中外美术鉴赏学习心得体会(选修课)
中外美术鉴赏学习心得体会美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。
美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。
由于美学的复杂性，所以当时全世界对美的本质没有一个定论，而是众说纷纭……其中“美是生活说” 是东方关于美的本质的一种学说，认为美存在于现实生活中，生活才是美的本质。
“美是理念说” 是西方关于美的本质的一种学说。
认为物质感性世界不存在美或美的属性，美与某种超现实存在的神秘的非物质性的精神实体紧密相联，由于这种精神实体的注入或显现，才使客观事物成为美的。
以前认为美术只是单纯的绘画作品，比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。
直到上了美术鉴赏课，才知道这只是狭隘的理解；绘画、雕塑、工艺、建筑、书法、篆刻、设计、新媒体和摄影等类型是现下的主流分类。
美术是一种富有内涵，表现形式多样，意义深刻悠远的艺术形式。
课堂上我也学到了很多知识，让我学会了如何真正的去欣赏一幅美术作品。
跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。
中国传统的美术，水墨特色明显，表现的淋漓尽致。
线条流畅，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。
这些都是对笔墨内涵的要求。
徐悲鸿的《八骏图》在技法上，他以中国的水墨为主要表现手段，又参用西方的透
求考试论文。
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题目《学习和欣赏中外美术作品的心得体会》
chenrenyu 同志欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。
线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。
中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。
法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。
美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。
美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。
第一：美术鉴赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。
艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。
人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。
鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。
大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。
第二：满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力。
在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。
这里不单单是提高学生的鉴赏水平问题而是如何发展学生的价值取向问题。
提高学生对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。
第三：陶冶大学生的思想情操、提高大学生的精神境界。
通过美术鉴赏对美和艺术增进理解，无疑对提高文化素质和思想境界，都会产生不可估量的作用。
第四：帮助大学生开阔眼界，扩大知识领域。
在这种鉴赏活动中，是美术作品为我们提供了种种与他人产生共鸣的经历与感受，能够以一种艺术的眼光和态度看待周围的一切事物，并获得一种全新的洞察力。
第五：美术鉴赏可以娱情怡神，激发想象力培养创造性。
通过鉴赏不仅使人视觉愉悦、心情舒畅，更在于美术作品都是通过点、线、面、色彩、空间、肌理等形式组成，所以画面上的节奏感、韵律感会对人的视觉产生影响，进而使人产生联想。
因而，当我们在鉴赏美术作品时，不管是遇见那些赏心悦目的写实作品，还是一些现代派艺术家的抽象作品，都会使我们获得一种喜悦与满足。
对美术作品鉴赏的过程中，也更能促进身心健康的发展，陶冶情操激发创作热情与创造能力。
总之，作为美育的重要组成部分，大学美术鉴赏课的开设，对提高大学生的素质，培养创新精神和实践能力，塑造健全人格具有不可替代的作用。
通过美术鉴赏课的学习发展大学生形象思维，培养创新精神和实践能力；树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面发展。
为培养文明合格的下一代，具有重要的意义。
