跪求 舞蹈黄河的赏析 真的很急
张羽军和姚勇二位编导当时是北京舞蹈学院青年舞团的青年演员，他们创作时的灵感是受到了音乐启发，非常注重一种情绪的渲染，并把它升华为中华民族拼搏奋进、自强不息的精神；以古典舞的动律、体态和组舞的形式对应这部钢琴协奏曲的乐章；使舞段与乐章之间自然衔接，从而构成时间流动过程中的空间质感；从形式上突破，采用淡化情节的创作手法，这不仅仅意味着在作品中主要不依靠情节线索和矛盾冲突的力量去塑造人物，更是在跳跃式的结构中充分发挥舞蹈的表现功能，而避免舞蹈陷入交代事件的过程。
作品着力于作品中人物的心理感受的揭示，表现战争中崇高人性的力量。
编导把黄河儿女复杂的斗争历史情节推至幕后，只通过前台人物的瞬间行为或感情片断呈现，在非连贯的时空中表现出了人物心态的流动。
在形式上，舞蹈语言仍充分保持古典舞的特征，但实现了两方面的突破，一方面从运动逻辑和审美标准上改变了以往肢体语言的阴柔阳刚对比鲜明的性别化，使男女舞者在形态上的特定语言走向中性化；另一方面，以中国古典舞的语言形式和身法韵律为基础，赋予动作新颖独特的个性化特征，使舞蹈的主题思想、人物心境和整体氛围相和谐，达到内外一致、贯穿始终的境界。
这也是两位年轻编导当时所编创该作品的初衷。
《黄河》中的第一乐章《黄河船夫曲》，以磅礴气势展开黄河上船夫与猛浪搏斗的情景。
第二乐章《黄河颂》，展现黄河与中原大地的河山壮丽景色。
第三乐章《黄河愤》，以《黄水谣》的曲调作骨干，中间插入《黄河怨》为材料，结构宏大、情绪而多变的场景揭示富有深度的民族精神。
第四乐章《保卫黄河》，乐曲最后出现《东方红》的主题音调，全剧在一个恢弘气势的胜利高潮下结束。
该作品以恢弘的场面和磅礴的气势，以独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等舞蹈形式在空间的大幅度流动，表现了生活在黄河两岸人民的勤劳、勇敢、智慧和不屈不挠的精神。
表现了在抗日战争中，中国人民的苦难与顽强的斗争。
他们同仇敌忾保卫黄河、保卫家园，赶走侵略者，显现出中华民族不可战胜的强悍力量。
舞蹈的开始部分，舞台上演员们形成一排排蜷缩低伏的群体造型，脊背拱起，似黄河船夫拉纤艰难前行。
几个依次挺身立起的身躯和他们的手臂似大河中激起的浪花。
在第一乐章中，男女集体舞表现了水波、船夫、大浪、表现了冲破激流、闯过险滩、登岸远眺的形象。
在第二乐章中，展开了双人舞的表演，他们用充满深情的肢体语言的诉说，一组组的生动的雕像，象征了黄河之水对黄河儿女的养育、精神的推动与鼓舞；象征了黄河儿女对母亲纯洁、神圣的感情；也象征了中华民族刚柔相济、宽厚博大的精神。
在第三乐章中，一组带着无限惊恐和承受深重苦难的女子四人舞和男子四人舞相继出现了，随后的群舞展示了生活在帝国主义列强压迫下，处于水深火热之中的中国人民的痛苦与煎熬及对光明的期盼!而双人舞的动作设计中也注入了新的冲动与渴望。
第四乐章“保卫黄河”的号角吹响后，一男子冲锋陷阵般指引大家凝聚在一起，无数双手臂伸向空中，以此为无声的誓言激发战斗的豪情。
男女演员铿锵有力的动作，三人舞、四人舞舞台调度的错落衔接，极力烘托出黄河儿女的誓师之态，也象征着怒吼的黄河之水奔涌势不可挡。
此时，演员接连出现许多古典舞高难度的技术技巧，像摆腿跳、吸撩腿越、拉腿蹦子、云门大卷、探海翻身、大射雁跳、踏步翻身、紫金冠跳接卧云等等，使整个舞蹈气氛达到了高潮。
大幅度的跳跃、急速的旋转，诸多强烈的舞蹈手段造成了强烈的感情宣泄。
最后，全体演员如泻闸狂涌的河水快速集结在舞台后区，随着“东方红”旋律的出现，天幕呈红色，场上场下人们的心血沸腾，为中华民族精神的深邃与伟大，为强大的民族精神具有的凝聚力感到由衷的自豪!尾声，演员们又回到开始时的低身向前的造型中，与前面开始的视觉形象遥相呼应，构成舞蹈整体感不丢失的效果。
该舞蹈编排以中国古典舞的动作语汇为主，体现了新时期学院派舞蹈创作风格。
舞台整体结构清晰、形象鲜明、流动感强，编导的巧妙之处在于写意般或虚实结合地推进作品内在情绪的逻辑发展。
从而使作品具有较好的历史感与文化感。
该作品被誉为是学院派中国古典舞的代表作之一，久演不衰
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如何赏析集体舞《黄河》
剧目分析在阐述的时候不能面面俱到，要拿出其中一点来论述，比如说《秦俑魂》，你不要把人物、主题、情节、灯光、音乐、舞台等都一一描述，你可以就它的特性和机械舞做一个比较，通过几个动作举例子，也可以就它的主题来进行描述，比如说秦朝勇士的剽悍、忠诚、不品质在舞蹈中有哪些动作体现；甚至还可以对单一的动作来进行展开描述；也可以就音乐中的鼓点和身体动作节奏之间的共通性来进行阐述。
总之，是要以点带面，这样的分析才有意义。
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（1）现实主义和浪漫主义现实主义，提倡客观地观察现实生活，按照生活的本来样式精确细腻地描写现实，真实地表现典型环境中的典型人物。
浪漫主义，善于抒发对理想的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽神奇的想象和夸张手法来塑造形象。
（2）意境：顾名思义，“意”就是情意，就是主观的思想感情；“境”就是境界，就是立体感的艺术图画。
在文学作品中，“意”不能赤裸裸地说出，需借物来表现；“境”不能是纯客观的物象，需由意所触发。
因此，所谓“意境”，可以说就是诗人的主观思想感情与诗中所描绘的生活图景有机融合而形成的一种耐人寻味的艺术境界。
意象是诗歌中浸染了作者感情的东西。
鉴赏时，必须先明确，作者是要通过意象来表达自己的内心感情的。
另外，还须明白我们传统的审美习惯，“望月怀远”“伤春悲秋”“见流水则思年华易逝”“梧桐细雨则凄楚悲凉”等等诸如此类的符合我国传统的审美特点。
意境是诗中意与境两个因素的和谐统一，是诗人表达的思想感情鉴赏时，领会意境是必要的，而领会意境又必须具备对意象审美特点的把握。
例如：张继《枫桥夜泊》月落乌啼霜满天，江枫渔火对愁眠；姑苏城外寒山寺，夜半钟声到客船。
这是一首诗，但也是一幅画。
这幅画的近处是“江枫”（二桥名，即江村桥、枫桥）的“渔火”和夜泊的客船，远处则是霜满和向“乌啼”（地名）那个方向落下去的残月，透过树丛还可隐隐约约的看到寺庙。
这是一幅多么美丽的“枫桥夜泊”图啊
诗人很善于设色，霜天是透明的，渔火是鲜艳的，二者遥相辉映。
近处的渔船和远处的山寺，又通过钟声联系起来。
