对美术的感悟与体会
欣赏与感悟 上了美术欣赏课，感受颇多。
美术欣赏我的视野由古、古罗马倏而转到了文艺复兴时的意大利。
古罗马、古希腊的宏伟的宫殿建筑、众多的雕刻作品，展现了这两个伟大时代曾经的辉煌。
文艺复兴冲破了中世纪的宗教束缚，出现了人才辈出的局面。
使我知道了中国的陶瓷艺术的源远流长，和陶瓷艺术对于世界的贡献。
通过中西方美术艺术的差异使我更加了解了中西方美术的不同之处和相同之处。
及增加了我对于祖国灿烂文化的自豪之情，也使我更加了解了西方的美术艺术。
美术欣赏课不仅仅是对于绘画艺术的欣赏，而且是对于雕刻、建筑、陶瓷艺术等等艺术中所体现出的美术艺术的欣赏。
我想上美术欣赏课给我的最深课的感受莫过于此了。
这使得我的眼界大开。
美术欣赏当然包罗万象：古今中外的，各个艺术流派的，不同方面的。
有古罗马、古希腊的最具特色的建筑、雕塑。
有文艺复兴时期各个艺术大师的杰作。
还有近现代的各种新兴的流派的介绍。
这些都是西方的艺术中的美术艺术的具体体现。
那么对于东方，尤其是中国，同样具有悠久历史的自然要数陶瓷艺术，还有独特的建筑风格。
更加不同于西方绘画艺术风格的是中国独有的山水画的艺术手法。
我在选修《中国水墨画基础》课的时候，老师就讲过中国的山水画很是不同于西方的绘画。
他还举了一个具体的例子，就是他有一个外国留学生跟他学习中国的山水画法，但是不管怎样这位外国的学生都画不出中国山水画的那种真正的味道，尽管他的画功很好。
从这个例子中，我想中国山水画是凝结了中国人民的特有的情节在里面的，所以外国的画家很难画出中国话的味道来。
当然，西方和东方的绘画艺术分别属于不同的画法，各有千秋。
因而我们应该相互学习，才能相互促进彼此的发展，而不能顽固守旧。
尤其在当代不断发展的世界里，加强彼此的交流学习更加显得重要。
中国画注重画山水等自然景物或者虫鱼鸟兽等动物，并且善于运用空气透视法，而且善于想象，这样可以使得绘画有远有近，画面有种旷远阔达的气象在里面，并且中国的画更加注重使内心的情感表达在画上。
而西方的绘画主要运用焦点透视的方法，表现的绘画作品多为描摹人物、事件为多，展现的空间不够开阔，所以常有种压抑的感觉。
看中国画多给人一种清新的感觉，善于运用留白的画法，而且多描摹大河高山等雄伟的景物，所以有种壮美之感。
而描摹的花鸟树木却给人一种伶俐轻快、聪慧灵性之感。
而观看西方的绘画则多为油画，色泽虽然浓重，但却看起来大多有种灰暗之感。
很少可以感受到空灵之感。
我想东西方的文化差异是导致这种差异的原因之一。
因为西方受宗教的影响深远，宗教气氛浓厚。
而中国则不太相信宗教，相反中国的儒、释、道教则更多的是关心人与自然的关系和谐与否的方面，因而束缚较少，所以中国的画更让人感觉一种轻快愉悦的感觉。
当然和作画的工具的运用也有很大关系。
西方用画笔，中国则是毛笔。
这种工具的差异自然导致了做出的画会有差异。
还有就是颜料的使用了。
中国画用墨先画好画，然后再经过一种工序叫做装裱，这样给画加上各种鲜亮的颜色。
使得中国的画可以保存很长的时间而完好，不退色。
但是西方就很是不同了，用画笔在画布上作画，颜料用化学颜料，画好后保存就很麻烦，比较容易褪色。
当然这些都是古代的一些做法了，现在西方的保存技术是大大的提高了，我们反而落后了。
现在当然是有很大的改变了，以前是东学西入，后来是西学东入，到现在东西方的交流是不断地加强，相互的影响。
所以绘画艺术也不断的相互的学习借鉴。
中国的建筑和西方的建筑最大的不同就在于中国的房屋时用木材制作的，而西方的建筑则是用石材制作的。
这和各自所处的地理环境有很大的关系。
中国古代处于长江黄河流域，土地肥沃，深林茂密，地势平坦，所以盛产优质木材，因而房屋多为木材制作。
而西方则多山地，山产石材，所以他们必然会以石材作为建筑的主要材料，另外这也是为什么西方的石雕雕刻雕像繁荣的原因之一。
我原先以为石材造的房子当然会比木头造的房子坚固的多，但是我的猜想是错的。
石材耐压但是韧性差，而好的木材不但耐压而且韧性很好，甚至比钢还要好。
这是我叹为观止。
而更加令我感到惊叹的是，中国房屋使用了斗拱的结构，这使得每个梁柱环环相扣，使得屋顶的巨大重量通过斗拱的精巧的结构而转移到支撑房屋的大柱子上去。
这就使得屋子的墙壁不用承担重量而仅仅是起到遮风挡雨的作用。
这俨然是现代钢筋混凝土构架的雏形。
而且这种斗拱的结构还有利于房屋的扩充，而不用费很大的功夫。
也就是说可以在原来的房屋上面通过梁柱来扩充，而不用推到重新来建。
而西方的石材不仅韧性不好，而且还要承担很大的重量。
并且可扩充性也不好。
当然它有一个优点就是可以加高。
中国的房屋却多是一层的。
中国常见的高层建筑恐怕要数塔了，然而塔的建筑形式去时舶来的，因为佛教的传入而传进来。
西方石材建筑的集大成恐怕是凡尔赛宫了。
中国的木材建筑的集大成当然非皇家的宫殿了。
中国的房屋建筑多主张对称美，建筑群往往有一条中轴线，而西方的的建筑则多曲线，典型的教堂大多有圆形的穹顶结构。
较之，我认为中国的木材建筑有种举重若轻的感觉，而感觉西方的石材建筑则多是一种凝重深沉。
另外中国房屋的顶部的铺设的瓦也是中国的特色了。
瓦的使用使得雨水可以轻易地留下来不易造成屋内漏水的情况。
现在随着城市化的进程的加快，瓦在中国可能很少再见到了，瓦因而成为中国文人用来表达自己的情感的常用的对象。
当然不仅仅是怀念瓦，大概可能是怀念中国古代灿烂的文明，在迈向新时代时发出的叹息吧。
谈到文艺复兴，我们自然会问那么文艺复兴为什么会发生呢。
也许我们不应该这么问，而应该问，文艺复兴为什么在当时发生，而且发生在意大利呢。
因为欧洲的思想受中世纪的宗教影响太深了，人们的思想受到了极大地束缚，人们想摆脱这种束缚追求自由是他们神圣的权利。
所以不管迟早，文艺复兴都会发生的。
这是毫无疑问的。
而之所以叫做文艺复兴，是因为在古希腊、古罗马的时代曾经有过辉煌的文艺、科技、思想的繁荣。
因而要打破中世纪的宗教神学的束缚，那自然是人想到的就是文艺复兴的提法了。
问题的关键在于为什么会发生在当时的意大利。
因为当时意大利的经济发展很快，新兴的阶级自然不愿继续收其他力量的阻碍，所以就会寻找新的思想来冲破旧的思想。
再加上许多的天才人物的出现所以便形成了当时十分繁荣的文艺复兴思潮。
文艺复兴带给欧洲人们新的思想，逐渐的使得人们从宗教繁重的思想中解脱出来，可以说为以后欧洲的发展起到了启蒙、促进的作用。
而在文艺复兴中崭露头角的天才人物，也给我们留下了很多的宝贵的知识和财富。
中国的制陶瓷的工艺可以追溯到商朝开始制造青铜，青铜虽然不是陶瓷，但是可以称得上是陶瓷工艺的原始阶段。
