对美术的感悟与体会
欣赏与感悟 上了美术欣赏课，感受颇多。
美术欣赏我的视野由古、古罗马倏而转到了文艺复兴时的意大利。
古罗马、古希腊的宏伟的宫殿建筑、众多的雕刻作品，展现了这两个伟大时代曾经的辉煌。
文艺复兴冲破了中世纪的宗教束缚，出现了人才辈出的局面。
使我知道了中国的陶瓷艺术的源远流长，和陶瓷艺术对于世界的贡献。
通过中西方美术艺术的差异使我更加了解了中西方美术的不同之处和相同之处。
及增加了我对于祖国灿烂文化的自豪之情，也使我更加了解了西方的美术艺术。
美术欣赏课不仅仅是对于绘画艺术的欣赏，而且是对于雕刻、建筑、陶瓷艺术等等艺术中所体现出的美术艺术的欣赏。
我想上美术欣赏课给我的最深课的感受莫过于此了。
这使得我的眼界大开。
美术欣赏当然包罗万象：古今中外的，各个艺术流派的，不同方面的。
有古罗马、古希腊的最具特色的建筑、雕塑。
有文艺复兴时期各个艺术大师的杰作。
还有近现代的各种新兴的流派的介绍。
这些都是西方的艺术中的美术艺术的具体体现。
那么对于东方，尤其是中国，同样具有悠久历史的自然要数陶瓷艺术，还有独特的建筑风格。
更加不同于西方绘画艺术风格的是中国独有的山水画的艺术手法。
我在选修《中国水墨画基础》课的时候，老师就讲过中国的山水画很是不同于西方的绘画。
他还举了一个具体的例子，就是他有一个外国留学生跟他学习中国的山水画法，但是不管怎样这位外国的学生都画不出中国山水画的那种真正的味道，尽管他的画功很好。
从这个例子中，我想中国山水画是凝结了中国人民的特有的情节在里面的，所以外国的画家很难画出中国话的味道来。
当然，西方和东方的绘画艺术分别属于不同的画法，各有千秋。
因而我们应该相互学习，才能相互促进彼此的发展，而不能顽固守旧。
尤其在当代不断发展的世界里，加强彼此的交流学习更加显得重要。
中国画注重画山水等自然景物或者虫鱼鸟兽等动物，并且善于运用空气透视法，而且善于想象，这样可以使得绘画有远有近，画面有种旷远阔达的气象在里面，并且中国的画更加注重使内心的情感表达在画上。
而西方的绘画主要运用焦点透视的方法，表现的绘画作品多为描摹人物、事件为多，展现的空间不够开阔，所以常有种压抑的感觉。
看中国画多给人一种清新的感觉，善于运用留白的画法，而且多描摹大河高山等雄伟的景物，所以有种壮美之感。
而描摹的花鸟树木却给人一种伶俐轻快、聪慧灵性之感。
而观看西方的绘画则多为油画，色泽虽然浓重，但却看起来大多有种灰暗之感。
很少可以感受到空灵之感。
我想东西方的文化差异是导致这种差异的原因之一。
因为西方受宗教的影响深远，宗教气氛浓厚。
而中国则不太相信宗教，相反中国的儒、释、道教则更多的是关心人与自然的关系和谐与否的方面，因而束缚较少，所以中国的画更让人感觉一种轻快愉悦的感觉。
当然和作画的工具的运用也有很大关系。
西方用画笔，中国则是毛笔。
这种工具的差异自然导致了做出的画会有差异。
还有就是颜料的使用了。
中国画用墨先画好画，然后再经过一种工序叫做装裱，这样给画加上各种鲜亮的颜色。
使得中国的画可以保存很长的时间而完好，不退色。
但是西方就很是不同了，用画笔在画布上作画，颜料用化学颜料，画好后保存就很麻烦，比较容易褪色。
当然这些都是古代的一些做法了，现在西方的保存技术是大大的提高了，我们反而落后了。
现在当然是有很大的改变了，以前是东学西入，后来是西学东入，到现在东西方的交流是不断地加强，相互的影响。
所以绘画艺术也不断的相互的学习借鉴。
中国的建筑和西方的建筑最大的不同就在于中国的房屋时用木材制作的，而西方的建筑则是用石材制作的。
这和各自所处的地理环境有很大的关系。
中国古代处于长江黄河流域，土地肥沃，深林茂密，地势平坦，所以盛产优质木材，因而房屋多为木材制作。
而西方则多山地，山产石材，所以他们必然会以石材作为建筑的主要材料，另外这也是为什么西方的石雕雕刻雕像繁荣的原因之一。