这样，就使得远景和近景交织成章，联成一片，使得整个画面色泽浓艳，生机盎然。
除了色彩以外，还有声音，夜空的钟声，一声一声地传到客船，敲在旅客的心上。
这怎能不引起旅客无限的遐想和带着愁思进入梦境呢
这幅枫桥夜泊图的情调是孤寂的，但由于作者丰富、浓烈的设色和兴致盎然的景物描绘，并不引人进入“愁”境，反而能使人得到一种美感。
这首诗有情意，有境界。
我们读这首诗的时候，眼前会很自然地呈现出一幅情影交融、形神结合的立体图画，我们就象坐在电影院里看立体电影一样。
难怪这首诗很早就广泛流传，并且传到国外。
确实是一首难得的有意境的好诗啊!又如：王之涣《登鹳雀楼》白日依山尽，黄河入海流。
欲穷千里目，更上一层楼。
这首仅二十个字的短诗，其所以能够成为千古绝唱，一个重要原因也是因为它创造了一个完整的意境。
鹳雀楼在今山西省永济县（已被河水冲没），共三层，由于楼址的地势高，所以登楼远望，周围景物尽收眼底：远处是中条山，近处是滔滔奔流的黄河，极目远望，还可隐约地看到晋南和渭河两岸的奇景。
因此，鹳雀楼在唐代就成为登临的胜地了。
王之涣在《登鹳雀楼》一诗中，用粗线条勾画了落日、晚山、黄河、大海等景物，显示出登高远眺的特点。
同时通过“依”、“流”等几个动词使自然景物活了起来，赋予自然景物以活泼的生命和神态。
“依”字且得很好，勾画出了落日近山的奇异风光。
“流”字也用得很好，象是注入这幅图画的一条动脉，使读者看到了千里黄河归大海的壮丽景象，甚至使读者仿佛听到了滔滔黄河水的声响。
加上“白日”、“黄河”等不同色调的对比，使人们想象中的“山”、“河”也染上了不同的颜色。
诗的后两句，貌似说明一种哲理，实则显示出：如果要看到更广阔更奇丽的情景，那就得“更上一层楼”。
由于前两句作了很好的铺垫，所以后两句一点也不干枯，相反地与前面的景象衔接得很好，气脉一贯，浑然一体，构成了一幅新颖而又完整的登楼远眺图。
诗人主观的思想感情也表现得很好，仅从登高望远的情景，就可看出诗人的思想情绪是积极向上的情绪。
这首诗不仅可以使人们看到一幅登楼远眺的无限广阔的艺术图画，而且能够有力地激发人们“更上一层楼”的思想愿望，提高人们的精神境界。
再如：孟浩然和杜甫写的两首诗：八月湖水平，涵虚混太清。
气蒸云梦泽，波撼岳阳城。
欲济无舟楫，端居耻圣明。
坐观垂钓者，徒有羡鱼情。
————孟浩然《望洞庭湖赠张丞相》昔闻洞庭水，今上岳阳楼。
吴楚东南坼，乾坤日夜浮。
亲朋无一字，老病月孤舟。
戎马关山北，凭轩涕泗流。
————杜甫《登岳阳楼》这两首诗都是名篇，都达到了情影交融、形神结合。
从“境”来说，二者都是气魄宏大，把洞庭湖那种浩瀚的气势、雄浑的景象有力地显示出来了。
但就“意”来说，二都又颇有差异。
孟浩然所抒发的情，只是个人之情，只是想到“欲济无舟楫”——想当官无人推荐。
而杜甫所抒发的情，虽然也有个人之情，但主要的却是忧国之情，想的是“戎马关山北”——关山北的战事。
因此，孟浩然诗就显得“境”大“意”小，而杜甫诗却是“境”大、“意”也大，二者铢两悉称。
（3）抒情方式一切文艺作品都需要表现感情，诗尤其需要表现感情。
对于这一点我国古代作家、评论家普遍认识到了。
比如《毛诗序》的作者说：“诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。
情动于中而形于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故永歌之，永歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也。
”这就是有名的“诗言志”的主张。
这里所说的“志”就是“情”或“情意”。
例如：杜甫《蜀相》杜甫对诸葛亮十分景仰，他写了好几首专门颂扬诸葛亮的诗。
这首诗是公元760诗人初到成都时写的。
诗的前两句看来是写景，实际上抒发了诗人对诸葛亮的思慕之情。
第一句中的“寻”字，说明诗人不是为了游山玩水，而是怀着对诸葛亮的无限思慕之情特地来瞻仰武侯祠的。
三、四句看来是写景，实际上也是抒情。
其中的“自”字和“空”字用得极好，表明尽管祠堂的阶下碧绿的花草，树上有黄鹂叫，然而“人去楼空”，人不在了，自然景色也是自生自灭，没有人欣赏了。
五、六句概括了诸葛亮的一生，高度赞扬了诸葛亮的伟大功绩。
最后两句流露了诗人对诸葛亮的“出师未捷身先死”的极度惋惜和悲痛。
全诗感情深沉。
诗的结尾所说的“泪满襟”的“英雄”，首先是诗人自己。
正因为诗人自己对诸葛亮的景仰和怀念如此深切，感情如此真挚，所以，就使得诗的艺术形象饱含了高度的生命力和感染力，以致“出师未捷身先死，长使英雄泪满襟”成为千古绝唱。
又如：我们学过的王维的《渭城曲》这也是一首被人们交口称赞的名作。
诗的前两句，描写了送别友人的地点和景色，后两句劝他的朋友在分手前“更尽一怀酒”，因为分手后就见不到“故人”了。
这两句，语言是朴素的，然而它不仅出色地表达了诗人自己对友人的深情，也表达了人们离别时的一种普遍的心情。
难怪这首诗在当时就谱入乐府，成为有名的“阳关三叠”，在各处广泛传唱，在后世也不知引起了多少人的共鸣。
抒情的方式有：1、借景或借物抒情。
作者对景象或客观事物有所感触时，把自身所要抒发的感情、表达的思想寄托在此景此物中。
2000年春季高考。
2、寓情于景（物），情景交融。
这种方式将感情融汇在特定的自然景物或生活场景中，借对自然景物或场景的描摹来抒发感情。
3、直接抒情。
也称直抒胸臆。
古代诗歌中绝大多数是间接抒情。
2001年第8题（4）形象诗歌中的形象既指叙事诗中塑造的人物形象，也指抒情诗中的抒情主人公，更多的则是指诗歌中所描写的景或物。
（5）烘托诗歌塑造形象的手法很多，可以对形象直接描写，也可以间接描写，可以粗线条白描，也可以浓墨重彩，可以铺垫、衬托，也可以借助想象、联想来塑造形象。
衬托分为反衬和正衬。
正衬又称为烘托。
（6）用典（也是表现方法）古人常用典故在作品中或鲜明强烈，或含蓄曲折地表达自己的感情，增强作品的表现力和感 染力。
把握典故的思想，就需要了解作者的身世，熟悉典故的来历。
如辛弃疾的《永遇乐· 京口北固亭怀古》就用了5个典故(孙权、刘裕、宋文帝、佛狸、廉颇)。
这些典故就因为都是京口这地方的历史掌故，典故的思想和这首词的思想情紧密联系的，所以，辛弃疾来北固亭就很容易想起这些典故，并借用它们来表达自己的思想感情。
（7）表现方法诗歌的形象性与抒情性要借助各种艺术手法来表现。
了解一些常见的艺术手法，如烘托、虚实（有者为实，无者为虚；有据为实，假托为虚；客观为实，主观为虚……）、用典等，有助于披文入情。