后来出现了黑陶，大约唐朝时候产生了瓷的工艺。
这是很大的进步。
瓷的出现弥补了陶的表面不光滑的缺陷，使得瓷的应用广泛的深入了人民的生活之中。
景德镇成为我国的制造瓷器的中心之一，饮誉海内外。
陶瓷甚至成为中国特有的一种陶瓷文化。
很多士大夫都参与陶瓷的制作。
这就使得中国的陶瓷技术当时遥遥领先与世界。
西方的国家通过丝绸之路、海上贸易等不惜重金来购买中国的陶瓷，把中国的陶瓷当做稀世珍宝对待。
几个世纪以来在西方形成瓷器热，经久不衰。
中国的瓷器上面可以绘画、可以有文字书法等等。
不仅仅是器物，更是一种人文的精神的表现。
当然随着瓷器制造技术被西方所掌握，陶瓷的制造的技术不再是秘密，但是中国的瓷器在世界上仍然具有很大的吸引力。
中西方的美术艺术有很大的不同，但是也有相同的的地方，那就是追求美。
我想中西方在不断的交流中会碰撞出更多的火花，促进彼此更好的发展。
当然我们也要把握好继承和发展的关系，不能抛却我们古代的灿烂的文化。
只有这样才能在和西方的交流融合中把握住前进的方向，永远有自己的归属。
我想美术欣赏课教诲我很多的东西。
这更多的是一种心灵的交流课。
注，楼主请根据自己情况更换人名，地名，等不妥之处
建筑艺术欣赏500字心得体会
体会）（一）一、读书心得的内容，一般可分为客观描述与主观批评。
客观描述的重点在於所描述的书及其作者，如该书的主题、大纲、范围以及依据该书对作者写作技巧所下的评语。
主观批评的重点则在於写读书心得者本身，即他对该书的反应与评价；对其主题的看法与认识。
二、 知之为知之，不知为不知。
三、一本书的读书心得，有许多可以发挥的地方，撰写时宜懂得藏拙，写知的部份，跳过不知的部份。
四、一本书的内容可能有五万字，一篇读书心得可能只有一千多字，当然无法面面兼顾，宜做重点发挥。
五、真正的写作，与考试写作有所不同，真正的写作通常是不限时地可以慢慢经营，不断构思、寻找资料、点滴累积。
六、 用纸或笔记本随时记下灵感与想法，逐次整理於电脑，用电脑写作。
主要写作方法 ：一、 化整为零：将一篇大文章拆成多个段落，变成在写多篇小文章。
例：高级中等学校图书馆运用全球资讯网的实务报告与心得感思与书为友，天长地久。
二、同类排比：不同书籍文章中的相关资料之排比运用。
三、化大为小：写读书心得不一定要对整本书的内容面面兼顾，可以选择熟悉的议题加以发挥。
《苦涩的成长》。
朱炎著。
尔雅。
民国七十三年19版。
这本书包括十篇文章，可称为给青年的十封信，十个主题，每个都有对象：爱、青春、火凤凰、挫折、孤独、怨尤、蛊惑、孝道、生活的艺术、人类的母亲，写读书心得的时候，可以先简略地进行整体概述，然后切入特定主题加以发挥，最后再拉回整体面加以结论。
读书心得写作的类型 ：读书报告的类型：一、感发型： 此为常见的读后感。
以个人的直觉，表明对该书的印象与感受。
或随兴抒发，或借题发挥。
不必面面俱到，但应观察深刻，文字灵活。
二、论述型： 贯穿全书，提纲挈领，析论该书之内容旨趣，以及结构技巧，并评鉴其价值、地位影响。
三、撷摘型： 摘引书中若干具有代表性之片段，夹叙夹议，藉以表彰该书之精神特质。
四、比较型： 将该书与同类著作作一比较，衡量其得失优劣。
五、源流型： 评介该书所涉级学科之渊源流变，然后具体剖析该书在该学术范围之创获贡献。
以上诸类型，可随需要交互使用，不必拘泥。
读书心得写作的重点内容 ：一、 引言：关於书籍本书、作者、或书中议题加以概述。
二、 纵向之历史性回顾：对此问题的前人研究的回顾与其存在的优劣点。
三、 横向之生活经验：可以与书籍内容相启发的。
四、 个人感思：谈谈你的个人心得，阐述你的主畏，对前人的褒贬等。
五、 结论：分析前人与你的研究后，提出几个问题，以及未来值得研究的方向。
写作程序 ：一、选定项目二、研拟初步大纲三、搜集资料四、 整理资料五、拟定详细大纲六、撰写读书心得
学习心得体会范文
教师是学校心理健康教育的推行者，一个成功的教师，除了要有渊博的学识和优良的，还要有健全的人格和高尚的品德。
教师的言行对学生有很大影响，在他们的心目中，教师是智者——什么都懂；是能者——什么都会。
教师的衣着举止，言谈风度等，都会使学生受到深刻的影响。
人格健全的教师，能在课堂中创造一种和谐与温馨的气氛，使学生如沐春风，轻松愉快，而人格不健全的教师，只能在课堂上造成一种紧张或恐怖的气氛。
通过学习，我也知道了教师要善于做好自身的及保健工作，了解自我，看待自己的优缺点；学习掌握的方法，学会缓解；调整情绪，保持心理的平衡；善于选择自己心情愉快的角度去思考问题、处理问题，建立起良好的人际关系；培养多种兴趣与爱好，陶冶情操，只有这样，才能以积极健康地工作热情投入到教学活动中去。
音乐学习心得体会
学习音乐音乐新课标的体会一、音乐新课标的要求：音乐课是人文学科的一个重要领域，是实施美育的主要途径之一，是基础教育阶段的一门必修课。
音乐课程的价值主要体现在以下几个方面： 1.审美体验价值音乐教育以审美为核心，主要作用于人的情感世界。
音乐课的基本价值在于通过以聆听音乐、表现音乐和音乐创造活动为主的审美活动，使学生充分体验蕴涵于音乐音响形式中的美和丰富的情感，为音乐所表达的真善美理想境界所吸引、所陶醉，与之产生强烈的情感共鸣，使音乐艺术净化心灵、陶冶情操、启迪智慧、情智互补的作用和功能得到有效的发挥，以利于学生养成健康、高尚的审美情趣和积极乐观的生活态度，为其终身热爱音乐、热爱艺术、热爱生活打下良好的基础。
2.创造性发展价值 创造是艺术乃至整个社会历史发展的根本动力，是艺术教育功能和价值的重要体现。
音乐创造因其强烈而清晰的个性特征而充满魅力。
在音乐课中，生动活泼的音乐欣赏、表现和创造活动，能够激活学生的表现欲望和创造冲动，在主动参与中展现他们的个性和创造才能，使他们的想像力和创造性思维得到充分发挥。
3.表现与社会交往价值 音乐在许多情况下是群体性的活动，如齐唱、齐奏、合唱、合奏、重唱、重奏以及歌舞表演等，这种相互配合的群体音乐活动，同时也是一种以音乐为纽带进行的人际交流，它有助于养成学生共同参与的群体意识和相互尊重的合作精神。
成功的音乐教育不仅在学校的课堂上，而且也应在社会的大环境中进行，对社会音乐生活的关心，对班级、学校和社会音乐活动的积极参与，将使学生的群体意识、合作精神和实践能力等得到锻炼和发展。
依据音乐教育的性质和价值，音乐教育所承担的任务可概括为：通过提供给学生感受音乐、表现音乐、创造音乐的机会，使学生主动参与到音乐实践活动中，并在音乐实践活动中学习最基本的音乐文化知识技能技巧，以培养学生的音乐兴趣和爱好；使学生获得音乐审美的体验和享受成功的欢愉；提高学生的音乐鉴赏能力和表现能力；奠定其终身学习、享受音乐，发展音乐的坚实基础。
