中国古代艺术设计史读后感 快呀 急用
室内设计创新之路室内设计如何创新，是一个长期的热门话题，它主要针对当前建筑室内设计创作中存在的一些问题，如忽视室内环境特点和要求，忽视建筑形式与内部空间的整体性，盲目照抄照搬、盲目追赶潮流、盲目进行材料堆砌、盲目听命于甲方老板、盲目追求效益的倾向而提出来的。
一切艺术创作的创新问题都是一个永恒的课题，因为没有创新就没有发展，所谓标新立异、推陈出新，都是指在继承过去设计创作成果的基础上，开拓新思路、发掘新的艺术表现形式，寻找新题材。
在建筑创作范畴，还要探索新结构、新技术领域、开拓新的材料来源。
我国现阶段的室内设计，由于受社会经济和文化发展阶段的制约，还没有形成既结合国情，又具有鲜明时代感的设计风格趋向，普遍出现照抄照搬西洋或中国古代建筑样式或装饰部件的情况，这就是社会上公认的以拼凑代替设计的现象。
说明我们缺乏建筑室内设计专业基础知识和基本建筑文化素养。
其具体原因是： 1） 对建筑室内环境的意义缺乏理解，缺乏正确的建筑环境意识和念。
2） 社会整体建筑文化发展的落后（或称繁荣中的危机）。
3） 建筑设计、施工管理机制不完善。
从社会观察中发现一些问题十多年来，我国室内设计从无到有，出现空前活跃之发展势头，对于开创广大人民与过去完全不同的生活环境和工作环境发挥了巨大作用，在设计创作中也出现不少好作用。
但由于室内设计作为一种专门的学科和专业，刚刚建立，人才培养还没有跟上形势，行业的兴起更是基础薄弱。
出现上述情况是基于根本的设计观念模糊： 1. 对环境认识的模糊 认为室内设计是在已有建筑空间中进行表面装修和布置家具、悬挂装饰灯具和布置其他装饰品。
把室内设计看成单纯的视觉条件的改善。
即是从简单的装饰要领出发去认识室内设计，把建筑室内空间内涵与建筑设计割裂开来。
实际上，室内设计是建筑设计的一种延续，它们都是属于建筑设计范畴的。
室内环境的设计究竟包含哪些东西，这是值得进一步弄清的问题。
室内设计主要指在现代建筑条件下，创造合理完善的建筑室内环境，以满足人们不断增长的物质和精神生活需要。
当今室内设计越来越受到重视，是由于它具有很强的社会基础和充分反映时代的需要。
室内设计是现代科技和文化艺术的综合产物，对于室内设计的研究，受到若干新兴科学发展的影响，如行为科学、环境心理学、环境物理学、环境艺术和现代室内设计工程管理等。
这门学科最广泛地包罗人的各种生活和生产活动内容，反映了人们相互交往关系和人与自然的关系。
室内设计应充分体现人的价值特征，必须以人为主体确立设计依据，研究人的生理和心理特征，寻找和它们相适应的环境形态结构。
研究室内环境问题，要研究人的多种生活体验，研究人的感觉、知觉、习惯、智能和各种生活活动规律以及人对于室内环境的各种反映等。
室内设计又是一种文化活动过程，是社会文明的一种标志。
建筑室内空间往往以自身形象（包括空间形式、节奏和秩序）和相关的装饰手段来反映时代和社会特征，不同的室内空间表现不同的环境气氛和具有不同的艺术感染力。
（通过视觉、听觉、嗅觉、弱觉等来完成） 如果不从以上室内环境意识的观念出发，社会造成设计思想的混乱。
2． 在社会文化变革，建筑文化变革中出现的模糊观念。
改革开放，使中国文化受到外来文化的冲击，这 种冲击表现为大量西方科技、文化被引进，在文化艺术领域里，典雅的、通俗的、理性和非理性的思潮在无选择的传播。
总的说来，对于我们拓展视野、更新文化观念、繁荣艺术创作，起到重要推动作用。
建筑（包括室内设计）作为文化的表现形式（或载体）在外来建筑思潮影响下，使我们在追求时尚的社会心理之下，普遍表现为求新、求异，或追求多样化。
这种倾和和我们比较熟悉的后现代主义恰好不谋而合。
我们讲的拼凑现象，在很大程度上是这种倾向的有意无意的表现。
这是当前典型的室内设计的社会模式。
后现代主义是一种建筑思潮，由于其形式和内涵的多样性和通俗性，而成为一种雅俗共赏的时尚建筑形式。
后现代主要针对现代建筑存在的某些问题提出的另一种颇具哲理性的创作方法，它对于当代建筑的发展具有积极意义。
但是社会上对多种建筑形式的生搬硬套，或者照抄一些后现代建筑师作品的某些细部，实际上它的建筑内涵十分浅薄，有的甚至与后现代的基本思想的混乱表现之一种，其直接原因是建筑理论研究与设计实践脱节。
3． 市场经济冲击下出现某些社会扭曲现象，严重影响了设计创作的正常发展。
现阶段市场经济发展带 来的不公平竞争，使室内设计创作面临许多新问题，其中主要是设计成果的商业价值与文化价值的冲突。
有的人为了单纯追求效益而盲目顺应甲骨文方要求。
某些暴发的老板没有文化素养，在他的设计下出现华而不实，谈不上什么文化品味的东西，一些奇而不美的低劣设计普遍出现，严重损害了建筑的功能和价值。
严格说，这是丧失设计者的社会责任，甚至是出卖职业道德，这是一个难以解决的社会问题。
4． 室内设计材料使用的模糊观念在不少室内设计工程项目中出现盲目使用高档材料的倾向。
有的人自 知设计没有什么内容，便用大量高级材料去掩盖设计上的缺陷，这也是当前设计创作中有代表性的倾向。
建筑空间是由一定实质材料的界面所组成，选用不同材料的结构和围护构件，按照材料，基本性能和力学规律围合成的室内空间，具有满足使用功能和人的审美要求双重特征。
运用不同材料，在室内出现不同形式的空间界面（如蓬波杜中心的金属结构天棚、居室中的木屋架等）在室内产生各种形式的线、面、体等空间构成要素，这是材料与结构对室内环境产生的综合影响。
某些新材料构件的应用，如大型玻璃隔断，使室内空间出现通透感，大大丰富了室内空间层次变化，这些都改变了传统建筑形式和它的设计方法。
所以从某种意义上讲，室内空间的整体形象是材料，结构和空间共同体现的一种综合性艺术形象。
