宏村写生日记感想
宏村被誉为“中国画里的乡村”，联合国专家称赞它为“举世无双的小城镇水街景观”。
因为它背倚黄山余脉羊栈岭、雷岗山等，地势较高，有时云蒸霞蔚，如浓墨重彩，有时似泼墨写意，四周山色与粉墙青瓦倒映湖中，人、古建筑与大自然融为一体，好似一幅徐徐展开的山水画卷。
印象最深的是那座周润发《卧虎藏龙》里走过的小桥，这是进入宏村里面的主要地点，每个导游都会把这里好好的介绍一番。
然后就是半月潭，里面有很多红色的大鱼，天气好的时候它们会浮上来，可以看到一片红色。
宏村，给我的最大印象就是美。
美中之极。
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当然这次来宏村，也是参杂了一些个人感情的。
以前总是听人讲它有多美。
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这次总算亲身感受了。
走在宏村里的每条路上，想着这路以前是她走过的。
看到某个景点，会想这是在她照片里出现过的。
去找她说的那家煎饼店去找她遗憾没买的银饰去那家大角苗买吉祥的东西，只是还是没有她的姓氏。
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一直在宏村里不停的走啊走。
希望走过每条她走过的路。
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幻想她在我身边，给我讲以前她来的时候怎样怎样。
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这次宏村写生让我领略到了优美的古村落风光；了解的徽派建筑的特点；见识了丰富的古村落人文。
开阔了眼界，积累了知识。
看着一张张在宏村留下的作品，心里很满足。
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楼主，我不知道你去宏村的心情和感觉到底如何。
这是我临时写出来的，文采不好。
但是里面有我的真实情感。
我是今年4月份，去写生的。
去了还有西递，南屏，关麓，芦山，竹海。
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其实，我还有个感觉，就是很花钱买了很多东西。
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呵呵希望对你有点帮助。
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高中第一学期个人总结1500字左右
家长教育心得各位老师、家长，下午好
我是***的家长，今天非常荣幸能和大家在一起共同探讨如何教育孩子的话题。
同时也非常感谢杨老师给我这样一个与大家共同分享的机会，下面我就家庭教育情况谈谈我的一些看法，不当之处请各位予以指正。
一、在思想上要让孩子树立远大的理想。
俗话说：理想是一盏明灯，能照亮人生奋斗的历程。
有了理想才会有精神动力，树立远大理想，是孩子成长和成才的根本保证。
张俞烨打小时候就喜欢画画，小时候就有个远大的理想就是长大想当一名画家，虽然她在这方面不是很有特长，但我们一直在默默的支持她，我经常和她说的一句话就是：当不了画家，当一名美术老师也不错呀
每当这时她就画得更来劲儿。
二、在生活上要给孩子营造一个温馨而幸福的环境。
家庭环境对孩子的成长至关重要。
我们要时刻让孩子感到家的温暖，感觉到和爸爸妈妈在一起的幸福。
有时候要把孩子当成自己的朋友，要尊重孩子，只有这样才能建立孩子的自尊心和人格。
其实生活中很多的小事，我们也可以听听孩子的想法，引导他们正确的思维方法。
要经常跟孩子沟通，从一些小事和孩子讲道理，通过日常生活中每件细小的事情，培养孩子纯真友谊、互相帮助、和睦相处等良好品德。
另外还有重要的一点就是培养孩子的独立意识，让孩子不要产生依赖思想。
孩子一天天成长，但无论怎样长他们在父母眼里永远都是孩子。
我们总觉得他们这不会那不行的，处处需要我们的帮助。
其实孩子的能力是出乎我们想象的，关键是我
素描心得
素描头像的训练，除了要有目的性以外，还必须具有正确的观察方法和表现方法，只有在学习中自觉地按照这些 原理去做，抓住基本法则，才能较快地掌握造型的规律和方法。
1.观察方法： 当我们开始写生时，面对着模特还只是一个初步的感觉，尽管这种感受 比较深刻，但如果只停留在初步的 印象上来作画，就会被模特表面的细节所迷惑，促使你无法深入下去，有时甚至会产生一些视觉中的错觉而导致 画面的种种错误，因此这种初步的视觉感受必须深化，即从感性的初级阶段上升到理性分析的阶段，树立正确的 观察方法，其原因就是“感觉到了的东西，我们不能立刻理解它，只有理解了的东西才能更深刻地感觉它”。