其他如“比兴”“拟人”“夸张”“排比”“反复”等手法，都应了解，以便在鉴赏时得心应手。
（8）风格流派“风格”是指由于作者的生活经历、感情气质、艺术素养等各不相同，因而在创作中表现出各自独特的格调、气派和趣味，这就形成了作品的不同风格。
比如李白的清新飘逸洒脱，杜甫之诗沉郁顿挫，陶渊明之诗冲淡平和，王维之诗诗中有画，如苏轼、辛弃疾之词豪迈奔放，柳永、李清照之词婉约含蓄。
了解诗人的风格，有利于把握他们在诗中所要表达的思想感情。
同样写友情，李白说：“我寄愁心与明月，随风直到夜郎西。
”杜甫却说：“故凭锦水将双泪，好过瞿塘滟氵预 堆。
”欣赏两人的诗，要反复诵读，仔细体味它们风格的差异。
山水田园诗，边塞诗；婉约派，豪放派（9）语言特色（1）清新。
其特点是用语新颖，不落俗套。
（2）平淡，也称质朴。
其特点是选用确切的字眼直接陈述，或用白描，不加修饰，显得真切深刻，平易近人。
（3）绚丽。
其特点是有富丽的词藻、绚烂的文采，奇幻的情思。
（4）明快。
其特点是斩钉截铁，一语破的。
（5）含蓄。
其特点是意在言外，常常不是直接叙述，而是曲曲折折地倾诉，言此而意他，或引而不发，或欲说还休，让读者去体味。
（6）简洁。
就是干净利落，言简意赅。
欣赏诗歌，要注意诗歌作者的炼字、炼句，物象描写中的动与静，声与寂，情与理等方面的相互映衬、烘托，语序倒置的修辞色彩等。
诗歌是语言的艺术，对作品的语言表现力作具体的、深入的开掘，有助于准确把握作品的立意和思想感情倾向，进入作品美的意境。
又如王维之《山居秋暝》一诗中照、流、归、下等动词的妙用，这些动词或长或短的持续情，使我们似乎感观月光的倾泻不尽，清泉的长流不绝，浣女的由远而近，莲舟的由近而远。
舞蹈作品的观后感要具体的300字的大家帮帮忙。
急
谢谢
舞蹈《千手观音》 观后感 菩提树，参天立。
枝繁叶茂，云蒸霞蔚。
树畔，碧池盈盈，一茎含苞金色莲花，晶莹的珠泪滚动其上。
池水，倏地生了呼吸似，莲，也随之，片片，层层，叠叠，徐徐…… ——终于盛放。
——终于袒露娇容。
——终于，由一个瞬间始，于红尘，电光火石地掀动一场惊艳
那瞬间，注定了一个永久。
这惊艳，注定了永久的震撼。
好一个，千手观音。
灯光打开，音乐响起，聋哑姐妹们开始舞蹈了，她们默契地配合着，给观众带来了一只优美的舞蹈――千手观音。
她们的手一起一伏好像在对生命呼唤着，又好像在对生活拥抱着。
全场观众都站立起来大声呼喊着，但是她们却听不到，她们用眼神来说话，她们的手时而伸开，好像一朵耀眼的金花；时而合拢，好像害羞的含羞草。
她们真的配合得很默契，在她们听不到音乐的情况下，她们仍能同时伸出手来，而且速度极快。
全场掌声又一片。
啊，可怜的人哪，她们永远听不到观众的掌声。
在结尾时，她们分成三组合起好像一座金光四射的宝塔，这多么不可思议。
啊
场上掌声又是一片。
人们称它作：生命的力量。
很美…… 真的很美。
舞美，乐美，人儿美。
五分五十四秒的舞蹈作品，近乎于“美”的代名词。
伴随整个舞蹈，油然陡生、萦绕心头最为频繁的那一个词汇，——圣洁。
当灯火骤亮，钟鼓、乐音、人声哼鸣而起时，圣洁。
当领舞澄澈的双眸、祥和的笑意，相凝视时，圣洁。
当千手千眼，出其不意、捉摸不定、促不及防、五彩斑斓、千变万化的一浪又一浪时，圣洁。
金，中华民族辉煌的色泽，那么，这抹圣洁，是无愧辉煌的圣洁。
会忘记是在接受一支舞蹈作品的献演，仅仅既恍惚又的且确地知道：这是一件叫作“艺术”的事物，横桓人前，包裹侵占去整个儿身心，那么纯净，那么清明，那么遗世独立却又缱绻无限柔情与博爱，广播天地万物。
无知无觉中，衣袖浸湿…… 博爱，该是“千手观音”意象的其中一番寓意所在吧。
特殊的舞者，之所以能挥洒生命的活力、色彩于舞台，正正依仗着自爱及人间的博爱。
而当不特殊的观者，欣赏、赞美如今舞台上的他们时，自然亦可悟出欣悦，生出新一轮的博爱。
一轮，接一轮，健康地循环着，要直到永远。
——观音大士，千手千眼，不言，不语，不骄，不躁，无声，无息，无欲，无求。
她圣洁，她纯净，她的心白璧无瑕，她的胸怀海阔天高。
她以手为言，她以眼为语。
人呀，此生，是否有缘听得到、听得明她的言语：那真，那善，那美…… ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 《云南映象》观后感 《云南映象》是一部大型原声态歌舞表演，通过美妙的音乐、优美的舞蹈反映了云南地区人民对美好生活的向往，具有浓郁的地方特色。
《云南映象》主要内容有太阳、土地、家园、祭火、朝圣五个篇章。
讲述了云南人民对太阳的崇拜，对土地的向往和酷爱，对家园的眷恋，以及对火神的敬仰，朝圣虔诚的心理。
自力更生舞蹈语汇音乐、语言表现了云南人民的美好心情。
全剧结构严谨，一个篇章接着一个篇章，尾声《雀之灵》把观众带进了如诗如画如梦如幻的意境。
节目在淡淡的音乐中拉开序目，天地一片混沌，分不清哪里是天，哪里是地。
传说中的盘古出现在眼前，充满了激情，顿时开天辟地，崭新的世界映入眼帘，升起了红日，人们欢歌载舞，一副热闹的景象，令人心潮澎湃，配上混厚的话外音，东边亮了，西边亮了，彝族人民敲起澎湃的锣鼓，唱起幸福的歌谣，非常雄伟、壮观。
接着的一个篇章是土地，人们用歌舞，反映了人民热爱土地的心情，最有特色的是《月光》，各族少女穿上不同的服装载歌载舞，轻舞霓裳，给人带来美的享受。
表现人们对土地的眷恋。
最有特色的节目就是尾声《雀之灵》，给我留 下了深刻的印象。
傣族人民把象征爱情的孔雀称为太阳鸟，以此表达人民对火神的崇拜。
总之，一切都是精彩绝伦，独特的音乐，现代式的舞台，反映了民族的习俗，给我留下了不可磨灭的印象。
-------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 《雀之灵》观后感 惊艳，这就是我观看《雀之灵》之后的感受。
我从来没有想过，竟然有人可以把舞蹈跳到这种境界。
举手投足之间，看似孔雀“迎风挺立”、“跳跃旋转”、“展翅飞翔”，但它远远超过了形态模拟，而是舞者与“孔雀”的灵与肉的交融、呈现。
在温婉的音乐当中，杨丽萍渐渐出现。
她的长裙洁白胜雪，服顺地贴着。
远远地，仿佛就是一只只在仙境中出现的孔雀，高贵优雅的孔雀
看，这只高贵的孔雀，在高视阔步。
她时而侧身微颤，时而急速旋转，时而慢移轻挪，时而跳跃飞奔……她用柔嫩的腰肢，灵活的手指，轻盈的双脚，舞出神秘的境界。
我不得不说自己文笔粗糙，无法细致描绘出我所见到的高贵的美。
这里有一只孔雀， 把所有的情感在交织中凝聚，在凝聚中膨胀，在膨胀中爆发
旋转
翻飞
升华
舞蹈的光芒笼罩了整个舞台。