另一方面，材料因为体现了本性才获得价值，材料的质地和肌理可以加强空间环境效果，并使它的基本形象更具有意义，所以任何材料的运用都应体现其本质，如建筑材料中的木材料的运用都应体现其本质，如建筑材料中的木材被认为是最具有人性特征的材料，人们都愿意接近并喜爱它生动的纹理和天然光泽，在使用时有意去表现它。
砖是一种普通材料，但在当代建筑师心目中仍然把它看做一种富于自然品格和表现力很强的材料，国外不少低层住宅、办公室和一些文化类建筑室内，普遍采用清水砖墙，在现代环境中不断更新其材质和表现特性，砌筑方法，开发其新的肌理，使它发挥更大潜力。
对于室内装饰材料的研究，除了掌握其功能特点外，主要应研究材料本身的素质和艺术表现力，以及人的视觉、心理反应等。
室内设计的各种意图，必须通过材料的合理运用来完成，可以用在室内环境中的材料很多，但要达到合理运用则比较困难，我们应当学会主动驾驭材料，最大限度发挥材料各自的优势，而不能盲目乱用，甚至无原则的高级材料堆砌。
对于高级装饰、装修材料的使用，应重点突出，体现高材精用的原则。
目前，很多工程中，不分重点地将一类高级材料，如花岗石、不锈钢、高级硬木、镭射玻璃等到处乱用，以为这才能体现他的所谓装修档次，这实际上是把使用高贵材料和提高环境质量两件完全不同的事混为一谈。
这种指导思想，离开室内设计基本方向和原则，不仅造成严重经济损失，而且使室内环境给人一种不伦不类暴发户的印象，或者说是把室内设计简单化、庸俗化。
《什么是艺术》读后感
《什么是艺术》 美学上所有的“美”的定义归纳起来不外乎两种基本观点，第一种认为“美”是一种独立存在的东西，是绝对“完善”的表现之一，而绝对“完善”是指观念、精神、意志、上帝。
第二种认为“美”是我们得到的某种不以个人利益为目的的快乐。
接受第一种定义的有、谢林、、和研究哲理的法国人、如夫拉、拉维松等人，第二流的美学哲学家这里就不提了。
现代大部分有教养的人也都赞同这种客观而神秘的“美”的定义。
这种理解很流行，特别是在老一辈人中间。
第二种对“美”的理解认为“美”是我们得到的某种不以个人利益为目的的快乐，这种理解主要流行于英国美学家中间，但也为我们这个社会一半人所接受，主要是比较年轻的人。
由此可见，“美”的定义只有两种(此外不可能有别的结论)，一种是客观的、神秘的，它把“美”的概念同最高的完善，即同上帝融合为一，这是一种幻想的定义，没有任何根据。
另一种定义则相反，它是简单明了的、主观的，认为凡是讨人喜欢的东西都是“美”，我不给“喜欢”一词添加“没有目的、没有利益”等字样，因为“喜欢”一词本身就意味着不计较利益。
一方面，“美”被理解为某种神秘的、很崇高的，可惜并不明确的东西，因而它包含着哲学、宗教和生活本身。
例如谢林和的定义就是这样，他们的德国继承者和法国继承者的定义也是这样。
另一方面，应当承认，按照和他的的定义，“美”只不过是我们得到的一种特殊的、无私的快感。
这样“美”的概念虽然好像很清楚??可惜也不准确，因为它扩展到另一方面去了，即把由于饮食和接触柔软皮肤所得到的快感也包括在内，例如瞿渥和克拉利克等人就持这种看法。
的确，如果追溯一下“美”的学说在美学中的发展，那就可以看出，起初，即从美学初创时起，形而上学的“美”的定义占有优势。
可是年代越近，那种实验性的、在最近几年来带有生理学性质的定义就越加明显，于是甚至出现了像维隆和塞利那种企图完全避开“美”的概念的美学家。
但这种美学家成就很少，大多数民众和大多数艺术家与学者，仍坚持大多数美学著作对“美”所下的那种定义，即，或把“美”看成一种神秘的或形而上学的东西，或把“美”看成一种特殊的快乐。
那末，在我们这个社会和我们这个时代里，被人们用来给艺术下定义而顽强坚持的那种“美”的概念，实质上究竟是什么呢。
从主观方面来说，我们把使我们得到快乐的东西称为“美”。
从客观方面来说，我们把外界存在的某种绝对完善的东西称为“美”。
但是我们之所以认识外界存在的绝对完善的东西，并且认为它们完善，只是因为我们从这些绝对完善的东西的显现中得到某种快乐，所以，客观定义只不过是主观定义的另一种表示而已。
实际上，这两种对“美”的理解都可归结为我们所获得的某种快乐。
换言之，凡是能使我们喜欢而又不引起我们欲望的东西，我们都认为它美。
在这种情况下，艺术科学自然不会满足于根据“美”来给艺术下定义，即根据使人喜欢的东西下定义，而应探求一个普遍的、适用于一切艺术作品的定义，以便根据这样的定义来确定各种事物是否属于艺术范围。
但是读者在我前面援引的美学理论的摘要中可以看到，这样的定义是没有的。
如果他能费心读读这些美学文集原著，那末，这就更加清楚了。
想为绝对的“美”下定义的一切尝试，认为“美”是对自然的模仿，是适宜，是各部分的协调，是对称，是多样化中的统一等等……所得到的不外乎是以下两种结果，或者是什么定义也没有下，或者所下的定义只不过是指某种艺术作品的某些特点，而远远包括不了被所有的人当作艺术看待的一切东西。
“美”的客观的定义是没有的，现存的种种定义，无论是形而上学的定义或是实验的定义，都可以归结为主观的定义，而且，说起来也真奇怪，都可以归纳为这样的观点，凡是表现“美”的，就是艺术，凡是使人喜欢而不引起欲望的，就是“美”。
许多美学家觉得这样的定义是不能令人满意的，因此也是不稳固的。
为了给这个定义寻找根据，他们问自己，一件东西何以会讨人喜欢，于是他们把“美”的问题转变为趣味问题，赫奇逊、、等人就是这样做的。
但是读者从美学史中或者从经验中可以看出，一切想为趣味下定义的企图都不可能得到任何结果，而且我们找不到理由，也不可能找到理由来解释，为什么一件东西这个人喜欢而另一个人却不喜欢，反之亦然。