我原先以为石材造的房子当然会比木头造的房子坚固的多，但是我的猜想是错的。
石材耐压但是韧性差，而好的木材不但耐压而且韧性很好，甚至比钢还要好。
这是我叹为观止。
而更加令我感到惊叹的是，中国房屋使用了斗拱的结构，这使得每个梁柱环环相扣，使得屋顶的巨大重量通过斗拱的精巧的结构而转移到支撑房屋的大柱子上去。
这就使得屋子的墙壁不用承担重量而仅仅是起到遮风挡雨的作用。
这俨然是现代钢筋混凝土构架的雏形。
而且这种斗拱的结构还有利于房屋的扩充，而不用费很大的功夫。
也就是说可以在原来的房屋上面通过梁柱来扩充，而不用推到重新来建。
而西方的石材不仅韧性不好，而且还要承担很大的重量。
并且可扩充性也不好。
当然它有一个优点就是可以加高。
中国的房屋却多是一层的。
中国常见的高层建筑恐怕要数塔了，然而塔的建筑形式去时舶来的，因为佛教的传入而传进来。
西方石材建筑的集大成恐怕是凡尔赛宫了。
中国的木材建筑的集大成当然非皇家的宫殿了。
中国的房屋建筑多主张对称美，建筑群往往有一条中轴线，而西方的的建筑则多曲线，典型的教堂大多有圆形的穹顶结构。
较之，我认为中国的木材建筑有种举重若轻的感觉，而感觉西方的石材建筑则多是一种凝重深沉。
另外中国房屋的顶部的铺设的瓦也是中国的特色了。
瓦的使用使得雨水可以轻易地留下来不易造成屋内漏水的情况。
现在随着城市化的进程的加快，瓦在中国可能很少再见到了，瓦因而成为中国文人用来表达自己的情感的常用的对象。
当然不仅仅是怀念瓦，大概可能是怀念中国古代灿烂的文明，在迈向新时代时发出的叹息吧。
谈到文艺复兴，我们自然会问那么文艺复兴为什么会发生呢。
也许我们不应该这么问，而应该问，文艺复兴为什么在当时发生，而且发生在意大利呢。
因为欧洲的思想受中世纪的宗教影响太深了，人们的思想受到了极大地束缚，人们想摆脱这种束缚追求自由是他们神圣的权利。
所以不管迟早，文艺复兴都会发生的。
这是毫无疑问的。
而之所以叫做文艺复兴，是因为在古希腊、古罗马的时代曾经有过辉煌的文艺、科技、思想的繁荣。
因而要打破中世纪的宗教神学的束缚，那自然是人想到的就是文艺复兴的提法了。
问题的关键在于为什么会发生在当时的意大利。
因为当时意大利的经济发展很快，新兴的阶级自然不愿继续收其他力量的阻碍，所以就会寻找新的思想来冲破旧的思想。
再加上许多的天才人物的出现所以便形成了当时十分繁荣的文艺复兴思潮。
文艺复兴带给欧洲人们新的思想，逐渐的使得人们从宗教繁重的思想中解脱出来，可以说为以后欧洲的发展起到了启蒙、促进的作用。
而在文艺复兴中崭露头角的天才人物，也给我们留下了很多的宝贵的知识和财富。
中国的制陶瓷的工艺可以追溯到商朝开始制造青铜，青铜虽然不是陶瓷，但是可以称得上是陶瓷工艺的原始阶段。
后来出现了黑陶，大约唐朝时候产生了瓷的工艺。
这是很大的进步。
瓷的出现弥补了陶的表面不光滑的缺陷，使得瓷的应用广泛的深入了人民的生活之中。
景德镇成为我国的制造瓷器的中心之一，饮誉海内外。
陶瓷甚至成为中国特有的一种陶瓷文化。
很多士大夫都参与陶瓷的制作。
这就使得中国的陶瓷技术当时遥遥领先与世界。
西方的国家通过丝绸之路、海上贸易等不惜重金来购买中国的陶瓷，把中国的陶瓷当做稀世珍宝对待。
几个世纪以来在西方形成瓷器热，经久不衰。
中国的瓷器上面可以绘画、可以有文字书法等等。
不仅仅是器物，更是一种人文的精神的表现。
当然随着瓷器制造技术被西方所掌握，陶瓷的制造的技术不再是秘密，但是中国的瓷器在世界上仍然具有很大的吸引力。
中西方的美术艺术有很大的不同，但是也有相同的的地方，那就是追求美。
我想中西方在不断的交流中会碰撞出更多的火花，促进彼此更好的发展。
当然我们也要把握好继承和发展的关系，不能抛却我们古代的灿烂的文化。
只有这样才能在和西方的交流融合中把握住前进的方向，永远有自己的归属。
我想美术欣赏课教诲我很多的东西。
这更多的是一种心灵的交流课。