她似乎舞得更投入了，是那么的忘我，沉醉在舞蹈之中。
渐渐地，慢了，缓了，顿了，停了。
浓缩在光圈中，孔雀停止了华丽的舞蹈，静下来，立成了一尊高贵的孔雀雕像，却又真实地在我们眼前…… ------------------------------------------------------------------------------------ 这里还有两个
欣赏黄河大合唱
第一乐章：黄河船夫曲 .这是一首惊心动魄的合唱曲。
它以磅礴的气势、紧张的情绪、近似呼喊的音调，描绘了黄河船夫迎着惊涛骇浪顽强地驶向彼岸的动人画面。
音乐素材吸取了北方民歌和船夫号子的某些音调和节奏，经过独具匠心的艺术加工，提炼出了动作性很强、短促有力的主导动机。
这个动机贯穿全曲，经过发展、变化，使音乐具有坚毅、勇敢、奋进的特征。
在演唱上采用了领唱、合唱的形式，造成了一呼百应，锐不可挡的气势。
中间部分将此动机的节奏展宽，改为拍子，速度放慢，和声进行也很平稳； 着意刻画了英勇的船夫们战胜风浪，终于登上了彼岸的胜利心情和自豪感。
与前段的情绪上形成鲜明的对比，也为下段音乐的出现作了准备。
下一段音乐是在前段抒情性、平静的音乐之后展开的，它以雄健的气势、饱满的感情、斩钉截铁的力度和较快的速度把歌曲推向高潮，唱出了：紧接着，紧张的划船音调再次出现，并加进了喘气的声音，力度也逐渐减弱，给人以船夫们驾船破浪，冲向远方的联想。
这段尾声“象征着斗争的不断性”(冼星海语)，预示着经过艰苦的奋斗，一定会到达胜利彼岸的前景。
第二乐章：黄河颂 这是一首男中音独唱歌曲。
歌曲以热情、自豪、悲壮的感情，抒发了“站在高山之巅”鸟瞰黄河时，感慨万千的情怀。
全曲由三个乐段构成。
开始部分是一个音域宽广、气息深长、旋律线起伏较大的音乐主题。
它显示出黄河的雄伟，饱含着热烈赞颂的感情：然后，以流畅的旋律，近似喧叙的陈述方法进入了第一乐段，形象地为我们展现了浊浪滚滚的黄河，曲折宛转、奔腾不息、源远流长的自然风貌。
这段音乐的素材来自主题，是根据歌词的内容，用模仿、简缩、伸展等比较自由的手法发展的： 第二乐段以稍快的速度，更加亲切、热情的音调，讴歌了五千年古国文化的形成和发展，赞颂了我们伟大的民族精神和巨人般的不屈不挠、勇敢坚强的性格。
在这一乐段中“啊
黄河”出现了两次。
第一次是具有感叹、赞美的情绪； 音调挺拔激越，表达了自信、豪放的感情。
其中的小甩腔吸收了我国戏曲音乐中的表现手法，对感情的表达是细腻入微的。
通过两次“啊
黄河”的不同处理，把这段音乐很有层次地推向了高潮。
第三乐段曲调的节拍又回到了拍子。
速度稍慢，句与句的衔接很连贯。
这段音乐，以情景交融的手法，把浩浩荡荡的黄灌和具有黄河一样坚强性格的英雄儿女交织在一起，相互映衬，深刻生动地表达了对黄河和对祖国英雄儿女的赞颂这情。
展示出其不意们伟大民族像黄河一样，不畏强暴，不怕困难，永远向着胜利前进的形象。
第三乐章：黄河之水天上来 这是一首长诗，以三弦作伴奏朗诵。
它由远及近的叙述了历史上黄河泛滥给两岸人民带来的灾难；叙述了抗日战争时期，东方海盗日本侵略者在黄河两岸杀人放火、奸淫掳掠的惨景。
后段着重描绘了在中国共产党的领导下，全国人民动员起来，在黄河两岸，在万山丛中，在青纱帐里，游击战士、野战兵团星罗棋布，誓与日本侵略者决一死战的英雄气慨和必胜信念。
全诗洋溢着真切的情感、悲壮的气氛和凛凛正气。
气魄雄传，感人至深。
伴奏部分的曲调，具有波涛翻滚的形象，并蕴藏着《满江红》、《义勇军进行曲》的音主财，它既是诗的背景的描绘，也是根据诗的内容在情绪上的渲染和补充，可谓两相交映，相得益彰，形象地展现了抗日烽火遍地起的雄伟画面。
第四乐章黄水谣 这是一首女声齐唱《后改为女声二部合唱》歌曲。
它以今昔对比的手法，揭露、控诉了日本侵略者入侵华北以来所犯下的滔天罪行，记述了黄河两岸人民在日本侵略者的铁蹄下所遭受的深重灾难。
歌曲吸取了民谣的形式，经过独具匠心的艺术处理，使它成为一首新型的民谣体歌曲。
全曲由三个乐段构成。
第一乐段可以看成为两部分。
前部分具有徵调式的色彩，后半部分则有羽调式的色彩(前八小节),这两个不同色彩的段落是通过徵调式的属音和羽调式的下属音“2起着桥梁的作用。
最后十小节才使曲子调落在主音上。
这种曲调润色方法，在民歌中是屡见不鲜的：以上这段曲调，委婉、秀丽、优美、亲切，描绘了黄河两岸沃土千里，两岸人民世世代代在这块土地上劳动生息的和平生活景象。
紧接着由一个四小节的间奏，过渡到第二乐段。
第二乐段以缓慢的速度，低沉、悲愤的情绪，描绘了由敌寇的侵略、国土的沦丧，黄河两岸人民妻离子散、流离失所、挣扎在水深火热之中的惨景。
在乐段结束句中，作者巧妙地把悲愤、痛苦的情绪推到了新的高度，听来催人泪下，被看作为点睛之笔： 第三乐段可以看作是第一乐段的变化再现，更为徐缓的速度，如泣如诉的歌腔，使无限痛苦、悲愤的情绪更充分地表现出来，在人们心中引起强烈的感情共鸣。
在高音区模仿歌腔的尾奏，使人回味无穷。
第五乐章：河边对口曲 这首歌曲原为男声对唱，后改为男声二重唱及混声合唱。
这首歌曲的曲调是吸取山西民歌的音调写成的。
它以问答的形式，采用不同的调式对比，通过两位流亡在黄河边上的老乡共抒胸臆，反映了千百万流亡群众共同的悲惨遭遇，表现了他们决心拿起武器参加游击队与侵略者决一死战的情景。
歌曲为单乐段反复的分节歌形式。
旋律质朴、风趣，特别注重与歌词声韵的幅度，塑造了黄河勃然 结合，唱来亲切上口，乡土气息浓郁。
最后是乐段上句和下句相叠置的重唱和合唱，很有气势。
寓意流亡群众在奔腾叫啸的黄河的启示下，不再忧郁，拿定注意，奋然到太行山参加游击队，坚决打回老家去的决心。
合唱部分速度逐渐加快，使感情热烈豪放，犹如千百万群众绝处逢生，结伴同行，浩浩荡荡地踏上了伟大的民族革命战争的光明道路。
第六乐章黄河怨 这是一首女高音独唱歌曲。
音调悲愤缠绵，感情深沉强烈。
它通过沦陷区一个妇女的悲惨遭遇和痛不欲生的控诉，揭露了日本帝国主义的残暴，哭诉了我们民族的深重灾难，是用血和泪在唤起人们拿起武器，投入神圣的抗日救亡战争。
全曲由多乐段组成。
运用大小调交替的手法、多变的节奏很有层次地表达了一位受迫害受污辱的妇女极为痛苦和悲愤的情感。
曲调吸取了陕北民间哭腔的某些特点，委婉悲凉，痛切感人。
第一乐段尾部有所扩充，以徐缓的速度、级进为主的旋律、悠长的气息，表达了面对黄河滚滚波涛，痛苦泣诉的感情。
第二乐段节奏有所紧缩，五小节相同节奏型的短句，使控诉的感情步步加深，恨不得要把满腔悲愤一口气说完。
紧接着速度转慢，给人以肝胆皆裂的痛楚，表达了痛不欲生的强烈悲愤情绪。