与此同时，通过音乐教育，着力培养学生个性，创造精神以及合作意识，陶冶高尚情操，发展创造力，并为其他方面的学习创造有利的条件，以促进学生的全面和谐发展，培养对人和生活乐观的态度。
播所产生的强大凝聚力，有助于培养学生的爱国主义情怀；学生通过学习世界上其他国家和民族的音乐文化，将会拓宽他们的审美视野，认识世界各民族音乐文化的丰富性和多样性，增进对不同文化的理解、尊重和热爱。
因为音乐教育承担着上述任务，因此其教育观念知道思想及其具体的行为方式沙锅必须承担以下几个特征。
（1）基础性。
传统意义上的基础知识和基本技能将不在是中小学音乐教育基础性的全部或主要内涵，使学生热爱音乐，对音乐产生浓厚的兴趣，并奠定学生在音乐方面的可持续发展的坚实基础，这是音乐教育基础性的要义所在。
这就要求中小学教学内容必须以是否有利于学生学习音乐、享受音乐、参与音乐实践活动，获得审美愉悦体验为主要取舍标准。
（2）民主性。
音乐教育要真正面向全体学生，包括弱智、残疾儿童在内的所有学生都有接受一虐教育的权利，承认和维护学生在音乐方面的个性差异，为学生在音乐方面的学习和自由发展，创造宽松的时空环境。
音乐教育要充分尊重学生的人格，维护学生在音乐学习方面的自尊心和自信心，欣赏学生在音乐鉴赏和表现方面的才能，真正把学习音乐的幸福和成功的欢愉带给每一个学生，音乐教育要充分尊重学生的教育主体地位，教学内容、方法、评价等都必须以学生主体为主要依据，真正做到以学生为本，以学习为本。
（3）开放性。
学校音乐教育要把社会音乐教育环境和家庭音乐教育主动纳入自己的视野，使三者形成合力，把音乐教育与学生的日常音乐生活有机地联系在一起。
在内容的选择、要求的确立、教材的编排等方面不过分追求系统、全面和整齐划一，为教学留有足够的接口和创造余地。
要加强音乐课程与学校其他学科课程、特别是其他艺术课程之间的横向联系，使之密切配合，互相渗透，共同发展。
（4）科学性。
中小学音乐课程必须建立科学地反映出中小学音乐课程为普及的、普通的、音乐基本素质特点的独立、完整的国民音乐教育的科学体系。
要科学地把握教学内容和教学要求，使之切合中小学生的年龄特征与心理需求，并能更好的突出音乐学科的特点。
（5）实践性。
音乐课程在小学教育中是活劳动、实践性最强的课程之一，因此，小学音乐教育不应该理性化、学术化，而应该在一定程度上音乐生活化，让学生在参与丰富多彩的音乐活动中，有趣地、令人开心地掌握基本的文化知识技能，获得审美愉悦体验，增强进一步学习音乐的兴趣和自信，即在一定程度上让学生“从做中学”、“从乐中学”让音乐充满人生，让快乐伴随终身。
正因为有以上的一些特征，因此音乐教育要体现以下教学理念：1.以音乐审美为核心 以音乐审美为核心的基本理念，应贯穿于音乐教学的全过程，在潜移默化中培育学生美好的情操、健全的人格。
音乐基础知识和基本技能的学习，应有机地渗透在音乐艺术的审美体验之中。
音乐教学应该是师生共同体验、发现、创造、表现和享受音乐美的过程。
在教学中，要强调音乐的情感体验，根据音乐艺术的审美表现特征，引导学生对音乐表现形式和情感内涵的整体把握，领会音乐要素在音乐表现中的作用。
2.以兴趣爱好为动力 兴趣是学习音乐的基本动力，是学生与音乐保持密切联系、享受音乐、用音乐美化人生的前提。
音乐课应充分发挥音乐艺术特有的魅力，在不同的教学阶段，根据学生身心发展规律和审美心理特征，以丰富多彩的教学内容和生动活泼的教学形式，激发和培养学生的学习兴趣。
教学内容应重视与学生的生活经验相结合，加强音乐课与社会生活的联系。
、戏剧、影视、美术等姊妹艺术的综合；音乐与艺术之外的其他学科的综合。
在实施中，综合应以音乐为教学主线，通过具体的音乐材料构建起与其他艺术门类及其他学科的联系。
3.面向全体学生 义务教育阶段音乐课的任务，不是为了培养音乐的专门人才，而应面向全体学生，使每一个学生的音乐潜能得到开发并使他们从中受益。
音乐课的全部教学活动应以学生为主体，师生互动，将学生对音乐的感受和音乐活动的参与放在重要的位置。
4.注重个性发展 每一个学生都有权利以自己独特的方式学习音乐，享受音乐的乐趣，参与各种音乐活动，表达个人的情智。
要把全体学生的普遍参与与发展不同个性的因材施教有机结合起来，创造生动活泼、灵活多样的教学形式，为学生提供发展个性的可能和空间。
5.重视音乐实践 音乐课的教学过程就是音乐艺术的实践过程。
因此，所有的音乐教学领域都应重视学生的艺术实践，积极引导学生参与各项音乐活动，将其作为学生走进音乐，获得音乐审美体验的基本途径。
通过音乐艺术实践，增强学生音乐表现的自信心，培养良好的合作意识和团队精神。
6.鼓励音乐创造 中小学音乐课程中的音乐创造，目的在于通过音乐丰富学生的形象思维，开发学生的创造性潜质。
在教学过程中，应设定生动有趣的创造性活动的内容、形式和情景，发展学生的想像力，增强学生的创造意识。
对音乐创造活动的评价应主要着眼于创造性活动的过程。
7.提倡学科综合音乐教学的综合包括音乐教学不同领域之间的综合；音乐与舞蹈 8.弘扬民族音乐 应将我国各民族优秀的传统音乐作为音乐课重要的教学内容，通过学习民族音乐，使学生了解和热爱祖国的音乐文化，增强民族意识和爱国主义情操。
随着时代的发展和社会生活的变迁，反映近现代和当代中国社会生活的优秀民族音乐作品，同样应纳入音乐课的教学中。
9.理解多元文化 世界的和平与发展有赖于对不同民族文化的理解和尊重。
在强调弘扬民族音乐的同时，还应以开阔的视野，学习、理解和尊重世界其他国家和民族的音乐文化，通过音乐教学使学生树立平等的多元文化价值观，以利于我们共享人类文明的一切优秀成果。
10.完善评价机制 应在体现素质教育目标的前提下，以音乐课程价值和基本目标的实现为评价的出发点，建立综合评价机制。
评价应包括学生、教师和课程管理三个层次，可采用自评、互评和他评等多种形式。
评价指标不仅要涵盖音乐的不同教学领域，更应关注学生对音乐的兴趣、爱好、情感反应、参与态度和程度，以及教师引导学生进入音乐的过程与方法的有效性等诸多方面。
应善于在动态的教学过程中利用评价起到促进学生发展、提高教师教学水平和完善教学管理的作用。
论文《学习美术鉴赏的感受》1000字
毕业论文是科研过程的一个环节，学业成绩考核和的一种重要方式。
毕业论文的目的总结学生在校期间的学习成果，培养学生具有综合地创造性地运用所学的全部专业知识和技能解决较为复杂问题的能力并使他们受到科学研究的基本训练。