因此，整个现存的美学并不在于可以向这种自命为“科学”的智力活动期待什么，即不是要确定艺术或“美”。
假定“美”是艺术的内容、性质和法则，或者确定趣味，假定趣味能解决艺术问题和艺术的价值问题的性质，然后根据这些法则而把与之相符的作品称为艺术，把与之不相符的作品摈弃不理，而是要——承认某一类作品是好的，因为它们使我们感到惬意，——制定出一套艺术理论，把某一圈子里的人所喜欢的一切作品容纳进去。
有这样一个艺术规范，按照这个规范，我们这个圈子里的人所喜欢的那些作品，菲狄阿斯、索福克利斯、、提香、、巴赫、贝多芬、但丁、莎士比亚、歌德等人的作品，被承认是艺术，美学的见解也应当概括所有这些作品。
在美学文献中，我们经常可以看到一些关于艺术的价值和意义的见解，这些见解并不是以我们衡量某一事物的好坏的某些法则为根据，而是以这一事物是否符合于我们所制定的艺术规范为根据。
最近我读过福格尔特的一部很不错的著作。
在讨论艺术作品的道德要求时，作者直率地提出，对艺术提出道德要求是不对的，为证明他的观点，他举例说，如果我们容许这种要求，那末莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶》和歌德的《威廉，迈斯特尔》就不符合优秀作品的定义。
但是这两部作品既然都列入艺术的典范，那末，上述的要求就不对了。
因此，必须为艺术找出一个也能适用于上述两部作品的定义。
福格尔特把“重要”Bedeutungsvolles??的要求当作艺术的基础，用以代替道德的要求。
现有的一切美学体系都是根据这一意义组成的。
人们并不给真正的艺术下定义，然后再看一部作品是否符合于这个定义，以确定什么是艺术，什么不是艺术，人们只是把由于某种原因而为某一特定圈子里的人所喜欢的一系列作品认为是艺术，并想出一个能够适用于所有这些作品的艺术的定义。
不久以前我在一部很好的著作——谟特的《十九世纪艺术史》中见到了一个关于这种方法的极好的例证。
在讲到已被看作艺术典范的“拉斐尔前派”、“颓废派”和“象征派”时，作者不但不批判这种倾向，却反而竭力放宽自己的尺度，来容纳“拉斐尔前派”、“颓废派”和“象征派”。
在他看来，这些派别是反对自然主义的极端性的合理反应。
艺术中无论发生怎样的神志错乱，只要这种神志错乱一旦被我们这个社会的上层阶级所接受，??就立刻会有人编出一套理论来，为这种神志错乱加以辩解，并使它合法化，仿佛历史上任何一个时代里，那过后就被遗忘、并未留下丝毫痕迹的虚伪、丑恶和荒谬的艺术都能被某些特殊圈子里的人们所接受和赞许似的。
至于艺术的荒谬和丑恶可以到达什么程度——特别是当这种艺术被认为毫无缺点的时候，例如在现在，只要看看现在我们这个圈子里有些什么艺术活动就行了。
因此，美学中所阐述的、模糊地为一般人所信奉的那种以“美”为依据的艺术理论，只不过是把我们——某个圈子里的人们——在过去和现在所喜欢的东西认为是好的罢了。
要为人类的某种活动下定义，就必须了解这一活动的意义和作用。
要了解人类某种活动的意义和作用，首先就须根据这一活动的产生原因及其后果来考察活动本身，而不能单单根据它所给我们的快乐。
如果我们认为某一活动的目的只在于给我们快乐，因而只根据这种快乐来为这项活动下定义，那末，这样的定义显然是不正确的。
给艺术下定义的情况也正是这样。
…… 正如那样认为食物的目的和用途是给人快乐的人们不可能认识饮食的真正意义一样，那些认为艺术的目的是享受的人们也不可能认识艺术的意义和用途，因为他们把享受的这一不正确的、特殊的目的加诸于艺术活动，其实艺术活动的意义是在它和其它生活现象的关系上。
只有当人们不再认为吃东西的目的是为了享受时，他们才会明白，饮食的意义在于滋养身体。
就艺术来说也是这样。
只有当人们不再认为艺术的目的是“美”，即享受时，他们才会懂得艺术的意义。
把“美”或者说从艺术得来的某种快乐，看作艺术的目的，这不但无助于我们判定艺术是什么，反而把问题引入一个和艺术截然不同的领域——即引入形而上学的、心理学的、生理学的、甚至历史学的探讨。
为什么某些人喜欢这一作品，而不喜欢那一作品，为什么另一些人喜欢那一作品等等，因而使得给艺术下定义成为不可能。
正像讨论一个人为什么喜欢吃梨而另一个人喜欢吃肉决无助于判定营养的本质是什么一样。
讨论艺术中的趣味问题，关于艺术的讨论不知不觉地归结到趣味问题上，不但无助于我们弄清楚被我们称之为艺术的这一人类的特殊活动究竟是什么，反而会使我们根本弄不清楚这个问题。
艺术使得千百万人为它付出劳动、牺牲生命，甚至丧失道德，艺术究竟是什么
关于这个问题，我们从现有的各种美学理论中找到了一些答案。
这些答案可以归纳为以下几点：艺术的目的是“美”，而“美”是通过我们从它身上得到的快乐而被认识的，艺术享受是一桩好的、重要的事。
换言之，享受之所以好，就因为它是享受。
因此，被认为是艺术的定义，其实并不是艺术的定义，只不过是用来替人们为这想象中的艺术所遭受的牺牲作辩解的一种手段。
同时也是替现存艺术中那种自私的享受和不道德的行为作辩解的一种手段。
所以，说起来也真奇怪，虽然论述艺术的书堆积如山，但艺术的正确定义迄今仍未决定下来。
原因就在于艺术的概念是以“美”的概念作为基础的。
如果把那影响整个问题的“美”的概念撇开不管，那末艺术究竟是什么呢
下面是最近的几种最易理解的、不以“美”的概念为根据的艺术定义，艺术是一种在动物界就有的活动，它是从性欲和对游戏的嗜好产生的（席勒、达尔文、斯宾塞）；这种活动伴有神经系统的愉快的刺激（格朗特，阿伦），这是一种生理的、进化的定义。
还有一种定义是，艺术是通过人类能感受的线条、色彩、姿势、声音、话语、情绪而作的外部的表现（维隆）。
这是实验的定义。
