美术教师读书心得体会
美术教师读书心得体会【篇一：《美术教育与人的发展》读书心得】美术教育与人的发展美术教育其实就是教会学生从生活中表现美，创造美。
用一句话说就是：“只要在生活中发现别人所不能发现的就是美丽。
”最近我学习了杨景芝老师的著作《美术教育与人的发展》。
这书是一本儿童美术教学法研究方面的专著，书中具体介绍了通过美术教育活动对学生进行素质教育，促进学生全面和谐发展的教学经验，以及通过长期探索而建立的儿童教学体系和教学方法。
作者在书中根据自己切身经历和进行的教育实践研究，以美术教育发展的新观念，全面系统分析和论述她对美术教育的认识和体会。
在书中，我特别欣赏的是杨老师提出“从爱心出发进行教育”的主张，她在书中指出的“在儿童稚嫩的心里最看重教师对他的态度，教师的爱最具有吸引力，它能激发学生的学习热情。
不同的学生有不同的爱好、性趣、个性、人格，因此，在感悟生活中的过程中可谓千差万别。
他们站在各自的立场、环境中，从不同的角度、方位，会有自己独特的感悟与发现。
我觉得应该给学生一个宽松、自由、没有心理压力的环境。
正如杨老师表示的：“我试图探索一条适合我国国情的儿童美术教育途径，我不赞成脱离儿童实际的传授知识技能为目的的美术教育学科中心论，反对用模仿的教学方法压抑儿童创造力。
另一方面，我又感到教学内容完全从儿童心，却与事无补。
正好那天看《时文经典》一书，我便2教育的出发点。
如何进行美术教学课题研究
一、课题提出景“人类的一切活动，都是为现，创造价值，实现价享用价值。
而评价，就是人类发现价值，揭示价值的一种根本方法”.在课程研究发展史上，第一次把课程评价纳入课程开发过程并使之成为课程开发的核心环节之一的，是美国著名课程学家拉尔夫?泰勒。
泰勒在1949年出版的名著《课程与教学的基本原理》中，把课程评价问题作为课程开发的四个基本问题之一，从而使课程评价研究成为新课程研究领域的重要内容。
自泰勒之后，课程评价领域从价值取向到操作模式，已经历了几代嬗变与演化，每次嬗变和演化都直接体现了整个课程领域的变化;每一次的嬗变和演化也都体现了人类不断摆脱盲目被动而走向自觉能动，同时间接地折射出了时代精神的发展轨迹。
近观历史文化，自20世纪后半叶起，世界文化格局也发生了根本性的变化，呈现文化发展的多元化和文化相对主义的发展趋势。
世界各国艺术教育改革的焦点集中于一种具有开放、互动、多元特征的，能不断扩展的艺术课程，而作为小学艺术教育的主干课程-美术与这一趋势相对应，其研究方向也向这一方向聚焦。
21世纪中国的艺术教育在继承全世界艺术教育成就的同时，也必须保持本国艺术教育特色，同时建构符合中国国情的，具有新时代特色的艺术教育新格局。
新一轮基础教育改革把课程评价观的转变作为一条重要枢纽，新课程更重视以学生发展为本的思想，美术教育内容不断更新，美术教育评价也面临新的挑战，立足于素质教育的美术教育也更应重视对每位学生发展的可能性作出积极的评价。
《基础教育课程改革纲要(试行)》中明确指出，建立促进学生全面发展的评价体系。
评价不仅要关注学生的学业成绩，而且要发现和发展学生多方面的潜能，了解学生发展中的需求，帮助学生认识自我，建立自信。
发挥评价的教育功能，促进学生在原有水平上的发展。
二、研究动因要提高美术教学活动的质量，保证基础教育课程改革的思想的落实，就离不开评价。
评价不仅是个人之间交流的一种手段，而且也是群体间交流的一种必要手段。
无可否认，美术教学的过程其实就是师生双边的交流活动，评价学生的学习情况，准确反映着教师的教学水平，这种学习反馈形式-学业评价会促使教与学形成良性循环机制，从而完整地、准确地体现出美术教育思想。
因此，如何进行作业评价成为我们需要迫切解决的问题。
从评价标准看：美术作业的评价方式是多种多样，在教学中，大多数老师往往采取当堂评价的方式，如学生、师生共评，教师点评等，作为美术教学一个不可缺少的环节，这是十分必要的，但是我们也应该看到，由于课堂教学时间的限制，当堂评价美术作业难以照顾到每一个学生，尤其是对作业中所蕴含的情感和心理等意识问题，更难以做到深入的恰当的分析，只能泛泛地点到为止。
尤其是面对一些大班额的具体情况，仅凭有限的课堂上三五分钟的作业评价了。
所以，在平时的教学活动中，除了在课堂上的当堂评价外，在办公室批改学生的美术作业，是大多数老师所采用的对学生美术作业评价的主要方式，这种评价方式，属于静态的对于学生学习实践结果的评价，由于离开了学生本人，多少带有一些教师的主观意识，因此在评价时，教师如何通过学生的作业来和学生进行客观的平等的意识上的交流，就显得十分重要了。
从评价结果上看，发现很多老师在批改学生作业的时候，往往重改不重批，有的甚至不改不批，打上一个分数就算完了，至于那个分数是怎么打的?为什么那样打，大多数老师都没在等级分数之外给学生一个明确的交待，更有甚者，对一些自认为不好的作业竟一撕了之，有的甚至当着学生的面。
毫无疑问，这种行为更严重挫伤了学生学习的积极性，人以这种缺乏沟通、缺乏理解、缺乏情感因素，缺乏明确指导的作业评价方式，是对学生劳动成果和学生本人的不尊重，是与《课程标准》所提倡的“以人为本”的教育思想相违背的。
三、课题界定就当前情况看，提到“评价”,人们大都把它与“判断” “价值”等概念联系起来。
本课题所提出的学生作业评价，就是指以一定的方法、途径对学生学习的计划、活动以及结果等有关问题的价值或特点作出判断的过程。
但要想把握它的准确涵义，还要结合几个具体问题，其中包括：学习计划、活动以及结果，即评价内容的问题;学习主体及其心理，即评价对象的问题;关于价值或特点的问题，即将涉及评价的标准;关于评价的方法、途径问题等等，而其中的具体问题既相互关联又互相制约构成一个有机整体，从而提出了“评语+等级学业评价体系”这一概念。
鉴于美术教学跨年级段多，我们主张应该视具体的学习任务评价，与其他的学习评价模式相互补充。
事实上也是对当前学生美术学习评价领域发展趋势作一种全面的、整体的、合理的概括和总结，同时通过实践与研究诞生新的评价模式和方法等评价元素。
(一)理论依据1.多元智能理论。
这是美国认知教育学教授霍华德?加德纳提出的。
多元智能理论突出了多元化，认为人的智能结构由7种要素组成，不同组合使每人的智力结构各具特点，表现形式多种多样。
2.教学论指出：评价是构成整个教学过程的有机组成部分。
布鲁姆曾对评价做出过精辟的论述：A评价是一种获得和处理用以确定学生水平的教育有效性的论证方法。
B评价包括了一般期末考试更多种类的证据C评价用于过程中的每一个步骤。
由此可见，我们应该倡导把评价的过程与结果作为学生继续学习的动力源泉。
3.乌斯洛的需要层次理论指出：每个孩子都有归属、尊重、实现自我的需要。
儿童的这种认同感来自于各方面对他的评价。
每个孩子都希望自己最优秀，如果他们这种需要得不到满足，便会失望、情绪不振。
(二)研究意义综上所述，对于本课题提出和建立，也是基于四种不同的需要：学生心理的需要、家长认识的需要、学校教学的需要和社会发展的需要。
我们认为：它的现实意义具体还体现在以下几个方面：1. 用“评语+等级”评价学生作业，符合小学生的心理特征，有利于营造良好的学习氛围。
可以激发学生美术学习的积极性，促进学生更好地发展，培养学生自主的学习态度和积极的学习情感。