标题标题是文章的眉目。
各类文章的标题，样式繁多，但无论是何种形式，总要以全部或不同的侧面体现作者的写作意图、文章的主旨。
毕业论文的标题一般分为总标题、副标题、分标题几种。
总标题总标题是文章总体内容的体现。
常见的写法有：①揭示课题的实质。
这种形式的标题，高度概括全文内容，往往就是文章的中心论点。
它具有高度的明确性，便于读者把握全文内容的核心。
诸如此类的标题很多，也很普遍。
如《关于经济体制的模式问题》、《经济中心论》、《县级行政机构改革之我见》等。
②提问式。
这类标题用设问句的方式，隐去要回答的内容，实际上作者的观点是十分明确的，只不过语意婉转，需要读者加以思考罢了。
这种形式的标题因其观点含蓄，轻易激起读者的注重。
如《家庭联产承包制就是单干吗?》、《商品经济等同于资本主义经济吗?》等。
③交代内容范围。
这种形式的标题，从其本身的角度看，看不出作者所指的观点，只是对文章内容的范围做出限定。
拟定这种标题，一方面是文章的主要论点难以用一句简短的话加以归纳；另一方面，交代文章内容的范围，可引起同仁读者的注重，以求引起共鸣。
这种形式的标题也较普遍。
如《试论我国农村的双层经营体制》、《正确处理中心和地方、条条与块块的关系》、《战后西方贸易自由化剖析》等。
④用判定句式。
这种形式的标题给予全文内容的限定，可伸可缩，具有很大的灵活性。
文章研究对象是具体的，面较小，但引申的思想又须有很强的概括性，面较宽。
这种从小处着眼，大处着手的标题，有利于科学思维和科学研究的拓展。
如《从乡镇企业的兴起看中国农村的希望之光》、《科技进步与农业经济》、《从“劳动创造了美”看美的本质》等。
⑤用形象化的语句。
如《激励人心的治理体制》、《科技史上的曙光》、《普照之光的理论》等。
标题的样式还有多种，作者可以在实践中大胆创新。
副标题和分标题为了点明论文的研究对象、研究内容、研究目的，对总标题加以补充、解说，有的论文还可以加副标题。
非凡是一些商榷性的论文，一般都有一个副标题，如在总标题下方，添上“与××商榷”之类的副标题。
另外，为了强调论文所研究的某个侧重面，也可以加副标题。
如《如何看待现阶段劳动报酬的差别——也谈按劳分配中的资产阶级权利》、《开发蛋白质资源，提高蛋白质利用效率——探讨解决吃饭问题的一种发展战略》等。
设置分标题的主要目的是为了清楚地显示文章的层次。
有的用文字，一般都把本层次的中心内容昭然其上；也有的用数码，仅标明“一、二、三”等的顺序，起承上启下的作用。
需要注重的是：无论采用哪种形式，都要紧扣所属层次的内容，以及上文与下文的联系紧密性。
目录一般说来，篇幅较长的毕业论文，都没有分标题。
设置分标题的论文，因其内容的层次较多，整个理论体系较庞大、复杂，故通常设目录。
设置目录的目的主要是：1．使读者能够在阅读该论文之前对全文的内容、结构有一个大致的了解，以便读者决定是读还是不读，是精读还是略读等。
2．为读者选读论文中的某个分论点时提供方便。
长篇论文，除中心论点外，还有许多分论点。
当读者需要进一步了解某个分论点时，就可以依靠目录而节省时间。
目录一般放置在论文正文的前面，因而是论文的导读图。
要使目录真正起到导读图的作用，必须注重：1．准确。
目录必须与全文的纲目相一致。
也就是说，本文的标题、分标题与目录存在着一一对应的关系。
2．清楚无误。
目录应逐一标注该行目录在正文中的页码。
标注页码必须清楚无误。
3．完整。
目录既然是论文的导读图，因而必然要求具有完整性。
也就是要求文章的各项内容，都应在目录中反映出来，不得遗漏。
目录有两种基本类型：1．用文字表示的目录。
2．用数码表示的目录。
这种目录较少见。
但长篇大论，便于读者阅读，也有采用这种方式的。
内容提要内容提要是全文内容的缩影。
在这里，作者以极经济的笔墨，勾画出全文的整体面目；提出主要论点、揭示论文的研究成果、简要叙述全文的框架结构。
内容提要是正文的附属部分，一般放置在论文的篇首。
写作内容提要的目的在于：1．为了使指导老师在未审阅论文全文时，先对文章的主要内容有个大体上的了解，知道研究所取得的主要成果，研究的主要逻辑顺序。
2．为了使其他读者通过阅读内容提要，就能大略了解作者所研究的问题，假如产生共鸣，则再进一步阅读全文。
在这里，内容提要成了把论文推荐给众多读者的“广告”。
因此，内容提要应把论文的主要观点提示出来，便于读者一看就能了解论文内容的要点。
论文提要要求写得简明而又全面，不要啰哩啰嗦抓不住要点或者只是干巴巴的几条筋，缺乏说明观点的材料。
内容提要可分为报道性提要和指示性提要。
报道性提要，主要介绍研究的主要方法与成果以及成果分析等，对文章内容的提示较全面。
指示性提要，只简要地叙述研究的成果(数据、看法、意见、结论等)，对研究手段、方法、过程等均不涉及。
毕业论文一般使用指示性提要。
关键词关键词是标示文献关键主题内容，但未经规范处理的主题词。
它是为了文献标引工作，从论文中选取出来，用以表示全文主要内容信息款目的单词或术语。
一篇论文可选取3～8个词作为关键词。
正文一般来说，学术论文主题的内容应包括以下三个方面：1.事实根据（通过本人实际考察所得到的语言、文化、文学、教育、社会、思想等事例或现象）。
提出的事实根据要客观、真实，必要时要注明出处；2.前人的相关论述（包括前人的考察方法、考察过程、所得结论等）。
理论分析中，应将他人的意见、观点与本人的意见、观点明确区分。
无论是直接引用还是间接引用他人的成果，都应该注明出处；3.本人的分析、论述和结论等。
做到使事实根据、前人的成果和本人的分析论述有机地结合，注意其间的逻辑关系。
结论结论应是毕业论文的最终的、总体的结论，换句话说，结论应是整篇论文的结局、是整篇论文的归宿，而不是某一局部问题或某一分支问题的结论，也不是正文中各段的小结的简单重复。
结论是该论文结论应当体现作者更深层的认识，且是从全篇论文的全部材料出发，经过推理、判断、归纳等逻辑分析过程而得到的新的学术总观念、总见解。
结论可采“结论”等字样，要求精炼、准确地阐述自己的创造性工作或新的见解及其意义和作用，还可提出需要进一步讨论的问题和建议。
结论应该准确、完整、明确、精练。
申报工艺美术大师
如何申请国家级工艺美术大师职称我来答春素小皙化妆品 LV.8 2019-07-11确定或晋升工艺美术干部业务职称，由本人申请或组织推荐，填写《专业干部业务技术职称呈报表》，提交工艺美术工作报告或学术论著，经过相应的评定组织评定后，由主管机关授予业务职称。