第三乐段力度加强，把狂风、乌云、黄河的波涛和痛苦的心情紧紧交织在一起，使乐曲的情感进一步加深。
最后一段在节奏上基本重复了第二乐段的节奏型，音区有所提高。
并以渐强的力度、较快的速度，把歌曲推向了高潮，表达了“替我把这笔血债清还”的主题。
第七乐章保卫黄河 齐唱、轮唱。
是这部大型声乐作品的主题歌。
它以响亮的战斗口号，铿锵的节奏，振奋人心的旋律，刚毅、自信，充满力量的感情，形象地刻画了游击健儿端起土枪洋枪、挥动大刀长矛，在青纱帐里、万山丛中，为保卫黄河、保卫全中国而战斗的壮丽场景。
全曲采用了进行曲体裁、以短促有力的乐句，多分解和弦进行等方法，使歌曲明忆你观、雄伟、豪放、音乐形象分外鲜明，并具有浓厚的民族风格。
齐唱之后的二、三、四部分轮唱，此起彼伏，一浪高过一浪，恰似黄河的波涛，滚滚奔流，巧妙地隐喻了抗日力量由小到大、由弱到强，终于汇成了一支不可战胜的力量。
它将压倒一切敌人，显示了英雄民族的伟大气魄。
轮唱时“龙格龙格”的人声伴唱，听来变化无穷，情趣横生，增强了生动、活跃、乐观的气氛。
这首歌曲音域只有十度，是用六声音阶写成的。
曲调吸取了广东民间狮子舞的某些音调和民间打击乐的节奏特点，具有广泛的群众性，是抗日军民广为传播的一首歌曲。
第八乐章怒吼吧，黄河 混声合唱，是大合唱的终曲。
它是整个大合唱主题思想的高难度度概括，歌曲以主调和复调并用的手法、多变的节奏型、非常宽广的怒吼的形象。
它排山倒海，惊天动地，显示出整个中华民族的觉醒和巨大的车量，召唤着全中国人民为抗日战争的胜利，为新中国的破晓而战斗。
歌曲开始部分以主调的写法，逐渐展宽的域，将“怒吼吧，黄河”重复了三遍。
形成了极磅礴的气势，给人以紧迫感。
接着用复调的手法、多层次地声部节奏处理，描绘了汹涌澎湃的黄河后浪推前浪，象巨人般地发出了怒吼和狂啸，召唤着全中国人民起来战斗： 在气势磅礴的第二段音乐之后，经过四小节间奏的过渡，使曲调速度转入了慢板，以复调的手法，悠长深沉的音调，通过“啊”的感叹，把人们带到了痛苦的回忆中去。
接着女低音和男高音声部次第陈述了历史上我们民族的灾难，男低音和女高音声部也参加起来，交织成一段色彩丰富、感情真挚、哀声四起的悲歌。
仿佛神州大地到处都在呻吟，都在控诉。
这是一段绝妙的音乐，感人至深。
通过情绪的大幅度跌宕，和前段音乐形成鲜明对比，为下乐段高潮的出现作了准备，并为高度地概括整个大合唱作了精巧的安排，体现了作者形象思维和逻辑思维的巧妙结合，也是内容和形式高度统一的典范。
第三段音乐的情绪是突然转换的：速度转为稍快，和声以主调写法为主，描绘了松花江、黑龙江、珠江、扬子江一起在呼号，衬托出四万万民众团结起来，誓死保卫国土的浩浩荡荡的宏伟情景。
最后一段由无限感慨的“啊
黄河”为导句，引出以连续三个小节切分节奏为特点的第一个乐句。
曲调是级进上行，造成一种一往无前、锐不可挡的气势，令人振奋不已。
最后，作者把结束句重复了三、四遍，以递增的速度、多变的和声处理，造成具有排山倒海、雷霆万钧之力的高潮，使黄河战斗的警号声久久在人们的心头回荡，鼓舞着人们永远向着胜利前进
音乐欣赏策略的综述，并谈谈自己的感想
一、引言文字的尽头是音乐，那么音乐的尽头呢
假如你说音乐没有尽头，它无限延伸，延伸到每个人的耳中、指尖和心里，可这抽象的感受终究只限于个体之内。
而就在你每一次试图将自己对于音乐的感受传达给别人时，文字已然是音乐的延伸。
音乐就像通天塔留下的幻影，映照着通往天堂的路径，在这里语言不通的惩罚不再有效。
但我们终究是语言动物，唯有借助语言照亮这条路径，让更多人接近哪怕是幻象的天堂。
不同于学院内的研究型论文，音乐赏析和评论作为一种独特文体，面向更为广泛的社会大众，这就对其写作方法提出了诸多特殊要求。
少年时，正是这类文字激起了我对音乐的热爱，引导我进入作品的内部一探究竟。
那些文字浅显而不单薄、深厚而不晦涩，或许它们无力改变大局，却着实能够影响每一个相遇的灵魂。
借用野夫的话说，它们像一粒糖抛进大海，永远无法改变那深重的苦涩，但经过的鱼会知道那一丝稀有的甜蜜。
怀着这种美好的理想，我近年来尝试写作了一些音乐赏析和评论文章，时常感觉这类所谓“小文章”远非人们以为的那样可以顺手拈来，写作时有不自量力、才疏学浅之感。
适逢此次艺术学青年学者论坛提出“艺术品的观看与描述”议题，愿在此反思和总结点滴个人写作经验，进行若干写作方法论方面的探讨。
二、音乐赏析写作（一）切中感性直觉经验与文学、美术等艺术不同，音乐抽象存在于特定的时间与虚幻的空间中，必须通过表演展现给听众。
赏析文章作为创作者与听者之间的媒介，静静躺在那里。
此时，它既不能像广播电台那样边讲边放音乐，也不能像上课讲座那样以多媒体手段展现音乐的各个层面，能依靠的只有独立成章的文字。
而另一方面，这种相对静止的方式反倒方便了听者任意控制时间和思路，在自由安静的环境里悠然享受一份知音的乐趣。
因此，好的赏析文字应能够吸引读者停下来，随着一段文字反复品味一处音乐，以至于像歌德笔下的浮士德一样不禁发出感叹：“Stay,thou art so beautiful
”（请等一等，你真美啊）指挥家詹德（Benjamin Zander）在Ted讲座时曾说：“作为指挥我一声不出，但我要用我的力量让乐队成员充满力量。
如果我的队员们的眼睛没有闪光，我的存在是为了什么
”我也自问，如果我的读者眼睛没有闪光，那么我的存在为了什么
无论是导赏西方还是中国音乐，我们面对的大多是业已公认的经典杰作，它们的魅力已毋庸置疑，但对于当代中国听众来说，由时空距离等原因产生的陌生感普遍存在。
要想让读者被音乐打动，作为导赏者固然需要多方面的条件，但我认为必须要做到的一点，就是自己先要被音乐打动，并且在写作过程中时刻“入戏”。
时至今日，仍有不少音乐欣赏读物保持着上个世纪正襟危坐的姿态，流水账式的详细记述堪比科普读物，却丧失了艺术欣赏的审美核心：人的主观感受。
导赏文章既不是写论文，也不是编辞典，对于一般读者来说，深入浅出、优美灵活的文字更能吸引他们的兴趣，更何况现如今一部作品的一般信息通过网络搜索便唾手可得。
相比说教的介绍和干涩的分析，绝妙的比喻和通感更能直击人心。
韩锺恩教授曾受罗兰·巴特《写作的零度》启发，设问“作者是谁
写什么
给谁阅读
如何写作
为什么写作
之所以这样写作。
”进而自问自答“如何切中音乐感性直觉经验
回答：通过作品修辞及整体结构描写与纯粹感性表述。
”[1]给社会大众阅读的赏析文章，更需要切中自己和读者的音乐感性直觉经验。
此时，作品本体、结构特征与感性经验成为文字表述对象，写作者在逻辑清晰地阐述诸多要素时，无需回避自己的主观体验。