同时便于家长更清晰更全面更深入地了解子女的美术学习情况。
2. 课题实践和研究过程，能促使我校美术教师在积极参与教改研究与实践的基础上，教育、科研等各种能力均得以提高。
3.在此过程中，运用“评语+等级”评价学生美术作业的实践与研究，为教学决策提供科学、可操作性的依据。
四、国内外关于同类课题研究综述经查阅大量文献等资料表明;教育界这对于“学业评价”“课程评价”等资料方面略有著述，但显现出“大教育”的迹象，对于“美术学业评价体系”的研究目前还未领略。
因此，关于新课程中小学美术学业评价体系的建构与研究方面的课题及论文专著在国内尚属冷门。
五、课题研究的内容和预期目标本课题具体研究的内容和预期目标分别是：(一)研究内容1.构建多元化操行评语模式操行评语是教育评价的一个重要组成部分。
评价本身是一种操作过程，当然不可能方法单一，需要多层次、多角度的评价体系。
评价的正确性与评价方法的科学性、多元化是密切相关的。
随着评语的改革与发展，评语的功能日渐突出。
因此，在科学、正确的“指挥棒”的导向和推动下，对受教育者的评价不再是以往的学期末一段简单的生硬的定性文字，而是向着多元化的方向发展。
①主观评价与客观评价所谓主观评价也叫做自我评价。
学生根据一定的评价指标体系，对自己的学习、个性特长、与人交往等各方面进行主观的评估，完成相应的评价任务。
主观评价应当是最重要最常用的评价手段。
学生的主观自我评价是进行积极的自我反馈、自我鉴赏、自我总结、自我调整的有效手段。
其次，主观评价没有外界压力，是在高度自觉、积极的基础上进行的，可以保护和激发被评价者的自尊心与自信心。
学生的主观评价往往是比较深入、贴切的，但是自我评价往往受到评价者的同一性的局限，对评价的观点、内容、标准和效果，有很强的主观色彩，缺少客观标准，如果主客观差异比较大，就难免会影响评价的准确性。
因此，老师在学生的自我评价基础上应组织学生进行客观、公正、全面的小组评价或老师综合评价，这样就弥补了自我评价的局限，使学生的操行评语既有自己的主观认识，又有同学及老师的客观评价。
②相对评价与标准评价相对评价指在接受评价的一个群体中，按照一定的评价要求，将每个学生的情况与评价的要求相比较，来确定每个被评价学生所达到的水平，实现评价目的。
这种评价受益面大，能全面地评估每一个学生达到的高度，并确定其在群体中的位置，同时使学生可以客观地看到自己的长处和不足，激发积极向上的竞争意识。
此种评价方式可根据不同年级段，制定不同的评价标准。
但是，该评价是有相对性，有很大的“相比较而言”的弱点。
标准评价是一种相对绝对评价，它告诉学生明确的客观标准，例如：“你是一位美术爱好者，美术成绩优秀，懂得在美术作品中如何表现自己的情感，懂得描绘自己的所见所闻。
”标准评价使被评价者只能知道自己有没有达到某种标准，而并不清楚自己在群体中所处的位置。
③定性评价与定量评价定性评价是对学生学习质量进行评价的一种方法，其特点在对学生学习的表象进行全面的深入细致的考察和分析，进而揭示一个学生的基本特点、对学习目标的达成度和学习效果。
定性评价多用评语的形式表述，反映学生学习的质的既定性。
好处是方法较简捷，由评价者根据平时学习的直觉和理性分析予以评定，但它完全局限于评价者的教学经验和洞察力，主观性强，客观依据不足。
定量评价也是对学生学习质量进行评价的方法，主要运用统计学原理，考察学生的学习有个量的搜集和积累。
虽然操作起来较复杂，但有具体的数据作基础，作为分析、评价依据，就比较客观，也比较科学。
④过程评价与结果评价学生受教育的过程评价，指的是不单纯依靠对学生结果的测定来进行评价，而是重视对学习过程中的每一个环节的进展情况进行观察记录，来评定每个学习时期或学习步骤本身的优缺点。
如某位学生，刚开学一段时间学习很努力，且学习效果很好，但后期学习松懈，效果较差，这样在评价时应体现他的这一学习的过程体现结果评价主要依靠学生的最终的学习效果的测定成绩，这个测定结果虽然很重要，但不能作为我们评价学生的唯一依据。
因为我们要考察学生好的成绩是怎么得来的，同时，也要考察学生的学习过程所获得的结果如何。
在实践中，过程评价和结果评价是相辅相成、缺一不可的。
为了提高评价质量，使学生的操行评语是全面、客观、公正地反映学生的各种情况，就必须建立科学、公正、多元的现代评价体系，我们必须用好评价这一杠杆，勇于探索，积极创新。
如何就学生的受教育过程和结果进行有效的监控、解剖、收集和运用有关信息，对他们的学习效能和质量作出准确判断和评价，作为一名年轻教师，深感任重而道远，我愿在此课题不断探索和研究。
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如何在小学美术学科中培养人文素养
一、创设人文环境，营造人文氛围 1、创设美的教室环境，营造学美的艺术氛围 课堂是学生学习的主阵地，富有创意的教室布置能激发学生的兴趣。
美术教室应突出“美”字。
这种“美”是一种脱俗美、个性的美，让学生走进教室，仿佛走进了艺术殿堂，可以在教室的墙上张贴一些优秀儿童绘画作品，在教室的窗台上或墙上放置一些精美的手工作品，如泥塑、壁挂、面具、脸谱等。
通过欣赏一些想象丰富的儿童作品，引发联想，突破创作思维的狭窄性，牵引想象，大胆表现。
还可以贴上一些中、西方大师不同风格的画，如西方大师毕加索、马蒂斯、米罗、夏加尔、莫奈等，中国名家齐白石、徐悲鸿、张大千、不同风格的画，使学生置于良好的创艺术环境中，感受到浓浓的艺术氛围，激发学美兴趣，培养爱美创美意识。
2、建立民主的师生关系，营造轻松的学习氛围 情绪对于教学活动有着极其重要的影响。
心理学研究表明：情绪紧张，则思维受压抑，情绪低落，心情烦闷，则思路阻塞，难以发挥创造潜能；而良好的心境，则思路开阔敏捷。
教师要抛弃师道尊严，放下架子，把课堂变成学堂，尊重学生的主体地位，尊重学生的人格．课堂教学讲民主，引导学生主动参与，要让学生主动活泼地动手、动口、动脑，调动起所有的感官，参与到教学的各个环节之中，让学生保持愉快、轻松的心境。
在教学中，教师切忌动辄训斥学生，而必须对学生和颜悦色，用情绪来感染，对学生所画的画，要用鼓励的目光相迎，以亲切的笑脸相待。
由于为学生营造了“心灵自由”的空间，他们在轻松、无拘束、少规矩的氛围中，大胆想象，无拘无束画自己所想的，并争先恐后地给老师看，有的还把自己的想法悄悄告诉老师。
教师应多一些点头和微笑，尊重学生个性，学生心有所思，就会自觉运用绘画语言表现出来。
民主的师生关系，才能尊重学生的主体地位，满足学生的表现欲望，保护学生的创造渴求，敢于发表见解，才能为创造思维的激发和培养打好基础。
二、依托教材内容，提炼人文素养 1、挖掘教材内容 美术作为人文学科的核心之一，凝聚着浓郁的人文精神。
作为美术教师要充分挖掘这些因素，采取有效的人文方法，培养学生的人文素质。
如《桌子和椅子的设计》、《想象中的机器人》、《各种各样的门》等设计课，适当从作品的意境、形式、美感等方面增加难度，不仅仅是对学生技能、技巧的一种锻炼，同时也培养了他们刻苦钻研、锲而不舍的精神，促进学生坚强意志、品质的形成和创新思维的发展：《家乡的果树》、《神气和大公鸡》、《各种各样的树》、《树和小鸟》、《昆虫》等能有效地培养学生对自然和生命的热爱，对自然资源的爱护珍惜：《想象中的船》、《我心中的少年宫》、《高大的楼房》可培养学生对美好生活的憧憬和向往：画素描时，通过严格要求学生养成先观察好、再动笔，先打好轮廓，再涂色调，最后进行整体调整的习作程度，不仅可以提高作业质量，而且可以培养学生有条有理、严谨治学的学风等等。