高级工艺美术师由国务院各部委或省、市、自治区人民政府授予，工艺美术师、工艺美术技师由相当于厅、局一级机关授予，助理工艺美术师、工艺美术员由相当于县一级机关授予。
对取得工艺美术师、工艺美术技师以上业务职称的干部，颁发证书
参观了博物院，需要写一千字的心得体会，有范文吗
写心得体会
并不是要你眉毛胡子一把抓
注重简、精、深、刻；不要把一件东西稀里哗啦的写啊
把你所见的东西要简明把精髓写出来，让别人看了深深的刻在心里
关于美术史的论文，2000字左右 原创最好。
谢谢。
作为五代董源唯一有名款的作品，是徐悲鸿1938年在桂林阳朔购得，同年初秋张大千到桂林，硬是“挟吾董源巨帧”而去，1968年张大千以与王己千交换，1997年5 月再由唐骝千（Oscar L.Tang）家族购藏捐献给。
同年八月，杂志发表署名文章，引述加州大学柏克莱分校教授、著名中国美术史家高居翰（James Cahill）的看法，认为是张大千的伪作，激起轩然大波。
研讨会上，高居翰作了的发言，再次力主《溪岸图》是张大千的伪作。
中国学者则进行反驳，认为至少是宋人之作。
按常理，这种专业性极强的研讨会，感兴趣的人并不多，但不仅有近千人出席旁听，且在高氏讲完后，在场的美国人长时间鼓掌。
中国专家陈述观点时，美国人却“听不懂”了。
后学如我，对鉴定素无必得，更无缘亲睹《溪岸图》真面目，对此事本不敢置喙。
但看了有关的报道，却觉如鲠在喉，必欲一吐。
且不言西方“科学”的鉴定方法在鉴定中国书画时未必胜过中国传统的“望气”、“目鉴”法，单研讨会中出现的一些现象，已显出西方强势文化对中国文化的欺凌之态。
对此，连美国美术史家Croig Cluns也指出，这场研讨会， “甚至可以解读为隐含着令人不愉快的、带有种族色彩的西方学者挑战中国学者。
”由此，我也联想到美术史研究与美术批评领域，存在着类似的问题。
\ 在美术史与美术批评领域，近百年来我们大量地引进了西方美术理论体系。
在当代中国美术史研究与美术批评中，确实很大程度地存在着空疏玄虚之风，尤其在美术批评中，周易八卦、、老庄思想、魏晋玄学，似高头大章，精彩绝伦，实隔靴搔痒，虚空缥缈，读者云里雾里，不知所云，作者自身也莫明真谛，徒弄玄虚。
他山之石，可以攻玉，西方美术理论的引进，对于中国美术史研究与美术批评的发展，无疑起到了重要的矫正作用，这种引进自然是多多益善。
但随着西方美术理论的大量引进，我们是否该冷静地反思建立在西方美术演变基础上的西方美术理论，能否原封不动地搬到中国来，简单地去套中国美术。
以中国画而言，经过几千年的发展演变，中国画形成了自身完整的审美体系、价值标准、欣赏方式，六法精论、逸神妙能、传神写照、意境格调也好，计白当黑、五笔七墨、布局如弈、三远七观也好，都与西方绘画有很大的不同，中国画的写生不同于西画的对景写生，中国画的远近法不同于西画的焦点透视，更不是今人假设出来的“散点透视”，简单地把自身尚未真正理解、消化的西方绘画理论，不切实际地移用到中国画的评价上，无异是胶柱鼓瑟、缘木求鱼之举。
\ 西方经济、军事的相对强大，并不是意味着文化的必然精深，但在强势文化的猛烈冲击下，许多人无所适从。
他们一方面对中国文化精神不作深入研究，对中国艺术的深层内涵缺乏体悟，没有进入中国文化的堂奥却自以为是，另一方面他们也没有真正搞懂、吃透西方文化，看了几本翻译得半通不通的西方论著，盲目地借用几个自己也莫明所以的外国术语，对横加指责。
于是，强调西方绘画“科学性”，认为“中国画不科学”的有之，高举“笔墨等于零”者有之，刻意求新求怪求野者亦有之。
眩人耳目，引入歧途，服己尚难，服人更是妄想。
\ 中西艺术的文化底蕴、审美方式各居一极，二者是各自独立的艺术体系，许多有睿智的、清醒的艺术家已意识到一味从西方寻找“真经”，是无法拯救传统艺术的，的深厚内涵使得它具有无法想象的生命力和生发力，吸收借鉴他者的经验固然不可或缺，挖掘、发展自身的优良传统更是重中之重。
我们的美术史研究与美术批评是否也该好好反省呢
我们不必固守祖宗之法一成不变，也不该把祖宗之法一概地抛在脑后吧。
今日的美术史论家们，在准确地、系统地引进西方美术理论的同时，要花更多的精力深入地、全面地钻研中国传统美术理论，使其重现生机，并且运用到当前的美术史研究与美术批评领域上来。
如此，这一领域中的诸多弊端方有望改进。
\ 美术批评需要交流和对话\ 李敬仕（美术系副教授、花鸟画家）\ 人类文化没有一个永恒的模式，也没有一个绝对中心。
理论家们在讨论中西美术理论对话时，应该具有中国本土问题意识和特定语境的要求。
\ 美术批评的对象通常是美术作品和美术家，因此，它同美术家的关系应该是相当密切的。
在现时代，欲望、金钱这些物质追求经由市场消费逻辑而成为日常生活的主题词时，一些画家在金钱利益的驱动下，为了包装推销自己，对美术评论宠爱有加。
而另一些美术家则对美术批评持冷漠甚至蔑视的态度。
这其中有美术家本身的原因，如理论素质的低下和学术视野的狭隘，使他们对美术批评毫无兴趣。
但也有对美术批评现状感到不满的原因。
有位画家对我说：“那些写美术评论文章的人，读了几本理论书，就到处乱套。
他们也许有丰富的哲学、美学、艺术史的知识，但并不懂画，他们哪里知道我为什么要用这块颜色，怎能看得出这块颜色好在那里
”这话虽有些偏激，却也不无道理。
对于美术理论家来说，需要以宽容的学术胸襟，站在平等的地位上，加强同美术家乃至广大读者的交流和对话。
这里我冒昧对美术批评中某些现象谈一些浅陋的看法。
\ 首先是不少文章对视觉形式的特点缺乏具体分析或分析不能令人信服。
在艺术家心里，他所见所闻的一切，却被转译成了他所理解、把握的艺术媒介形式，而其它因素都退而成为艺术创造的潜在背景因素。
对这种艺术审美创造上的形式的“特殊性”不进行深入分析，就难以切入作品的本体。
我们应该意识到，中国绘画史上卓有影响的理论著作，大多出自大画家之手。
如中国最早出现的理论专著和，作者是顾恺之和谢赫，北宋的作者是郭熙，明代作《华山图序》的王履，倡导南北宗论的董其昌，清代作《苦瓜和尚画语录》的石涛，都是赫赫有名的画家。
这些著作不仅被历代画家们奉为经典，就是在中国美学史上也焕发着耀眼的光芒。
对各种视觉形式的感悟和理解，殊非易事。
俗话说：“隔行如隔山”，即使是专业画家，对他所从事本专业以外的美术作品也难以作完全的解读。
一个中国画家看油画，大多也只能停留在欣赏层面上，很难在形式层面上作出令油画家心悦诚服的深刻分析。
美术批评家批评的范围涉及国、油、版、雕、年、连环、宣传、壁、民间美术、艺术设计甚至建筑、书法等等，我们不能苛求理论家对美术各门类的样式都进行实践，但评论家必须花大力气对其形式语言的特点进行研究，这样才能真正取得发言权。