在 头像写生时，始终把新鲜的视觉感受与分析研究对象结合起来，通过这样长期反复的实践，端正观察方法，才能 不断提高观察能力。
2.整体观念： 在作画时始终坚持整体地观察对象，这是头像写生训练中一个十分突出的问题。
因为在素描写生中没有任何 孤立的东西，它是秩序、综合关系所形成的和谐整体。
培养整体观察的能力，做到写生时纵观全局，这必须经过 长期严格的训练。
在作画的时候，如果我们看到什么画什么，不仅会使画面失去绘画中所必须遵守的主次虚实关 系，而且会导致顾此失被，因小失大，造成形体比例上的错误。
有一句艺术格言“画鼻子时看耳朵”，因此实际 写生时当然不可能各局部同时画，但看对象时应纵观全局，各个部分的关系以一次观察所见为标准，不能以数次 观察、不同时间所见为标准。
如画头的基本形时，就必须同时注意它与颈部和肩部的关系。
在处理明暗调子时也 是如此，有时把这分画得暗一点，目的足为了使另一部分提壳；减弱这一部分是为了突出那一部分，这些都足以 整体关系为着眼点。
总而言之，由于我们描绘的对象是一个具有内在相互联系的不可分割的整体，不论是结构关 系、比例关系、黑白关系、体面关系、面和线关系，都是相对存在，互相制约的，如果画时孤立片面地去对待， 最终必定会失去画面的整体统一。
由此可见，整体观察，它不仅是一个观察和表现的方法问题，也是一个思维方 式方法问题。
自古以来，有成就的画家，始终把整体关系放在首位，在整体关系基本正确的前提下，再求局部的精致变化 。
画局部，看整体，反复交替，互相促进。
如果局部破坏了整体，画面就会出现混乱，然而仅有大关系，没有局 部的深入刻画，整体便是空洞的。
整体的充实，足由局部精致表现来反映的，是互为因果，相辅相成的。
为了达到局—部与局部之间，以及局部与整体之间“比例关系”的准备，首先要从确定大关系人手，遵循整体— 局部--整体的作画步骤， 从大至小，由简人繁地逐步深入，同时要注意画面各局部之间的进展，始终保持相应 的关系，才能进行有效的比较检验和调整。
柯罗曾经说“我从来不急于画细节，我首先注意一幅画的大体和特征.....” 3.立体观念： 宇宙间的一切物体都是由它的高度、宽度和深度组合而成的，即三维空间。
许多考生由于缺乏关于物体的体 积是由面构成的原理，尽管他们有着正常的视觉，但只能画出宽度和高度的二维空间，却不能画出深度，把立体 感表现出来。
值得明确的是，任何物体都要以三度空间来测量，缺一不可。
在学习素描的开始，就应培养学生用立体观念去对待客观世界所有物象，并通过多种手法，把它们表现出来 。
通过反复的学习实践，使学生对这方面的要求更加明确。
因为，素描虽然也有表现对象质感、体感以及不同色 感的任务，比如画头像时，眼睛是透明的，头发蓬松而颜色较深；但它们首先都应具有立体感。
学生在开始观察 时，总是看不到它的体积而仅看到对象的不同颜色。
所以他不能把深色的受光部画亮，也不能把浅色的背光部画 深。
物体各种固有色的观念，影响他们去研究物体受光后的明暗变化。
为了便于学习，我们可以采取对石膏几何 体的写生来理解物体由面所构成的原理，这个原理对于表现其它复杂的形体具有普遍的意义。
在此基础上，树立 起在空间深度上塑造形体而不是在平面上描绘这一概念，不是轻易能够做到的，需要掌握透视知识和注意培养这 种观察认识物象的习惯，才能正确把握物体在画面上的恰当位置，做到看得立体，画得立体。
4.艺术表现： 艺术表现最主要的还是取决于作者的感受和艺术素养，取决于作者的精神表现，即内心世界的表达。
作者的 感受越深，在感情上越是能鲜明地感受到对象精神的美和形象的美，就越能进行有效的艺术概括。
如作画开始， 先观察研究，画面是强还是弱、色调是明快还是深沉等等，在感受对象的基础上，分析主次关系，前后虚实关系 ，这样由表象认识上升到理性的把握，画面上的形象就具有艺术的表现力和艺术感染力。
绘画训练是技术训练， 同时也是艺术训练，二者是不可分割的整体。
在作画实践中，描绘活动同时也是表现活动，是作画人眼中、脑中 、手下的同一件事情。
素描实践只讲技术不讲艺术，只能说是训练画匠。
造型艺术不讲艺术规律和艺术表现，就 无所谓艺术教育，更谈不上艺术创造了。
艺术表现要付诸于形式，成为视觉感受的具体形象。
画面构图的主次虚实处理，用笔的抑扬顿挫，和谐的韵 律节奏等等构成了形式美。
在学习中，各种形式美因素也是从观察、感受物象中升华出来并运用于艺术实践的。
倘若不顾对象故意摆弄玄虚，在画面上搞形式游戏，这是基础训练中不可取的。
5.素描头像与头部形体结构： 要想画好一幅素描头像，首先要认识这个形象。
怎样才能了解和掌握它呢? 这就要求我们从形象的结构特征 出发，对人物形体结构进行全面的分析理解，才会在今后学习中取得可喜进步。
素描造型的基本手段：素描造型的表现手法多种多样，在这里我们考虑再三，仅谈两种表现手法：即线条和 明暗。