大学美术欣赏 心得体会
心得一：大学美术鉴赏心得体会中外美术鉴赏学习心得体会美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。
美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。
由于美学的复杂性，所以当时全世界对美的本质没有一个定论，而是众说纷纭。
其中美是生活说是东方关于美的本质的一种学说，认为美存在于现实生活中，生活才是美的本质。
美是理念说是西方关于美的本质的一种学说。
认为物质感性世界不存在美或美的属性，美与某种超现实存在的神秘的非物质性的精神实体紧密相联，由于这种精神实体的注入或显现，才使客观事物成为美的。
以前认为美术只是单纯的绘画作品，比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。
直到上了美术鉴赏课，才知道这只是狭隘的理解；绘画、雕塑、工艺、建筑、书法、篆刻、设计、新媒体和摄影等类型是现下的主流分类。
美术是一种富有内涵，表现形式多样，意义深刻悠远的艺术形式。
课堂上我也学到了很多知识，让我学会了如何真正的去欣赏一幅美术作品。
跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。
中国传统的美术，水墨特色明显，表现的淋漓尽致。
线条流畅，追求笔精墨妙的艺术效果，讲究骨法用笔。
这些都是对笔墨内涵的要求。
徐悲鸿的《八骏图》在技法上，他以中国的水墨为主要表现手段，又
学习中外美术鉴赏的感受
中外美术历史书中抄一段
请大家帮我写一篇选修课《美术鉴赏》的心得体会
对于艺术，通常可以从三个层面来认识。
第一是从精神层面，把艺术看作是文化的一个领域或文化价值的一种形态，把它与宗教、哲学、伦理等并列。
第二是从活动过程的层面来认识艺术，认为艺术就是艺术家的自我表现、创造活动，或对现实的模仿活动。
第三是从活动结果层面，认为艺术就是艺术品，强调艺术的客观存在。
一般认为，艺术是人们把握现实世界的一种方式，艺术活动是人们以直觉的、整体的方式把握客观对象，并在此基础上以象征性符号形式创造某种艺术形象的精神性实践活动。
它最终以艺术品的形式出现，这种艺术品既有艺术家对客观世界的认识和反映，也有艺术家本人的情感、理想和价值观等主体性因素，它是一种精神产品。
艺术与其它意识形态的区别在于它的审美价值，这是它的最主要、最基本的特征。
艺术家通过艺术创作来表现和传达自己的审美感受和审美理想，欣赏者通过艺术欣赏来获得美感，并满足自己的审美需要。
除审美价值外，艺术还具有其它社会功能，如认识功能，教育和陶冶功能，娱乐功能等。
其中艺术的社会功能是人们通过艺术活动而认识自然、认识社会、认识历史、了解人生，它不同于科学的认识功能。
艺术的教育功能是人们通过艺术活动，受到真、善、美的熏陶和感染，而潜移默化地引起思想感情、人生态度、价值观念等的深刻变化，它不同于道德教育。
艺术的娱乐观念是人们通过艺术活动而满足审美需要，获得精神享受和审美愉悦，它不同于生理快感。
艺术的种类繁多，根据不同的分类标准，可将艺术分为以下一些类型： 依据艺术形象的存在方式，艺术可分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。
美术是一种空间艺术。
依据艺术形象的审美方式，艺术可分为听觉艺术、视觉艺术和视听艺术。
美术是一种视觉艺术。
依据艺术的物化形式，艺术可分为动态艺术和静态艺术。
美术主要是一种静态艺术。
依据艺术分类的美学原则，艺术可分为实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术。
美术是一种造型艺术。
依据艺术形象的表现方式，艺术可分为表现艺术和再现艺术。
美术中既有表现性的，也有再现性的。
需要指出的是，关于”艺术”与”美术”的含义和适用范围，在东西方是存在着一定的差异的。
了解这些差异，有助于我们更好地把握它们的概念和使用它们。
在西方，”艺术”与”美术”都源于古罗马的拉丁文”art”，原义是指相对于”自然造化”的”人工技艺”，泛指各种用手工制作的艺术品以及音乐、文学、戏剧等，当时广义的art甚至还包括制衣、栽培、拳术、医术等方面的技艺。
到了古希腊时期，艺术的概念仍是与技艺、技术等同的，但古希腊的绘画与雕塑在公元前五世纪发展到成熟阶段时，已基本确立了一套古典美的标准，为日后艺术涵义的演变埋下了伏笔。
直到文艺复兴时期，艺术逐渐与”美的”等同起来，18世纪中期，基于美的艺术概念体系方才正式建立，艺术成了审美的主要对象。
今天，英语中的”art”一词仍然既作”艺术”解，又作”美术”解，它既可以用来指音乐、舞蹈、文学、戏剧、电影等其它各种艺术门类，有时又专门用来要指称包括绘画、雕塑、工艺、建筑在内的视觉艺术。
在很多西方著作中我们甚至还会看到，作者所说的”art”其实仅仅就是指我们中国人所认为的美术的一部分：绘画。
而他们的”thefinearts”（我们直接译作”美术”），也仍然是指诗歌、音乐、绘画、雕塑、建筑等。
”美术”这个专门名词，在中国是从”五四”新文化运动开始被文艺家和教育家普遍运用的。