注，楼主请根据自己情况更换人名，地名，等不妥之处
对西方美术作品的读后感
美术作品欣赏特别是绘画艺术欣赏，传统上讲属于美术史的学习范畴，是较深入较全面的认识。
美术作品比较欣赏，则侧重不同，它是以一种全新的文化视角，欣赏、审视不同传统形式的美。
通过对比、参看、交流、勾通的方式，更通俗、更平易的了解认识世界范围内美的形式、形态。
从而更好的挖掘认识我们自己民族的传统美术。
[关键词] 欣赏；认识方式；比较；审美理想；观念思维欣赏，这个词可以从两个角度来认识，其一，个体经验的角度。
其二，典型的，能代表相当部分人共同感受的体验。
毕竟，不论是创作者还是欣赏者都是社会条件下的人，不同时代，不同地域，不同种族，不但是个体主观的而且也是客观社会的。
对于艺术作品，我们要学会欣赏，懂得欣赏。
这里两个欣赏，含义略有不同，第一，看，看什么
第二，作品，怎么看
对于美术作品的认识方式，传统上大多是通过学习美术史的方式，先分中外，后从发源到发展细细密密、美术理论、美术言论、美术年代、美术作品、风格流派等等，精微细致。
这对于专业人士和艺术类学生而言是必要而必须的。
而对于艺术素质教育来说，它面对了更广泛的受教育人群，对非专业人群而言，显然此种方式不合适，不实际。
美，人皆爱之，但面对一股脑的大量美术作品，中国的、外国的、古典的、现实的、浪漫的、具象的、抽象的，加上一大堆的年代，让人不蒙也会被吓跑的。
普及艺术审美教育，不缺少受惠人群，真正缺少的是一种理念和一种确实可行的方法。
这种情况下，中外美术作品比较欣赏，作为选修课程就特别适合，也应该在普通高校，特别是高职、高专类学校中普及开设。
首先比较的出现，说明认识的角度和传统发生了变化。
比较是人类在同外部自然交流勾通中较高的一种认识阶段，它可以同时将两个和两个以上相对独立的参照系统建立联系，从而避免认识上的独立性、静止性和片面性。
其次，比较可以见出异同。
对所比较的事物有更明确、更客观的认识。
而使得在对纷繁浩瀚的艺术作品欣赏时，能够更为透彻，更加从容自由。
再次，比较不是以高低优劣为目的。
它通过对大量丰富的美术观念、美术作品的比较，能从中发现中西美术的不同之处，从而更深刻的认识和保护世界范围内的文化遗产，更准确、客观的认识我们民族美术的长处与不足。
中西古代审美理想的异同从先秦哲学家和美学家的著作中，我们了解到儒家思想是汉文化不同与世界其它民族的基本特质。
中国古代审美理想的认识首先要从对儒道思想的认识作为开宗。
儒家理想人格的形成是把宗法体制的共同性要求内化于自我人格的形成，“克己复礼”而“成教化，助人伦，”“兴于诗，立于礼，成于乐”是为艺术、教育的目标。
使得自我与社会的关系从外在的约束转化为自在自觉的遵守，实际就是要求艺术的情感须自觉的由道德伦理来节制以达到情与理的和谐统一。
那么道家的审美理想是什么呢
“夫虚静恬谈寂寞无为者，万物之本也”。
“天地与我并生而万物与我一”。
明确了在心与物浑然一体的体验中，人的精神将从实用、利害、因果的束缚中超脱出来，达到一种“虚”、“静”、“明”的自由审美境界。
人作为生命的存在本应与自然一体。
“淡然无极而众美从之，此天地之道，圣人之德也”。
“朴素而天下莫能与之争美”。
这里真正的美是一种大美至美是天地之美，宇宙本体所显现出来的质朴、自然、恬淡之美。
这些思想不但内涵丰厚，同时还具有深厚的美学意味，对中国书画美学产生极大影响，为中国古代审美理想构建了一种独特的宇宙观，这种宇宙观表现在艺术上就是以类取之，以虚带实，以实带虚，实中有虚，虚中有实，虚实相生，情理统一，物我和一。
对照西方，从古希腊时代开始，西方造型艺术就是以模仿自然为目的，古希腊哲学家们认为“数”是万物之源。
自然界事物存在就是“数理”的存在。
艺术家在模仿事物外在形象的时候，通过比例、对称、完美、表现存在的本质和规律，从一个物体美的认识到集体的、全部的美的认识,从美的形体到美的制度美的知识,一直到彻悟美的本体。