陶辛教授本学年为上海音乐学院研究生开设了艺术导赏课程，第一节课讲贝嘉的现代芭蕾舞剧《生命之舞》，随着陶辛教授的解读观看舞剧后，不少同学已是满脸泪水。
在开讲前他先为大家展示了两位舞蹈学专家发表在媒体上的导赏文章作为反例，文章通篇是对舞剧演出情况和人员编制的介绍，却丝毫不见作者对舞剧内涵的解读以及自身从中获得的体验，面对这部极具冲击力却不无抽象的舞剧，导赏作者若回避主观解读，等于悬置了自己存在的意义。
即便从一部舞剧的营销策略来看，精妙的内涵解读也远比炫耀大制作要吸引人。
主观的写法往往会导向散文式的柔美文风，尽管有学者认为这类文字显得娇柔做作，但我认为感性柔美本身没有错，关键是要在此基础上有深入的分析和观点，华美的辞藻若能恰合乐意，就不应指责其为浮夸之作。
涉及到历史的著述，必然会流露出作者的主观见解，只是流露的方式和强度各有不同罢了。
保罗·亨利·朗的巨著《西方文明中的音乐》之所以吸引人，很大程度上是由于他丝毫不避讳主观情感倾向。
例如他在“舒伯特”这一节的最后一段，将其对德奥古典传统挥之不去的情结倾吐的一览无余，却也因此感人肺腑：“这位音乐家的奇迹，我们当做一种自然而然的事物把它接受下来，我们还远远没能知道在他的艺术中我们究竟获得了什么。
从他遗留给我们的大量礼物中，我们甚至连歌曲的大部分还不甚了解，更不用说其他的作品了……这样的人给人间留下青春的化身，他们必然死于青春时期。
”[2]一部史书姑且可以这样写，又何必责怪以推广普及为目的的音乐散文“花里胡哨”呢
赏析写作者应尽力做到一方面对音乐内容的挖掘精准不离谱，另一方面在文字形式上淡雅不烂俗。
前者要求对音乐文化的把握和对音乐作品的洞察力，这对于受过严格训练的音乐院校师生来说不难做到；后者则要求一定的文字功力，这一点就因人而异了。
出众的音乐赏析在行文上不仅要求通顺明了，还应在妙语连珠中循循善诱，引人细读而后听之思之。
赏析文章时常需要借助大量形容词来描述音乐，独特的词汇能够传递最细腻的音乐感觉，如果翻来覆去用那些常见的形容词总会让人索然无味。
这种能力建立在广泛的文学阅读和随感的私人写作基础上，从中能够获得的不仅是遣词造句的功夫，还有细腻敏感的感知-表达能力。
我个人的经验是常读诗经和宋词，保持手写日记和书信的习惯，并将绝妙的词句整理成笔记，以备词穷之际诱发语感。
从这个层面上来看，女性往往具备比男性更加敏锐细致的感觉，例如田艺苗女士的这段写武满彻的文字：“漫长的停顿。
……。
长笛声在深深的呼吸之后传来，尺八的呼啸是寂静凝结出的碎片，弦乐加入，如天空中变幻不定的风云，然后旋律像水一样地流开，分散，缠绕……，在真实与梦幻中，武满彻似乎都只关心风景与季节的变化，他的题目叫做《11月的阶梯》、《雨中的树》、《雨中花园》、《水乐》、《树之曲》、《鸟儿降落到星形庭院》……，只是这样的‘风景’中没有描绘，没有赞叹惊喜，它存在于一个沉醉于冥想的澄澈清寂的心灵，俗世的风迎面吹来，心里的‘风景’清丽不变，可以确定武满彻的‘风景’与为人处世的态度有关，承载着生命、哲理、人生、夙愿的层层重量。
”[3]这段文字始于音乐的象形，终于武满彻的风景，彼此对照，确实靠谱。
实际上近十年来，国内关于音乐欣赏的文章一直呈现散文化的倾向，描述音乐作品的方式也愈加灵活多样。
特别是一些从事其它专业的音乐爱好者所写的文章，如文学专业的肖复兴、计算机专业的马慧元等，别具一格的文风与学院八股形成鲜明对比。
（二）引导结构聆听我曾将欣赏音乐的方式分为四种：感性聆听、理性分析、实践演奏、历史溯源。
这四种方式像四条林中路，从不同的方向通往林中空地上的小木屋，四条路的风景各不相同，木屋里的样子会随路径不同而显现如魔法般的变幻。
音乐作品就是这样一间魔法木屋，它看不见摸不着，却会因你经由的路径不同而展现出无数层次。
赏析文章就是要帮助听众走在理性分析和历史溯源这两条路上，而既然是理性分析，便与前文所要求感性描述相悖，如何协调好这二者的关系，是每一位写作者要面对的问题。
貌似无形的音乐是由各类要素按照一定的形式法则组织起来的，尤其是西方古典音乐在罗格斯主义（Logocentrism）的理性思维中，逐渐形成了一套以“有机统一”为最高法则的结构观念，如罗森(Charles Rosen)所言，内在聚合性在18世纪已经成为了判别一部作品是否成功的最终尺度[4]。
至晚从14世纪起经文歌通过运用等节奏技术（Isorhythm）保证乐曲的统一性，直到20世纪50年代整体序列主义全面控制音乐要素，如此根深蒂固的结构主义创作思维迫使听众必须理解作品的结构方式，才能更全面地体会到音乐的乐思旨趣，避免只闻其声未知其意。
释义学对于音乐作品意义的解读产生了重大影响。
狄泰尔（W.Ch.Dilthy）认为一部艺术作品被创造出来之后就是一个独立的客体，有待于人们回到作品产生的历史环境中去理解其内涵。
德国音乐学家克莱茨施玛尔（A.H.Kretzschmar）进一步阐明音乐解释的目的在于“通过作品的每个部分去揭示其思想的真正内核，阐明和解释作品的整体……释义学的任务就在于：将情感从乐音中抽取、推断出来，以文字的方式赋予音乐中的情感发展以结构框架。
很明显，看来这是一个贫乏的成果，一个皮影戏，但它事实上却是一个有价值的成就
因为鉴赏者通过乐音和乐音形式抽取、推断出的情感，将感官上的愉悦和形式工艺提高到精神活动的高度。
他保护了自己免于承受以那种纯肉体的、动物性的方式去接受音乐的危险和耻辱。
”[5]从贝多芬到勋伯格的德奥音乐创作思维迫使听众“结构聆听”（Structural listening），听者必须保持高度注意力跟随音乐动机的发展脉络，才能欣赏到作曲家巧妙的结构布局。
国内近年来运用释义学理论解读音乐作品的兴趣日渐浓烈，突出代表是杨燕迪教授对肖邦《第一即兴曲》所作的释义学分析与文化性解读。
他不满流水账式的乐曲解说和报告式的曲式分析，受伽达默尔“视域融合”理论的启发，试图探寻作品的内在奥秘，不仅分析乐谱并且紧随音响感受：“音乐的分析和解读如要直接面对音乐的实际鸣响，就需要尊重音乐实际时间维度，跟随音乐的时间展开，并且在文字语言的叙述、描写和分析中注意（甚至凸显）音乐实际音响给予我们的活生生冲击。
”[7]在解析《第一即兴曲》的过程中，杨燕迪教授从音乐的各个要素、主观情感反应、演奏处理、构思立意、历史意义等多维角度交叉映射，对肖邦这部不过四分钟的乐曲作出了极为透彻的深度解读。
对于音乐分析和音乐史学写作来说，这无疑是一个理想的范例。
而在面向音乐理论知识储备参差不齐的社会大众时，如此全方位、罗森式的深度解读又显得过于专业深奥了。
像《爱乐》这类杂志禁止在文章里放任何谱例，这对于学院内习惯的分析写作来说简直是不可想象的，起初让我非常不习惯。