当时蔡元培运用”美术”这个术语时，也还包括了诗歌和音乐。
其后，中国的文艺界、教育界把”美术”和”艺术”的概念逐渐分离开来，”艺术”是一切艺术门类的总称，它是用不同的形象化手段来反映自然和社会，表现人类情感的一门大人文学科，它包罗了美术、音乐、诗歌、舞蹈、戏剧、电影、书法等，也包括服饰、园林等很大的范围。
而”美术”，则专门用来指艺术的一个重要分支，即视觉艺术部分。
总之，在汉语中我们有”艺术”与”美术”两个词，它们的含义不同，指称的范围有别，而在英语中却只有一个词:”art”,它既用来泛指一切艺术门类，也用来专指所有艺术门类的一个部分：美术，甚至美术中的一个方面：绘画。
这便是东西方在”艺术”和”美术”两个词的含义和应用范围上的差异
谈谈你对艺术鉴赏课学习体会
短暂的美术鉴赏课程就这么告一段落了，我仍有种意犹未尽的感本学期，我选修了“美术鉴赏”这门艺术学科。
原因其实很简单，我从小就非常喜欢美术方面的东西，对这些看似神秘的艺术形态十分好奇，很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。
通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美术知识，更重要的是可以培养创造美的能力。
对我们的性格、感情、人生观和价值观等方面都有非常重要的意义，也可以培养我们的积极性和主动性，使艺术素养以及人文修养得到进一步的提升。
通过这几个星期的短暂学习，我收获良多。
美术鉴赏使我开阔了眼界，也使我领略到了美术领域的独特魅力。
人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对每个儿人来讲，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。
然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象地接触到许多人生与经历远远不能涉及的广阔领域。
在美术上，我国发展的尤为迅速，从古到今，山水画、人物画、花鸟画等描写的是淋漓尽致，发展是非常值得我们骄傲的。
对我印象最深的是在上海世博会上看到的《清明上河图》。
由北宋的张择端费劲精力所作的一幅惊世之作。
我驻足在这幅唯美的画前，被它的美丽与精致所深深得吸引住了。
回家后我在网上还有一些文献上查找了很多关于《清明上河图》的资料，了解到《清明上河图》为绢本、淡设色，高24.8厘米，长528.7厘米，原作现藏北京故宫博物院。
《清明上河图》继承发展了中国古代风俗画，更继承了北宋前期历史风俗画的优良传统，以精致的工笔，记录了北宋时期，首都清明时节郊区、河两岸的自然风光，城内建筑和民生的繁华景象。
《清明上河图》具有极大的考史价值，北宋年间的卞京，城内河流贯通，交通发达，为全国水陆交通中心。
汴京城中有许多热闹的街市，街市开设有各种店铺，甚至出现了夜市。
逢年过节，京城更是热闹非凡。
为了表现京城的繁荣昌盛，张择端选择了清明这个重要节日的景象进行了详细的描述。
《清明上河图》的中心是由一座虹形大桥和桥头大街的街面组成。
粗略的看一看，杂乱无。
细细的一瞧，这些人是不同行业的人，从事着各种活动。
大桥西侧有一些摊贩和许多游客。
货摊上摆有刀、剪、杂货。
有卖茶水的，有看相算命的。
许多游客凭着桥侧的栏杆，或指指点点，或在观看河中往来的船只。
大桥中间的人行道上，是一条熙熙攘攘的人流；有坐轿的，有骑马的，有挑担的，有赶毛驴运货的，有推独轮车的……街道两边是茶楼，酒馆，当铺等。
街道两旁的空地上还有不少张着大伞的小商贩。
街上还是行人不断：有挑担赶路的，有驾牛车送货的，有赶着毛驴拉货车的，有驻足观赏景色的。
河上来往的船只很多，可谓千帆竞发，百舸争流。
有的停泊在码头附近，有的正在河中行驶。
有的大船由于负载过重，船主雇了很多纤夫在拉船行进。
有只载货的大船已驶进大桥下面，很快就要穿过桥洞了。
这时，这只大船上的船夫显得十分忙乱，快要撞到桥上了，这一场面，引起了桥上游客和邻近船夫的关注。
张择端将其描绘得栩栩如生，更增添了其生活气息。
从《清明上河图》中可以看到几个非常鲜明的艺术特色：第一、内容丰富。
《清明上河图》大到广阔的原野、浩瀚的河流、高耸的城郭，细到舟车上的钉铆、摊贩上的小商品、市招上的文字，和谐地组织成统一整体。
画中大街小巷，店铺林立，酒店、茶馆、点心铺等百肆杂陈，还有城楼、河港、桥梁、货船，官府宅第和茅棚村舍密集。
《清明上河图》中画有八百一十五人，各种牲畜六十多匹，木船二十多只，房屋楼阁三十多栋，推车乘轿也有二十多件。
如此丰富多彩的内容，为历代古画中所罕见。
各色人物从事的各种活动，神情气质也各异而且穿插安排着各种活动，其间充满着戏剧性的情节冲突，令观者看业，饶有无穷回味。
第二、结构严谨，繁而不乱。
可贵的是，如此丰富多彩的内容，主体突出，首尾呼应，全卷浑然一体。
画中每个人物、景象、细节，都安排得合情合理，疏密、繁简、动静、聚散等画面关系，处理得恰到好处，达到繁而不杂，多而不乱。
充分表现了画家对社会生活的深刻洞察力和高度的画面组织和控制能力。