由此，在对和谐美的追求过程中有了“一切立体图形中最美的是球形，一切平面图形中最美的是圆形。
构成长方形比例协调感的“黄金比”。
人体美同样取决于不同数之间的比例和谐”。
从希腊神话到希腊雕刻，大量雕像也佐证了艺术对真实物象立体性的模仿和美化。
比较中西美术，如果说中国古代哲人对美的认识，主要侧重于审美的“心理”方面，那么西方则重于对象的外在形式，关注“美”与“真”的联系，把艺术的审美创作和欣赏看作是追求知识和真理，乃至追求上帝的过程。
西方绘画有什么流派啊?
一、解释西方绘画这个概念： 在致力于追求纯艺术的现代派画家看来，传统绘画搀杂太多的非艺术的杂质。
实际上，西方传统绘画并不是不讲艺术，只不过是在讲究艺术性的同时，兼顾着诸多非艺术性的方面。
这大概就是传统绘画区别于现代派绘画的重要标志。
传统绘画在艺术上的这种不纯粹性，主要表现在功利性和描述性等方面 。
二、西方绘画的主要流派介绍： 1、文艺复兴美术 产生于14～16世纪，以意大利为中心，旨在反抗宗教神权，提倡“人文主义”的文化运动。
2、古典主义美术 产生于16～18世纪，强调以古希腊、古罗马艺术为典范，主张理性重点原则，追求理想化的美。
具有构图稳定和谐、造型严谨明确、色彩纯净明丽的特点。
3、西方现实主义美术 产生于17～18世纪，一般具有朴素写实、严峻深沉、多使用明暗对比法等特点，追求真实生动和内在感情的表现。
4、本文新古典主义美术 兴起于18～19世纪，形式上以古代的理想美为典范，内容上富有时代精神和革命热情，多取材于历史故事和现实题材。
5、西方浪漫主义美术 兴起于19世纪前期，在美术作品中具体表现为：取材比较自由，注重色彩和画家情感的抒发，强调发挥艺术家的创造精神。
6、西方新印象主义美术 继印象主义之后，法国又出现了新印象主义画派，主张以光学的分析原理来指导艺术实践，以补色原理的色点并置达到色彩的真实呈现，其手法多用点彩的方式。
7、 西方后印象主义美术 兴起于19世纪末，反对片面地追求外光与色彩，强调抒发自我感受，表达主观精神，注重对绘画语言的提炼与解读，强烈的主观化和个性化是其创作的特色。
8、本文表现主义美术 注重主观情感和内心世界的揭示，不拘泥于视觉特征的真实。
9、西方野兽主义美术 1905年产生于法国松散的美术社团。
野兽主义画派吸收了东方和非洲艺术的表现手法，创造一种有别于西方古典绘画的疏、简的意境，有明显的写意倾向，同时追求更为主观和强烈的艺术表现。
10、西方立体主义美术 1908年产生于法国，追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感。
把三度空间的画面归结成平面的、两度空间的画面，着力表现有直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调。
11、西方现实主义美术 深受弗洛伊德意识理论的影响，试图突破符合逻辑与实际的现实观念，把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合，以达到一种绝对的和超现实的意境。
12、西方抽象主义美术 抽象艺术包含两种类型。
一类是从自然物象出发加以简约或抽取其富有表现特征的因素，形成简单的、极其概括的形象。
另一类是不以自然物象为基础的几何构成。
13、 西方印象主义美术 19世纪中后期兴起于法国的美术流派。
提倡户外写生，追求外光的色彩变化，强调表现直观感受。
3、谈谈对学习西方美术史的看法及见解。
（不少于300字）
谈文艺复兴三杰及其各自艺术特色 作者 于彦伟 （聊城大学） 选修了外国美术史，感受到国外众多画家流派的风格，深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏。