塞利的最新定义认为，艺术是“某种永恒存在的物象或一时发生的动作所产生的结果，这一物象或动作不但给产生者以兴奋的快乐，而且还能给一定数量的观众以愉快的感觉，而与当时所得的个人利益完全无关。
” 虽然这些定义与那些以“美”的概念为根据的形而上学的定义相比有其优越处，但它们仍然很不精确。
第一种定义——生理的、进化的定义之所以不精确，是因为它所谈的并不是构成艺术本质的活动本身，而是艺术的起源。
那种根据对人的身体产生生理影响而下的定义之所以也不精确，是因为在这个定义里可以包括人类的许多其它活动，情况同新美学理论中碰到的一样，它们主张缝制美丽的衣服，制造芬芳扑鼻的香水，甚至烹调都算作艺术。
实验的定义认为艺术就是情绪的表达，这种看法之所以不精确，是因为一个人可以靠线条、色彩、声音、言词来表达自己的情绪，但他的这种表达可能并不对其他人起什么作用，这时候这种表达就不是艺术。
第三种定义，塞利所提出的，之所以也不精确，是因为“给产生者以快乐，并给观众或听众以愉快感觉，但无利可图的那些物象所产生的结果”，也可以包括表演戏法、体操以及其它不能算作艺术的活动；反之，许多可以使人感到不快的物象，例如诗中所描写的或舞台上所表演的阴沉和残酷的场面，却无疑是艺术。
所有这些定义之所以都不精确，是因为它们也都像形而上学的定义一样，认为艺术的目的就是从艺术得来的快乐，而不是艺术在个人和人类生活中的效用。
要想精确地给艺术下个定义，首先就不要再把艺术看作享受的工具，而把它看作人类生活的条件之一。
如果这样看待艺术，我们就不能不认为艺术是人们相互交际的手段之一。
每一部艺术作品都能使接受的人和曾经或正在创造艺术的人之间发生某种联系。
而且也使接受者和所有那些与他同时在接受、在他以前接受过或在他以后将要接受同一艺术印象的人们之间发生某种联系。
语言传达人们的思想和经验，是使人们结为一体的手段，艺术的作用也正是这样。
不过艺术的这种交际手段和语言有所不同，语言被人们用来传达自己的思想，而艺术被人们用来传达自己的感情。
艺术活动所赖以进行的基础是，一个人用听觉或视觉接受他人表达感情时，能够体验到那感情表达者所体验过的同样的感情。
举一个最简单的例子，一个人笑了，听到这笑声的另一个人也高兴起来；一个人哭了，听到这哭声的人也难过起来；一个人生气了，另一个见他生气，自己也激动起来。
一个人用自己的动作、话音来表达蓬勃的朝气、果敢的精神，或相反地，用动作和话音来表达忧伤或平静的心情，这种心情就传达给别人。
一个人受苦，当他用呻吟或痉挛来表达自己的痛苦时这种痛苦就传达给别人。
一个人表达出自己对某些事物、某些人或某些现象的喜爱、崇拜、恐怖和尊敬时，其它人受到感染，也会对该事物、该人或该现象感到喜爱、崇拜、恐怖或尊敬。
艺术活动就是建立在人们能够受别人感性的感染这一基础之上的。
如果一个人在体验某种感情时直接用自己的神态或发出的声音感染另一个人或另一些人，在自己想打哈欠时引得别人也打哈欠，在自己不禁为某一事情而笑或哭时引得别人也笑起来或哭起来，或是在自己受苦时使别人也感到痛苦，这还不能算是艺术。
艺术开始于一个人为了要把自己体验过的感情传达给别人，于是在自己心里重新唤起这种感情，并用某种外在的标志表达出来。
举一个简单的例子，比方说有个遇见狼而受到惊吓的男孩把遇狼经过叙述出来，以便在别人身上引起他所体验过的那种感情，于是他描写自己的经过，他在遇狼之前的情况、所处的环境、森林、他的轻松愉快的心情，然后描写狼的形象、狼的动作、他与狼之间的距离等等。
所有这一切——如果男孩子叙述时重新体验到他所体验过的感情，并以此感染了听众，使听众也体验到男孩所体验过的一切——这就是艺术。
如果男孩子从未看见过狼，但时常怕狼，他想在别人心里引起他的那种恐惧感，于是捏造出他遇到了狼，而且讲述得那样生动，以致在听众心里也引起了男孩想象中遇狼时所体验的那种感情，那末，这也是艺术。
如果一个人在现实中或想象中体验到受苦的可怕或享乐的甘美，他把这些感情在画布上或大理石上表现出来，使别人为这些感情所感染，那末，这也是艺术。
如果一个人体验到或者想象出愉快、欢乐、忧郁、失望、爽朗、灰心等感情，以及这种种感情的相互转换，他用声音把这些感情表现出来，使听众为这些感情所感染，也象他一样体验到这些感情，那末，这同样是艺术。
各种各样的感情——非常强烈的或非常微弱的，很有意义的或者微不足道的、非常坏的或者非常好的，只要他们感染读者、观众、听众，就都是艺术的对象。
戏剧中所表达的奋不顾身、以及顺从于命运或上帝等等感情，或者小说中所描写的情人的狂喜的感情，或者图画中所描绘的淫荡的感情，或者音乐中以庄严的进行曲所表达的爽朗的感情，或者舞蹈所引起的愉快的感情，或者可笑的逸事所引起的幽默的感情，或者描写晚景的风景画或催眠曲所传达的宁静的感情——这一切都是艺术。
只要作者所体验过的感情能感染观众或听众，这就是艺术。
在自己心里唤起曾经体验过的感情，而在唤起这种感情之后，用动作、线条、色彩、声音以及语言所表达的形象把这种感情传达出来，使别人也能体验到同样感情，——这就是艺术活动。
艺术是这样的一种人类活动，一个人用某种外在的标志有意识地把自己体验过的感情传达给别人，而别人能被这些感情所感染，也体验到这些感情。
艺术并不像形而上学者所说的那样是某种神秘的观念、美或上帝的表现，并不像生理美学者所说的那样是人们藉以消耗过剩精力的游戏，并不是情绪通过外在标志的表达，并不是惬意事物所产生的结果，最重要的——并不是享乐，而是生活中以及个人和全人类向幸福迈进的进程中所必不可少的一种交际的手段，它用同样的感情把人们结成一体。