第三、在技法上，大手笔与精细的手笔相结合，善于选择那些既具有形象性和富于诗情画意，又具本质特征的事物、场面及情节加以表现。
十分细致入微的生活观察，刻划每一位人物、道具。
每个人各有身份，各有神态，各有情节。
房屋、桥梁等建筑结构严谨，描绘一笔不苟。
车马船只面面俱到，谨毛而不失全貌，不失其势。
比如船只上的物件、钉铆方式，甚至结绳系扣都交待得一清二楚，令人叹为观止。
张择端具有高度的艺术概括力，使《清明上河图》达到了很高的艺术水准。
《清明上河图》丰富的内容，众多的人物，规模的宏大，都是空前的。
《清明上河图》的画面疏密相间，有条不紊，从宁静的郊区一直画到热闹的城内街市，处处引人入胜。
这幅画描绘的是汴京清明时节的繁荣景象，是汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照。
通过这幅画，我们了解了北宋的城市面貌和当时各阶层人民的生活。
总之，《清明上河图》具有极高的史料价值。
我不得不佩服前人丰富的想象力和创造力，前人给我们留下了很多宝贵的财富与经验，而我们要做的就是在生活和生产中发挥这种想象力与创造力，创建我们美好的家园。
并且尽我们最大的努力来保护好这些绝无仅有的财富。
几个星期的美术鉴赏课程确实让我学到了很多东西，最重要的是我学会了用欣赏的眼光去看待事物，去发现我们身边的平凡的美丽。
而这些东西显然是平时的课本上无法领悟到的。
当我们都学会去欣赏身边的美丽时，我们的生活也必将如艺术品那般生动。
求中外美术鉴赏论文一篇2000字
关于中外美术院校之美术教育的现状分析◎周浩然黄婵（四川·成都610101）摘要中外当代美术高等教育在专业设置、课程安排、学校与社会、社会与艺术本质的关系等方面的探索和研究具有自己鲜明的特点。
文章通过比较中外美术高等教育的现状, 尤其是俄罗斯美术教育，对我国美术高等教学进了改革的设想,期望能给予我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。
关键词中外美术高等教育改革文章编号1671-0703(2010)10-198-03由于我国“美术学院”作为我国现代专门的艺术教育机构，无论是从其名称还是其制度来看，都属于西方的“舶来品”。
自上世纪50 年代以来，我国的美术教育长期受苏联契斯恰科夫体系影响，虽然在美术改革期间，我国美术高等教育为了适应时代和社会的需要，进行了相关的改革，但是大部分高等美术院校的美术教学在课程设置、教学目标、教学内容和方式等方面仍因循守旧， 学生依然在进行所谓的技术、技巧方面训练，很少地从艺术本质上进行探索和研究。
本来服务于人民，服务于生活的艺术成了少数人的“技巧”，这种趋势不容乐观。
本文通过对中外最著名的一些美术院校的研究，试图通过中外美术高等教育现状的比较、分析，为我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。
一、我国美术高等教育现状我国的美术院校从八大美院到综合性大学的美术学院或者美术系，美术课程的设置大同小异，除了必修的政治理论以及外语等，在专业课上主要开设艺术史论、美术学、各种设计专业，包括计算机多媒体的应用等课程。
如上所述，技法、技巧的训练以及计算机的运用依然是美术教学的主要内容。
在时间安排上，前一到两个学年主要是基础课，以素描、色彩为主，同时开设国画、油画、设计辅修，目的是学习巩固一些基础知识。
后两个学年进入专业课程学习，一般分为美术学、设计、史论三个专业方向，学生根据自己的爱好和专业能力自主选择。
创作课几乎没有作系统、整体地安排，大多数学院只是在一个相对集中的时间段里进行毕业创作，在日常教学活动中对于创作少之甚少。
当然比较可观的是创作形式现在相对比较自由。
古典、现代、抽象、具象乃至装饰画、多媒体可以全面地运用。
优点是相比以前丰富了形式，但是缺点依然存在：对于审美规范、审美的标准莫衷一是。
对于中国传统的、民间的艺术几乎在学院难以推广，这是中国美术教育的一大憾事，学院派排斥民间艺术，已成为不争的事实。
虽然艺术史论等课程普遍开设， 但由于师资力量的匮乏、开设时间过短，教学模式的僵化等原因，一般每门课程只开一个学期，每周一到两节，学生囫囵吞枣，浅尝辄止，仅仅记住一些艺术家和作品的名字，对艺术品的美学内涵和文化脉络缺乏明确了解和整体把握，不能深刻领会作品所传达的艺术精神，甚至只是简简单单地应付考试，所以面对艺术以及艺术作品常常感到茫然，言之无物甚至不少学生感觉到自己只能机械地做选择题。
加之学生亲临美术馆、艺术博物馆的机会非常少，学生很少有机会看到艺术品原作。
同时学生外出写生、实践的机会非常少，缺乏文化内涵、缺失艺术标准、匮乏源于生活的元素是高等美术教育所面临的主要问题。
最后，所谓的到实践中去，也成了一种简单的形式。
本应该是艺术教育的一个重要环节，有的照本宣科，有的敷衍了事，甚至有的直接弄虚作假，从而实习失去了实践的真正意义。
虽然有关部门意识到了这点，集中安排学生实习，但由于实践基地匮乏，实习学生过多，部分学校老师的片面追求完成任务，最终也没有取得好的成效，这是一个亟待解决的问题。