美术教材处处蕴含着人文精神。
教师要认真钻研教材，充分挖掘人文因素，把每一课时的人文教学目标落实到位，奠定培养基石。
2、增强欣赏教学 欣赏是每堂绘画课必不可少的一个环节，通过多看多欣赏不同画种的美术作品，可以学到更多的构图知识、绘画用色方法和绘画技能，有“读书破万卷，下笔如有神”的效果。
而古今中外的许多优秀艺术作品，作为人类文化成果的一部分，代表艺术实践的杰出成就，其间容纳了丰富的人文教育资源。
所以对古今中外的优秀美术作品的欣赏学习，体验其间种种可言传或不可言传的精神内涵，既丰富了生活积累，充实精神世界，也对提高文化素质和审美修养、完善其品性人格促进形成基本的道德、价值原则有着重要意义。
因此我充分利用这块瑰宝，采用人文方法，培养学生的人文素养。
可是古今中外的优秀美术作品举不胜举，而绘画课以绘画为主，欣赏只有短短的几分钟，所以我把课前的五分钟唱歌改为欣赏，让学生超越时空的界线，在不同历史时期不同民族不同地域中遨游，获得多元化文化，陶治审美情操。
如上《近大远小的透视现象》一课时，我把表现茫茫大漠中宏伟壮观的金字塔，表现在逶逶延延地盘踞在崇山峻岭之间巍峨巨龙的万里长城的图画展现在学生面前时，学生都从心底里发出赞叹人类的古代文明：“我们的祖国真雄伟
”“古代劳动人民真伟大
”这单纯的雄浑的任何力量都不能使之动摇的壮阔的美，使学生得到刻骨铭心的感化和体验，产生审美心里效应，从而陶冶情趣，净化心灵。
3、调整教学内容序列 要立足于知识经济时代，除了有广阔的视野、博大的知识、专业的技能外，还应具备随机应变、综合应用的能力。
身为教书育人的我们，应从小培养学生这方面能力。
原先特别强调的从低——中——高年级基础知识和基本技能的教学原则，应有所突破，有序、无序的教与学应有机结合、相补相存。
按常规四年级才初步学习体积、空间，面对刚入学的孩子讲诉透视和空间，也能使儿童有空间知觉。
在实践中，我通过适当的启发和直观引导，全班有三分之二的孩子画出了三个面以上的物体。
又如色彩是三年级所学知识，但我在二年级就开始渗透，根据二年级孩子的水平，我先演示色彩的来源，阳光与色彩的关系，然后通过范画让学生识别对比色、同类色、冷调子、暖调子，同时告诉孩子用蜡笔、油粉笔、水彩笔等涂色技巧和三元色相互重叠所产生的效果，结果学生感到很新奇，也很感兴趣，课后纷纷尝试绘画，而理解过程也不差于成人。
如画《想象中的太阳》一课时，有一位小朋友用蓝色太阳代表夏季，当我问他为什么时，他说老师说过蓝色是冷调子，能给人带来凉意。
这足以证明教学内容顺序的调整，让儿童 “放胆画”——大胆运用所学知识随意画各自认为喜欢的人和事。
能促使儿童创新意识、综合应用意识快速形成，并养成敢于大胆表现的习惯。
三、开放教学内容,培养人文素养 语文、数学、自然、音乐、科学等学科本身蕴含人文教育功能，如数学能提升自己认识和改造客观事件的能力；音乐能给以努力奋斗、克服困难的力量等。
挖掘各学科的人文资源，研究和把握学科之间知识技能的迁移和横向联系，利用各科感觉的相互沟通，发展儿童的知觉能力，使学生的人文素养得到升华。
1、沟通语文学科，提高文化修养。
高尔基说：“热爱书吧——这是知识的泉源
只有知识才是有用的，只有它才能够使我们在精神上成为坚强忠诚和有理智的人，成为能够真正爱人类、尊重人类劳动、衷心地欣赏人类那不间断的伟大劳动产生的美好果实的人。
”在美术教学中，经常给学生读一些脍炙人口的诗歌、散文、童话、来丰富学生的想象力。
让学生会读、会背、把优美的诗句融化在自己的大脑中，有朝一日和自己创作的画结合起来，创作灵感便一呼而出，所产生的艺术形象就非常感人，思想得到进一步升华。
如在美术课上讲了丹麦童话家安徒生写的《卖火柴的小女孩》后，画《想象中的太阳》一课时，一位同学把童话故事与太阳相结合创作了《把温暖送给卖火柴的小女孩》，画面上太阳姑娘甩着小辫子，手里拿着小太阳和太阳饼，送给由白云托到天空中卖火柴的小女孩，这幅画充分表达了一个小学生对童话中卖火柴小女孩的同情和要为他献爱心的美好愿望。
后来又朗读了著名小诗人刘倩倩写的《你别问我这是为什么
》。
这首对小女孩充满同情和爱心的诗句，使小学生受感动，在他们中间产生极大的影响，也跃跃欲试为自己画的画写儿歌。
有一位小学生在画《海底世界》时作了一首小诗： 蓝蓝的海洋， 神秘的海底， 我愿变成美人鱼， 永远生活在那里。
除此，我还鼓励引导学生画日记画，成语画。
2、沟通科学学科，培养热爱科学、崇尚科学的精神 热爱科学是现代人文精神的重要标志之一。
现代社会是科学技术高度发展的社会，科学技术已经渗透到社会生活的各个领域，人在现代化社会中生存发展，没有一定的科学素质是万万不行的。
因此我充分挖掘美术与科学互通的内容在让学生了解一定科学知识和科技发展趋势的基础上，通过《手套设计》、《想象中的机器人》、《太空旅行》、《桌子、椅子设计》、《想象中的船》等设计活动，培养学生热爱科学、崇尚科学的精神。
如教学六年级《想象中的机器人》一课时，我先让学生通过各种渠道去了解目前机器人制造的状况，掌握有关图书资料（目的了解科学，探索科学），开课时先欣赏国际机器人博览会中一个个设计精美的机器人，并听这些机器人对自己独特之处的介绍（课件制作），然后让学生自由组成几个集团公司展开讨论；你认为现代人需要何种机器人
再传授设计方法，最后小组合作创作。
通过对目前机器人制造状况的了解，再从大量的动、植物自然景观，到飞机、汽车等人造物体，甚至许多卡通形象，给学生以无限的想象空间，从而一个个既具有一定科学原理，又别具匠心的作品跃然纸上。
3、沟通自然和现实生活，培养热爱生活、自然的情感，提高审美能力。
我国著名教育家陈鹤琴先生早就提倡“大自然，大社会是我们的活教材，”“美在生活中，美在自然里”的活教育思想，我国地域广阔，山河秀美，民俗民间和传统文化艺术广博多彩，根据教学计划目的的利用一个块时间，带领学生探寻名山大川，或走访人文景点，引导学生仔细观察，捕捉自然中美的情趣，识别什么是真、善、美，什么是假、恶、丑，引导他们用心尽情体会，用笔尽情描绘。
这不仅仅训练了学生对所学知识的灵活应用，更主要的是学生获得自然界“美”的启迪，用真实的情感去体验生活自然的美感，陶冶情操，学习用真情去表达和创造美的乐趣，同时可引发学生爱家乡、家祖国的思想及对人类伟大艺术成就的赞叹之情。
如在教学第二册《昆虫》一课时，我利用课外活动时间组织学生到校外寻找观察昆虫。
结果课堂效果非同凡想，小学生不但了解了各种昆虫的形状、颜色，画时得心应手，而且还争先恐后地把自己在观察中的心得体会讲给大家听，有的学生说：“小蜜蜂非常勤劳，在花丛中飞来飞去，不知疲倦地采集花粉，为我们人类酿造出最甜的蜜来。
”又有的说：“在昆虫世界里，有益虫，也有害虫，像苍蝇、蚊子，它们是伤害我们身体健康的害虫，小蜜蜂是我们人类的好朋友。
”这一美一丑的对比，强化学生对事物感情认识，使学生更加热爱生活中美的事物。