6.线条：： 线条是一种明确的富有表现力的造型手段，能直接地、概括地勾划出对象的形体特征和形体结构，它具有丰 富的表现力和形式美感。
随着对象的不同，要求用不同的线条表现。
从艺术大师不同画风比较中，就可以认识到 这种表现领域的广泛性。
线条还有一种表现节奏的作用，轻重起伏波纹式线条，或刚柔相间、长短穿插、曲直弯转、抑扬顿挫的线条 ，给人以音乐的节奏感。
门采尔《轧铁工人》的画中就给我们这种心理效果。
线条在素描中不仅可以有效地把握形体，还能对所要表现的物象做出有力的判断。
素描训练无论采取哪种手 段，开始都要用线确定所有的关系。
用不同种线条来寻找形体，—用多条重要的辅助线划分比例定位置；用长直 线画大的形体关系；用切线画出小的结构转折关系；用重线、实在线表现近处和暗部；用淡线、虚线表现亮部和 迟远的部分。
在素描训练中通过对线的探索，逐渐认识线在绘画中的作用，并能通过线条创造美的造型。
7 .明暗： 明暗是表现物象立体感、空间感的有力阶段，对其真实地表现对象具有重要的作用。
明暗素描适宜于立体地 表现光线照射下物象的形体结构、物体各种不同的质感和色度、物象的空间距离感等等，使画面形象更加具体， 有较强的直觉效果。
在早期的绘画中，就有人不同程度地采用了这种手段。
到了文艺复兴时期，随着科学的发展 ，促进了这种手段的成熟，形成了明暗造型的科学法则。
这时期的三杰：达·芬奇、米开郎基罗、拉斐尔等艺术 大师的研究实践把前人的经验，发展到了一个新的阶段。
明暗现象的产生是光线作用于物体的反映，建立在物理光学的基础上。
没有光就不能产生明暗。
倘若光线射 在某一立体物体上，就不难看到不同的明暗现象。
由此可见，明暗现象的产生，是物体受光线照射的结果。
同一个物体虽然由于不同角度的光线照射而出现不同的明暗变化，但是光线不会改变对象的结构，因为对象 的结构是固定的，而光线是可变的。
所以，物体明度调子的变化，结构是主体，光线是客体。
物体受光后出现受 光部和背光部，即明、暗两大系统。
由于物体结构的各种起伏变化，明暗层次的变化是很多的。
我们把这种变化 所具有的一定规律，归纳起来称作明暗五调子，即：亮部、中间色、明暗交界线、反光、投影。
其中亮部和中间 色属于物体的受光部，明暗交界线和反光、投影属于背光部。
它们构成物体的明暗两大关系。
五调子的规律是塑造立体感的主要法则，也是表现质感、量感、空间感的重要手段。
素描造型正确地表现出 这种关系，就可达到十分真实的效果。
明暗交界线是由亮部向暗部转折的部分。
这个最暗的部分我们不能简单地 理解为一条重的线，它有宽窄、浓淡虚实等变化，其特点是由光源的强弱和物象的形体特征所决定。
我们非常重 视明暗交界线的变化，是因为它在造型中起着十分重要的作用。
明暗交界线是区别物象面的不同朝向和起伏特征 的重要标志。
暗部与反光是一个整体。
反光部很自然地统一在暗部。
过亮或过暗都会影响物象体积和空间的塑造 ，画得过亮，同亮部的中间色重复，显得孤立，影响整体协调的统一。
中间色是物体固有色中心区域，也是比较细致、复杂的，它是明暗分界线的壳部的过渡面，是个不易观察清 楚而又要认真研究和刻画的重要部分，同时，它应和暗部自然地衔接起来。
投影在塑造物体的体积感和空间感中 具有重要的作用，所以在素描学习中，应注意掌握投影的形体变化和虚实关系。
8.五官的造型特征： 为正确生动地画好这些部分，不仅要熟悉它们的基本结构和特征，更重要的是理解五官由于面部表现变化而 形成的相互关系。
不注意五官周围肌肉的变化和相互关系，表现就不自然。
眼： 眼睛是由瞳孔、角膜、眼角组成球形嵌在眼睛窝里，上、下眼睑包裹在眼球外，上下眼脸的边缘长有睫毛， 呈放射状。
上眼睑，睫毛较粗长向上翘，下眼睑睫毛细而短向下弯。
两只眼球的运动是联合一致的，视点在同一个方向上，由于头部的扭动，眼睛出现了不同的透视变化。
眼睛的形状不同，有圆、扁、宽、双眼皮、单眼皮等区别。
年龄段不同，眼睛的形状也不同。
有的人内眼角低，外眼角高；有的人内外眼角较平，观察表现应认真注意区分 。
眉毛： 眉头起自眶上缘内角，向外延展，越眶而过成为眉梢，分上、下两列，下列呈放射状，内稠外稀，上列覆 于下列之上，起势向下，内侧直而刚，并且常因背光而显得深暗，外侧呈弧形，因受光显得轻柔弯曲。
人的眉毛 形状、走向、浓淡、长短、宽窄都不尽相同，是显示年龄、性别、性格、表情的有力标志。
鼻： 鼻隆起于面部，呈三角状，有鼻根和鼻底两部分组成。
鼻上部的隆起是鼻骨，它小而结实，其形状决定了鼻 子的长、宽等。
鼻骨下边连接鼻软骨，包括鼻中隔软骨、鼻侧软骨和鼻翼软骨，鼻翼可随呼吸或表情张缩。
鼻子 的形状很多，因人而异，有高的、肥厚的、也有尖细的或扁平的等等，都是形象特征的概括。
鼻孔的形状随鼻形 而变化，特别与鼻翼有很大的关系。
嘴： 嘴，就形状来说，是由覆于上、下颅骨和牙齿之上的双唇所决定的。