然而，渐渐我发现这个规定会逼迫我站在一个“乐盲”读者的角度，思量什么样的文字是最直观、贴切的，如何描述能够让读者立即定位到音响特定位置。
除了按照时间顺序描述主要主题外，还要揪出最具特点的部位进行深度解读，为方便读者对照，在重要部位以括号的方式附注这里约在几分几秒以及第多少小节。
假如一部作品与当时的历史文化或作曲家生活有着密切联系，可以大胆尝试解析乐曲潜在的叙事性。
如我在《每个人都是浮士德——李斯特
这一天是圣烛节，也就是玛利亚带着出生40天的耶稣到耶路撒冷，被西蒙认出的日子（见《路加福音》）。
与此同时，李斯特着手创作一部讲述耶稣故事的清唱剧，此曲10年后才完成。
1854年，李斯特在两个月内写出交响曲《浮士德》，1857年修改完成。
可以说，这个时期的李斯特长久深入地思索着人生的终极问题……李斯特的《b小调奏鸣曲》可以被视为浮士德抗拒魔鬼的诱惑，在爱恨交织中归于崇高获得救赎的缩影。
主部有两个性格鲜明的主题动机，第一个主题与同时期创作的《浮士德交响曲》主题动机如出一辙，第二个主题则运用了与《第二号梅菲斯特圆舞曲》相同的主题音型，将这两个主题理解为浮士德和梅菲斯特合情合理。
而副部末尾的那个柔美主题可以被视为葛丽卿的幻影，它的音型由梅菲斯特主题变形而来，这恰好对应着原著中葛丽卿受控于梅菲斯特魔法之下的情节…… “神圣主题”和“葛丽卿主题”轮番再现，调性已按奏鸣曲式常规回到主调B大调，前文说过，B大调对于李斯特来说有着不一般的宗教归宿意味。
从b小调长途跋涉到B大调，这是李斯特的朝拜历程，也是世间所有升入天堂的浮士德曾走过的路。
两个美好的主题在这里行云流水一般洒脱，这是经历过沉重，才能体会到的轻盈：“世人不易拯救，沉湎于声色玩好；有谁凭着本身力量，挣断欲望的镣铐
”[8]再举拙文《终结乌托邦——肖斯塔科维奇<第四交响曲>赏析》为例。
肖斯塔科维奇写作《第四交响曲》时正遭受《真理报》的批判，作品对压抑情感的宣泄及对荒诞现实的表现令人触目惊心。
但这并不意味着乐曲放弃了形式逻辑，更不意味着我们可以停止思考任凭耳朵感受音流的冲击，恰恰是透过观察结构，能够触及到作品深层暗藏的秘密，揭示这部交响曲何以终结了交响传统的理想乌托邦：“古典交响曲代表着崇高的‘乌托邦’精神，再现部时副部调性服从至庄严的主部正是这种理想主义的体现。
而这部交响曲的主部以撒旦形象示人，这就为作品的‘终结乌托邦’奠定了基础。
最终我们听到，经过主题变形，副部从朴实的本质开始（呈示），逐渐异化（展开），最终与撒旦同流合污（再现）。
”[9]对于乐曲结构特点的深度剖析和解读，是最能凸显作者的价值之处。
文字优美只是吸引读者获得感性层面的享受，史料故事也可以由读者查找辞典获得，唯独个性的解读是对作品深层的延伸，也是读者从理智和精神层面与经典作品产生共鸣的途径。
（三）作曲家小传的写作问题《爱乐》杂志的古典音乐欣赏入门系列每期以一位作曲家为主题，围绕其某类体裁的作品展开导赏，这个套路基本体现了赏析文章的中心：作曲家和作品。
以作品为主题的写作方法上文已经提及，下面简要谈谈以作曲家为主题的写作问题。
介绍作曲家的文章具有很强的传记性。
此类写作需要事先查阅大量文献史料，以便在生平叙述中多角度挖掘闪光点。
而在作曲家生活细节上不必面面俱到、事事交待，但涉及史实务必多方对照、甄别准确，不能为了哗众取宠而传播子虚乌有的八卦逸闻。
在这一点上，钱仁康先生倾注毕生心血的大量赏析文章是绝佳的范本，他的每一篇赏析都建立在无数资料的基础上，但写出来的文字却丝毫不啰嗦。
“面对一首音乐作品，钱仁康先生往往以学术研究的态度来对待，在浩繁的资料堆里进行考析，寻找出精准的论据，确立别出机杼的视角立意，在撰写欣赏文字时，引经据典、行云流水，使听众在体会音乐美的同时也感受到文辞的潇洒。
”[10]由于主题选定的往往是著名作曲家，因此写作者需要在不大的篇幅内穿针引线出人物一生中最重要的事件，以及这些事件与创作之间的关系，并结合当时的文化事件做出富有新意的延伸。
这类写作的范例可举美国乐评家罗斯的经典著作《剩下的都是噪音——聆听20世纪》[11]，全书以散文式的文风介绍了20世纪西方音乐的代表人物，字里行间弥漫着浓郁的人文气息，大量借用文学经典关照音乐事件，读起来相当赏心悦目。
我个人倾向于在记述作曲家生平时，顺带对每一时期重要作品略作解读，此时介绍作品的目的主要是与生活状况相呼应，更何况对于作曲家来说，生活与创作本就是相互影响的。
在《为人们修建几座栖身之宅——格里格的音乐创作道路》一文中，我便采取了这种“且行且歌”的写法：“《抒情小品》第一卷几乎与格里格唯一的女儿同时诞生，不幸的是女儿出生第二年便夭折，乐曲却一直写到66首，从23岁写到51岁，那些时不时冒出的怀旧标题总能透漏出作曲家柔软的内心世界。
一首小小的咏叹调总有终止的时候，于是我们听到，《抒情小品》第十卷（Op.71）最后一首《回忆》（Remembrances）又响起了第一卷第一首《小咏叹调》的那个主题旋律。
一样的旋律还从bE大调开始，一样的终止音还是悬而未决，只是节拍从2\\\/4换成了3\\\/4，在浪漫的圆舞曲节奏上方，若是慢慢弹这个旋律像是老迈的蹒跚脚步，快一点弹却又像是淡然的潇洒舞步；另一个变化是主题经过了bE-＃D-bB-bE的调性转换，乐曲长度从而扩充了三倍，大概对于格里格来说，每一次转调都意味着他人生的一段经历吧。
流年似水，岁月如歌，一个男人的所有心思就隐藏在这条旋律的轮回中。
”[12]在对外国作曲家进行介绍时，赏析文章常常会面临一个尴尬，即参考文献引注问题。
由于部分音乐欣赏读物为避免学术化倾向，不允许作者详细引注（如《爱乐》），或由于作者在撰写普及性文章时忽视了学术规范问题，可能引起抄袭嫌疑。
最突出的案例算是某位教授的两本音乐欣赏专著，文字内容有质有量，却因多处引用他人研究成果未注明出处，被追究后发表致歉信。
面对这种情况，写作者可以争取与杂志协商保留引注文献，即便实在不能保留，自己保存的文章版本也应有完整的引注，以备不时之需。
三、音乐评论写作（一）主观的文风和立场音乐评论虽以评价音乐活动为最终目的，但作为独立成篇的文章，也可以像中国传统的诗品、词话那样，自身具有一定的审美意味。
评论写作者应当确立自己独特的文风，无论柔美或是犀利，都会在记录音乐事件或评判价值意义时增强不少说服力，给读者耳目一新之感。
米兰·昆德拉将自己的小说比作音乐，他曾说：“我小说中的每一部分都可以标上一种音乐标记：中速，急板，柔板，等等……让我们从这个角度来看《生活在别处》：第一部分：七十五页中有十一个章节；中速。