在画第二课《象想中的昆虫》一课时，这位小学生还把小蜜蜂想象成可爱的小姑娘，他们穿著花衣裳在花丛中飞来飞去，采集花粉。
从欣赏生活中蜜蜂采花粉的情景，到学生联想到把昆虫拟人化的过程，是对美好生活的再创造，他们所创造的作品来自生活而高于生活，这不正是他们热爱生活，热爱大自然，敢于创造美好未来的体显吗
四、注重教学技巧，发展人文养养 1、启发诱导，自主探究。
人的本质是主体、能动的，学生是认识、实践、发展的主体，学生健康成长的关键在于自身的积极性。
当前市场经济的条件为人们发展自主意识、独立意识、创造意识提供了社会条件，也为个人的全面发展、自由发展提供了广阔的空间。
小学教育要培养的是将来能适应社会的人。
因此，“促进自主”，是提高学生素质的重要“自变量”之一。
在教学中我们要把抓住各种有利时机、诱发学生自主探究的动机作为美术教师的根本责任。
可通过课堂表演、音乐播放、创设情境、提出问题和让学生主动寻求答案等形式，诱发学生自主探究。
比如在教学《美丽的花边》时，引导学生欣赏花边、动手将单独纹样排列组合成多种花边后得出：“将单独纹样按二方连续的规律排列组合成花边。
”然后启发诱导：“将单独纹样排列组合成花边，还有哪些方法
”让学生再次利用课前用纸板剪制的单独纹样进行排列组合，让学生去自主发现，积极探究新花边图案的构成知识。
学生动脑动手探寻出的花边排列样式与教材中相比更为丰富，极大地开阔了学生的思维空间。
2、集体创作，促进协作。
现代社会是一个竞争激烈的社会，同时也需要人们进行广泛的多方面的合作，所以培养学生正确的合作观是人文教育的重要内容之一。
集体创作完全打破了传统教学的模式，这时师生之间，同学之间会形成一种新型的关系，在这种民主和谐的气氛之中，儿童的个性会得到充分地发挥，创造性会得到激发，当作品完成之后，他们会因创作的成功而增加集体的荣誉感。
而且对学生良好性格的形成，集体观念的建立，合作态度的培养等有着积极的意义，现代社会需要培养具有广泛合作态度的下一代。
如在教学《太空旅行》一课时，我通过“听”音乐，创设一种轻松的气氛，把个人创作与集体创作结合起来，培养团结协作的精神。
利用以太空为背景的大挂图，要求学生每人画出一架自己乘坐的与众不同、新颖的太空飞船或飞碟；然后剪下，粘贴到大张太空背景图中，让学生在这一特定的情境中，愉悦地把知识技能转化为创造的动力；最后要求学生们为集体创作的作品命名，学生们争先恐后地举手，有的说叫“热闹的太空”，有的说叫“各种各样的飞船”这样，通过个人创作与集体创作相结合的方法，寓教于乐，真正使学生成为了学习的主体，达到了发展智力，培养创造力的目的，同时也增强了团队协作的精神。
3、分层指导，展示个性 学生的个体差异是客观存在的，每个孩子都有其独特的个性与特长，每一个孩子都潜藏着许多“闪光点”。
为此，在实际教学中，要注意个体差异，分层对待，因材施教，促使每个学生在适合自己的学习环境中求得最佳的发展。
具体操作时应做到：1、对每一位学生都要认真细致地调查了解，对其个体差异做到心中有数，然后对他们提出不同的学习要求；2、根据教学大纲、教材内容和学生实际，实施分层教学，让不同层次的学生都有表现自我并获得成功喜悦的机会，让后进生“吃得了”，中等生“吃得饱”，优等生“吃得好”；3、加强个别辅导，弥补课堂教学的不足。
五、改革教学评价，提升人文素养 1、教师摒弃功利色彩，合理评价 儿童美术教育的价值在与素质教育而不是专业，因此儿童画创作不要用成人的创作规律去要求学生，什么主题、构思、表现手段、绘画语言等，不要过多的讲解，使学生感到高不可攀，产生一种惧怕感，要鼓励学生大胆去画，甚至是随意的涂鸦，也不要轻易批评指责，这对画好与画坏并不重要，让学生克服“不会画”的畏难情绪，让他们在轻松愉快的心态下有勇气和信心去完成作业，大胆表现自己的想法情感，从而培养自信心、自我表现能力。
在教学二年级《想象中的太阳》一课时，我先给学生讲了一个童话故事，然后让他们根据故事自由发挥，画出故事情节及添加适当背景，交上来的作业中有一幅画引起我的注意，这幅画画面用笔稚拙、随意、有点粗糙，也无“技巧”可言，更无任何背景，但他画了四个太阳——分别为绿、蓝、红、黄的太阳，用笔大胆，色彩丰富，这引起了我的兴趣，我请小画者自己上讲台来给大家讲解他的答案令我惊诧，四个太阳分别代表四季的阳光：绿太阳是春天的太阳，绿色阳光催的大地吐绿万物复苏，蓝太阳代表夏季，因为老师说过蓝色是冷色调，能给人带来凉意，而黄色当然是收获的金黄的秋天，最后他希望冬天的太阳是红彤彤的，照得大家暧洋洋。
我除了给他的造新思维给以大大赞扬，给他的画打上的高分之外，还鼓励其它同学向他学习这种敢于自我表现的精神。
这位同学充满成功感，自豪感，从此酷爱画画。
在2001年全国少儿书画比赛中，她画的《筷子树》获铜奖。
2、学生参与评价，培养管理、交往、合作的能力。
如果说教师的表扬与鼓励是学习过程的一种及时评价，那么，学生参与评比记录则是对学习过程更具体、更细致的评价。
我在美术课上常采取小组合作、对手互评和自我评价等形式，由选定的组长记录每次评论结果。
每个学生都有一本小档案，评比的内容包括基本知识、技能方面的，如对同学作业的技巧、想象方面的看法等，也包括当今学习态度等方面的，如：是否按时上课，课堂纪律，完成作业的态度，爱护公物方面，保持室内整洁，文明礼貌等。
这样的评价能培养学生善于管理、交往、合作的能力，以适应当今这个充满挑战的时代。
引导使用不同绘画材料，采用不同的教学手段，培养个性。
陈鹤琴的教育内育观点主要有哪些
摘要: 通过回顾中国工艺美术和西方近现代设计的演变历程，揭示了我国当代艺术设计与传统工艺美术的辩证关系；看清了传统工艺美术史论的局限后，目的在于进一步去挖掘中国古代艺术设计思想的研究；但在弘扬古代设计文化的同时，不能忽视传统工艺美术的承继和保护。
关键词: 艺术设计 工艺美术 关系背景出于博士论文选题中有关中国古代相关器具设计思想研究的需要，加之当下设计理论界对于工艺美术与艺术设计在概念上出现交叉模糊的现象，因此，必须探讨一下工艺美术与艺术设计的辩证关系，以便于为所研究的课题内容扫清认识上的障碍，为从传统工艺美术器道研究转为中国古代设计思想的探讨，找到合理的转向的理论依据。
如果我们将1919年在德国小镇魏玛成立的包豪斯学校作为现代设计教育诞生的标志，那么正规的艺术设计教育在西方从包豪斯开始已发展了近100年，而在我国真正接近西方现代设计概念的历史，在中国却只有20年的时间。
恰在包豪斯成立的那一年中国爆发了五四运动,这之后随着新文化运动的潮流、新观念和新思想的传播，现代设计的观念也开始传入我国。
中国的设计教育经历了从图案、美术工艺、实用艺术、工业艺术、工艺美术再到艺术设计的过程。
在今天看来确是走了一个弯路才又回到了其原始的跑道，这种反复和历练与其悲观地叹息，不如认为它对于未来中国艺术设计的发展是大有裨益的。
从1956年成立中央工艺美术学院至今，我国的工艺美术领域无论是在道器还是器道上都取得辉煌的成绩，但随着时代步伐的迈进，工艺美术渐渐地被艺术设计所取替，有人以1999年11月20日中国唯一的、也是最早的工艺美术最高学府--中央工艺美术学院，不但并入了清华大学、还更名为美术学院作为在中国的高等专业教育中，工艺美术已被艺术设计所全面替代的标志，笔者以为这也不是没有道理的。
