艺术系16字成语口号
诗歌是一史悠久的文学体是以意象为诗情表基本结构单位，借助的想像和新奇的比喻，以具有强烈节奏感和音乐性的语言，高度概括地表现诗作者对宇宙、人生的深刻理解和对生活的由衷咏叹的文学体裁。
它是深缅的思想和饱满的感情，在创造性想象的过程中交融在一起而显现出来的一咱精练而富于感染力的艺术。
一、抒情性是诗歌的根本艺术特征 小说、寓言和童话主要通过人物或动物和故事情节来再现生活的；散文主要是借助一定的人物、事件和场景来再现生活；戏剧主要是通过人物的矛盾冲突、语言和旁白来再现生活的。
而诗歌则是主要通过抒情的方式反映生活的。
因此可以说，抒情性是诗歌的语言艺术。
有人把抒情性称为诗歌的灵魂。
诗歌的抒情性，是指诗歌不但用抒情的方式反映生活、表达作者的思想感情，而且是通过抒情的方式来打动和教育读者。
郭沫若说过一句话：“诗的本职专在抒情。
”抒情性构成了诗歌的艺术生命，离开抒情性谈诗歌是没意义的，因为抛开抒情谈诗歌，诗歌也就失去了它的基本价值。
我国最早的一部诗集《诗经》，反映了三千年前人民的生活，反映了人们的喜怒哀乐的情感。
有人说，诗歌是用来抒情的。
我们不能超越物理意义上的时间和空间，但能超越心理意义上的时间与空间，而这种超越就是要通过诗歌里面的抒情来完成。
现在我们不能经历杜甫诗人所处的战乱社会人们的疾苦，但是我们可以通过杜甫的《登岳阳楼》中的抒情情感去感受。
王维写的《送元二使安西》的“西出阳关无故人”巧妙地传达了作者与朋友依依不舍、叹息流泪，说着相聚时的欢乐，分别的无奈，别后会有的思念的思想感情。
也许现在分别对我们现代人来说是没什么大不了的事情。
我们不但交通方便，联系也方便，只要一个电话、一条短信、一封E-mile就可以联系上对方，甚至可以通过视频看见对方那熟悉的面孔，但是当时交通不便，今次分别不知何年何日才能重逢，生离也就是死别。
“床前明月光，疑是地上霜。
举头望明月，低头思故乡。
”这首诗歌是李白的一首思乡诗，他把自己身在他乡的那份寂寞、思乡之情用二十个字淋漓尽致一表露出来。
当我们离开家乡的时候也会对着月光念起这首诗，特别是中秋节的时候这首诗尤其流行。
这就是诗歌表现出来的艺术灵魂。
一首优美动人的之所以千古流传下来，之所以为千百万读者所吸引，尽管有些诗歌所反映的内容与我们相距十分遥远，不复有与诗同时代的体验，但仍会为其诗所震憾，这就是诗的抒情所体现的美的力量，其内在基础在很大程度上正是感情的饱满真挚。
二、形象美是诗歌的基本特征 小说戏剧的主要表现手段是故事情节、人物对话，而诗歌的主要表现手段是诉诸读者直观感觉的形象和声韵。
形象鲜明、声韵铿锵是诗歌的共同特点。
唯物辩证主义认为，把握事物的本质就是要通过现象看本质。
人脑是对客观事物的反映，外界事物为人感知，反映到大脑中，经过思维抽象出结论，这结论是对景物的本质的认识。
然而本质的认识是抽象的、静止的、综合的，也是无个性的，我们该如何表达它呢
例如，我们敬爱的周总理逝世了，人们都感到非常沉痛，人们是通过什么方式来表达他们的沉痛
我们可用“心如刀绞”、“哀漠大于心死”等词语来形象地表达失去周总理的痛苦，诗歌也一样讲求形象。
当我们旅游归来，告诉朋友那里的景色优美，但我们单纯地说“那里的景色好美哦
”别人会无法想象到底有多美，是像湛江的湖光岩一样美吗
还是像肇庆的鼎湖山一样美
我们可以用一句概括性的话来表达，例如“桂林山水甲天下”，然而这还不够形象，必须作一番形象的描绘才行，就像白居易作的《钱唐湖春行》用优美的语言把自己所看到的景色再现在读者眼前。