二、俄罗斯美术高等教育现状列宾国立美术学院是俄罗斯最好的美术学院，它们的美术系代表了俄罗斯美术的最高水平。
美术学院最主要的教学任务是：从事严格的美术专业教学活动和培养俄罗斯一流的美术家。
主要有绘画系、建筑系、雕塑系、版画系和美术理论系。
主要开设素描、色彩、装饰艺术、金属工艺、陶艺、雕塑、造型艺术教学法、、俄罗斯美术史、外国美术史、、哲学等课程。
在教学安排上，素描和色彩教学（主要指油画）是最主要的学习任务。
从大一到毕业都有。
一般是早上9 点至11 点进行素描教学，在短暂的午饭时间后，接着进行色彩方面的教学，下午3 点至5 点又是再次素描教学。
素描教学活动主教育广角2 0 1 0 年第10期安徽文学199要在室内进行，因为在圣彼得堡漫长的冬季使得他们不得不选择室内教学。
解剖课的要求非常严格，经常安排在一张纸上画同一个人头部的正面、侧面和3\\\/4 面，或者在一张头像边上画骨骼和肌肉。
学校有一个专门的解剖教室，陈列着人体骨骼的各个部分以及一部分动物骨骼，学生可以随时来此写生，有专门的教师指导，素描作业一般都用索斯、歇比亚、桑基那做底子，做成各种深度的灰调子，人像与环境融为一体，空间感极强，这也是为了与油画课程进行很好的衔接。
而在绘画材料上也非常广泛：从炭笔、木炭条、炭精棒到俄罗斯特有的索斯、歇比亚、桑基那，包括色粉笔、蜡笔等。
美术教学对构图课极为重视，构图要符合美的规范，反复权衡修改以求获得最佳效果。
创作课从大一开始设置，方式是课上辅导、课下画构图、期末总评，手法要求用现实主义方法，题材范围是现实生活、个人生存体验、普希金诗歌、、俄罗斯历史与宗教，绝对不允许进行现代艺术以及一些“非艺术的艺术”尝试。
教学大纲是高等美术教学的“最高准则”，教学中出现偏差，马上就由教学大纲来纠正，学生学习也有矩可循，老老实实按教学大纲学就是了，可叹的是这种大纲几十年不变。
这也和俄罗斯这个民族的传统息息相关。
学校注重对学生动手能力的培养，美术系设有工业造型、陶艺、雕塑、木工等实习车间，从图纸设计到制作完成都一丝不苟，从中可以看出俄罗斯学生严谨、扎实的学风，这种对学生严肃认真作风的培养不仅仅是为了制作一两件作品，更是为了让学生形成优良的工作品质与生活品质。
其中，他们对中国这种绝大部分的室内教学也曾提过建议，因为中国绝大部分地区都有充足的阳光照射，而不同于俄罗斯。
所以他们建议我们国家的美术院校学生，应该把素描、色彩教学更多的集中于室外，感知大自然最纯真的艺术。
每年6 月，是毕业生的答辩时间，学生作品分成两部分:一是自己的毕业创作;二是在教学实习中收集的中小学生完成的作业。
这是对创作能力和教学能力两方面进行评估。
列宾美院还和各地美术院校进行交流，互派学生，反馈毕业生的工作情况，不断对自己的教学计划进行改进和调整。
三、意大利佛罗伦萨国立美术学院佛罗伦萨国立美术学院为世界美术最高学府，始创于1339 年，是世界第一所美术学院，开创世界美术教育先河，1562 年正式建立。
他们在学院门类较多，有艺术视觉学院、应用美术与设计学院、交流与教育学院、裸体学校。
意大利佛罗伦萨国立美术学院上课是丰富多样的。
学院安排的课程宛如宴席，学校会统计学生的“消费”，如果达到学校的标准，就准予考试和毕业。
学校平时上课时间很多，艺术形式已经不局限于传统，当代的各种艺术形式都有表达和涉及。
学校会安排很多活动、画展开幕、电影会、讲座，等等。
作为一个学生，必须除去上课之外还得参加各种艺术活动。
在各个场所里，这些场所里面有学校的签名单，签名表明学生参加了，然后一块汇总到学院或老师，然后老师和学院再评估学生吸收的养分够不够，作为依据评判、考核学生。
表达形式也是各种各样，有动画设计、行为艺术、灯光、理念。
在这里一切都是开放的，当然日常的固定上课也是必须的，不过课程会分布在佛罗伦萨各个地点，如博物馆、当代艺术馆、画廊等等。
在考试上，每次考试大概有3 名以上的教授在场，然后出示作品、问答、表达观念，教授再讨论、评估、给分。
主要考察各个方面，如学生参加课程以及活动次数的多少，学生艺术作品的层次，对艺术作品理解的观念等。
另外，学院的老师也非常严谨，对学生的要求非常严格，让学生很难“走后门”，蒙混过关。
四、国立高等美术学院国立高等美术学院是法国在美术界最知名的学校，培养了大批优秀的艺术家。
该校除了美术、油画之外，还开设有雕塑、计算机图像与录影图像等专业，学制5 年，学生毕业时可以获得DNSEP，国家承认大学四年级文凭（homologubac+4）。
学校里传授传统和现代艺术的技巧与理念，目的是培养高水平、多能力的艺术家。
学校有1\\\/3 的学生是外国学生，这使得各国的艺术得以充分交流，并积极地影响着学生的艺术水平。
学生在画室中工作，每个学生都有专门的教授指导。
学生在素描、油画和多媒体3 个方向中选择1 个或多个专业。
第一年学生要完成4 个学分，其中一个由教授指定，两个是绘画技术，另一个是艺术理论。
学生在5 年内要修完12 个学分才能毕业，其中包括1 篇论文和答辩。
同时学校招生非常严格，700 名考生中只有150 人被录取。
要求上一年级的学生年龄在18~24 岁之间。
首先要提交自己的作品集，作品应在20 份左右，其中至少10 份为原作。