正如张道一先生所言工艺美术……现在改称'设计艺术 '了(1)。
我国1998年学科分类目录中艺术设计是艺术学下的二级学科，至此我国现代设计的概念以艺术设计作为国定科目基本上划上了句号，艺术设计一统过去工业设计、包装设计、室内设计、视觉传达、服装设计等专业科目混乱的局面，而工艺美术却随之逐渐、悄无声息地退出了设计类院校的主战场。
1、中国工艺美术这里，笔者想简要回顾一下我国工艺美术的发展历程。
1840年以前鸦片战争被西方列强打开国门的同时，也开启了中国近代史的篇章，这之前中国一直处于农业时代。
我国古代就有 工艺的叫法，当时的工艺是工（工匠、制作）和艺（才能、技艺）等多重词义的复合。
早在北宋李昉（925－996）等编纂四大部书之一、百科全书性质的类书《太平御览》中就设有工艺部、器物部、舟部、车部、珍宝部等部类相从，无疑属技艺门类。
(2) 工艺一词在北宋欧阳修（1007－1072）《新唐书·阁立德传》中也有记载：父毗，为隋殿内少监，本以工艺进，显而易见，此工艺一词，与中国近现代的工艺美术的概念尚有区别。
(3)1840-1911年清末，废科举，兴学堂，1902年（清光绪28年）洋务派代表人物之一张之洞（1837-1909）奏设三江师范学堂（现东南大学前身），1905年三江师范被清廷改名为两江优级师范学堂，1906年两江师范正式设立图画手工科。
由此， 两江师范成为中国最早的设立师范美术专科的高等学堂。
(4)当时的洋画、器画（如同今天的素描、色彩和画法几何等专业基础课程）专业教育主要由日本人传授，在一定程度上受日本早期美术教育的影响（关于日本的这段历史请参看笔者发表在《装饰》2002年第6期的译文《二战期间的日本设计简史》，在此不多赘述）。
1911-1949年随着辛亥革命的胜利、封建帝制的覆灭以及这之后连年的内战，中国的传统手工艺品随之进入了发展的低谷，但美术教育并没有像人们想象的那样驻足不前。
特别是五四以后中国知识分子提出了以美育救国的口号(5)，如著名美术史论家俞剑华（1887-1936）先生在其1920年出版的图案专著《最新图案法》总论中写道：图案（Design）一语，近始萌芽于吾国，然十分了解其意义及画法者，尚不多见。
国人既欲发展工业，改良制造品，以与东西洋相抗衡，则图案之讲究，刻不容缓
上至美术工艺，下迨日用什器，如制一物，必先有一物之图案，工艺与图案实不可须臾离。
事隔9年美术教育家陈之佛（1896-1962）在《东方杂志》上撰文认为：就美术工艺的本质上考察起来，美术工艺品决不是和古董品同类的。
……工业品是间接的或直接的关切于人类的生活，其目的就是为人类生命的持续而产生的。
工艺品是艺术和工业两者要素的一部的结合，以人类生活的向上为目的，所以工艺是适应人类日常生活的要素--'实用'之中，同时又和'艺术'的作用融合的一种工业活动。
(6)这一时期当今概念中的工艺美术被称为图案、美术工艺、实用艺术。
1949-1956年1949年7月10日《文汇报》刊登了由梁思成执笔的清华大学营建系学制及学程计划草案中有：工业艺术学系--体形环境中无数的用品，从一把刀子，一个水壶，一块纺织物，一张椅子，一张桌子……乃至一辆汽车，一列火车，一艘轮船……关于其美观方面的设计。
……在另一方面，我国尚有许多值得提倡鼓励的手工艺，但同时须将其艺术水准提高。
(7) 这一时期出现了工业艺术的称谓。
1956-1978年1956年中央工艺美术学院从中央美术学院的图案系中独立出来，这标志着我国第一所自己的工艺美术最高学府的成立，并成为全国第一所综合性、多专业的工艺美术本科院校。
随后，全国地方性艺术院校纷纷相继设立了工艺美术系科或专业，如浙江美院、四川美院、广州美院、南京艺术学院等高等艺术学院也开设了工艺美术系。
同时我国还相继建立了一批中等工艺美术专科和技工学校，形成了高等美术院校教育、中等工艺美术学校教育和多种形式的职工专业教育和职业教育相结合的教学体系。
具体专业方向有陶瓷、染织、漆艺、装潢等等。
到了五十年代以后，还出现了遍布全国的工艺美术服务部的红火开张。
当今学术界公认的工艺美术概念就是在这一时期被正式确立下来的。
(8)1978年至今粉碎四人帮以后、特别是1978年中共党的十一届三中全会以来，随着时代的发展与经济建设的需要，湖南大学等工科院校于70年代末在我国率先设立了相应的研究所，并于80年代初创办了工业设计专业。
1987年成立了中国工业设计协会。
之后，1995年冬在广州召开了全国设计艺术理论研讨会，1998年教育部颁发的普通高校本科专业目录首次出现了艺术设计学的称谓，这期间全国艺术院校的工艺美术专业在教学思想上开始向艺术设计靠拢，并纷纷将学科更名为艺术设计。
也就是说20世纪90年代，我们才真正建立起与工艺美术有所区别的学科名称艺术设计。
这个转变悄无声息地进行着，于是，对于二者关系的各种理解也就相继出现了。
在讨论二者关系之前我们不妨回顾一下西方近现代设计的历程，这是因为在学科组织结构和专业设置上，我们当下的艺术设计学科与西方高校的设计学科几乎是一致的。
2、回顾西方近现代设计的简要历程1851年，水晶宫国际工业博览会上粗制滥造的工业产品，招致了以约翰·拉斯金（John Ruskin，1819-1900）和威廉·莫里斯（William Morris 1834-1896）为首的一部分英国艺术家们的极度反感，他们通过批判机械化大生产所带来的早期工业革命造成的负面影响，进而倾向于回归对中世纪古典传统手工艺的眷顾。
(3)以莫里斯为代表的工艺美术运动（Arts and Crafts）开始在民众中倡导手工与艺术结合的理念，提出工艺产品要美观与实用的口号，打破艺术与手工艺之间的界线。
此后，又相继出现了以法国、比利时为中心的将英国工艺美术运动引入欧洲大陆的新艺术运动（Art Nouveau）和以德国为中心的对于标准化、大批量生产方式探讨的德国工艺联盟（Deutscher Werkbund）(9)。
直到1919年现代设计教育的创始人、建筑大师格罗披乌斯（Walter Gropius，1883-1969）在德国的魏玛创建了包豪斯设计学校（Bauhaus）使设计教育真正从设计运动的外部效应第一次转入正规内在的学校教育，也标志着现代设计教育体系的确立和设计（Design）作为一门学科的兴起。
包豪斯集中了20世纪以前欧洲各国先进的设计思想和经验，如荷兰风格派运动（De Stijl）和俄罗斯构成主义运动（Constructivism）的影响，它提倡艺术与技术结合的新统一，创立了工业化时代设计教育的基本原则和方法，其中还融进了对经济内容的重视和能力的培养，奠定了现代设计在20世纪独领风骚的先锋地位，标志着旧有手工艺装饰思想在未来一百年的彻底转型。
特别是二战期间这股思潮与美国芝加哥学派的融合，导致了50年代国际主义现代派风格的流行，引导了推崇功能至上的现代派设计思想不断延伸，以至于设计教育中心从德国转移到了美国。
现代设计是建立在民主思想基础之上，通过标准化、大批量的机器生产方式来实现的。
从此西方的设计文明彻底脱离了手工艺装饰的思想束缚，进入到现代工业文明的母体之中，并影响着现代西方的衣食住行用及其生活方式。