如果评不到点子上，对美术家来说无异是隔靴搔庠，无济于事。
美术评论中常有这样的现象，评论家写文章大加赞扬的作品，画家却认为并不见得是好画。
有些推介文章，对作品本身的分析文字不多，却东拉西扯地写了不少有关文学史、美术史甚至哲学方面的知识，生硬地和他所要评论的对象联系起来，给人一种评不出什么也硬要说些什么的印象。
还有对美术现象的一些评说，也难以使人认同。
如有文章说：齐（白石）体的后人，“以吴作人为代表”；并把水墨人物画分为徐（悲鸿）和蒋（兆和）两派，说在明暗造型的手段上，徐氏以染为主，蒋氏以皴为主，把方增先归为徐派，把刘文西等一大批画家归为蒋氏门徒。
这种说法未免武断。
因为在中国画家眼中，蒋氏的人物画有以毛笔代替木碳笔画素描之嫌，作为中国画中特殊笔法的“皴”，和西洋画中的明暗完全是两回事，且在人物肖像画上运用皴染技法早已有之，怎么成为蒋氏的专利，谁用了皴法，就成了他的门徒呢
\ 其次是美术批评的话语方式，在80年代中期以后有了很大变化，引进了大量西方文化思想的新名词、新术语和新概念。
一些自命精英的前卫理论家依据这一表象，相信中国美术的进程也应实现同一模式的转型，而对本土民族文化和写实画风给予轻蔑的否定，对西方现代性文化不是以一种平等的心态加以观照，不作批判性的理解，而是沉浸在现代迷信之中急于建构现代乌托邦。
一些理论家屈从西方话语中心，并以此为荣。
他们以单一的线性的非此即彼的思维，把西方文化的价值标准，强加处在不同历史背景和文化传统之中的具有斑斓色彩的本土美术。
按照耗散结构的理论，进化不是按单一轨线进行的。
因此人类文化没有一个永恒的模式，也没有一个绝对中心。
理论家们在讨论中西美术理论对话时，应该具有中国本土问题意识和特定语境的要求。
\ 美术批评中还有些不如人意的地方。
如某些文章故弄玄虚，语言晦涩难懂。
文章写给什么人读，应该有一个定位。
读有些文章远比读黑格尔著作还难，画家看不懂，一般读者就更不懂了。
如果只给自己小圈子里的人读的话，那就没有发表的必要。
有的文章中大段深奥莫解的文字，在仔细琢磨之后，原来说的是很平常浅显的道理，学问不深，文章很深，只会令人厌弃。
再有是某些评论家有种居高临下的姿态，在那里指手划脚，口气武断专横，以为自己说的都是真理，不能容忍别的声音，这当然令人反感。
还有一些心浮气躁的理论家，在和某些画家作互利性的交换，其后果必然导致美术评论的庸俗化和学术人格的沦丧。
凡此种种，限于篇幅，这里就不再赘言了。
\ 艺术评论家的底牌\ 谷流（河南美术出版社编辑、艺术史学者）\ 真正的艺术评论家应具备最起码的历史意识与鉴别批判能力，他们有神圣的使命感和宁静而不为物役的自由灵魂。
这可谓真正艺术评论家的底牌。
\ 一切历史都是当代史，一切关于艺术的评论话语都是源自牧羊人内心的亦或附庸的神话。
牧羊人不但可以是神明的上帝，也照样可以是艺术评论家。
从某种程度上来说，没有牧羊人就没有羊，没有羊也就没有牧羊人，没有牧羊人就没有这个世界和关于这个世界的历史，也就更没有必要再有牧羊人和羊所必需的食物和水。
既然有了牧羊人，就必须有应该属于他的羊、他的食物和他的水。
为了能顺利地找到并得到食物和水，艺术评论家便毫无必要再顾及颜面而不好意思以一种有时连艺术家都拍手叫好的相当体面的圈层话语，如帝国主义般地肆意强奸和占有艺术品创造的原初意义，并美其名曰指点创作和引导时尚，直到把好端端的艺术家糟蹋到不会画画才肯去折腾点儿别的。
惟惜乎斯世艺术家众矣，却教那牧羊人太也不好意思停业盘点。
是为天职艺术评论家之一副活形也。
\ 艺术品是真正艺术家真正天才的创造，是原初的价值性话语文本，但又有优劣之别，诚如英国艺术史家贡布里希在《艺术和自我超越》所说：“斯德哥尔摩国家美术馆里令人惊叹的伦勃朗作品——仅仅为这些作品，我们就值得来这儿——和同一美术馆的一幅华托的珍品体现了不同的价值”。
然而，在任何时代里，像华托那样的艺术家，甚至尚根本无法与华托相提并论的绘画从业者，实实在在地多如牛毛，并缘此无限地孕育着所谓的艺术评论家的温床。
\ 当今有这样一种时髦的观点：艺术界由艺术家——画廊——艺术评论家——画商共同构成。
在市场喧嚣的艺术情境逻辑里，艺术评论家甚至毫无愧色地直接充当着艺术经纪人的角色，从而使匠气之作的价格往往被误认为有价值而存在。
制造误导的评论话语似乎罩上了价值的光环而俨然更高于原初话语——真正的艺术品的价值。
其实，该情境中真正的艺术品往往匮乏甚至缺席，评论话语往往毫无原创性——毫无历时性价值而仅仅拥有其共时性的实用意义而已。
赵汀阳《谁去批评画面》界定了艺术评论的简单标准：描述性的是新闻报道；解释性的是辅助性评论；分析性的才是真正的学术性的艺术评论。
信矣
是笃语也。
\ 那么，真正的艺术评论家该由怎样的人来充当
他既不是极权主义者，也不是艺术市场炒作家，更不是那些并无广度和深度专业智识的艺术理论爱好者或自谦曰参与者；而应是那些真正对现时代具有深刻实践和洞察的文艺博学之士——诸如对某一艺术领域有针对性的专门独到研究的艺术史家、作家及相关研究学者。
他们应具备最起码的历史意识与鉴别批判能力，他们有神圣的使命感和宁静而不为物役的自由灵魂。
这可谓真正艺术评论家的底牌。
令人遗憾的是，当今的喧嚣者大多都没有底牌
甚者根本就没有牌
打出来的竟还是“借用”人家的牌
甚矣
斯诚悲哉
求中外美术鉴赏论文一篇2000字
关于中外美术院校之美术教育的现状分析◎周浩然黄婵（四川·成都610101）摘要中外当代美术高等教育在专业设置、课程安排、学校与社会、社会与艺术本质的关系等方面的探索和研究具有自己鲜明的特点。
文章通过比较中外美术高等教育的现状, 尤其是俄罗斯美术教育，对我国美术高等教学进了改革的设想,期望能给予我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。
关键词中外美术高等教育改革文章编号1671-0703(2010)10-198-03由于我国“美术学院”作为我国现代专门的艺术教育机构，无论是从其名称还是其制度来看，都属于西方的“舶来品”。
自上世纪50 年代以来，我国的美术教育长期受苏联契斯恰科夫体系影响，虽然在美术改革期间，我国美术高等教育为了适应时代和社会的需要，进行了相关的改革，但是大部分高等美术院校的美术教学在课程设置、教学目标、教学内容和方式等方面仍因循守旧， 学生依然在进行所谓的技术、技巧方面训练，很少地从艺术本质上进行探索和研究。
本来服务于人民，服务于生活的艺术成了少数人的“技巧”，这种趋势不容乐观。