要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。
而对文艺复兴三杰，他们各有所长，在不同的时候占据了不同的地位。
我查阅了各类资料，加上一些个人观点，有以下的一点看法。
说到文艺复兴时期，达芬奇起到了举足轻重的作用。
他思想深邃、博学多才。
比之文艺复兴时期中的任何一人，有更多的、领域更广的幻想。
他怀着永无休止的探索精神去研究自然和人生的一切奥秘，他把艺术和科学、理智和情感、形体和精神熔于一炉，继承和发扬了前人的人文主义思想和现实主义表现手法，把艺术推进到一个前所未有的高度，更可贵的是，为自然科学的发展也作出了巨大贡献。
可以说达·芬奇是文艺复兴时代最完美的代表人物。
而稍微年轻的米开朗琪罗可所谓是一位举世公认的巨匠。
他的雕塑不在于他的强健与巨人般的宏大，而在于它的灵感和神韵。
这是他的追随者永远也学不到的东西。
他，一位富裕的佛罗伦萨人，一个下层贵族中的一员。
却性情孤高，从不屈服任何压力。
唯有教皇世俗的权威和神圣的地位才能迫使他到西斯汀礼拜堂作画，在那里他可以登峰造极，创找出了有史以来最伟大的湿壁画。
他一向排斥画笔，曾以他激烈的誓言说他唯一的工具是凿子。
显得那么可怕，才会让人萧然起敬吧。
确实没有一个艺术家比米开朗琪罗更令人敬畏。
和谐、圆融、愉快、优美、温和是拉菲尔的真实写真，不仅画风如此，为人处事亦如此。
但是追逐”名利”的心加快了生命逝去的步伐，年轻的生命留给了世人永恒的作品。
这三位巨匠真是当之无愧的文艺复兴的精神领袖。
最早认识达芬奇的时候是在小学。
达芬奇画鸡蛋的故事可谓众人皆知，正是他那种坚强的意志，才造就了他以后的伟业。
正是刻苦的大量练习，才使得在他的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视。
这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平， 被誉为素描艺术的典范。
其特点是：观察入微，线条刚柔相济，尤善于利用疏密程度不同的斜线，表现光影的微妙变化， 他的每一件作品 都以素描作基础 。
《蒙娜丽莎》可谓是达芬奇的代表之作，而这一点在《蒙娜丽莎》 上表现得尤为突出。
其实，他笔下的这一使人难忘的微笑已不是具体的佐贡多夫人的表情了，而是一种具有抽象意义、普遍意义和典型意义的，是蒙娜丽莎所有的，是达·芬奇所有的，也是我们大家所共同拥有的人性特质的某种精微的东西。
可能，这就是《蒙娜丽莎》巨大魅力的所在。
达芬奇也许是智商最高的艺术家。
他的思维超越他的时代，他的发明改变了他的时代。
正是他艺术的创作加入了科学的思维。
才完成了当时常人难以完成的课题：1、解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；2、完成了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题；3、解决了当时绘画中两个重要领域--纪念性壁画和祭坛画的问题。
达芬奇的这些贡献不仅像镜子似的反映了他一生的成就，更深刻影响后来各派画家的思考创作。
为世界艺术宝库留下了珍品中的珍品。
比达芬奇年轻23岁的米开朗琪罗曾在著名画家古兰达约门下学习，但真正给他启示的是古代雕塑，他在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。
不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。
在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，在宏伟的背后蕴藏的灵感和神韵更是只可意会不可言传的。
雕塑《大卫》创作于他的早期，当时他还不到30岁，但他的艺术风格已趋于成熟。