(10)3、中国艺术设计从上面对中国工艺美术历程及西方近现代设计历史的简要回顾，可以看出20世纪前期中国的艺术设计，仍是19世纪后期、20世纪初期欧洲的工艺美术运动、新艺术运动的工艺思想影响下的中国式翻版，它们成为20 世纪前期中国艺术设计的主要形式。
可见围绕着造物的艺术活动，近百年来在中国走了一条'图案--工艺美术--设计艺术'的路。
(1)因此，从理论上讲，中国设计教育的初具规模还是近20年的事情，此前的设计概念仅仅停留在工艺美术基础上的借用，从心理到方法的认知都是从被动的向西方学习和对传统手工艺国粹的膜拜。
我国本世纪初根据日译把design译为图案，而日本后来觉得这种译法欠妥，改用片假名，把design音译为デザイン即迪扎因。
而我国长期以来在译名上没有变更，只是从图案转换为工艺美术作为design的对应物，由于译名和原术语的语义不符，才造成了理解上的思维混乱。
那么今天，艺术设计又是一种新形式下的复合词。
将艺术与设计和而为一，是结合中国国情和中文语境下的产物，是充分理解了现代设计的产生背景和原理后，一种较好地能解释和传达西方Design的复合词，笔者以为基本上还是反映了其始祖包豪斯设计学校的思想。
包豪斯从一开始就将艺术因素纳入整个设计教育结构体系中，将艺术与设计作为一个不可分割的有机体。
艺术设计通过设计一种创造性的人为事物，美化和丰富人们的生活，影响着人们的生活方式（柳冠中语），它是集物质与精神、科学与艺术于一体的造物活动（李砚祖语）。
下面从中文字面再探讨一下艺术设计这个复合词的语义。
我们还是从艺术设计的第一个关键词艺术开始分析吧。
公元1世纪时的罗马修辞学家昆提连（Quintilian）曾把艺术分为三大类，第一类是 理论的艺术，如天文学；第二类是行动的艺术，如舞蹈；第三类是产品的艺术，即通过某种技能制作成品的艺术。
(11)因此这第三类产品的艺术 较接近于我们当今的艺术设计的含义。
古希腊文中的艺术（Texvn，）是表示某种专门化的技巧形式，如木工等。
英文的艺术（Art）和德文的艺术（Kunst）也表示一种可学的而非本能的技巧和特殊的才能。
(12)在三千多年前，中国就已经出现了艺的概念，艺被定为士的必修科目，如古人的六艺就是指礼（礼仪）、乐（音乐）、射（武术）、御（马术）、书（书法）、数（算术）等六种技艺。
因此，我国古汉语中的'艺'，也包含着类似英文 Art的语义，含有技巧和才能的概念。
因此，概括地说，艺术这个词所包含的基本含义就是技巧、手段。
而设计（Design）的概念产生于意大利文艺复兴时期，其最初的意义是指素描、绘画，而发展到后来设计的含义变得更加宽泛了，还包含了艺术家头脑中创造性的思维，故有人将设计定义为：事先在心中酝酿，在想象中已描绘出结果，并能通过实践使之成为现实的可视物。
(12) 在《高级汉语大辞典》上是这样解释设计的：按照任务的目的和要求,预先定出工作方案和计划,绘出图样为解决这个问题而专门设计的图案。
故张道一先生说：如果从字面训诂，设计就是'设想'和'计划'。
(13)柳冠中先生认为设计是一种创造行为，是创造一种更为合理的生存(使用)方式。
综上所述，笔者以为艺术设计是借鉴西方现代设计理念并结合中国时下专业背景的实际情况之后，组合而成的复合词，在某种程度上较好地反映我国学科专业的现状，能够一统过去工业设计、室内设计、包装设计、服装设计、平面广告和当今信息媒体等多专业的归口问题。
如果，也像西方那样只用Design 迪扎因一词，势必与建筑学、机械学等其他工程类的设计概念相混淆。
因此，用艺术设计的称谓是目前一种最恰当且能解决问题的表述方法。
当然，我们也要看到学科建设是发展的，艺术设计作为一门学科它是一个有机体，也存在着同任何自然界有机体那样具有产生、成长、成熟和消亡的规律。
对于这个有机体的姓氏之争，笔者以为它只是一个符号而已，大可不必为此大兴笔墨。
我们了解这个有机体产生和发展的过程后，就不会被其姓氏名词表象所迷惑。
艺术设计与工艺美术之间，虽为一个有机体的不同阶段的产物，但却烙上了几代知识分子的学术痕迹，值得我们比较和梳理一下二者的关系。
4、当代艺术设计与传统工艺美术的关系4.1 二者产生的时代背景传统工艺美术是通过手工技艺来完成的，建立在农耕文化的基础上，它带有明显农业时代的特征。
虽然其中也有一部分民艺品，但大部是为少数官僚士大夫阶层服务的产物，儒士的审美趣味道决定着传统工艺美术的方向和发展。
而艺术设计是在工业化大生产中完成的，建立在工业文明的基础上，它带有明显工业时代的特征，为大众服务，民主的意识较强。
传统手工艺从业者地位地下，是历年重视官本文化贬抑民本文化的结果，中国古代的封建等级制度决定了工艺匠人的生存状态。
不可否认绝大多数的工艺匠人的文化水平的局限，导致许多工艺技术的缓慢提高和发展，以及一些工艺技术的失传。
而艺术设计的从业人员基本上受到了较好的专业教育，社会地位和工作环境大大提高，在设计定位上围绕市场，有系统的方法论作后盾，创作上保持一种自由自主的状态。
4.2 二者折射出的美学思想传统工艺美术相对于当代艺术设计在美学上，实质就是手工技术的装饰美与机械技术的功能美的比较。
手工技术的美常带有个人的情趣，贯穿着个人的精神，保持着经验、感性的特征，以装饰为美。
而机械技术的功能美是建立在流水线基础上的，以实用功能为最终目的，反映的是大批量、标准化的和谐、统一和理性的技术美特征。
功能美与技术美是当今艺术设计美学中的主要内容。
如果说工艺美术是技术与艺术的结合体，那么艺术设计就是以科学和艺术作为结合体。
因此李砚祖先生将原来设计美学的功能之美与技术之美基础上又延伸出了科学之美(14)，这也正反映了艺术设计作为一种学科是有机地向前发展的。
工艺美术是与传统农业、手工业生产方式和价值模式契合的原生艺术，而艺术设计是与工业化信息时代相适应的复合艺术。
作为科学与艺术的结合体，艺术设计比工艺美术更能体现当代文化和人性的多元化，集成性和跨学科性是它的时代特征。
4.3 二者的教育模式和专业设置师徒相授，子承父业是传统手工艺技术传播的主要方式。
技艺熟练的老师，对本行技术几乎随心所欲，它的手口传承方式，却决定了它只能是一种意会知识，偏重经验的积累而缺乏系统的理论。
一代代能工巧匠，只是习惯于按经验办事，只能满足于代代相传、世世相袭。
当代的艺术设计理论是以西方的思辨的哲学体系为依托的一种被理论化、体系化的了编码知识，即使脱离了面对面的言传身教式的传承方式，也可通过文字、书刊或其他传媒进行传播。
艺术设计还引进了系统论作为科学研究的指导方法，以现代系统论为代表的科学研究成果，使人们认识到事物是一个多层次，多时空的网络交叉结构，它促使人们的研究方法和思维方式产生了根本性的变革。
传统工艺美术的基本专业有染织、装潢、陶瓷、服装、特种工艺等等，而当代艺术设计的基本专业为工业设计、包装设计、室内设计、服装设计、平面广告等等。
因此，二者在专业门类上具有很强的时代背景。
从中也反映了一个不争的事实：社会需要什么，被称为工艺美术或艺术设计的这个有机体，就会自动调整其专业设置以适应时代的需要。
4.4 二者对应的研究对象工艺美术的对象主要是手工艺品，而艺术设计是批量生产的工业产品。
一个是传达了传统的道器思想，一个是体现现代人的设计理念。
以往的工艺美术史论多是讲技术和现象，多是研究图案、装饰的问题，或者亦偏重于材料的工艺阐释。