本文通过对中外最著名的一些美术院校的研究，试图通过中外美术高等教育现状的比较、分析，为我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。
一、我国美术高等教育现状我国的美术院校从八大美院到综合性大学的美术学院或者美术系，美术课程的设置大同小异，除了必修的政治理论以及外语等，在专业课上主要开设艺术史论、美术学、各种设计专业，包括计算机多媒体的应用等课程。
如上所述，技法、技巧的训练以及计算机的运用依然是美术教学的主要内容。
在时间安排上，前一到两个学年主要是基础课，以素描、色彩为主，同时开设国画、油画、设计辅修，目的是学习巩固一些基础知识。
后两个学年进入专业课程学习，一般分为美术学、设计、史论三个专业方向，学生根据自己的爱好和专业能力自主选择。
创作课几乎没有作系统、整体地安排，大多数学院只是在一个相对集中的时间段里进行毕业创作，在日常教学活动中对于创作少之甚少。
当然比较可观的是创作形式现在相对比较自由。
古典、现代、抽象、具象乃至装饰画、多媒体可以全面地运用。
优点是相比以前丰富了形式，但是缺点依然存在：对于审美规范、审美的标准莫衷一是。
对于中国传统的、民间的艺术几乎在学院难以推广，这是中国美术教育的一大憾事，学院派排斥民间艺术，已成为不争的事实。
虽然艺术史论等课程普遍开设， 但由于师资力量的匮乏、开设时间过短，教学模式的僵化等原因，一般每门课程只开一个学期，每周一到两节，学生囫囵吞枣，浅尝辄止，仅仅记住一些艺术家和作品的名字，对艺术品的美学内涵和文化脉络缺乏明确了解和整体把握，不能深刻领会作品所传达的艺术精神，甚至只是简简单单地应付考试，所以面对艺术以及艺术作品常常感到茫然，言之无物甚至不少学生感觉到自己只能机械地做选择题。
加之学生亲临美术馆、艺术博物馆的机会非常少，学生很少有机会看到艺术品原作。
同时学生外出写生、实践的机会非常少，缺乏文化内涵、缺失艺术标准、匮乏源于生活的元素是高等美术教育所面临的主要问题。
最后，所谓的到实践中去，也成了一种简单的形式。
本应该是艺术教育的一个重要环节，有的照本宣科，有的敷衍了事，甚至有的直接弄虚作假，从而实习失去了实践的真正意义。
虽然有关部门意识到了这点，集中安排学生实习，但由于实践基地匮乏，实习学生过多，部分学校老师的片面追求完成任务，最终也没有取得好的成效，这是一个亟待解决的问题。
二、俄罗斯美术高等教育现状列宾国立美术学院是俄罗斯最好的美术学院，它们的美术系代表了俄罗斯美术的最高水平。
美术学院最主要的教学任务是：从事严格的美术专业教学活动和培养俄罗斯一流的美术家。
主要有绘画系、建筑系、雕塑系、版画系和美术理论系。
主要开设素描、色彩、装饰艺术、金属工艺、陶艺、雕塑、造型艺术教学法、、俄罗斯美术史、外国美术史、、哲学等课程。
在教学安排上，素描和色彩教学（主要指油画）是最主要的学习任务。
从大一到毕业都有。
一般是早上9 点至11 点进行素描教学，在短暂的午饭时间后，接着进行色彩方面的教学，下午3 点至5 点又是再次素描教学。
素描教学活动主教育广角2 0 1 0 年第10期安徽文学199要在室内进行，因为在圣彼得堡漫长的冬季使得他们不得不选择室内教学。
解剖课的要求非常严格，经常安排在一张纸上画同一个人头部的正面、侧面和3\\\/4 面，或者在一张头像边上画骨骼和肌肉。
学校有一个专门的解剖教室，陈列着人体骨骼的各个部分以及一部分动物骨骼，学生可以随时来此写生，有专门的教师指导，素描作业一般都用索斯、歇比亚、桑基那做底子，做成各种深度的灰调子，人像与环境融为一体，空间感极强，这也是为了与油画课程进行很好的衔接。
而在绘画材料上也非常广泛：从炭笔、木炭条、炭精棒到俄罗斯特有的索斯、歇比亚、桑基那，包括色粉笔、蜡笔等。
美术教学对构图课极为重视，构图要符合美的规范，反复权衡修改以求获得最佳效果。
创作课从大一开始设置，方式是课上辅导、课下画构图、期末总评，手法要求用现实主义方法，题材范围是现实生活、个人生存体验、普希金诗歌、、俄罗斯历史与宗教，绝对不允许进行现代艺术以及一些“非艺术的艺术”尝试。
教学大纲是高等美术教学的“最高准则”，教学中出现偏差，马上就由教学大纲来纠正，学生学习也有矩可循，老老实实按教学大纲学就是了，可叹的是这种大纲几十年不变。
这也和俄罗斯这个民族的传统息息相关。
学校注重对学生动手能力的培养，美术系设有工业造型、陶艺、雕塑、木工等实习车间，从图纸设计到制作完成都一丝不苟，从中可以看出俄罗斯学生严谨、扎实的学风，这种对学生严肃认真作风的培养不仅仅是为了制作一两件作品，更是为了让学生形成优良的工作品质与生活品质。
其中，他们对中国这种绝大部分的室内教学也曾提过建议，因为中国绝大部分地区都有充足的阳光照射，而不同于俄罗斯。
所以他们建议我们国家的美术院校学生，应该把素描、色彩教学更多的集中于室外，感知大自然最纯真的艺术。
每年6 月，是毕业生的答辩时间，学生作品分成两部分:一是自己的毕业创作;二是在教学实习中收集的中小学生完成的作业。
这是对创作能力和教学能力两方面进行评估。
列宾美院还和各地美术院校进行交流，互派学生，反馈毕业生的工作情况，不断对自己的教学计划进行改进和调整。
三、意大利佛罗伦萨国立美术学院佛罗伦萨国立美术学院为世界美术最高学府，始创于1339 年，是世界第一所美术学院，开创世界美术教育先河，1562 年正式建立。
他们在学院门类较多，有艺术视觉学院、应用美术与设计学院、交流与教育学院、裸体学校。
意大利佛罗伦萨国立美术学院上课是丰富多样的。
学院安排的课程宛如宴席，学校会统计学生的“消费”，如果达到学校的标准，就准予考试和毕业。
学校平时上课时间很多，艺术形式已经不局限于传统，当代的各种艺术形式都有表达和涉及。
学校会安排很多活动、画展开幕、电影会、讲座，等等。
作为一个学生，必须除去上课之外还得参加各种艺术活动。
在各个场所里，这些场所里面有学校的签名单，签名表明学生参加了，然后一块汇总到学院或老师，然后老师和学院再评估学生吸收的养分够不够，作为依据评判、考核学生。
表达形式也是各种各样，有动画设计、行为艺术、灯光、理念。
在这里一切都是开放的，当然日常的固定上课也是必须的，不过课程会分布在佛罗伦萨各个地点，如博物馆、当代艺术馆、画廊等等。
在考试上，每次考试大概有3 名以上的教授在场，然后出示作品、问答、表达观念，教授再讨论、评估、给分。
主要考察各个方面，如学生参加课程以及活动次数的多少，学生艺术作品的层次，对艺术作品理解的观念等。
另外，学院的老师也非常严谨，对学生的要求非常严格，让学生很难“走后门”，蒙混过关。