颌骨和牙齿形成的弧度直接影响双唇的 曲直。
嘴形的不同，就是由颅骨和牙齿的弧线所定型的。
嘴唇由口轮匝肌组成，上下牙齿生在半圆形的上下颅骨 齿槽内，外部是呈圆形体积。
上唇中间皮肤表面有条凹，称人中。
嘴唇的表面有唇纹，各人的唇纹形状不同。
上 、下唇的活动十分灵活，彼此呼应，不仅对发音有很重要的作用，对表情也有直接的影响。
耳： 耳朵由外耳轮、对耳轮、耳屏、对耳屏、哥垂组成，是软骨组织，具有一定的弹性，形似水饺。
耳朵稍斜长 在头部的两侧。
在学习时除了弄清它的结构外，还应注意它的体积。
头部形体结构： 人的头部结构较复杂，我们应以研究造型为目的，为更好地理解头部的体积，将人的头部予以几何化的归纳 。
头部骨路是头部造型的本质所在。
它是处在圆球体和立方体之间，从整体上可以概括成一个圆球或立方体或楔 形之间的复合体。
用立方体概括头部，便于掌握头部的空间结构。
头骨有几个突出的点，我们叫它骨点。
这些骨 点通过面部肌肉显示出来。
从额头的额结节到眉弓、颞线、颧骨结节和下颌结节骨点的连接，便构成了头部不同 面的转折。
由此可以看出眉、眼、鼻、嘴是处在一个面上，耳朵是长在两个侧面上。
9.头部比例： 人的五官位置和形态特征各有差异，这是前人概括的头部的基本比例，有长三停，横五眼。
正面看人物头部 ，从发际到眉毛，从眉毛到鼻头，从鼻头到下颌等距离的三段为三停。
两只耳朵中间的距离为五只眼睛的长度。
成人眼睛在头部的二分之一处，儿童和老人略在三分之一以下。
眉外角弓到下眼眶，再到鼻翼上缘，三点之间的 距离相等，两耳在眉与鼻尖之间的平行线内。
这些普通化的头部比例只能作为写生开始时的参考，最重要的是在 实践中灵活运用，正确区别不同的形态结构，才能体现所描绘对象的个性特征。
学习美术的感想
随着教育改革的逐步深化，素质教育的全面推进，艺术事业的繁荣发展，越来越多的人更加关注孩子的艺术发展，美术教育自然而然的成为了教育教学的重点。
新《课标》指出：美术是人类文化的一个重要组成部分，与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系，注重美术课程与学生生活经验的紧密联系，强调知识和技能在帮助学生美化生活方面的作用，使学生在实际生活中领悟美术的独特价值。
这一论述充分说明基础美术教育不是专业美术教育，而是一种生活美术教育。
因此，我们要充分结合美术教材的特点，引导学生主动接触生活、充分感受生活、大胆创造生活，让他们在生活中发现美、感受美、创造美，从而构建生活化的美术教育体系。
一、观察生活――发现美。
“生活中到处存在着美，关键是给儿童一双善于发现美的眼睛。
”每个人的观察角度不同，所以发现的美也就不同。
现实生活对儿童画画的成长是非常重要的，儿童的绘画能力并不是单靠老师通过讲授技法就可以教出来的，为他们创造一定良好的成长环境，激发他们热爱生活、表现生活的绘画兴趣，才是我们应该去做的事。
因为美是人类生活中永恒的主题，在人们的社会生活中，美的艺术几乎无时不有、无处不在，美即生活。
理解生活，才能理解美、创造美。
只有植根于生活世界，并为生活世界服务的教学才是具有强烈生命力的教学。
1.采撷生活，提高审美认识 美术课程改革强调将美术学习与学生的生活经验联系起来，所以在课堂教学中应从学生角度出发，去发现和挖掘学生感兴趣的内容，在学生的心理特点和生活实际中找到合适的切入点，使学生产生共鸣，以激发学生的兴趣。
如，在讲《会变的线条》一课时，我让学生从自然和生活中寻找美丽多变的线条，学生很容易就找到了多种线条：黑板边的直线、窗外护栏上的螺旋线、老师头发上的波浪线、花盆边上的弧线、花叶子上的锯齿线……，这样的引导不仅使学生很快进入新课，同时又使他们在不经意间复习了以前学过的线条。
接着我又进一步引导他们发现，原来在我们的身边藏着这么多美丽的线条，而且它们多种多样、变化多端，美化着我们的生活。
创作中我又启发学生想象微风中的柳条、大风时散乱的头发、沙漠中一层层的沙子……学生轻松地画出自己熟悉而又富有美感的线条，他们的作品便充满了韵律。
这样既结合了他们的生活经验和已有知识，使他们有更多机会从周围熟悉的事物中感受美、鉴赏美，又使学生认识到艺术表现手法来源于生活，艺术中线条的存在使生活变得更加丰富多彩。
这节课既培养了学生热爱自然、热爱生活的情感，又提高了他们发现美和感受美的能力。
2．走进自然，强化审美感受 “课堂不等于教室。
”以往的美术课通常是教师在课堂上通过教材传授技能，然后让学生坐在课堂里临摹，或凭记忆冥思苦想，不但忽视了学生的情感体验，而且没有充分利用学生的好奇心和探求欲望引导他们自主探究学习，结果学生不但画不好，更不会有创意。
因此教学中，要根据教材组织学生以写生、采风等方式，到大自然中去感悟，这样孩子们不但兴趣盎然、作品富有真情实感，而且在宽松愉快而自由的环境里，也会陶冶个性和情操，同时为美术的创作增添了不少素材。
