会，提供超越的时尚氛围。
4.奥蒂斯艺术设计学院Otis college of art and design申请难度：4.3;优势专业：服装设计、纯艺术;院校地址：美国加利福尼亚州 Los Angeles奥蒂斯艺术设计学院(简称Otis)成立于1918年，原创办者Harrison Gray Otis希望在南加州成立一个公立而且独立的艺术学校，最早的校址在洛杉矶国际机场旁，现在已经变成IBM大楼。
经过长久的经营，该校在加州已有一定的名声，特别是服装设计系广为人知。
1978年到1991年间曾与纽约的Parsons合作，当时Otis的名称叫做“Otis Art Institute of Parsons School of Design”。
时装设计专业：本专业学生在设计过程中各方面都得到了专业教师和客座导师的培训指导。
在团队工作中，学生连续为几个导师制作服装，模仿时装设计工作室，紧随当季的潮流。
学生不仅学习服装制作，还要培养个人的时效性和自律精神。
毕业去向：设计助理、插画师、服装设计师、纺织品设计师、配饰设计师、产品设计师、自主创业