由于人能理解用语言表达的思想，因此任何人都能够知道全人类在思想领域内为他所做的一切，能够在现在借着理解别人思想的能力而参与别人的活动，而且能够借着这种能力把从别人那里得来的和自己心里产生的思想传达给同辈和后辈；同样，由于人能通过艺术而为别人的感情所感染，因此他就能够体会到人类在他以前在感情的领域内所体验过的一切，能够体会同辈正在体验的感情和几千年前别人所体验过的感情，并能把自己的感情传达给别人。
如果人们并不能理解前人心里有过的、用语言表达出来的一切思想，不能把自己的思想传达给别人，那末人们就好似禽兽或卡斯贝霍塞了①。
如果人们没有另一种能力——受艺术感染的能力、那末他们大概还会更加野蛮、而主要是，还会更加散漫，更加充满敌意。
因此，艺术活动是一项很重要的活动，像语言活动一样重要，一样普遍。
语言不仅通过布道、演讲和书籍来影响我们，而且还通过我们用以互相传达思想和经验的一切语言来影响我们；艺术也是一样，广义的艺术渗透了我们的整个生活，而我们只把这一艺术的某些表现称为艺术——狭义的艺术。
我们习惯于把“艺术”一词只理解为我们在剧院里、音乐会上和展览会上所听到和看到的东西，以及建筑、雕塑、诗歌、小说……所有这些只不过是我们在生活中用以进行交际的那种艺术的很小一部分。
人类的整个生活充满了各种各种的艺术作品——从摇篮曲、笑话、怪相、住宅装饰、服装和器皿直到教堂的礼拜、凯旋的行列。
所有这些都是艺术活动。
因此我们所谓的狭义的艺术，并不是指人类传达感情的整个活动，而只是指由于某种缘故而被我们从这整个活动中分离出来并赋予特殊意义的那一部分。
人们向来都特别注意可以表达出从人们的宗教意识所流露的感情的那一部分活动，并把整个艺术的这一小部分活动称为真正的艺术。
古代的人——苏格拉底、柏拉图、亚里斯多德就是这样认识艺术的。
希伯来的先知和古代的基督教徒也是这样认识艺术的，回教徒在过去和现在也都是这样理解艺术的，现在的宗教人士也是这样理解艺术的。
人类的几位导师，如柏拉图，在他所著的《理想国》里、最初的一些基督教徒、严正的回教徒，以及佛教徒等，往往还否认任何艺术。
现代的观点认为，任何一种艺术只要能给人以快乐，就是好艺术，而以相反观点来认识艺术的人，在过去和现在都认为，艺术和语言不同，语言可以不听，而艺术却能使人不由自主地受到感染，其危险性是非常之大。
如把一切艺术都取消，人类所受的损失也远比容许任何一种艺术存在要小。
这些否定一切艺术的人显然是错误的，因为他们否定了一种不可否定的东西——必不可少的交际手段之一，人类没有它就不能生活。
然而我们欧洲这个文明社会、这个圈子和这个时代的人们容许一切艺术，只要它们为美服务，换言之，只要它们给人们以快乐就行。
他们这样做也同样是错误的。
从前，人们担心艺术作品中偶然会有一些使人腐化的东西，就索性禁止一切作品。
可是现在人们只因为怕失去艺术给予人们的某种快乐，就袒护一切艺术。
我认为后一种错误比前一种错误严重得多，危险也大得多。
①卡斯贝霍塞即“纽纶堡的弃儿”??是1828 年5 月23 日在纽伦堡市场上被人发现的，看起来好像有十六岁光景。
他很少讲话，几乎连平常的事物都全然不知。
后来他告诉人们，他是被幽禁在地下室里长大的，只有一个人去看他，但他看到这个人的次数也不多。
——译自谟德的英译本注。
八大艺术学院是哪几个?
问的不对，只有六大艺术学院；答的也不对，几个回答都是八大美院。
六大艺术学院是：南京艺术学院、山东艺术学院、云南艺术学院、广西艺术学院、吉林艺术学院、新疆艺术学院。
中国古代艺术设计史 雷绍峰 杨先艺著 读后感 急用
晕，这很简单啊
换种东西，别全抄。
“上有天堂，下有苏杭”。
以前只是听说而已，在游览过苏州园林的一些景点和观看过苏园六纪之后，深有感触。
且不说苏州园林整体造物和写意的博大与精深，而仅仅苏园的一个小景——漏窗就足以让你为之赞不绝口。
漏窗是一种满格的装饰性透空窗，是构成园林景观的一种建筑艺术处理工艺；为园林装饰小品，是我国独特的建筑形式，外观为不封闭的空窗，窗洞中装饰着各种镂空花纹，所以又称漏花窗、花窗。
而在漏窗中，又以苏州园林漏窗最具代表性。
苏州园林是窗的艺术博物馆，仅漏窗就有近千。
这些窗的图案设计和雕镂琢磨功夫都属工艺美术的上品，制作精细而不庸俗，有的看似简朴其实别具匠心。
1. 廊墙上开设漏窗，既增加了墙面的明快和灵巧效果，又通风采光，一举两得。
漏窗，苏州园林的点睛之笔。
漏窗本身有景，窗内窗外之景又互为借用，隔墙的山水亭台、花草树木，透过漏窗，或隐约可见，或明朗入目，移步观景，画面则更加变化多端，目不暇接。
如沧浪亭漏窗有一百零八，图案花纹构作精巧、变换多端、无一雷同，在苏州古典园林中独树一帜，成为日后造园的蓝本。
留园长廊就有三十多种漏窗。
而最具意义当推狮子林的“四雅”漏窗，即琴、棋、书、画四漏窗。
四个不同形状的漏窗中，依次塑有古琴、围棋棋盘、函装线书、画卷，这些富于鲜明文化特色的图案内容，为园林增添了不少的雅气…… 漏窗大多设置在园林内部的分隔墙面上，以长廊和半通透的庭院为多。
透过漏窗，景区似隔非隔，似隐非现，光影迷离斑驳，可望而不可即，随着游人的脚步移动，景色也随之变化，平直的墙面有了它，便增添了无尽的生气和流动变幻感。
漏窗很少使用在外围墙上，以避免泄景。
如果为增强围墙的局部观赏功能，则常在围墙的一侧做成漏窗模样，实际上并不透空，另一侧仍然是普通墙面。
2．漏窗的技术传承以前都由师傅口传身教，或借助简单的示意图，佳作固多，失传的也不少。
漏窗图案变化多端，千姿百态，漏窗本身和由它构成的框景，如一幅幅立体图画，小中见大，引人入胜。
特别令人感兴趣的是，在同一园林中，不会有雷同的漏窗出现。
漏窗花样繁多，最简易的漏窗是按民居原型，用瓦片叠置成鱼鳞、叠锭、连钱或用条砖叠置。
根据制作漏窗的材料不同，可以把漏窗分成砖瓦搭砌漏窗、砖细漏窗、堆塑漏窗、钢网水泥砂浆筑粉漏窗，烧制漏窗等。