因此有人认为过去的工艺史是材料史(10)，而设计史可能更偏向于器具史，是从器具的立场出发，研究和讨论的是具体的器具的形式与功能、以及从中反映出的设计思想，目的是为现代设计提供良性的参照体系。
与工艺美术相对应的是道器，道器的概念台湾故宫博物院副院长谭旦冏先生在他的《中华艺术史纲》有详细的论述；上海的张孟常先生在她的博士论文《器以载道》中，在总结中国工艺美术史著版本的基础上，又对道器哲学进行了一番论述，论证了器以载道的观点。
笔者以为道器论包含了三个范畴：形、道、器，三个范畴的关系是∶道在形以(而 )上，器在形以(而 )下。
简言之，器指物质载体、道指精神内容，是相对于工艺美术领域的范畴而言的。
道与器的问题，其实体现技术中的思想和思想中的技术。
而艺术设计的研究对象主要是人为事物。
人为事物是柳冠中先生提出来的，美国管理学家和社会科学家赫伯特·西蒙（Herbert A．Simen）在其名著《关于人为事物的科学》中也有类似的提法，但二者的概念和内涵有所不同，柳先生的人为事物是指相对于第一自然的第二自然人化自然之事物称为人为事物，主要是指包含了人的设计思想和创造性理念的人化自然事物。
当然按照以上观点可以肯定传统的工艺美术品也是人为事物，因为她包含了工匠和委托者的聪明与智慧。
道器的关系从对物的熟悉来发挥人对物的移情作用。
工艺美术的形、道、器相对应的就是艺术设计的造型、设计、产品；传统的制器和器用就是当今的产品和用品。
人为事物与道器在概念的内涵与外延上是交叉关系，代表不同价值观系统。
道器是传统的器物观念，反映了中国人的思维方式，而人为事物是当代的对设计的一种认识，二者互不排斥。
结语从上面对于艺术设计阐释，可看出，在概念的外延上古代艺术设计所包含的内容应大于传统工艺美术的内容。
例如，传统的工艺美术史论领域所称颂的道器思想，多只限制在官方以及宫廷工艺美术的范畴内，其实，中国古代科技和民间工艺中还有许多造物思想值得我们去探讨和剥析。
应该说工艺美术和艺术设计 一样都是西方近代设计文化和思潮对我国设计教育界的影响而派生出来的。
把一个语义符号与其产生的语境背景联系起来一起思考，才是一种系统和契合客观实际的思考方法。
如果我们从需求的角度分析即衣食住行用相对应的物质载体，会发现传统手工艺品在满足功能的前提下出现的被称为工艺美术品或民艺品的对象，实质上就是艺术设计学专业对应的研究对象。
工艺美术与艺术设计的关系就是传统与现代的关系，是一个有机体不同的两个历史阶段的产物，同样都美化和影响着人类的生活，二者之间相对于人性本质而言，都是满足人们的需要，它们之间只是表达上的不同，却没有根本的不同。
西方现代设计观念的引进和思考，往往会形成对传统工艺美术的割舍，以为一指艺术设计就是与传统工艺美术相脱离，这是一种片面的看法。
现代艺术设计的发展并不意味着对传统的全面否定，而传统道器思想的光辉也并不因为现代艺术设计的兴起而消亡，二者正在逐渐地趋于融合。
(15)正如张道一先生所言：有人把它对立起来，评定是非，我看是不必的。
(1)认清楚工艺美术与艺术设计的关系后，我们自然不会再把二者对立起来，而且有必要继续将半个世纪以来保持的我国优良的工艺传统发扬光大。
但目前的情况是，传统的工艺美术在失去市场和需求后如何保护其遗产，可能需要各级政府部门的支持和行政倾斜。
否则：有一些民间的工艺美术品，已经处于边缘化、老龄化、孤独化，走向暮色的深处。
(16)这意味着我们将失去丰富的传统工艺美术的文化遗产，如果仍等闲视之，势必将成为未来子孙后代不愿看到的遗憾。
艺术设计是一种造物活动，具有一定的审美属性和精神价值，而设计思想就是指在人类创造性的造物过程中伴随和产生的形而上的精神载体的整合，就是在为人造物和所造物为人服务的双向交替中产生的创造性思维的总和。
人类为生活和生产造物活动的对象及结果就是上文提到的现代艺术设计的人为事物和传统工艺美术的道器。
因此，只要有造物存在就有造物思想--设计思想的存在，对应于传统的工艺美术而言，这种设计思想就包含在我们过去常说的道的内涵中。
应该说中国的古代设计与中国古代科技在研究对象上还有某些相交叉或关联，而过去，在工艺美术史论领域，却很少去关注古代科技器械的研究。
而当今，正需要通过对中国古代设计器械的深入研究，去得以充实和发展这部分未曾开垦的处女地。
因此我们所说的研究古代设计思想，更偏重于古代科技相对的器械造物活动中的设计思想。
总之，艺术设计与工艺美术，二者的关系同源而异流。
研究中国古代设计造物思想是迎合当今艺术设计教育的需要，是时代的呼唤，也是从工艺美术史论的转向艺术设计史论拓展的必然。
参考文献(1)张道一：《琴弦虽断声犹存》，装饰，2002年第4期(2)尹定邦：《设计学概论》，湖南科学技术出版社，2000年，第23页(3)赵农：《厚德哉物--对艺术设计史论教学的思考》，美术研究，2001年第3期(4)范扬：《百年回眸世纪展望--南京师范大学美术学院百年历程的回顾与思考》，装饰，2001年第1期(5)杭间：《中国工艺美学思想史》，北岳文艺出版社，1994年，第2页(6)何晓佑：《设计教育,为新经济时代的到来作准备》，南京艺术学院学报(美术及设计版)，2003年第1期(7)转引自吴良镛：《人居环境科学导论》，中国建筑工业出版社,2001年，第158页(8)杭间：《民生与工艺传统技艺在现代的遭遇》，读书，1998年第5期，第138页(9)何人可：《工业设计史》，北京理工大学出版社，2000年(10)赵农：《琢玉成器--关于《设计概论》的教学》，西北美术，2000年第1期(11)李砚祖：《造物之美》，中国人民大学出版社，2000年第26页(12)李伟：《从艺术与设计的关系看现代艺术设计教育改革》，湖南商学院学报，2001年第6期(13)张道一：《张道一文集》，安徽教育出版社，1999年，第345页(14)李砚祖：《论设计美学中的三美》，黄河科技大学学报，2003年第1期(15)朱广宇：《民艺学与设计学的交叉学科研究》，装饰，2002年第6期(16)吕品田：《衰落与蜕变》，文艺研究，2000年第2期，第99页
如何推广美术课程
美术课程的开发与应用研究》课题组(南通)一、问题的提出1、课程改革对地方文化资源开发利用的需要课程资源是形成课程的要素来源，同时也是实施课程的必要而直接的条件，所以，第八次国家基础教育课程改革将“课程资源的开发与利用”作为重要概念列入国家颁布的各学科课程标准之中。
美术教育，作为一直走在教育改革前沿的课程，作为需要借助教材之外的资源才能完美实施的课程，作为需要创造性地实践教学内容的课程，就更要充分发挥社区、学校、教师、学生等各方面的课程资源优势，为促进学生个性健全、身心健康和多样化发展服务。
2、美术课程资源开发和利用存在的弊端长期习惯使然的技能教学，使美术课程资源在开发和利用上存在着弊端和误区，导致美术教学课程资源的开发与利用相对落后，这也成为观念前卫的美术课程资源开发难以提高的原因之一。
（1）课程资源的呈现方式单一。
美术课程资源常被简单地理解为教材和教师的技能技法，而实质上，美术课程资源在呈现方式上有文本资源、实物资源、活动资源和信息化资源。