我认为，大卫之所以成为不朽的作品，在于他把思想从石头中释放了出来。
以精湛的技巧、强烈的信心，与常人有惊人不同之处的雕凿出这尊完美的英雄巨像。
根据意大利15世纪两位最著名雕塑家多纳泰罗和委罗基俄曾创造过两件同名雕塑作品来看，他们不约而同地把大卫塑成少年，就像圣经故事讲的情形一样。
而米开朗琪罗的惊人之处，在于他摆脱了文字记述的束缚，根据自己的要求，把少年大卫塑造成一位发育成熟、体魄健美的英俊男子，一位如神的人，从而极具表现力地传达出他对人的信心、对新社会理想的热情。
更表现了他不受他人思想束缚，敢为人先的创作精神。
再我看来,拉菲尔的画永远都显的那么平易近人、亲切自然。
画若其人，传说拉菲尔为人温和，处事谨慎。
”他为我们创造了女性美的典范，以至这种典范到今天仍是后辈们难以企及的；只有一个拉斐尔，他使圣母真正回到了人间，成为我们理想中柔美的化身”。
高度赞扬了拉菲尔对塑造圣母形象的巨大贡献。
正是圣母画的成功，为拉斐尔带来了所需要的声誉。
26岁时，他被推荐给教皇朱诺二世。
并受到教皇的赞赏. 使他虚荣心得到了很大的满足.在大量的工作中，拉斐尔开始雇佣大量的助工和学徒，通常是自己完成主体，别人辅助完成。
人们发现了他的另一艺术天分--善于处理庞杂的大场面。
他的野心开始得到满足，教皇赐给他极高的权限，据说，每到一处都受到王者般的礼遇，他成为艺术界炙手可热的明星。
然而，拉斐尔仍旧不能忘记他的圣母。
1514年，他独自绘制了一生中最后一幅画作--《圣母与圣西斯德》。
天才总是命不长，年仅37岁的拉斐尔却倒下了，与其说他的才能与精力是被雪片似的定单、无休止的工作夺去的，不如说是他追求功利的野心毁灭了他。
但他的艺术贡献却代表了一个时代、一种模本的兴盛而成为后人学习的标准. 也许在他罗马圣贤祠上的墓志铭,更能概括他的一生: 这里安息着拉斐尔 他活着--大自然害怕被征服 而他死后 又担心自己死去. 短短几个周的学习,使我对美术知识认识还很有限,对画家及其他们作品的评价可能有点片面和不足.但是 ,完成外国美术史的选修后,再鉴赏外国画家的作品时,不再人云亦云,能够提到自己的观点.这或许就是选修外国美术史后最大的收获吧.
求西方艺术史感受
读《西方艺术史》有感艺术的寂寞与孤独最近，读了一部《西方艺术史》，首先，我就为这部书引言里的一句话所震动。
著者说，我们从艺术的起源之处就可以找到艺术家的那种主要动机：通过打上记号而投身于世界和把世界据为己有。
而在此话之前，著者又提出这样一个设问：人难道不始终都是通过艺术向死亡挑战的吗
这一设问已道出艺术所具有的宗教意义和她的永恒目的
纵观整个西方艺术史，从古希腊的巴底农神庙到古罗马的哈德良万神庙，从早期基督教艺术到罗曼艺术，从哥特艺术到文艺复兴，从样式主义到巴洛克和古典主义，从罗可可到新古典主义，从浪漫主义到现实主义和印象主义，一直到二十世纪各艺术门派与主义，我们不难看出，最初因对神的膜拜和服务于宗教，艺术在神庙与教堂的建筑以及宗教绘画方面创造了辉煌的成就；同时艺术所创造的美以及艺术本身，也像宗教一样，一直指引着人的灵魂向上升华，而在这种指引的过程中，艺术家们却常常陷入了不为人知的寂寞与孤独……真正的艺术是最心灵的东西，也就是最为宗教的东西，所以一切真正为艺术献身的艺术创作者所要背负的寂寞与孤独，绝对不能为一切凡夫俗子们所能体悟。
这一点是我在读到《西方艺术史》“浪漫主义”一章时最为感慨的。
浪漫主义出现于十八世纪中，兴盛于十九世纪二、三十年代，至五十年代左右进入衰微。
浪漫主义艺术抛弃了希腊罗马典范，表现为对新古典主义专制的逆反，对往昔的一切想法实行彻底的决裂，它宣告了人和个性先于一切的地位，它以强烈的感觉、激情和想象回答了冷酷的理性王国。
正是浪漫主义的这种冲击性，导致了浪漫主义艺术家们比以往任何时代的任何门派的艺术家们更深地陷入了艺术的寂寞与孤独。