其中砖瓦木搭砌漏窗为传统做法，一般用砖作为边框，窗芯选用板瓦、筒瓦、木片、竹筋（或铁片、铁条）等，各构件之间的以麻丝纸筋灰浆粘结，使之成一体，其顶部设置过梁；砖细漏窗则由砖细构件构成，其节点传统上以油灰为粘结材料，必要时或有可能适当以竹梢、钢丝等粘结各构件。
堆塑漏窗是以纸筋灰浆为主材塑成的漏窗，边框与搭设砌窗相似，中间的图案以铁丝等构成骨架，再以纸筋灰浆多层粉成，仅在特别显要的地方使用，现存极少；钢网水泥砂浆筑粉漏窗是当前常用的，以钢丝网、钢筋、水泥做主要骨架，然后对面层粉刷修饰，其外框砼质为多，具有材料来源方便，图案变化不受材料制约，制成后比较牢固等优点；细石砖浇捣花窗的不足是图案单一，且芯的宽度不易掌握，在造园工程上不很适宜；烧制花窗用琉璃材料制作，是近代工艺，图案色彩都很单调，也不适宜于古典园林，仅在狮子林西侧山上的走廊上有少数几处。
漏窗中部的窗芯弯曲变化繁多，形成了不同的图案，姿态繁复，不下数百种，从大处区分，可以把图案分成硬景和软景二类。
所谓硬景是指其窗芯线条都为直线，把整宕花窗分成若干块有角的几何图形；而软景是指窗芯呈弯曲状，由此组成的图形无明显的转角。
两者相比较，前者线条棱角分明，顺直挺拔；后者线条曲折迂回，体现了不同的观赏效果。
构图可分为几何形体与自然形体两类，但也往往混合运用。
几何图案多由直线、弧线、圆形等组成。
全用直线的有定胜、六角景、菱花、书条、套方、冰裂等等；全用弧线的有鱼鳞、钱纹、球纹、秋叶、海棠、葵花、如意、波纹等。
用两种或两种以上线条构成的有寿字、万字海棠、六角穿梅等。
自然形体取材范围较广，图案题材多取象征吉祥或风雅的动植物，属于花卉题材的有松、柏、牡丹、梅、竹、兰、菊、芭蕉、荷花等，属鸟兽的有狮、虎、云龙、凤凰、喜鹊、蝙蝠，以及松鹤图、柏鹿图等，物品题材有花瓶、聚宝盆、文房四宝和博古等，还有表现戏剧人物和故事、象形文字的图案。
堆塑漏窗以软景为主，图案一般以吉祥物为主题。
砖细漏窗硬景较多，有的以直线条形成的，也有的以大块砖细件雕刻而成。
苏州古典园林中出色的漏窗景观不胜枚举，沧浪亭、拙政园、怡园都有长长的复廊，廊间以一个个的漏窗沟通，空灵异常。
尤其是沧浪亭沿河墙上，一字排开，连绵不断，透过水光云影，让人感到园外的沧浪之水仿佛是园中之物，“借景”效果特别显著。
总之，苏州园林每一个漏窗几乎都能表现一种场景，叙述一个故事，展现一种寓意。
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通过这几个星期的课程，我们对艺术作品欣赏课的学习，确实得到了很多我们在平时的学习中学不到的东西：比如如何去对一些作品进行评价与鉴赏，如何了解一些优秀作品的精髓，还学到了许多我们不知道的设计风格等等．原本以为艺术作品课会是一门枯燥无味沉闷的课程，但是通过老师这几个星期来的教学，我们发现其实并不是那样的，只要你认真的去听，认真的去想，认真的去思考，才发现其实这门课程有他独特的韵味，那就是你可以在鉴赏那些优秀作品的时候得到一种美的享受一种超出自然的惊叹，那是一种精神与视觉上的享受，老师不仅把我们装潢艺术专业的有些知识给我们做一些简单的介绍，还把一些流派的风格与好的一面给我们做仔细的分析，还让我们对自己喜欢或不喜欢的作品给予一些简单的评价，充分把我们的课堂气氛以及思维带动起来，让这门课程不那么的乏味．卢老师把一些建筑风格如巴洛克风格给了我们详细的介绍：它是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。
其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。
这个建筑风格最典型的实例就是典型实例有罗马的圣卡罗教堂，是波洛米尼设计的。
它的殿堂平面近似橄榄形，周围有一些不规则的小祈祷室；此外还有生活庭院。
殿堂平面与天花装饰强调曲线动态，立面山花断开，檐部水平弯曲，墙面凹凸度很大，装饰丰富，有强烈的光影效果。
尽管设计手法纯熟，也难免有矫揉造作9字感。
１７世纪中叶以后，巴洛克式教堂在意大利风靡一时，其中不乏新颖独创的作品，但也有手法拙劣、堆砌过分的建筑。
当然在建筑风格上，卢老师还给我们介绍了许多的风格：哥特式建筑
王维出塞的原因
王维才华早显，与其小一岁的弟弟王缙幼年均聪明过人。
十五岁时去京城应试，由于他能写一手好诗，工于书画，而且还有音乐天赋，所以少年王维一至京城便立即成为京城王公贵族的宠儿。
有关他在音乐上的天赋，《唐国史补》曾有这样一段故事：一次，一个人弄到一幅奏乐图，但不知为何题名。
王维见后回答说 ：“这是《霓裳羽衣曲》的第三叠第一拍。
”请来乐师演奏，果然分毫不差（根据沈括《梦溪笔谈》卷十七“书画”的考证，《霓裳羽衣曲》第三叠并没有拍，是散曲，白居易的句子“中序擘騞初入拍”也可以说明这一点。
沈括精通音律，其言可信。
王维工于音律，是正史所载之事，但这个故事却是编造的）。
唐玄宗开元十九年（731年），王维状元及第（一说开元九年<721年>中进士），任太乐丞，因伶人舞黄狮子受累，贬为济州司仓参军。
开元二十三年（735年），张九龄执政，拔擢王维为右拾遗。
开元二十四年（736年），调任监察御史，后奉命出塞，担任凉州河西节度幕判官。
圆明园资料和图片
位置与规模 圆明园位于北京市西北部郊区，海淀区东部，原为清代一座大型皇家御苑，占地约5200亩，是一座举世闻名的皇家园林。
圆明园由圆明园、长春园、万春园三园组成，平面布局呈倒置的品字形，绕福海而修。
总面积达350公顷。
圆明园的陆上建筑面积比故宫还多一万平方米，水域面积又等于一个颐和园，总面积竟等于8.5个紫禁城