而地方文化资源（包括当地的自然物质如动植物及自然山川等，人类创造出来的物质如建筑、服饰、工艺作品等），它具有更为亲近学生、更为直观、形象的特点，是美术教学中传播民族文化最常用的课程资源。
但这方面资源的整合与应用是明显存在缺损的。
（2）课程资源的实施空间狭隘。
校外课程资源极其丰富，它包括学生家庭、社区乃至整个社会中各种可用于教育教学活动的设施和条件以及丰富的自然资源。
而当地的美术馆、博物馆以及乡土资源是美术课程资源的重要内容之一，它将学校所在社区的自然生态和文化生态方面（包括乡土历史、民风习俗、传统文化等）内容进行整合，有选择地进入地方课程、校本课程乃至国家课程的实施过程中，成为师生共同建构美术知识的平台，它对培养学生热爱家乡和祖国的情感，开阔学生视野，加深学生对美术的理解有极大的帮助。
（3）课程资源的挖掘内容欠缺。
由于基础教育长期以来受“儒家思想”和“应试思想”的影响和制约，许多教师、学生和家长把着眼点放在了考试科目上，而忽视美术知识的学习，对于学生身心健康发展极有价值的地方文化课程资源却被忽视，这不仅忽视了传统文化、地方文化本身的传承，也忽视了学生能力、素质的全面提高和培养。
以上存在于课程资源的开发与利用问题上的偏向，反映了人们陈旧、落后的教学观念和传统的教学行为。
所以，我们必须对课程资源重新定位和认识，树立新的课程资源观，走出“教材是唯一课程资源”的狭窄天地。
3、南通地方文化资源的特色和艺术含量南通，被称为中国近代第一城，“文化之乡，教育之乡，建筑之乡，长寿之乡，纺织之乡”，一山（狼山）一水（长江）一人（张謇）将南通地方文化艺术孕育得丰富多彩，徜徉其中可以感受一次文化之旅。
我们完全可以利用这一地方文化资源进行美术课程资源的开发。
（1）历史遗留下的名胜古迹：闻名全国的八小佛山之一—狼山及其相关建筑群、佛教艺术文化、海安新石器时代的青墩文化等。
（2）极具地方特色的民间艺术珍品：南通风筝、海安花鼓、蓝印花布、沈绣、跳马夫服饰、农民画、盆景等。
（3）现代观念中的博物馆群：南通博物苑、纺织博物馆、蓝印花布艺术馆、张謇纪念馆、南通民间艺术馆、个簃艺术馆、沈寿艺术馆、体育博物馆等（4）历史悠久的纺织业：反映南通地方历史、民间工艺和民俗的一面镜子，也是孕育并创造近代纺织名城的珍贵文化遗产。
而叠石桥的纺织品已成为中国纺织业的领军品牌。
（5）人文资源：著名画家李方膺、王个移、袁运生、袁运甫、范曾激起其他优秀民间艺术家。
通过有效的组织和利用地方文化资源，引导学生认识南通的地方文化艺术，理解传统文化思想，体会劳动人民辛勤的劳动和高度的智慧，引导、启发学生学会珍惜、继承文化遗产，从小培养学生热爱家乡，热爱祖国的情感，才能使我们的民族文化得以传承、发扬、光大。
二、课题的界定顾明远先生在其编著的《教育大词典》中提出了与课程资源相类似的一个概念，即“教育资源”。
他认为“教育资源”是指“教育过程中所占用、使用和消耗的人力、物力和才力的总和”。
学者徐继存认为：课程资源是课程设计、实施和评价等整个课程编制过程中可资利用的一切人力、物力以及自然资源的总和。
包括教材以及学校、家庭和社会中所有有助于提高学生素质的各种资源。
课程资源即是知识、信息和经验的载体、也是课程实施的媒介。
课程专家吴刚平同时也指出，课程资源“是指形成课程因素来源与必要而直接的实施条件。
”据此，就美术课程来讲，美术地方课程资源是指有利于美术课程目标实现的、具有本地方美术文化特色的各种资源的总和。
这其中既包括物态的，也包括人文的；既包括校内的，也包括校外的；既包括文本的，也包括图片影像资料。
而南通地方美术课程资源丰富多彩，这可以从“南通蓝印花布艺术馆”、“南通纺织博物馆”、“南通张骞纪念馆”、“沈绣纪念馆”以及散落在民间的诸多民间艺术品，包括网络等各种媒体的报道等，可见一斑。
但从美术教育角度介入，对南通地方文化资源进行系统地、深入地开发和研究，并将研究成果与学生的美术文化教育相联系，将南通地方美术文化根植于下一代南通人的心中，将南通地方美术文化传播天下，发扬光大，尚很少见，这就留给我们充分开发和研究的空间。
因此，我们可以充分利用、借鉴相关研究成果，为美术地方文化资源的开发和利用，实现美术课程目标而努力。
三、研究的思路试图以南通美术地方课程资源开发现状调查研究为出发点，以新的课程观下课程资源开发的理念转变为理论依据，从挖掘南通富有的色的民间艺术文化中经典个案为抓手，对南通的地方美术文化遗迹、传统艺术、自然人文特点方面的艺术特征进行过那、梳理，研究其历史价值、美术价值以及教育价值。
四、研究的方法文献研究法，通过一定的关于南通地方美术课程资源的文献发现研究中的问题，通过文献梳理，发现课程资源素材等。
观察法，通过南通美术文化的收集和整理，了解南通地方美术特征的事实真相，从而其中美术现象的本质和规律。
行动研究法，将理论与实践紧密联系，通过对南通美术文化的实践探索，深化理论获得卓有成效的研究成果。
个案研究法，通过对最具南通美术特征的案例研究分析，以一种小范围内探索的研究方式，针对美术活动和教育实践中的问题，在行动研究中不断地探索、改进工作，解决实际问题。
经验总结法，根据对南通地方美术及其教育实践所提供的事实，分析概括南通地方美术传承和教育现象，挖掘现有的经验材料，并使之上升到教育理论的高度，以便更好地指导新的研究和教育实践活动。
五、研究达成的目标1、促进学生的自我发展通过开发，美术课程资源的丰富性、开放性将吸引学生亲自参与，给学生多方面的信息刺激，激发学生兴趣。
使学生身临其境，在愉悦中增长知识，培养能力，陶冶情操。
一方面，学生的生活经验、感受、兴趣、爱好、知识、能力等构成了美术课程资源的有机成分，创造性地利用这一资源，为学生自身的学习、实践、探索性活动服务。
另一方面，地方文化资源的开发将为学生提供一个灵动的时空，培养学生考察研究地方美术文化的兴趣，发挥学生的主观能动性，培养独立思考的能力，以进一步提高学生的审美能力，培养学生健全人格，产生爱祖国、爱家乡、为家乡而自豪的思想情感。
2、促进教师的自我发展课程资源的开发对教师提出了新的专业能力要求，即课程开发的专业素养和能力。
教师不再是仅仅利用教材、教学参考资料进行教学的教书匠，而是成长为研究学生、研究教学资源、研究教学成果、研究自身学识优势与劣势的研究者、探索者，成为帮助学生开发、利用课程资源的引导者、开发者。
教师必须具备根据具体的教学目的和内容开发与选择课程资源的能力，充分挖掘各种资源的潜力和深层次价值的能力。
为此，教师要付出比以往传统教学多出许多倍的心血和努力，客观上促进了教师的发展。
所以，通过这一课题的研究和实践，可以达到培养一批研究性和实践型教师群体的目的，直接为当前的美术课程改革服务。
3、促进地方美术体系的形成地方美术文化始终脱离不开一个时尚的命题，即“江海文化”，而它的内涵当是历史与时尚的融合。
海安青墩、吉家墩等文化遗存，证实五千年前南黄海之滨已有人类生活，南通的人文历史与中华文明同在。
从出土的玉器、陶器、骨器等器物的形态上看，既有吴越良渚文化的烙印，又刻有齐鲁大汶口文化的痕迹，说明早在远古南通就极可能是南北文化交流的节点。
这特定的地理、历史环境造就了南通美术文化的久远性、兼容性、互补性、开放性等特征，而通过本课题的演绎这可以丰富、深入其中内涵，为南通大方美术体的进入以拓展和延伸起着一定的作用。