在此，仅说一说浪漫主义杰出代表欧仁·德拉克罗瓦的艺术创作。
作为画家的德拉克罗瓦最初的作品是《但丁与维吉尔游地狱》和《希阿岛的屠杀》，这两幅作品表现出自由的嘲弄与挖苦，成为浪漫主义的宣言，并使德拉克罗瓦因此成为浪漫主义的领军人物。
德拉克罗瓦一生都从浪漫主义文学中汲取灵感，并从中取材。
1827年他画出了《萨达纳巴尔之死》，以纪念三年前死于梅索朗吉昂的拜伦。
萨达纳巴尔是显赫无比的塞米拉米斯女王子孙中最 后一位 君主，在被米底人围困了两年的都城巴比伦，萨达纳巴尔在宫院内堆起柴垛，将自己和财宝、骏马、女人、宦官一起付之一炬，而拒绝投降。
这幅画给人一种死亡与毁灭之感，让人极为强烈地感觉到作者对于死亡与毁灭的思考与挑战，以及因为这种思考与挑战而有的内心寂寞的燃烧。
1830年，德拉克罗瓦又画出了《自由指引人民》。
此画因作于1830年革命的翌日，几乎成了政治宣言。
在这幅画里，画家就在自由女神的右边，以起义者的形象出现，充分表达了他在不自由的围困中对自由的渴望。
德拉克罗瓦从青年时期开始一直到1847年撰写了一本日记，详细阐述了他对艺术创作的思考。
1863年8月，他因病而寂寞地离开了人世，完成了一生对艺术的追求，虽然浪漫主义在他死后几乎销声匿迹，但他的画作，尤其是他的《萨达纳巴尔之死》和《自由指引人民》，却是不朽地留在了这个世界。
读罢这部《西方艺术史》，我久久不能平静地想，当我们捧读一部伟大的作品而潸然泪下时，当我们在一幅名画前恋恋不去时，当我们怀着无限崇敬的心情瞻仰一位已故艺术家塑像时，我们是否想到那些伟大的艺术创作者一生献身艺术的精神
是否想到他们为艺术献身所承受的寂寞与孤独
夏绿蒂·勃朗特一生没有过一次爱情，却写出一部催人泪下的《简·爱》；凡高一生穷困潦倒，一生只为他的《星空》与《向日葵》寂寞而疯狂地燃烧；曹雪芹呕心沥血一生，终未能完成他的红楼巨著，寂寞地死于灯下，死时竟连一口棺材都没有。
尽管我们有所欣慰，无数伟大艺术创作者的艺术创作终使他们得以永生，但他们寂寞孤独的悲惨，又无不令我们痛心疾首
文艺复兴的影响及对其绘画的感想，800字以上，周五之前交，拜托
十六世纪文艺复兴艺术成就对今天中国学院(现代艺术和传媒方向)艺术的影响 主要是：1、人文主义思潮的不断深入，具体可查阅人文主义，主要是重视人性。
2、对于学院艺术来说主要是前卫艺术的影响，前卫艺术虽然以反传统、反审美、反形式，以至反博物馆意识而显示出它的特立独行，然而前卫性艺术家同样耿耿于能够将自己的艺术作品收藏于博物馆这样神圣的处所，能够让自己的活动载入美术史。
这种进入渴望历史的“博物馆意识”“美术史意识”，表明前卫们仍然称羡与追求学院的学术专家学者及著名艺术家的关注与阐释。
当前卫艺术能够进入西方的非商业性画、博物馆和艺术院校展示时，前卫艺术家们会对此非比寻常的强调再三。
这种情况与在中国国内是同样的。
参考 “文艺复兴”（Renaissance）是一名词，也是一形容词。
作为名词，它特指意大利半岛那次文艺盛世，稍后，当西班牙、日耳曼、尼德兰等地区相继发生类似的文艺盛世，都沿用这个词。
作为形容词，“文艺复兴”则泛指人们对文艺盛世的来临或祈盼，常被正式或非正式地形容其他国家或区域的文艺状况。
所有这一切,使得意大利美术无论是在精神上还是在艺术手法上,都与文艺复兴时期不可同日而语。
在佛兰德斯，由于在尼德兰革命中没有取得独立，17世纪仍然处在西班牙封建专制和天主教会的控制下，艺术仍是为奢华的宫廷服务。
绘画的题材也相应发生了变化，寻求享乐的神话题材和歌功颂德的历史题材成了佛兰德斯绘画的主流。
包括日后来中国清廷工作终身的传教士画家郎世宁，尼德兰文艺复兴美术也在北京圆明园的西洋楼建筑上有所体现。
对中国的西洋式建筑和园林设计、以及绘画都有很大的影响。
而传教士画家郎世宁则带动了清廷高层对西方文艺复兴美术的了解。