诗歌有抒情诗、叙事诗、说理诗之分，抒情诗往往情景交融，有景物形象，而说理诗特别是解读人生的哲理诗，哲理本来是一种抽象的东西，要通过具体形象的事物来表达，通过情来打动人。
因为诗歌是通过抒情来引起读者思想上的共鸣，诗人的感情是通过具体事物的感受来调动的，他必须把这具体事物的形象再现出来，才能让人知道他感情的由来，而且也让人有同感。
形象化使人有美的感受，也使人感到容易理解和接受。
苏轼的诗“不识庐山真面目，只缘身在此山中”是借一座山来说明抽象哲理的，以具体写出的诗除了具有形象美以外，本身是灵活的，意象玲珑，可从多角度作多面观，似乎涵义无穷。
中国的诗歌理论强调的意象既要有意，还要有象，通过形象来提示意义，形象可以说是诗歌的一个重要因素。
三、音乐美是诗歌的先天素质 汉朝的乐府是配乐演唱的，唐宋的词有曲牌，而诗是用来唱的，尽管它发展到后来诗与歌逐渐分离，有的已不能唱了，但音乐的本性依然保持不变。
诗歌是最早产生的艺术形式之一，它在最初的阶段是和音乐、舞蹈紧密结合在一起的。
在古代社会里，人们打猎回来，要祭祀，要庆祝，他们是围着篝火跳舞，敲着鼓，唱起歌。
皇宫里祭祀也是吟唱诗，青楼里的歌妓是歌唱诗。
可以说，音乐美是诗歌的一种先天的素质。
古今往来，在各类文学和艺术中，诗歌与音乐是最接近的艺术。
有人说它们是形影不离的伴侣，是孪生的姐妹。
在音乐中，我们会感到诗的因素，在诗歌中，我们会体验到音乐的特质。
例如，李清照《声声慢》的“寻寻觅觅，冷冷清清、凄凄惨惨戚戚”，徐志摩《再别康桥》的第一节：”轻轻的我走了，正如我轻轻的来； 轻轻的招手，作别西天的云彩“，都透露出形象的深沉婉曲的音乐效果。
诗歌的音乐美体现在节奏和押韵上。
一首歌是由节奏、乐谱构成的，失去了节奏，这首歌就像一杯水，没有起伏，更不能传达出它里面所表达的情感，节奏顿扬抑挫，铿锵有致，能从心理上引起读者的共鸣。
例如白居易的《琵琶行》里面描写琵琶声传情地表达琵琶女的寂寞、悲伤的情感，从而引发作者“同是天下沦落人，相逢何必曾相识”的感慨。
四、语言美是诗歌的跳动的音符 乐坛的指挥大师用魔杖般的手，调动着波澜起伏的音乐语言诉说流动的的思想和起伏的感情；绘画大师用激情和思考凝成的画笔，把红、橙、黄、绿等色墨调合成出神入化的绘画语言，表现着不同凡俗的艺术思考和美学趣味；而诗人则用生花妙笔，把平淡无奇的文字，组合成优美、生动准确而精练的诗歌语言，抒发满腔的激情。
诗歌没有小说散文那样的曲折离奇的故事情节，没有戏剧那样的尖锐的矛盾冲突，只有形象、精炼、富于色彩、音响、动感的语言，描绘一幅栩栩如生的艺术画卷，开拓出“柳暗花明”的艺术境界。
曹操的《短歌行》运用简洁凝练的语言勾勒出一幅广大壮阔的江山画卷，抒发他的胸怀大志的思想感情，李清照的《如梦令》“争渡，争渡，惊起一滩鸥鹭”展现了诗人醉酒归来的快乐画面。
古人云：“为人性僻耽佳句，语不惊人死不休”。
诗歌的语言之所以为美，是因为它的语言是经过提炼出来的，才能使诗歌闪烁光彩，才能打动读者内心深处的心弦，就像金钢石是从高温炉里脱颖而出。
言辞精炼是诗歌的表达手段，往往一句诗或几个字甚至一个字就能传神地把诗歌所表达的内容表现在读者面前。
贾岛的“鸟宿池边树，僧敲月下门”中的“敲”字使读者虽然是用眼阅读，却听到诗中传出敲门的声音；王安石的“春风又绿江南岸”的“绿”安形象地描绘了春天姑娘悄无声息地来到江南，给江南披上了绿衣裳的景象。
诗歌的语言除了精练之外，还运用各种的修辞手法来为诗歌锦上添花。
诗歌巧妙地运用拟人、物化、比喻、象征等手法来刻画生动的形象，牵引读者的思绪，使读者在“潜移默化之中得到诗的深沉思想、教益和美感熏陶。