如举办《我是小小画家》活动，虽然只是改变了场地，但是当学生背着画夹，坐在校园里写生时，那种感觉完全不同，清新的空气，开阔的视野，令人身心愉悦。
其他同学羡慕的眼神，令写生的学生个个神气十足。
校园里熟悉的一切在同学们的眼中，一笔一笔的创作是那么的新鲜与美丽。
学生的作品虽然还很幼稚，但在整个创作过程中学生享受着室外创作所带来的那份喜悦与快乐。
因此，我们美术教师应努力引导学生走向自然、融入社会，让学生嗅出生活的“清新”、看出生活的美丽、品尝生活的快乐，用自己的真情实感去描绘生活、创造生活。
二、实践生活――体验美。
生活是艺术创作的源泉。
学生体验着生活中的喜怒哀乐，感悟到生活的美丑现象。
生活中的碧海蓝天、红花绿柳、高楼大厦、市井人群、民俗民风、悲欢离合……都是学生难以忘怀的。
对这些生活场景的耳濡目染，他们谈起来津津乐道、各抒己见，画起来直抒胸臆、色彩斑斓。
作为美术教师，应充分调动学生说真话、诉真情，对学生的情感加以引导、发展，增强他们对生活的热爱、对美术的感悟。
1．创设生活情境，体验快乐感受 陶行知先生认为：在自然的生活中进行教育，创设生活化的环境更易于学生理解和接受。
他认为，教师的职责在于引导学生直接从外界事物和周围事物环境中进行学习，情境创设一定要与学生的生活兴趣结合起来。
因而，我们在美术教学中要努力创设一种生活化的课堂教学情境，情境内容和方式要贴近学生的生活，自然贴切，紧扣主题。
如，在讲《奇妙的爬行》一课时，导入新课环节中我播放了孩子们非常喜欢的动画片，创设了一个动物园的情境，引导孩子们找一找功画片中的爬行动物，并把课堂变成一个爬行功物的展览厅，让学生们模仿动画片中看到的和自己喜欢的爬行动物，使他们很快地进入到教学活动中，并以此引出课题，轻松地在动画中欣赏美、感受美。
学生们把自己幻想成一个微观世界里的小动物，我带领他们闭上眼睛进入奇妙的大自然。
我们不再是直立行走的人类，而是渺小的爬行动物，周围的事物会怎样
让学生说出自己的感受和能想象到的一切，这种生活化的教学情境既营造了活跃、欢快的课堂氛围，同时又让学生体验到了平日中忽略的快乐。
从而培养他们的感知能力和形象思维能力，在奇妙的爬行里感受到大自然的美，激起内心更加热爱生活、热爱绘画艺术的情感。
2．调动生活经验，开阔表现视野 新课程的课堂教学应是知识内容与学生生活经验的结合，教师在教学中要充分利用这些生活经验调动学生对美术的探究与感悟。
因此，教师要有意识地创设教育情境，来再现生活，让学生身临其境，再联系已有的生活经验，去体验、去感悟，加深感受。
如《下雨了》一课，可以在教室里挂上一些雨伞、雨衣、雨帽等雨具，再放一段下雨时的录音，让小朋友闭上眼睛去体验、去想象，在大街上、在学校里、在田野里、在树林里你都看到了一幅幅什么样的雨中情景。
同学们的思路会拓展得很宽，有的说看到了放学时校门口开满了伞花，有的说小花小草洗了个澡感到舒服极了，还有的说看到了伞被风掀翻的趣事……。
从学生们所描述的情景中可以看出，孩子们运用了自己的生活经验，拓宽了表现视野，从而把日常生活中美丽的雨景留在了画面上，激发了他们对生活的热爱之情，把小雨的自然美升华为艺术美，一颗颗天真无邪的童心自然会长出想象的翅膀，结出爱心的果实。
三、表现生活――创造美。
美术源于生活，并服务于生活。
让学生从生活中来，到生活中去，是学生学习美术的好方法，即从重视教学的知识价值，转向到重视教学的生活价值。
学生通过深入生活、观察生活、体验生活，他们的内心会充满对生活的热爱与激情，并急于将它表现出来。
教师要启发学生充分调动自身潜能，选取适合表现美的物质材料，经过艺术想象，借助艺术语言表达出自己的审美情趣，尝试用自己的真情实感去创造生活的美。
1．多彩的生活，真情的表达 美术教育不是培养艺术家，而是要培养热爱生活、内心充满美、创造美好生活的人。
教学中把美术课程内容与学生生活经验紧密联系在一起，使学生在实际生活中领悟美术的独特价值。
如，母亲节来临之际设立课题《我为妈妈献真情》，引导学生动手用拼贴、拓印、绘画等方法制作一张贺卡、写上一句真心的话送给妈妈，在暖暖温情中体会创作的乐趣，感受美术课的独特魅力。
美术课不是简单的绘画，美术课是一种发现美，感受美，创造美的活动。
一双双发现美的眼睛，一颗颗感受美的心，一双双创造美的手
一种信念在每一次的动手创作中、每一次绘画活动中得以升华。
我们要引导学生把生活中的所见、所闻、所思、所感用手中的画笔表现出来，用艺术语言表现生活的缩影，放大生活的趣味。
学生们每天都生活在熟悉的环境中，在家里和爷爷、奶奶、爸爸、妈妈一起生活，他们之间有着许许多多温馨的生活画面，或郊游、或购物、或嬉戏……当学生倾注自己的全部感情去创作时，这一个个精彩的瞬间都定格成一幅幅情趣盎然的画面：《过春节》《演电视》《节日的装饰》《介绍我喜欢的玩具》……这些画面都洋溢着爱的气息，散发着浓浓的幸福与温馨，让人从有限的画面想到无限的画外，感受画中的情，听到画外的音，真实的生活在画中升华。