1860年10月6日—18日英法联军洗劫圆明园，园中的建筑被烧毁，文物被劫掠。
至今奇迹和神话般的圆明园变成一片废墟，只剩断垣残壁，供游人凭吊。
名称由来 “圆明园”，是由康熙皇帝命名的。
玄烨御书三字匾额，就悬挂在圆明园殿的门楣上方。
对这个园名雍正皇帝有个解释，说“圆明”二字的含义是：“圆而入神，君子之时中也；明而普照，达人之睿智也。
”意思是说，“圆”是指个人品德圆满无缺，超越常人；“明”是指政治业绩明光普照，完美明智。
这可以说是封建时代统治阶级标榜明君贤相的理想标准。
另外，“圆明”是雍正皇帝自皇子时期一直使用的佛号，雍正皇帝崇信佛教，号“圆明居士”，并对佛法有很深的研究。
著有《御选语录》19卷和《御制拣魔辨异录》。
在清初的佛教宗派格局中，雍正皇帝以禅门宗匠自居，并以“天下主”的身份对佛教施以影响，努力提倡“三教合一”和“禅净合一”，是佛教发展史上非常重要的人物。
康熙皇帝在把园林赐给胤禛（后为雍正皇帝）时，亲题园名为“圆明园”正是取意于雍正的佛号“圆明”。
园林建筑特色 圆明园汇集了当时江南若干名园胜景的特点，融中国古代造园艺术之精华，以园中之园的艺术手法，将诗情画意融化于千变万化的景象之中。
圆明园的南部为朝廷区，是皇帝处理公务之所，其中最著名的有上朝听政的正大光明殿。
其余地区则分布着40个景区，其中有50多处景点直接模仿外地的名园胜景，如杭州西湖十景、苏州狮子林，不仅模仿建筑，连名字也照搬过来。
还有祭祀祖先的安佑宫，举行宴会的山高水长楼，模拟《仙山楼阁图》的蓬岛瑶台，再现《桃花源记》境界的武陵春色。
更有趣的是，圆明园中还建有西洋式园林景区。
最有名的“大水法”，是一座西洋喷泉，还有万花阵迷宫以及海晏堂等，都具有意大利文艺复兴时期的风格。
在湖水中还有一个威尼斯城模型，皇帝坐在岸边山上便可欣赏万里之外的“水城风光”。
艺术特色 圆明园是一座珍宝馆，还是一座大型的皇家博物馆，收藏着许多珍宝、图书和艺术杰作。
里面藏有名人字画、秘府典籍、钟鼎宝器、金银珠宝等稀世文物，集中了古代文化的精华。
圆明园也是一座异木奇花之园，名贵花木多达数百万株。
完整目睹过圆明园的西方人把她称为“万园之王”。
的确，如果今天还和140年前一样，这座超巨型园林就是当之无愧的“世界园林之王”了。
[编辑本段]【历史发展】 圆明园是清代著名的皇家园林。
圆明三园面积五千二百余亩，一百五十余景。
圆明园最初是康熙皇帝赐给皇四子胤禛(即后来的雍正皇帝）的花园。
在康熙四十六年即公元1707年时，园已初具规模。
同年十一月，康熙皇帝曾亲临圆明园游赏。
雍正皇帝于1723年即位后，拓展原赐园，并在园南增建了正大光明殿和勤正殿以及内阁、六部、军机处诸值房，御以避喧听政。
乾隆皇帝在位60年，对圆明园岁岁营构，日日修华，浚水移石，费银千万。
他除了对圆明园进行局部增建、改建之外，并在紧东邻新建了长春园，在东南邻并入了绮春园。
至乾隆三十五年即1770年，圆明三园的格局基本形成。
嘉庆朝，主要对绮春园进行修缮和拓建，使之成为主要园居场所之一。
道光朝时，国事日衰，财力不足，但宁撤万寿、香山、玉泉三山的陈设，罢热河避暑与木兰狩猎，仍不放弃圆明三园的改建和装饰。
·康熙时期 康熙四十八年（1709年），康熙帝（即清圣祖玄烨）将北京西北郊畅春园北一里许的一座园林赐给第四子胤禛，并亲题园额“圆明园”。
·雍正时期 雍正三年（1725年），雍正帝（即清世宗胤禛）在圆明园南面增建宫殿衙署，占地面积由原来的六百余亩扩大到三千余亩。
此后，圆明园不仅是清朝皇帝休憩游览的地方，也是他们朝会大臣、接见外国使节、处理日常政务的场所。
·乾隆时期 乾隆帝（即清高宗弘历）即位后，在圆明园内调整了园林的景观，增添了建筑组群，并在圆明园的东邻和东南邻兴建了长春园和绮春园（同治时改名万春园）。
这三座园林，均属于圆明园管理大臣管理，称圆明三园。
·咸丰时期 咸丰十年（1860年）8月，英法联军攻入北京。
10月6日，占领圆明园。
从第二天开始，军官和士兵就疯狂地进行抢劫和破坏。
为了迫使清政府尽快接受议和条件，英国公使额尔金、英军统帅格兰特以清政府曾将英法被俘人员囚禁在圆明园为借口，命令米切尔中将于10月18日率领侵略军三千五百余人直趋圆明园，纵火焚烧。
这场大火持续了三天三夜。
·同治时期以后 同治年间（1862～1874年），同治帝准备修复圆明园,供慈禧太后居住。
后因财政困难，被迫停止，改建其他建筑。
1900年，八国联军侵入北京，圆明园又一次遭到破坏。
清朝覆灭后，一些军阀、政客、官僚，纷纷从圆明园盗运建筑材料，圆明园遗址遭到进一步破坏。
·中华人民共和国时期 中华人民共和国成立后，国家十分重视圆明园遗址的保护。
1979年，圆明园遗址被列为北京市重点文物保护单位。
之后，圆明园遗址的整修工作逐步展开。
现被辟为圆明园遗址公园。
[编辑本段]【建造情况】 ·历史背景 满族世代繁衍生息在东北黑龙江流域。
17世纪中叶，大举进兵华北，彻底推翻了明王朝，自东北入关定都北京，夺取全国政权，建立了历史上最后一个封建统治王朝——清朝，由于清朝统治者入关以前在东北过着游牧生活，冬季那里是林海雪原，夏季则气候凉爽。
入关后，他们对北京盛夏干燥炎热的气候很不适应。
紫禁城虽金碧辉煌、宏伟壮丽，但清朝皇帝感到那里呆板憋闷，特别是在康熙初年，紫禁城发生过火灾后，为了防火，也为了防止暴乱，砌了高高的宫墙。
皇宫里院院相套，再加上溪沟水流过于平缓，几乎成了死水，当时对皇城曾有“红墙，绿瓦，黑阴沟”之称。
这使得皇帝们有些厌倦深囿高墙的宫廷生活，于是，从康熙初年，便开始修建园林，这种修建工程延续了二百多年。