第二部分：三十七页中有十四个章节；小快板……”[13]杨燕迪教授在谈及为陈宏宽钢琴独奏音乐会而写的乐评时，也表示自己有意将文字结构与音乐时间相对应：为突出钢琴家演奏舒伯特奏鸣曲四个乐章的整体感，文字叙述有意不分段；在描述贝多芬奏鸣曲时每段字数多寡都与各乐章的时间长短相匹配。
他就此总结道：“我希望评论的文字不仅完成体验的记录和描述，而且还应是这种体验的深化和诠释。
由此评论成为被评论对象的某种平行物，从而享有独立的生命……由此看来，理想状态的评论写作就不仅仅是针对被评论的客体对象发表议论，而且还同时追求评论文本独立的行文美感与阅读价值，同时也藉此彰明评论者主体自身的审美立场与艺术理念。
”[14]针对音乐会的评论最能体现这一文体的独特性。
转瞬即逝的音响事件决定了作者需要在音乐厅内当场进行评判，特别是为报刊快评要求当天交稿、次日见报，其它艺术评论则不大会提出如此要求。
即便不是为报刊撰写快评，我也习惯当场用平板电脑（甚至手机）记下随感，音乐会结束后再做整理，因为那份置身音乐厅的临响[15]感受此时此地才能获得的。
如果不着急交稿，则回去后对照录音以揣摩细节以及对照乐谱仔细评判。
此外，音乐会现场的一些独特事件往往会为乐评提供关键线索，例如我在评论赵曦的《南国》时，就以音乐会开场前播放的背景音乐为切入点展开评价：“在《南国》首演的音乐会开场前，不知是有心还是无意，舞台音响播放了钢琴协奏曲《黄河》。
作为中国的第一部钢琴协奏曲，《黄河》成功地用一块红布把《东方红》裹进了钢琴协奏曲这一体裁中，这个主旋律样板羁绊着其后的一代代作曲家。
从刘敦南的《山林》，到杜鸣心的《献给鼓浪屿》，再到赵曦的《南国》，这几部作品在音乐语言上实现了与时代发展相一致的突破，可是，为何它们听起来又那么像
因为它们不过是新瓶装旧酒——新瓶是形式技法，旧酒是‘主旋律’。
”[16]音乐评论要求最大化的主观判断，每个人心中都有自己的标准，从自己的审美立场上进行的评价不存在对错之分。
可惜，若想将对一门抽象艺术以逻辑而有力的方式进行富于激情的评价是如此困难，我们经常见到学院出身的理论家力求客观公正的中庸论证，而作曲家或演奏家措辞强硬的观点往往形成“偏激的洞见”（著名的如李斯特、德彪西、斯特拉文斯基、勋伯格等作曲家的评论）。
波德莱尔曾说：“我真诚地相信，最好的批评是那种既有趣又有诗意的批评，而不是那种冷冰冰的代数式的批评，以解释一切为名，既没有恨，也没有爱，故意把所有感情的流露都剥夺净尽……有其存在理由的批评，应该是有所偏袒的，富于激情的，带有政治性的，也就是说，这种批评是根据一种排他性的观点作出的，而这种观点又能打开最广阔的视野。
”[17]显然，这一对批评本身的评判标准在今天依旧有效。
音乐评论的写作者首先是一个听众，本应带着自己的喜恶听音乐，而非堆砌一堆理论去靠近遥不可及的所谓客观评判，理论只是可以借助来表达观点的工具。
因此，写作者首先要对音乐保持高度的敏感，在行文中则要有条有理；其次要清楚自己所处的审美立场，什么都可以接受的中庸者是评论的先天障碍；最后要明白自己的观点必然会遭到处于不同立场者的反对，大家各抒己见才是面对艺术的正常反应。
我在短评《龚琳娜：恶搞路上越走越远》[18]中回顾了龚琳娜过去令人钦佩的专业素养和民歌理想之后，抨击了最近的《法海你不懂爱》和《爱上大笨蛋》等歌曲以及相关媒体。
发稿前编辑曾问我是否署笔名，我不解表达自己的审美观点何需如此避嫌
短评刊发前，《新民周刊》主编在其微博上预告了文章观点，立即引来两派针锋相对的激辩甚至谩骂，言语中可以看出对立源自两派所处的审美立场不同。
而我的立场就是推崇淳朴的民歌、排斥烂俗的口水歌，假如龚琳娜不再恶搞炒作回归本位，我也会对她赞不绝口。
音乐评论理应遵循“对事不对人”的原则，而评判标准就是自己的审美趣味。
（二）以分析和历史为基础无论在中国还是西方，只需与文学、美术乃至体育评论的热烈景象略作对照，音乐评论便相形见拙。
报刊上对于音乐事件的报道往往流于肤浅，而学院内对于音乐作品的分析还远不能被称为评论。
如克尔曼所说：“用新闻的眼光来表达的批评，总是使作者处于极其有限的空间和技术性论述的层次。
仅仅提及一个简单的迹象：在其他的艺术批评中，如诗歌批评中会引用部分诗句，美术批评中常利用展出的艺术作品的粗略的复制品，然而音乐批评却从未运用乐谱来说明演示，这样就使批评家几乎无法完成一项简单却又必要的事，那就是他的批评很难涉及细节。
”[19]然而，音乐评论要做到文本细读，必须依赖乐谱进行分析吗
如前文所述，《爱乐》杂志不准征引谱例的规定给惯于对着谱例分析的我们带来隔靴搔痒之恨，但它或许也能启发作者从另一个角度来解读音乐。
如今已不可能指望大众拥有熟读乐谱的能力，我们唯有依赖文字打通象牙塔内外的隔阂。
但分析又是必须要做的工作，只是要寻求一种合适的表达方式让大众明白潜藏于作品内部的密码，这也有利于改善那些精妙的分析躺在学术期刊上孤芳自赏的尴尬境地。
需要指出的是，为音乐评论而作的分析工作应当以探索作品的特点和新意为目的，往往集中关注某些片段的特定元素，这与一般分析论文“高、大、全”式的剖析有着本质上的不同。
面对严肃音乐作品，尤其是同时代人的新作时，未经分析而做出的评价很容易陷于表层，无论褒扬或贬低都显得武断。
克尔曼在1965年发表的《美国音乐学侧影》一文中抱怨分析学科画地为牢的同时，也指出了分析是音乐批评的重要基础：“如今人们仍旧认为总体上理论和分析就是终点，而非走向批评的一个台阶……分析似乎被自己的内在技法所占据了，太迷恋自身的“逻辑”，陷入迂腐的惯性中，以至不能以合适的美学表述面对艺术作品。
理论和分析并不等于批评，但它们是实现批评的重要手段。
它们代表着学院派音乐中积极力量……”[20]十五年后，这一状况仍未有概观，克尔曼再发长文《我们如何进入分析，如何跳出分析》，呼吁音乐分析走出理论温室连接大众，并认为分析不应仅以证明作品的有机统一为目的，而应与批评结合来面对多元并存的音乐：“作为一种独特的专业工艺，音乐分析没有能够连接艺术家和听众，也确实没有‘揭示艺术作品的美学本质’……分析中即便最好的部分也让读者难以接近。
它们提出迷人的数据，这无疑是重要的，但人们总感觉有什么关键的东西被遗忘了。
德奥器乐音乐杰作的有机统一准则，在我们评价其它音乐时不见得有那么重要。
那些音乐可能确实不够‘有机’，或者说其有机性或多或少具有一些下意识的琐碎特点。
此时它的美学价值必须用其它标准衡量。
批评能够解释、证明其它音乐传统吗
答案无疑是肯定的，近年来很多人在这方面已做出不少努力……重要的是找到一种分析方法，来对待那些并非以有机统一为美学标准的音乐。
”[21]