舒婷的《祖国啊，我亲爱的祖国》这首诗里面把“我”物化成“破旧的老水车”、“熏黑的矿灯”、“干瘪的稻穗”、“失修的路基”、“淤滩的驳船”，含射出“十年浩劫”中的祖国是何等贫穷落后，以及作者隐藏其中的那种“痛苦的希望”悲哀的焦虑；李白的《望庐山瀑布》中的“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”，运用夸张的手法描绘祖国山河的壮阔；余光中的《乡悉》中把“乡悉”比喻成“邮票”、“船票”、“坟墓”、“海峡”，表达台湾几千万同胞思念祖国大陆、渴望祖国统一的强烈的心情。
诗歌的语言犹如一只无形的手，使诗的琴弦发出优美动人的音响，成为开启人们的心灵的钥匙。
五、朦胧美是诗歌的艺术外衣 在诗歌中，诗人情感的抒发并不是直接呼吁出来的，而是借助诗歌意象间接地暗示出来的，这就是诗歌的朦胧美。
诗歌的最大特点景在于它通过精练的语言表现出丰富的内涵，而又始终不露风骨，总是叫人寻味无穷，就像俄罗斯姑娘的脸上蒙一块面纱。
卞之琳的《断章》：“你站在桥上看风景，看风景人在楼上看你。
明月装饰了你的窗子，你装饰了别人的梦。
”当我读完这首诗的时候，百思不解，弄不懂作者想要表达什么内容，是传达爱情之意还是说明事物之间的联系哲理
诗人并没有说明他的意图，而是让我们自己去自由想像，去解读。
我们阅读一篇小说，不是单纯地去追求它的故事情节，而是去挖掘故事情节里面所蕴含的内容、思想。
我们读一首诗也一样，要用心去揣摩作者的心理，去揭穿诗里面所包含的内容。
海子的《面朝大海，春暧花开》表达作者去追求陶渊明式的世外桃源的生活。
法国诗人马拉美说，诗只有说到七分，其余三分让读者自己去领会。
六、意境美是诗歌艺术的境界 所谓意境是指作者的主观情意（意）和客观生活的物景（境）互相交融而成的艺术境界。
诗歌的意境美是作者巧妙地把意与境结合起来，而且是结合得天衣无缝，自然和谐，情景交融。
一首诗只有境没有意，犹如一个死寂的世界，只有意没有境，只是一个空洞的口号。
马致远《天净沙》的“枯藤老树昏鸦，小桥流水人家。
道西风瘦马，断肠人在天涯”中的“枯藤”、“老树”、“昏鸦”、“小桥”、“流水”、“人家”构成一幅秋风萧瑟，树叶飘落的寂寞凄凉的画面，再加上“断肠人”在他乡的思念之情，达成了一种意境相合的艺术境界。
诗的意境之美，或因果略情浓，或因情略景浓，景物引起了诗人的心动，诗人用心去感受景物，于是产生了诗意。
诗歌不仅是一种文学体裁，而且是一种精神食粮。
我们阅读诗歌，既可以了解诗歌所映射的内容，也可以感受作者内心的世界。
我们在读诗歌时也可以欣赏到它的艺术特征。
班级励志标语
与其临渊羡鱼，不如退而结网。
上帝助自助者。
莫找借口失败，只找理由成功。
世上没有绝望的处境，只有对处境绝望的人。
没有口水与汗水，就没有成功的泪水。
每一发奋努力的背后，必有加倍的赏赐。
如果你希望成功，以恒心为良友，以经验为参谋，以小心为兄弟，以希望为哨兵。
欲望以提升热忱，毅力以磨平高山。
自古成功在尝试。
一个人最大的破产是绝望，最大的资产是希望。
不要等待机会，而要创造机会。
苦想没盼头，苦干有奔头。
只有一条路不能选择——那就是放弃的路；只有一条路不能拒绝——那就是成长的路。
人性最可怜的就是：我们总是梦想着天边的一座奇妙的玫瑰园，而不去欣赏今天就开在我们窗口的玫瑰。
没有热忱，世间便无进步。
我成功因为我志在成功
再冷的石头，坐上三年也会暖。
平凡的脚步也可以走完伟大的行程。
你可以这样理解 impossible（不可能）——I’m possible （我是可能的）。
山不辞土，故能成其高；海不辞水，故能成其深
2012(第十六届)上海艺术博览会的主题是什么?