文艺复兴的发展大致经历四个阶段：（一）13世纪属文艺复兴运动早期，突出特点是文学的发展达到了空前的水平。
这一时期的文化中心城市是佛罗伦萨。
代表人物是被誉为《前三杰》的三位文学家：但丁（1265至1321）、彼特拉克（1304至1374）和薄伽丘（1313至1375），他们的杰作《神曲》、《阿非利加》和《十日谈》在世界文学史上占有突出位置。
由于他们的作品广为流传，这三位诗人的家乡------佛罗伦萨------的方言成为现代意大利语的前身。
本阶段值得一提的还有被尊为《欧洲绘画之父》的大师乔托（1267至1337），他的艺术手法直接影响了其后一百年的意大利画风。
（二）14世纪末至15世纪上半期为文艺复兴高潮的准备期。
期间人文主义和文学艺术有了进一步的发展，产生了一批高水平的画家、雕刻家和建筑家，如画家马萨乔（1401至1428）、雕刻家多纳太罗（1386至1464）和建筑家布鲁涅列斯基（1377至1446）。
其中，由布鲁涅列斯基于1434至1437年间主持设计的佛罗伦萨教堂大拱顶，规模宏大、巍峨华丽，令人过目难忘。
（三）15世纪末至16世纪上半期是文艺复兴的盛期，文化中心城市已从佛罗伦萨转移到了罗马。
主要代表人物是《后三杰》----达.芬奇（1452至1519）、米开朗基罗（1475至1564）和拉斐尔（1483至1520）。
他们留下的《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《大卫》、《圣母悲戚》和《西斯多圣母》以及梵蒂冈博物馆内拉斐尔画室的大量壁画堪称世界艺术画廊珍品，在中国也是家喻户晓、妇孺皆知。
（四）16世纪下半期至17世纪上半期为文艺复兴晚期，这一时期的代表人物有威尼斯画派四大名家：乔尔乔内、提香（1490至1576）、委罗奈斯和丁托列托，还有三位著名科学家、思想家：布鲁诺、伽利略和康帕内拉。
文艺复兴运动不仅是希腊、罗马古典文化影响的结果，它还吸收了外来文化，特别是阿拉伯、印度和中国文化中许多有用的东西，从而交融了东西方文化。
尼德兰文艺复兴流传到中国后，对中国文艺后期的生发、衍变、传承，有着平顺而自然推动作用。
自从十七世纪法国、英国相继开始设立了半官性质的皇家美术学院开始，就有了学院派艺术之称。
美术学院之立，让美术能够成为一种大规模的教育模式下的职业，成为一种可以有意识的系统的人才培养处所，而不是过去作坊式的自发传授；美术也借以成为一种可以捉摸出其规律的独立学科。
这是美术的进步。
中国美术早在五代两宋时期，就已经有了皇家画院，有了培养和安置画家的官处所，自然，也由此有了画院派与在野派画家之别。
不过，中国现代艺术的发展却不是过去皇家画院的延续，而是西方美术学院制度的产物。
从刘海粟、林风眠，到徐悲鸿，再到解放后的苏式教育，中国现代美术在近代美术的学院教育之路上结出了丰硕成果，产生了一批又一批纪录时代风云，反映民众喜乐，表达自我情感的美术家。
可以说，一直到改革开改初期，中国的学院美术都是以现实主义创作旨趣作为其基本方向的，也因此左右着整个社会的审美指向。
正是改革开放的二十余年间，让中国大地社会经济文化产生了巨大的变化，美术面貌也从过去相对单一的样式，走上了如今风格样式多样的新局面，特别是出现了以西方现代艺术诸流派为参照的中国现代艺术，这些现代艺术家们的种种新创，让中国美术在十年中重演了西方近百年的艺术史，让中国人在九十年代树立起了具体艺术家自我个性与民族品格的中国当代艺术品牌，也让学院艺术在这些风云际会的社会美术面前显示出了它相对迟滞的一面，从而再一次地将学院艺术的定位与作用问题提了出来。
资料太少，也未能详述，具体 不知道你用不用得上，你再看看吧。
看完外国绘画后的感想
那个~向日葵应该是大胆中的例外吧~好像是凡高发病时画的~一般人画不出阿~还有就是西方绘画很有创造力，不断有新的画风画派出来，而且想象力很丰富，很富有时代感。