四、国立高等美术学院国立高等美术学院是法国在美术界最知名的学校，培养了大批优秀的艺术家。
该校除了美术、油画之外，还开设有雕塑、计算机图像与录影图像等专业，学制5 年，学生毕业时可以获得DNSEP，国家承认大学四年级文凭（homologubac+4）。
学校里传授传统和现代艺术的技巧与理念，目的是培养高水平、多能力的艺术家。
学校有1\\\/3 的学生是外国学生，这使得各国的艺术得以充分交流，并积极地影响着学生的艺术水平。
学生在画室中工作，每个学生都有专门的教授指导。
学生在素描、油画和多媒体3 个方向中选择1 个或多个专业。
第一年学生要完成4 个学分，其中一个由教授指定，两个是绘画技术，另一个是艺术理论。
学生在5 年内要修完12 个学分才能毕业，其中包括1 篇论文和答辩。
同时学校招生非常严格，700 名考生中只有150 人被录取。
要求上一年级的学生年龄在18~24 岁之间。
首先要提交自己的作品集，作品应在20 份左右，其中至少10 份为原作。
在通过对作品的选拔后，学生还要经过3 个考试：实物素描、对一件作品的文字描述与评论、面试。
学校接收资格入学，如果考生不到26 岁而且已经完成了大学二年级的学业，那么可以向招生委员会提交自己的作品集，学校根据学生作品的水平在二年级、三年级、四年级中选择一个适合的年级。
五、英国英国，自从1768 年成立以来迄今已有237年，与，美术学院，俄罗斯列宾美院并称世界最杰出的四大美术学院。
表示有意申请的国内外学生必须具备绘教育广角2 0 1 0 年第10期安徽文学200画、雕刻、数码印刷或摄影专业的。
该校是英国提供这些领域三年进修课程唯一的艺术学院。
有数据表明目前该校仅有一名华人学生就读。
进入的难度可想而知。
这所学校所开设专业几乎涵盖了所有美术以及相关门类。
他们追求在于不同寻常地表现在它的艺术并置在一个特定的设计环境和设计在艺术环境。
艺术和设计的原则，是对知识的进步，他们的关注到工业和商业的具体流程并认为知识可以产生信念。
他们的学生通过分析和问题回答获得奖学金。
在学校里，他们不断试验和艺术品和设计创新例子，注重发展的基础项目的研究，鼓励跨学科学习，以促进了快速增长的研究实效。
以上是该学校的总体理念。
学校的师资要求也很高，绝大多数全职教师，在大学里首先是专业艺术家和设计师。
正是这种高要求，在他们学校，作为艺术和设计工作的专业人士认为，只有不断拥抱和不断发展的新思路，才能够将他们的学术工作向前推进。
学校每年提供各种讲座，研讨会，大师班，以及个别辅导。
他们包括前著名艺术家，设计师，来自在国际舞台的全国知识分子和商界人士会来到大学，因为他们喜欢分享他们的知识和经验。
他们认为学生会从中找到灵感，并受益匪浅。
这所学校正是采用这种高强度，同时也是高度自由的学习、教学模式。
使得他们学制成为世界上最短的。
六、我国美术高等教育的教学改革设想了解中外美术高等教育现状，旨在为我国美术高等教育改革提供一些参考意见，推进我国美术高等教育。
针对我国当前美术高等教学存在的问题，作者认为可以进行以下几方面的改革：1、文学修养的培养。
对于艺术史、文化史，尤其是中国艺术史、中国文化史的学习，应该引起足够的重视。
应该让学生对人类各种视觉艺术语言有一个全面的了解，不仅仅停留在“知晓”这个表面层次上，而是深入了解它的社会背景，分析它的艺术时代语言、造型特点，分析画家的思想，为什么要这样创作，懂得这些造型语言在表达现代人的精神感受上的潜在价值。
应该鼓励学生提高自己的综合知识修养，经常阅读文学作品和哲学著作，理解并欣赏音乐、舞蹈、戏剧等各种艺术。
2、关于绘画题材、内容，我们更应该关注画面所应达到的精神高度，人类艺术从诞生发展到现在，风格手法层出不穷，发生了巨大的变化，但根本的东西没变，那就是质朴、大方、纯正的品格，这种品格在不同的时代通过不同的形式得以体现，每一种形式都烙刻着深深的时代印迹。
无论是造型艺术还是非造型艺术，这是一个真理性的共性。
3、美术基础教育的过程应该是把视觉艺术史上的一切经验和创造全部介绍给学生，让学生看到造型艺术的多元性。
应试教育下的考试制度，使学生过早地甚至一味地陷入单一化、重复化的教学模式中，他们虽然具备一定的造型能力，但通常是闭门造车，形成一种人为的封闭环境。
写实造型训练依然是今日艺术院校美术基础教育的最主要内容，这种严格的规范性教学是必要的，通过写实的训练，培养学生把握控制造型语言的能力也是至关重要的。
我们不能厚古薄今，但也不能反之。
我们应该用更宽泛的眼光审视造型的基础教学，把注意力从准确地再现转移到现代造型语言的认识和掌握上去。
对于诸如素描、色彩、速写等，我们除了关注其本身的语言外，更应该注重其精神表达。
这些应该不只是是在大学低年级反复强化训练的东西。
基本功训练不仅仅是能够准确地再现物象，还应包括结构画面、结构色彩、经营材料的能力，这是当代美术工作者必备的基本能力。
比如，作为油画专业的学生，坦培拉技法、古典油画技法、直接画法等专业语言更是必须了解和掌握的。
自由开放的造型训练，使学生在技能训练中逐步摸索适合个人精神表达的语言手段，把学生潜在的艺术想象力诱发出来。
又如雕塑、建筑等，我们除了掌握最基本的手法、技巧外，应该鼓励学生走出去，学习国内外好的范本，去粗取精，而不是一味地走“样式主义”路线，同时也不是盲目的创新。
应该体现民族自身的文化底蕴和内涵。
正是所谓“越是民族的，越是世界的”。
总的说来，作为美术专业大学生应该掌握以下三种能力：(1)一般具象造型能力，这是指有价值的具象——真正能反映生活的，有价值的特性。
(2)对造型中的抽象规律的掌握，严谨、准确地抽出最基本的绘画语言规律。
(3)认识当艺术世界的能力，通过学习艺术史了解艺术家如何认识他所处时代的社会生活，又是怎样表现那个时代的生活的，并把这种规律运用到认识当代生活中去。
（4）积极主动地学习文化知识，将文化和艺术高度统一。
4、应把传统民间艺术列入必修课程并提高学生的动手能力，增强学生的劳动生产技能和。
5、加强教学实习基地建设。
使美术高等院校与各种艺术单位形成良好的互动关系，及时了解中社会的艺术需求，相应调整学习的教学思路和方向。
6、提升师资队伍自身的素质，只有老师有了深厚的文化积淀和熟练的美术技能，才能将其所学传道授业。
只是非常重要的一点。
参考文献：[1]邢莉.自觉与规范.中国人民大学出版社，2004.[2]李平.俄罗斯学院派素描技法.江西美术出版社，2008.[3]孙韬，叶南.涅瓦回望.人民美术出版社，2000.[4]常锐伦，唐斌.美术学科教育学.人民美术出版社，2007.[5]