2．利用废弃物，美化生活 审美体验是学生成长的需要，是生活的需要，是学生生活的一种基本方式。
学生的审美体验从哪里来
从活动中来，从做中来，因而杜威先生把“从做中学”奉为至上的教学信念和法则。
生活中有许多普通的物品、废旧的材料，它们看似平淡无奇、废弃无用，可是只要同学们发挥丰富的想象力，运用灵巧的双手把它美化一下，就能将它们变成一件件独具魅力的艺术品。
有一次上《面具》，一名从不带用具的学生从地上拣了些别人的剩材料竟然也做出一件作品――大脚板海盗先生，同学笑他做的丑陋，我却在全班表扬了他，表扬他的废品再利用，表扬他的大胆设计。
那是他第一次站在讲台上露出灿烂的笑容。
每一朵花都需要阳光，需要精心的呵护才能长大。
你看，那造型奇异、活灵活现的纸盒――《可爱小动物》，那绘制在各种酒瓶上的大胆图案――色彩艳丽的《漂亮的瓶子》，那创意无限的塑料瓶笔筒――《做笔筒》，还有那《巧用纸餐具》中百变的纸盘娃娃、纸杯小猪、昂首前行的乌龟……当孩子们把一个个废旧物品变成一件件有趣的工艺品、或成为大家喜爱的玩具、或成为互相赠送的礼品、或摆在屋子里点缀生活的装饰品，他们会为自己感到骄傲，会对现实生活充满激动和自豪，会对未来生活有一份美好的憧憬和无限的遐想，从而使一颗颗幼小的心灵对生活的感悟、对生活的热爱会更丰富、更真切。
教育家杜威说：教育即生活。
教育的目的是为了更好的生活，生活是美术得以生长的土壤，美术让生活更加精彩，美术源于生活又作用于生活，我们要引导学生阅读“生活的教科书”，让他们走进生活、融入生活、感悟生活。
让我们多给孩子创造一些机会，多给孩子一些阳光，用一颗真诚的心去打开孩子创作之门，燃起艺术之花。
画水粉心得~~
每一个颜色注意都要有色彩倾向，就是不要有没有颜色的颜色，那样画面容易脏。
注意构图，新颖的构图可以为画面增色不少哦，竖构图通常来说比横构图要好一些。
注意物体颜色的对比，不要盯着一样东西一直画，要每样东西同步画，好比三个馒头，吃的时候各咬一口~~注意物体的环境色，固有色，投影，暗部和反光之间的关系，其中环境色控制的要好一点，可以确定整张画的色调，不会产生花”的现象。
注意颜色从前到后，从左到右的变化，这个多用于桌面的台布上，一块台布在有光源照射的情况下，不可能都是一个颜色的。
还有，如果物体是在灯光下，一般都是暖色调的，在自然光下，一般都是冷色调的。
当然考试通常是不会考灯光的。
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建议物体的亮部可以画的厚一些，饱和一些，暗部画的薄一些，透明一些。
这样暗部更容易与环境融合，而亮部会突出物体的主要部分。
还有，切忌不可忘记投影，这是很重要的，投影要和物体的暗部一起画，而不要等所有的东西画完再来一个一个加投影，这样会很像剪影，很生硬，而且投影的颜色容易脏。
在画反光的时候，要注意始终都只是反光，不是…………不要画的过于亮，导致和亮部的颜色差不多就不对了，毕竟反光是再暗部出现的，总的趋势是属于暗部里面的。
其他么，多画多临摹。
多读画~~~
大一色彩结课总结1500字
在两周的色彩图式语言的课程之后,开始了为期四周的色彩课程的学习.色彩课程的练习主要是在对静物的写生中开展的,目的是深化对色彩图式语言的理解,熟练对图式语言中的各个要素的把握和运用,重点的是在对图式语言对色彩中色像,明度,纯度要素的协调运用,对物体的颜色,光影,透视和图案的构成的表现的基础上,丰富整个画面,使画面更加完整.所以说画面的完整性是这四周的色彩课程的主要训练目标.在四周的色彩课程中,我总共完成了13幅色彩作业.在课程的第一周,我只要进行了对机器静物的写生练习,由于造型能力有限,色彩感觉不太好,写生的作品比较失败,画面缺乏完整性,对静物色彩的把握也不好,往往只有简单的明度对比,仅仅用不同的颜色表现了所看到静物的素描关系.在课程的第二周,我尝试了按照莫兰迪画面上的感觉,试图将其把看上去简单其实却很丰富的色彩用在对陶罐静物的写生中,所以我自己摆了一组很简单的静物,在一个黄色的桌子上就只有一个褐色的陶罐,用了两天的时间去对这个对象进行写生,最后的效果还是不好,画面上依然只有简单的素描明暗关系,也还是用单调的色彩画出的素描静物.在第二周的课外作业中我用水分颜料花了一个星期的时间临摹了凡高的《星月夜》，尝试了凡高那种特有的笔触，虽然最后完成的作品中颜色和原作中有比较大的出入，一方面是由于我选择的临本本身的印刷问题，整个画面色调偏绿，而我在临摹的过程中也由于经验和技术上的问题，调不出临本上的颜色，所以，画面气氛比原作要少很多，但是经过对这幅《星月夜》的临摹，我一方面体会到了凡高的画并不是一时意气之作，他的画面都是经过精心安排，仔细构图的，比如《星月夜》这幅油画，凡高先是用钢笔做了张草图，然后再用油画颜料画在画布上，而画面中高大的贯穿整个画面的深色的丝柏正好分割了整个天空，阻挡了天空的流动，使画面更加沉稳；然而更重要的是我在对《星月夜》的临摹过程中稍稍体会到了用色的一些方法。