在通过对作品的选拔后，学生还要经过3 个考试：实物素描、对一件作品的文字描述与评论、面试。
学校接收资格入学，如果考生不到26 岁而且已经完成了大学二年级的学业，那么可以向招生委员会提交自己的作品集，学校根据学生作品的水平在二年级、三年级、四年级中选择一个适合的年级。
五、英国英国，自从1768 年成立以来迄今已有237年，与，美术学院，俄罗斯列宾美院并称世界最杰出的四大美术学院。
表示有意申请的国内外学生必须具备绘教育广角2 0 1 0 年第10期安徽文学200画、雕刻、数码印刷或摄影专业的。
该校是英国提供这些领域三年进修课程唯一的艺术学院。
有数据表明目前该校仅有一名华人学生就读。
进入的难度可想而知。
这所学校所开设专业几乎涵盖了所有美术以及相关门类。
他们追求在于不同寻常地表现在它的艺术并置在一个特定的设计环境和设计在艺术环境。
艺术和设计的原则，是对知识的进步，他们的关注到工业和商业的具体流程并认为知识可以产生信念。
他们的学生通过分析和问题回答获得奖学金。
在学校里，他们不断试验和艺术品和设计创新例子，注重发展的基础项目的研究，鼓励跨学科学习，以促进了快速增长的研究实效。
以上是该学校的总体理念。
学校的师资要求也很高，绝大多数全职教师，在大学里首先是专业艺术家和设计师。
正是这种高要求，在他们学校，作为艺术和设计工作的专业人士认为，只有不断拥抱和不断发展的新思路，才能够将他们的学术工作向前推进。
学校每年提供各种讲座，研讨会，大师班，以及个别辅导。
他们包括前著名艺术家，设计师，来自在国际舞台的全国知识分子和商界人士会来到大学，因为他们喜欢分享他们的知识和经验。
他们认为学生会从中找到灵感，并受益匪浅。
这所学校正是采用这种高强度，同时也是高度自由的学习、教学模式。
使得他们学制成为世界上最短的。
六、我国美术高等教育的教学改革设想了解中外美术高等教育现状，旨在为我国美术高等教育改革提供一些参考意见，推进我国美术高等教育。
针对我国当前美术高等教学存在的问题，作者认为可以进行以下几方面的改革：1、文学修养的培养。
对于艺术史、文化史，尤其是中国艺术史、中国文化史的学习，应该引起足够的重视。
应该让学生对人类各种视觉艺术语言有一个全面的了解，不仅仅停留在“知晓”这个表面层次上，而是深入了解它的社会背景，分析它的艺术时代语言、造型特点，分析画家的思想，为什么要这样创作，懂得这些造型语言在表达现代人的精神感受上的潜在价值。
应该鼓励学生提高自己的综合知识修养，经常阅读文学作品和哲学著作，理解并欣赏音乐、舞蹈、戏剧等各种艺术。
2、关于绘画题材、内容，我们更应该关注画面所应达到的精神高度，人类艺术从诞生发展到现在，风格手法层出不穷，发生了巨大的变化，但根本的东西没变，那就是质朴、大方、纯正的品格，这种品格在不同的时代通过不同的形式得以体现，每一种形式都烙刻着深深的时代印迹。
无论是造型艺术还是非造型艺术，这是一个真理性的共性。
3、美术基础教育的过程应该是把视觉艺术史上的一切经验和创造全部介绍给学生，让学生看到造型艺术的多元性。
应试教育下的考试制度，使学生过早地甚至一味地陷入单一化、重复化的教学模式中，他们虽然具备一定的造型能力，但通常是闭门造车，形成一种人为的封闭环境。
写实造型训练依然是今日艺术院校美术基础教育的最主要内容，这种严格的规范性教学是必要的，通过写实的训练，培养学生把握控制造型语言的能力也是至关重要的。
我们不能厚古薄今，但也不能反之。
我们应该用更宽泛的眼光审视造型的基础教学，把注意力从准确地再现转移到现代造型语言的认识和掌握上去。
对于诸如素描、色彩、速写等，我们除了关注其本身的语言外，更应该注重其精神表达。
这些应该不只是是在大学低年级反复强化训练的东西。
基本功训练不仅仅是能够准确地再现物象，还应包括结构画面、结构色彩、经营材料的能力，这是当代美术工作者必备的基本能力。
比如，作为油画专业的学生，坦培拉技法、古典油画技法、直接画法等专业语言更是必须了解和掌握的。
自由开放的造型训练，使学生在技能训练中逐步摸索适合个人精神表达的语言手段，把学生潜在的艺术想象力诱发出来。
又如雕塑、建筑等，我们除了掌握最基本的手法、技巧外，应该鼓励学生走出去，学习国内外好的范本，去粗取精，而不是一味地走“样式主义”路线，同时也不是盲目的创新。
应该体现民族自身的文化底蕴和内涵。
正是所谓“越是民族的，越是世界的”。
总的说来，作为美术专业大学生应该掌握以下三种能力：(1)一般具象造型能力，这是指有价值的具象——真正能反映生活的，有价值的特性。
(2)对造型中的抽象规律的掌握，严谨、准确地抽出最基本的绘画语言规律。
(3)认识当艺术世界的能力，通过学习艺术史了解艺术家如何认识他所处时代的社会生活，又是怎样表现那个时代的生活的，并把这种规律运用到认识当代生活中去。
（4）积极主动地学习文化知识，将文化和艺术高度统一。
4、应把传统民间艺术列入必修课程并提高学生的动手能力，增强学生的劳动生产技能和。
5、加强教学实习基地建设。
使美术高等院校与各种艺术单位形成良好的互动关系，及时了解中社会的艺术需求，相应调整学习的教学思路和方向。
6、提升师资队伍自身的素质，只有老师有了深厚的文化积淀和熟练的美术技能，才能将其所学传道授业。