·地形特征及历代建筑对兴建圆明园的影响 北京的西郊，有连绵不断的西山秀峰：玉泉山、万寿山、万泉庄、北海淀等多种地形，自流泉遍地皆是，在低洼处汇成大大小小的湖泊池沼。
玉泉山水自西向东顺山势注入昆明湖，成为西郊最大的水面。
这里开垦了大片水稻田，形成了自然风景区。
早在辽代，封建帝王就选中这里建造了玉泉山行宫，到了明代，这里的自然景色吸引了更多的游人，于是一些达官贵人就占据田园营建别墅，大片土地被一块块占去。
到了明万历年间，明皇亲武清侯李伟在这里大兴土木，首先建造了规模宏伟，号称“京国第一名园”的清华园(故址在今北京大学西墙外)。
嗣后米万钟又在清华园东墙外导引湖水，辟治了幽雅秀丽的“勺园”，取“海淀一勺”的意思。
空旷郊野，出现了亭台楼榭与湖光山色交相辉映，成为京郊名噪一时的园林荟集之地。
到了清朝，皇帝也同样看中了西郊这块绝好的造园之地。
开始大规模地兴建园林。
·圆明园建造的实施 圆明园的位置在挂甲屯的北面，距畅春园约一里多路，即今北京大学的北边，清华大学以西。
康熙时代的圆明园，里面有前湖、后湖等水面，其内建有“牡丹台”、“天然图画”等园景。
当圆明园还是一座藩赐园的时候，规模是不能超过皇帝的畅春园的，所以建景不多，名声也不大，远远比不上畅春园。
可后来随着主人的登基，清王朝的太平盛世到来，在其60多年陆续扩建中，终于建成了中国有史以来最宏伟的皇家园林。
圆明园的总设计师名叫雷金玉，他是在修建紫禁城时被康熙看中。
但在实际建造中大多还是皇帝的看法，不论是康熙、雍正还是乾隆都亲自指导。
[编辑本段]【园林结构】 历史上的圆明园，是由圆明园、长春园、绮春园（万春园）组成。
三园紧相毗连，通称圆明园。
共占地5,200余亩（约350公顷），比颐和园的整个范围还要大出近千亩。
是清代封建帝王在150余年间，所创建和经营的一座大型皇家宫苑。
雍正、乾隆、嘉庆、道光、咸丰五朝皇帝，都曾长年居住在圆明园优游享乐，并于此举行朝会，处理政事，与紫禁城（故宫）同为当时的全国政治中心，被清帝特称为“御园”。
光是悬挂了匾牌的就有600余座。
·圆明园 主要兴建于康熙末年和雍正朝，至雍正末年，园林风景群已遍及全园三千亩范围。
乾隆年间，在园内相继又有多处增建和改建。
该园的主要园林风景群，有著名的“圆明园四十景”（即正大光明、勤政亲贤、九洲清晏、缕月开云、天然图画、碧桐书院、慈云普护、上下天光、杏花春馆、坦坦荡荡、茹古涵今、长春仙馆、万方安和、武陵春色、山高水长、月地云居、鸿慈永祜、汇芳书院、日天琳字、澹泊宁静、映水兰香、水木明瑟、濂溪乐处、多稼如云、鱼跃鸢飞、北远山村、西峰秀色、四宜书屋、方壶胜境、澡身浴德、平湖秋月、蓬岛瑶台、接秀山房、别有洞天、夹境鸣琴、涵虚朗鉴、廓然大公、坐石临流、曲院风荷、洞天深处），以及紫碧山房、藻园、若帆之阁、文源阁等处。
当时悬挂匾额的主要园林建筑约达600座，实为右今中外皇家园林之冠。
·万春园 早先原是恰亲王允祥的赐邸，约于康熙末年始建，后曾改赐大学士傅恒，至乾隆三十五年（1770年）正式归入御园，定名绮春园。
那时的范围尚不包括其西北部。
嘉庆四年和十六年，该园的西部又先后并进来两处赐园，一是成亲王永瑆的西爽村，一是庄敬和硕公主的含晖园，经大规模修缮和改建、增建之后，该园始具千亩规模，成为清帝园居的主要园林之一。
至此，圆明三园处于全盛时期。
嘉庆先有“绮春园三十景”诗，后又陆续新成20多景，当时比较著名的园林景群有敷春堂、清夏斋、涵秋馆、生冬室、四宜书屋、春泽斋、凤麟洲、蔚藻堂、中和堂、碧享、竹林院、喜雨山房、烟雨楼、含晖楼、澄心堂、畅和堂、湛清轩、招凉榭、凌虚亭等近30处。
悬挂匾额的园林建筑有百余座。
绮春园宫门，建成于嘉庆十四年（1809年），因它比圆明园大宫门和长春园二宫门晚建半个多世纪，亦称“新宫门”，一直沿用至今。
自道光初年起，该园东路的敷春堂一带经改建后，作为奉养皇太后的地方；但园西路诸景，仍一直是道光、咸丰皇帝的园居范围。
该园1860年被毁后，在同治年间试图重修时，改称万春园。
·长春园 始建于乾隆十年（1745年）前后，于1751年正式设置管园总领时，园中路和西路各主要景群已基本建成，诸如澹怀堂、含经堂、玉玲珑馆、思永斋、海岳开襟、得全阁、流香渚、法慧寺、宝相寺、爱山楼、转湘帆、丛芳榭等。
其后又相继建成茜园和小有天园。
而该园东部诸景（映清斋、、鉴园、狮子林），是乾隆三十一年至三十七年大规模增建的，包括西洋楼景区，长春园共占地一干亩。
悬挂匾额的园林建筑约为200座。
·西洋楼 清帝为了追求多方面的乐趣，在长春园北界还引进了一区欧式园林建筑，俗称“西洋楼”，由谐奇趣、线法桥、万花阵、养雀笼、方外观、海晏堂、远瀛观、大水法、观水法、线法山和线法墙等十余个建筑和庭园组成。
于乾隆十二年（1747年）开始筹划，至二十四年（1759年）基本建成。
由西方传教土郎世宁、蒋友仁、王致诚等设计指导，中国匠师建造。
建筑形式是欧洲文艺复兴后期“巴洛克”风格，造园形式为“勒诺特”风格。
但在造园和建筑装饰方面也吸取了中国不少传统手法。
建筑材料多用汉白玉石，石面精雕细刻，屋顶覆琉璃瓦。
西洋楼的主体，其实就是人工喷泉，时称“水法”。
特点是数量多、气势大、构思奇恃。
主要形成谐奇趣、海晏堂和大水法三处大型喷泉群。
西洋楼景区整个占地面积不起过圆明三园总占地面积的五十分之一，只是一个很小的局部而已。
但它却是成片仿建欧式园林的一次成功尝试。
这在东西方园林交流史上，占有重要地位。
曾在欧洲引起强烈反响。
一位目睹过它的西欧传教土赞誉西洋楼：集美景佳趣于一处，凡人们所能幻想到的、宏伟而奇特的喷泉应有尽有，其中最大者，可以与凡尔赛宫及圣克劳教堂的喷泉并驾齐驱。
这位传教士的结论是：圆明园者，中国之凡尔赛宫也。