在临摹完《星月夜》之后完成的另外一张课外作业中，默写了学校宿舍后面一排平房晚上停电时，一半自己发电亮着灯，而另一半点着蜡烛的场景，在这幅画中模仿了凡高的笔触描绘天空，整张画虽然还是缺乏完整性，但是色彩的丰富程度大有提高。
在课程的第三周和最后一周，我尝试运用了油画颜料这一种新的工具，对蓝色桌布上的一束花写生，感受了油画颜料和我一贯运用的水粉颜料的不同，而画出来的效果也比水粉画更好。
我在继续丰富画面的色彩的同时，加长完成作业的时间，以提高作业的完整性。
在完成长期作业的过程之中，也穿插了小尺幅的短期作业，快速表现场景和静物制作草稿，以训练在构图上的安排和对整个画面色调和气氛的控制。
在最后一周时间中主要完成考试作业结束和总结课程学习。
在色彩课程学习的过程中，一共组织了两次大课，讲解欣赏学生优秀作品和大师范画，这对我学习很有帮助，在课程的学习中，老师也细心帮我讲解，也促进了我的进步，在以后的学习中我要继续努力，提高绘画水平。
散文的写作要求有那些方面
散文的主要特点是“形散而神不散”。
所谓“形散”，一般指散文取材十分广泛自由，不受时间和空间的限制。
在同一篇中，可以从一个人物的某个侧面或者一个先进事迹的片断谈起，上下几千年，纵横几万里，作者可以根据中心思想的需要，随意选择，精心安排。
“形散”还体现在表达方式的灵活多样。
总之，无论是叙事、描写或是抒情、议论、说明都能在中心思想的统帅下，得到尽情尽意的发挥。
所谓“神不散”，主要是从散文立意的角度而言的，就是要求立意高远，主题集中。
无论散文的内容如何广泛，表现方法多么灵活，都应围绕一定的中心，为中心思想服务。
写得好的散文，“形散”与“神不散”是和谐辨证的统一。
散文的题材广泛，文章的“神”要“不散”，在结构上往往需要有一条鲜明的线索，把那些“散”的材料贯串成一个有机的整体。
散文多以时间变化、空间转移为线索；或以具体的人、事、物为线索；或以人物的思想感情的发展变化为线索。
如何看待美术生集训时外出写生的现象
写生是艺术创作中必不可少的手段。
自然界本身就是丰富多彩的，而写生是学习绘画的主要训练方法之一，也是绘画创作过程中一个极其重要的环节。
通过写生可获得第一手的创作素材，真实而又自然。
在写生中可以把研究生活、吸收传统、酝酿创作三个环节结合在一起。
走进自然、体验生活、表达情感等一系列主体与客体之间的活动，都能在写生中实现。
只有积累丰富的写生经验，真实地描绘出自己的情感和思想，表达出对自然的理解、感受和认识，才能提高艺术修养和审美能力。
人们经常说，艺术是心灵的写真，唯有真诚才动人心弦。
所以，课外写生具有十分重要的 意义。
一、美术教学存在的弊端 在美术教学中存在轻视课外写生的问题，学生依赖性大，动手能力差。
在当前的美术教学中，写生课是美术教学中的一门必修课。
但是写生课却得不到行政领导的重视，写生课时少得可怜，所谓外出写生课也流于形式，几乎变成了旅游，老师带着学生外出写 生，大多数学生都会带着相机，都不愿意直接对着景物写生，出去游玩一趟，拍些照片就回来了，学生普遍轻视写生课，许多学生的学习态度不端正也不认真，没有吃苦耐劳的学习精神。
搞创作时，学生对着照片就开始闭门造车，东拼西凑，画得杂乱无章，既没有主题，又不能感人，没有一点乐趣，也激不起作画的激情，加之绘画基本功差，作品更是枯燥空洞，显露出公式化、概念化、呆板化的弊病。
二、课外写生的重要性 1.课外写生是提高绘画创作水平的重要途径 （1）课外写生培养了我们对生活的观察力 法国艺术大师罗丹在《遗嘱》一文中说：“所谓大师，就是这样的人，他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。
” 在课外写生中，学生就要善于培养发现自然美的敏感力，把 潜伏在大自然当中的美的宝藏通过我们的眼睛给发掘出来，用手把大自然中的美给表现出来。
面对课外写生中自然的人物和风景，要求的目的并不仅仅是为了简单地再现自然，而重在对所观察景物或对象的重新认识和发现。
细心观察所要描绘的对象，要善于从现实生活中发现感人的细节。
一方面提高写生的细节刻画能力，使作品更加的深入和完整，另一方面培养了我们善于发现生活中美的能力。
大自然中的色彩、明暗、构图等细节都会使我们对自然的观察日渐丰富，日积月累，将汇集成艺术创作中的直接源泉和营养。
我国古代著名画家顾恺之曾经说过的“迁想妙得”，形象地说明了艺术从生活中汲取营养的作用。
多走、多看、多思考，用毕生的精力去学习，充实自己的知识，提高个人的品位，才能步入创作的佳境。