只是非常重要的一点。
参考文献：[1]邢莉.自觉与规范.中国人民大学出版社，2004.[2]李平.俄罗斯学院派素描技法.江西美术出版社，2008.[3]孙韬，叶南.涅瓦回望.人民美术出版社，2000.[4]常锐伦，唐斌.美术学科教育学.人民美术出版社，2007.[5]
学习完《美术鉴赏》的感悟，300字左右，紧急
给你两篇参考：1、美术鉴赏课让我学到了许多，尤其是在欣赏古代绘画时。
欣赏古代绘画，不能以现代的眼光去欣赏，而要结合历史，讲究意境、章法和笔墨。
经过漫长的历史进程，美术的发展也越来越多元化。
现代美术与古代美术有着本质的差别，现代的美术更多的带有现代的气息，现代画也十分地简明、易懂；而古代美术却让我们很难理解，以现代人的眼光，我认为古画看上去很难让人产生共鸣，必须与历史结合起来，才有所体会。
古画也并不讲究进大远小的规律，以人物画为例，重点人物通常占的比例较大，次要部分占的比例较小。
学了美术鉴赏课，真让我受益匪浅，平常对生活粗略地观察也变得细心起来了。
让我的文化素质和道德修养得到了提高，还学到了日常生活的一些小常识，让我时刻观察生活中的美，知识面也得到了拓展，短短的课堂可以让我学到如此多的知识。
在这课堂上也让我感受到了大学的气息。
2、 短暂的美术鉴赏课程就这么告一段落了，我仍有种意犹未尽的感觉。
本学期，我选修了“美术鉴赏”这门艺术学科。
原因其实很简单，我从小就非常喜欢美术方面的东西，对这些看似神秘的艺术形态十分好奇，很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。
通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美术知识，更重要的是可以培养创造美的能力。
对我们的性格、感情、人生观和价值观等方面都有非常重要的意义，也可以培养我们的积极性和主动性，使艺术素养以及人文修养得到进一步的提升。
通过这几个星期的短暂学习，我收获良多。
美术鉴赏使我开阔了眼界，也使我领略到了美术领域的独特魅力。
人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对每个儿人来讲，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。
然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象地接触到许多人生与经历远远不能涉及的广阔领域。
对美术的感悟与体会
欣赏与感悟 上了美术欣赏课，感受颇多。
美术欣赏我的视野由古、古罗马倏而转到了文艺复兴时的意大利。
古罗马、古希腊的宏伟的宫殿建筑、众多的雕刻作品，展现了这两个伟大时代曾经的辉煌。
文艺复兴冲破了中世纪的宗教束缚，出现了人才辈出的局面。
使我知道了中国的陶瓷艺术的源远流长，和陶瓷艺术对于世界的贡献。
通过中西方美术艺术的差异使我更加了解了中西方美术的不同之处和相同之处。
及增加了我对于祖国灿烂文化的自豪之情，也使我更加了解了西方的美术艺术。
美术欣赏课不仅仅是对于绘画艺术的欣赏，而且是对于雕刻、建筑、陶瓷艺术等等艺术中所体现出的美术艺术的欣赏。
我想上美术欣赏课给我的最深课的感受莫过于此了。
这使得我的眼界大开。
美术欣赏当然包罗万象：古今中外的，各个艺术流派的，不同方面的。
有古罗马、古希腊的最具特色的建筑、雕塑。
有文艺复兴时期各个艺术大师的杰作。
还有近现代的各种新兴的流派的介绍。
这些都是西方的艺术中的美术艺术的具体体现。
那么对于东方，尤其是中国，同样具有悠久历史的自然要数陶瓷艺术，还有独特的建筑风格。
更加不同于西方绘画艺术风格的是中国独有的山水画的艺术手法。
我在选修《中国水墨画基础》课的时候，老师就讲过中国的山水画很是不同于西方的绘画。
他还举了一个具体的例子，就是他有一个外国留学生跟他学习中国的山水画法，但是不管怎样这位外国的学生都画不出中国山水画的那种真正的味道，尽管他的画功很好。
从这个例子中，我想中国山水画是凝结了中国人民的特有的情节在里面的，所以外国的画家很难画出中国话的味道来。
当然，西方和东方的绘画艺术分别属于不同的画法，各有千秋。
因而我们应该相互学习，才能相互促进彼此的发展，而不能顽固守旧。
尤其在当代不断发展的世界里，加强彼此的交流学习更加显得重要。
中国画注重画山水等自然景物或者虫鱼鸟兽等动物，并且善于运用空气透视法，而且善于想象，这样可以使得绘画有远有近，画面有种旷远阔达的气象在里面，并且中国的画更加注重使内心的情感表达在画上。
而西方的绘画主要运用焦点透视的方法，表现的绘画作品多为描摹人物、事件为多，展现的空间不够开阔，所以常有种压抑的感觉。
看中国画多给人一种清新的感觉，善于运用留白的画法，而且多描摹大河高山等雄伟的景物，所以有种壮美之感。
而描摹的花鸟树木却给人一种伶俐轻快、聪慧灵性之感。
而观看西方的绘画则多为油画，色泽虽然浓重，但却看起来大多有种灰暗之感。
很少可以感受到空灵之感。
我想东西方的文化差异是导致这种差异的原因之一。
因为西方受宗教的影响深远，宗教气氛浓厚。