今年推出的“收藏艺术，点亮心灵”的主题口号，组织方希望以此达到两个宣传目的。
第一个目的：让艺术品投资者以一个正确的心态对待艺术品投资。
当近年来艺术品的升值幅度远远超过股票和房产时，大量投资资金开始蜂拥到艺术市场中来，大批开始热衷于艺术品投资的人士频繁地向上海艺术博览会、画廊主持或艺术市场专家咨询如何投资艺术品，如何避免投资风险…… 今年上海艺术博览会的主题口号则是温馨提醒艺术品投资者把投资的行为培养成收藏的行为，希望他们通过收藏的行为来提高自己对生活的感知力、想象力和解析力，相信自己的品位和审美的选择，用一颗单纯的心来选择那些能够感动自己的艺术品
而不仅仅是单一的跟随市场。
希望他们能在收藏的过程享受与志同道合者交流、切磋的乐趣，其实当收藏者发现不那么计较市场价格的跌落与自家藏品的关系时，那恰巧自己的“投资”是最稳定的，潜力是最大的。
能以有形的物质价格获得无形的心灵快乐，并且有可能突然增值，以此领悟到“真正出色的投资者是从收藏者做起，投资是深度的收藏，收藏是深度的欣赏”的超然境界。
第二个目的，则是希望能够引导具有经济实力的“年轻精英代”加入到收藏群体中来，使他们的志趣与生活方式得以丰富并完美，在艺术品收藏中得到人生的感悟与恩泽。
据上海艺博会宣传部门介绍，“年轻精英代”比他们父母或祖辈有更多机会接触艺术的教育与熏陶，而且他们在收藏艺术品方面会有与祖辈们截然不同的态度与侧重点，更喜欢倾向于自我的志趣与喜好。
这种动机与购买行为恰恰是一种成熟的表现，并且这也势必会影响整个艺术市场朝着更健康、合理的产业环境发
..都说的什么什么控...控是啥意思
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它的来源在哪
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“控”的出现，意味着情感共同体取代了价值共同体。
比如“爱国主义”是价值共同体，它意味着一种坚硬的隶属感，它是从集体主义衍生出来，带有阵营划分性和道德指认性。
但“中国控”是一种情感共同体，它代表着一种弹性的认可空间，它是一种天然的“癖”而不是规训的“爱”，“中国控”对“非中国控”没有审判力，只不过是物类的差异。
简单的说也就是非常喜欢什么东西就控叫做控什么 来源 当代艺术和新闻之间的共通性一直以来是讳莫如深的话题。
当代艺术和新闻都是对话媒介，都具有召唤性、社会性。
但是，它们的传递操作方式是迥异的。
当代艺术将自己社会功利目的深深地隐蔽起来，用审美的状态来含糊、不确定地包含这种社会目的。
而新闻则是敞露自己的社会功利目的，它的介入是确定的、去蔽的。
新闻号称是客观的，每个“新闻原教旨主义者”都表示新闻操作状态是零度情感，新闻具有叙述的清晰和所指的明确；而在当代艺术看来，它不仅是将主观感受上升到审美感受，更重要的是，它探讨这一过程中人们情感的发散性和能指的各种可能，用一个很狭窄的小路来引人如无限宽广的大道，用哲学家德里达的话说，“（艺术）以能指的解放，来获得无限可能性”。
而这种“追求”机制使得当代艺术探索“能指可能性”的同时，往往会变得失语，它排斥对自身的一种意义预设，并将对其进行意义整合和框架分类视为一种“自身的失败”，它希望保持不可言说的神秘主义情境，由此出发，却又获得更多的阐释和理解的可能。
尽管此前有一些理论分析家提出“新闻即艺术”的口号，但它们并没有清晰地触及当代艺术和新闻之间完整关系的界定。
《21世纪经济报道》用“艺术与新闻”展的初衷探讨两者之间的关系，通过艺术的介入和记录（对新闻的再记录），再现、重构和扩大新闻的意义。
很多人说，新闻是有“场域”的，当它发生，它即在场，无法忽略。
于是，对于新闻人来说，“态度共同体”（或者“情感共同体”）的重要性已经超越了一个国家强制规定的“价值共同体”，21世纪经济报道用艺术重建新闻场域、用艺术来记录新闻的“情感共同体”。
艺术产生的最初动力机制就是来自艺术家本人私人化的态度与情感，艺术品创造的过程就是一个由私人态度出发建立公共化话语空间的演化能力。