（2）课外写生是培养学生创作激情、提高绘画技能和创作水平的有效途径 课外写生是美术教学中最重要的训练科目。
在课外写生过程中，我们可以把研究生活、体会艺术规律、启发创作三个环节有机结合在一起。
除了能培养学生对生活的观察力之外，还能够使学生具备较高的绘画技巧及控制画面和处理画面的能力。
在美术教育教学实践中，我们经常会遇到这样的问题，很多学生心中有了想要表达的内容，可是由于缺乏足够的艺术修养及手法，想表达的东西画不出来。
这里很大一部分原因就是在各种写生课学习阶段对于绘画技法的实践不够。
相反，很多在课外写生学习阶段能够较快掌握一定绘画技巧和画面处理能力的学生，在艺术创作阶段就显得得心应手，能够较轻松地将自己的想法付诸画面上，这就是写生课的训练为他们提供了坚实的绘画技术上的基础。
艺术专业不同于其他专业，一般性规律可以从书本和课堂中得来，而在进行具体的画面操作技巧上就只有凭借个人的悟性和在大量的写生练习中得到。
（3）只有深入大自然，才能激发学生的强烈艺术创作愿望和 激情 大自然绚丽多彩、五彩缤纷、魅力无穷，让我们获得最直接、最丰富的色彩感受和最自然、最真实的美感。
这种感受和激情是单纯呆在画室里所难以取得的，它是一种带有个人真挚感情色彩和强烈乡土生活气息的审美体验。
同时课外写生和室内写生最大的区别在于，外出写生可以让画家获得一种既新鲜又兴奋的感受，作画时充满激情。
在课外写生的过程中，让我们有机会看到更多的自然景色， 投身在大自然的怀抱中。
对于生活在都市中的我们，在面对自然美景时会强烈地感受到艺术和生活的联系竟然如此的亲近，艺术创作的选择竟会如此的丰富，艺术创作的热情竟会如此的高涨
我们常常说到的“有感而发”正说明了主观感受对艺术表达所起到的巨大作用。
认真观察景物的内在美，从内心深处去感悟自然万物的美好属性，经常到大自然中去写生，丰富自己的内心世界，提高认知能力和感悟能力。
2.写生与创作的关系 对于“写生与创作”的关系，有些人会有这样的误解，认为写生只是一种训练基本功或收集素材的方法，而忽略“写生也是创作”这一重要方面，其实西方绘画面对物象写生就是创作，有时提到创作，人们往往会认可那些利用照片或素描稿一丝不苟地放大精制而成的作品，却忽略了写生创作的作品。
在课外写生中我们不仅要对客观现象、自然景物有着敏锐的感受，还要将独特的个人感受转化到画面上。
艺术家的个人绘画风格都不是凭空想象或主观臆造出来的，都是在长期的、大量的绘画作品中一点一滴积累起来的，在这其中，课外写生使得技术与思想的结合为创作的精神与思想提供了更多的可能性。
以开放的姿态，拓展的思维发挥写生方式的特性，以促进写生作品的个性化、风格化的形成。
因此课外写生成为画家个性、情感表现和表达的重要途径。
写生是对现实的一种创造性表现，其形象含有丰富的想象 力、创造力，具有美的视觉效果。
写生不等同于创作，但是创作需要的某些最普遍的规律、法则的集中表现，是从历代艺术家长期的艺术实践中提炼出来的艺术语言的规范化。
同时写生与创作是两个递进的过程，他们是紧密相连的。
对景写生、对景创作也是对“师法造化”的发扬。
3.继承我国历代绘画大师重视深入自然的写生精神 深入自然写生，在表面看来是一件轻而易举的事情，但在实际生活中却是艰难的、甚至是冒着生命危险的活动。
我们可以想一想，像宋代的画家易元吉，为了画好活生生的猿猴，他竟然冒着生命危险到深山老林里去实地生活和考察。
这种敬业精神值得我们学习。
当代的画家李可染、黄胄、刘文西等都是靠写生画出来的，他们对生活的热爱，对艺术的执著和勤奋都是值得我们学习的榜样。
三、端正课外写生态度，培养良好的课外写生习惯 大自然赋予我们那样美的景物，值得我们用生命去阅读，并 在写生中提炼意境和主题，因此，我们只有端正课外写生态度，培养良好的课外写生习惯。
回顾历史，许多艺术大师莫不是以写生作品奠定其成功的基石，因为艺术家深知“写生”是通往艺术之路的捷径――画家到大自然中去“师法自然”，培养画家良好的视觉阅历和高雅的审美能力，同时锻炼画家体会自然、观察自然、归纳自然和表现自然的能力。
培养对自然风景和环境的观察力和感受力。
因此明确了课外写生的重要性，有利于我们进一步把写生课和艺术创作有机结合起来，特别是在当今的社会环境下，更应正确地理解和把握这种关系。
作为一个画家，必须经常对自然写生，与自然亲切对话，不断提高驾驭画面的能力，使其画面不断完美。
培养良好的课外写生习惯：一方面培养写生的观察能力，另一方面积累写生的经验、观念和艺术修养。
面对自然的写生应重视对自然体验和表现，重视在单纯精炼的艺术语言中追求表现的深度。
主体与客体的有机结合，既是绘画认识和总结，又恰恰是课外写生最确切的定义。
深入生活和自然，端正对课外写生的态度，是艺术家与生活沟通的桥梁，能使艺术家更直接、更深刻地感受生活，挖掘生活的深层次内涵，也是有利于实现绘画变革的基本途径。