而中国则不太相信宗教，相反中国的儒、释、道教则更多的是关心人与自然的关系和谐与否的方面，因而束缚较少，所以中国的画更让人感觉一种轻快愉悦的感觉。
当然和作画的工具的运用也有很大关系。
西方用画笔，中国则是毛笔。
这种工具的差异自然导致了做出的画会有差异。
还有就是颜料的使用了。
中国画用墨先画好画，然后再经过一种工序叫做装裱，这样给画加上各种鲜亮的颜色。
使得中国的画可以保存很长的时间而完好，不退色。
但是西方就很是不同了，用画笔在画布上作画，颜料用化学颜料，画好后保存就很麻烦，比较容易褪色。
当然这些都是古代的一些做法了，现在西方的保存技术是大大的提高了，我们反而落后了。
现在当然是有很大的改变了，以前是东学西入，后来是西学东入，到现在东西方的交流是不断地加强，相互的影响。
所以绘画艺术也不断的相互的学习借鉴。
中国的建筑和西方的建筑最大的不同就在于中国的房屋时用木材制作的，而西方的建筑则是用石材制作的。
这和各自所处的地理环境有很大的关系。
中国古代处于长江黄河流域，土地肥沃，深林茂密，地势平坦，所以盛产优质木材，因而房屋多为木材制作。
而西方则多山地，山产石材，所以他们必然会以石材作为建筑的主要材料，另外这也是为什么西方的石雕雕刻雕像繁荣的原因之一。
我原先以为石材造的房子当然会比木头造的房子坚固的多，但是我的猜想是错的。
石材耐压但是韧性差，而好的木材不但耐压而且韧性很好，甚至比钢还要好。
这是我叹为观止。
而更加令我感到惊叹的是，中国房屋使用了斗拱的结构，这使得每个梁柱环环相扣，使得屋顶的巨大重量通过斗拱的精巧的结构而转移到支撑房屋的大柱子上去。
这就使得屋子的墙壁不用承担重量而仅仅是起到遮风挡雨的作用。
这俨然是现代钢筋混凝土构架的雏形。
而且这种斗拱的结构还有利于房屋的扩充，而不用费很大的功夫。
也就是说可以在原来的房屋上面通过梁柱来扩充，而不用推到重新来建。
而西方的石材不仅韧性不好，而且还要承担很大的重量。
并且可扩充性也不好。
当然它有一个优点就是可以加高。
中国的房屋却多是一层的。
中国常见的高层建筑恐怕要数塔了，然而塔的建筑形式去时舶来的，因为佛教的传入而传进来。
西方石材建筑的集大成恐怕是凡尔赛宫了。
中国的木材建筑的集大成当然非皇家的宫殿了。
中国的房屋建筑多主张对称美，建筑群往往有一条中轴线，而西方的的建筑则多曲线，典型的教堂大多有圆形的穹顶结构。
较之，我认为中国的木材建筑有种举重若轻的感觉，而感觉西方的石材建筑则多是一种凝重深沉。
另外中国房屋的顶部的铺设的瓦也是中国的特色了。
瓦的使用使得雨水可以轻易地留下来不易造成屋内漏水的情况。
现在随着城市化的进程的加快，瓦在中国可能很少再见到了，瓦因而成为中国文人用来表达自己的情感的常用的对象。
当然不仅仅是怀念瓦，大概可能是怀念中国古代灿烂的文明，在迈向新时代时发出的叹息吧。
谈到文艺复兴，我们自然会问那么文艺复兴为什么会发生呢。
也许我们不应该这么问，而应该问，文艺复兴为什么在当时发生，而且发生在意大利呢。
因为欧洲的思想受中世纪的宗教影响太深了，人们的思想受到了极大地束缚，人们想摆脱这种束缚追求自由是他们神圣的权利。
所以不管迟早，文艺复兴都会发生的。
这是毫无疑问的。
而之所以叫做文艺复兴，是因为在古希腊、古罗马的时代曾经有过辉煌的文艺、科技、思想的繁荣。
因而要打破中世纪的宗教神学的束缚，那自然是人想到的就是文艺复兴的提法了。
问题的关键在于为什么会发生在当时的意大利。
因为当时意大利的经济发展很快，新兴的阶级自然不愿继续收其他力量的阻碍，所以就会寻找新的思想来冲破旧的思想。
再加上许多的天才人物的出现所以便形成了当时十分繁荣的文艺复兴思潮。
文艺复兴带给欧洲人们新的思想，逐渐的使得人们从宗教繁重的思想中解脱出来，可以说为以后欧洲的发展起到了启蒙、促进的作用。
而在文艺复兴中崭露头角的天才人物，也给我们留下了很多的宝贵的知识和财富。
中国的制陶瓷的工艺可以追溯到商朝开始制造青铜，青铜虽然不是陶瓷，但是可以称得上是陶瓷工艺的原始阶段。
后来出现了黑陶，大约唐朝时候产生了瓷的工艺。
这是很大的进步。
瓷的出现弥补了陶的表面不光滑的缺陷，使得瓷的应用广泛的深入了人民的生活之中。
景德镇成为我国的制造瓷器的中心之一，饮誉海内外。
陶瓷甚至成为中国特有的一种陶瓷文化。
很多士大夫都参与陶瓷的制作。
这就使得中国的陶瓷技术当时遥遥领先与世界。
西方的国家通过丝绸之路、海上贸易等不惜重金来购买中国的陶瓷，把中国的陶瓷当做稀世珍宝对待。
几个世纪以来在西方形成瓷器热，经久不衰。
中国的瓷器上面可以绘画、可以有文字书法等等。
不仅仅是器物，更是一种人文的精神的表现。
当然随着瓷器制造技术被西方所掌握，陶瓷的制造的技术不再是秘密，但是中国的瓷器在世界上仍然具有很大的吸引力。
中西方的美术艺术有很大的不同，但是也有相同的的地方，那就是追求美。
我想中西方在不断的交流中会碰撞出更多的火花，促进彼此更好的发展。
当然我们也要把握好继承和发展的关系，不能抛却我们古代的灿烂的文化。
只有这样才能在和西方的交流融合中把握住前进的方向，永远有自己的归属。
我想美术欣赏课教诲我很多的东西。
这更多的是一种心灵的交流课。
注，楼主请根据自己情况更换人名，地名，等不妥之处