21世纪的第一个十年， 《21世纪经济报道》一直在，见证和关注重大的新闻事件。
这一次，《21世纪经济报道》将用当代艺术的形式，强化式的呈现这一认识，举办“控—艺术与新闻在世纪初，当代艺术展”。
选取十年里重大事件的关键词，表达《21世纪经济报道》对新世纪十年的观察、理解、建构以及展望，用当代艺术的形式来强化式的呈现这一认识。
同期举办“艺术与新闻”八小时论坛。
我在百科里面找的
为什么说人人都是艺术家
当代艺术成为一种新金术，当代艺术家则成为点金的现代巫师，他们艺术”从一式化的祭坛上拉下来，与日常生活、社会现实画上等号。
“艺术的边界”是个老问题，无论是在古希腊，还是春秋战国，“艺术”一词所包含的范围均极其广阔，如果说当时“艺术”有边界的话，那也是一种相当宽泛的指称。
作为现代社会兴起的结果之一，“艺术”有了相对明晰的界限，“学科化”赋予了它自身的边界，但与此同时，现代艺术的不断越界又将其概念的定义越推越广，现代艺术(当代艺术)正是在这种内部的矛盾角逐中不断向前发展。
从艺术史的角度看，很多在现代主义初期被扫地出门的对象又不断重新被收复，被追认，譬如新石器时代的打制石器、16世纪的波斯手工地毯，然而，这并不取决于该“物”是否具有“艺术属性”或“审美品质”，而是源于当代人的精神需要、当代话语叙事结构的变化，源于今天美术史理论的发展；从当代艺术的角度看，似乎没有任何东西不能“成为”艺术品，但却并不是任何东西都“是”艺术品，譬如，杜尚的自行车轮胎成为了艺术品，但阿姆斯特朗的赛车轮胎则不是艺术品。
就当代艺术理论的进展来看，“艺术”的本质已经丧失掉，取而代之的是对“艺术”的外部定义和描述，譬如乔治·狄基、阿瑟·丹托理论对“艺术”的界定，皆是如此。
“艺术”，尤其是“当代艺术”，成为一个容器，所谓“艺术世界”，只要愿意将某物放入艺术的容器，它就可能成为一件作品。
尽管“艺术”的客观事实被主观意愿所取代，但这并不代表它是任意的、没有前提条件的。
当代艺术有着自身的生产逻辑，很多种因素的共同作用造就了某物成为艺术品的后果。
H·G·布洛克曾做过一个形象的比较，他对四个不同阶段的浮木进行分析：河水中自然漂浮的木块、被人从岸边拾起的木块、被人带回家中按一定形式挂在墙上的木块、在博物馆展出的具有一定形式的木块。
这一系列不同状态清楚地揭示了某物由自然状态转变成艺术品的过程，而且，每一阶段都有新的因素参与进来，并直接作用于该浮木。
人(艺术家)的参与、一定的视觉形式、艺术界的“氛围”都是关键因素。
在艺术生产的现实中，过程或许更加曲折复杂，但基本方式并没有改变。
当代艺术成为一种新的炼金术，当代艺术家则成为点石成金的现代巫师，他们将“艺术”从一个仪式化的祭坛上拉下来，与日常生活、社会现实画上等号。
“挪用”、“日常化”、“事件化”等手段变成了他们手中的魔术棒。
在这些“跨界”的艺术现象背后，其目的并不仅仅止于戏谑和调侃本身。
在当代艺术，或更准确地说，在后现代艺术中，它们更进一步地改变了艺术作品的形态，企图以消灭艺术与生活的边界来造成现代主义美学和艺术的失语。
譬如装置艺术、过程艺术、行为艺术、偶发艺术等方式的逻辑起点是对博物馆等艺术体制和现代艺术审美自足的反叛，它的起源紧密联系着对极端化博物馆和收藏制度的反抗，企图以一种多样化、日常化、综合性的方式来实现对现代艺术的自我更新与超越。
当然，这种突破依然是一种“内部的革命”，所谓当代的艺术形态，正是在这样的逻辑基础上发展起来的，最终由一种反抗转变为共识性结果。
“人人都是艺术家”变成了一个观念艺术的口号，而非基于事实的描述。
因此，当代艺术尽管显示出多方面的“跨界”，但依然具有一定的限制，换言之，需要一定的外部条件来界定它。
当代艺术的边界问题是一个理论问题，也是一个实践问题，一旦理论对新的艺术形态划定了界限和标准，艺术自身内部必然会产生出挣脱“定义”和“制度”的行动，这构成了当代艺术不断进行自我更新的重要原动力和基本方式，正是在这种对立中，当代艺术使自己不断得以拓展。
(本文有删节)
