德州博物馆500字作文
1.培根的读书方法培根认为，“读书的目的是为了认识事物原理。
·····为了寻找真理，启迪智慧”。
与此同时，他还告诫人们读书时应注意的三个方面。
第一，读书不宜太慢。
培根认为“读书太慢会弛惰”，因此，他希望人们读书应思想敏锐，注意力集中，不要过慢，这样容易生效。
第二，不要装模作样。
培根认为“为装潢而读书是欺人”。
第三，不要照搬书本。
培根认为“只按照书本办事是呆子”。
也就是我们通常所说的“书呆子”，他们最明显的特点是书上怎么说便怎么办，一点也不知变通或灵活使用。
既然如此，培根又提倡什么样的读书方法
究竟如何读书才算合理的呢
归纳起来，大约有三点。
第一，对于不同的书，可采取不同的阅读方法。
他认为“书籍好比食品，有些只须浅尝，有些可以吞咽。
只有少数需要仔细咀嚼，慢慢品味。
所以，有的书只要读其中一部分，有的书只须知其中梗概，而对于少数好书，则要通读，细读，反复读。
第二，对不同的书可作不同的选择。
由于古今中外的书浩如烟海，它们的类别和内容各不相同，在此情况下，培根认为可以根据自己的需要和知识结构加以适当选择。
在他看来，“读史使人明智，读诗使人聪慧，演算使人精密，哲理使人深刻，道德使人高尚，逻辑修辞使人善辩”。
第三，光读书求学问还不行，还得运用和实践。
培根是个非常聪明智慧得人，不单纯是个学者，还涉足政坛，参与政治，曾任英国女王得掌玺大臣，因此，他一直注意并强调书本知识得运用和书本知识与实践经验得结合。
他说：“学问虽能指引方向，但往往流于浅泛，必须依靠经验才能扎下根基。
” 为了使人进一步理解他所说的意思，他又将几种人的情况加以比较说：“狡诈者轻鄙学问，愚鲁者羡慕学问，聪明者则运用学问。
知识本身并没有告诉人怎样运用它，运用的智慧在于书本之外。
这是技艺，不体验就学不到。
2.歌德的读书方法第一，歌德认为知识和真理应当通过自己的努力学习和不懈追求而去获得。
他认为真理是应该通过学习、思考、探索和辛勤的劳动而去获得，如果上帝恩赐，唾手可得，那就没有多大意义。
第二，歌德主张对每一门学科都要专心去学，尽量学好它。
当时德国的一般学校里课程安排很多，有些设置不一定合理，歌德对此很有自己的看法，他提出了自己的学习主张：一个人不能骑两匹马，骑上这匹，就要去掉那匹。
聪明人会把凡是分散精力的要求置之度外，只专心致志地去学一门，学一门就要把它学好。
第三，歌德认为仅有书本知识不够，还需要实践和运用。
歌德不仅博览群书，谙熟音乐、绘画、雕塑等各门艺术，而且一向注意运用，关注到书本知识和实践知识地结合。
他曾说：“理论本身对它自己是没有用处的，但它却使我们相信各种现象之间的关联性。
”他又说：“因为我们对自己学习过的东西，归根到底，只有能在实践中运用得上的那一部分才记得住。
”实践和运用不仅能加强记忆，而且也能增强我们的判断能力。
第四，歌德主张向古代的经典学习。
歌德早年曾与席勒等人在文学上发动“狂飙运动”，为德国的浪漫主义代表作家，但是他还是希望人们要向古代的经典作家学习，并不因自己开启浪漫主义风气而抛弃古代经典。
在谈到当时德国戏剧时，他说：“我们要学习的不是同辈人和竞争对手，而是古代的伟大人物。
他们的作品从许多世纪以来一直得到一致的评价和尊敬。
一个资禀直正高超的人就应感觉到这种和古代伟大人物打交道的需要，而认识这种需要正是资禀高超的标志。
让我们学习莫里哀，让我们学习莎士比亚，但是首先要学习古希腊人，永远学习希腊人。
” 总之，歌德是个好学不倦的人。
正由于他的勤奋读书和刻苦探索，以及他人格的伟大，才使他集文学创作与科学研究于一身，成为德国历史上最伟大的人物之一。
3. 列夫·托尔斯泰的读书方法第一，善于总结和回顾自己的读书经历，并加以归纳。
1891年，六十余岁的托尔斯泰曾在给一位友人的一封信中开了一份书单，题为《对我产生了印象的书籍》。
在这份书单中他把过去各个年龄阶段所阅读的书籍分成“印象深”、“印象很深”、“印象极深”这样三个层次，这说明他还是很善于总结和回顾自己的读书经历的，这可以视为托尔斯泰第一个值得引起重视的读书方法。
第二，托尔斯泰认为读文学作品，一定要注意作者的性格。
他在1853年的日记中写道：“读书，尤其读纯文学的书——要把主要的注意力放在该作品中所表现的作者的性格上。
”既关心文学作品中的人物性格，更关注“文学作品中所表现的作者的性格”，这可以视为托尔斯泰第二个值得引起重视的读书方法。
第三，托尔斯泰喜欢朗读文学作品，并在诵读中感受或评判一篇文学作品的好坏。
托尔斯泰在休息、闲暇或与友人聊天的时候，经常会动情地朗读起他所喜欢的一些文学作品，并经常因朗读而感动地掉下眼泪。
有时候，他在朗读之后，还会加以评说。
象托尔斯泰这样喜欢朗读别人的作品，然后再加以评说的情况，在其他著名作家的身上并不多见，但这对于加深一篇文学作品情愫和内涵的理解，却有极大的好处，这不妨可视为托尔斯泰第三个值得引起重视的读书方法。
除了以上三点以外，托尔斯泰还有一些读书方法也应值得注意。
例如，他在阅读书籍之外，还经常喜欢与人谈论，交流思想和读书心得等等。
4. 列宁批注阅读法列宁酷爱读书，在紧张的革命斗争生活中，甚至在被捕、流放中仍然手不释卷。
他读书时很喜欢在书页的空白处随手写下内容丰富的评论、注释和心得体会。
有时还在书的封面上标出最值得注意的观点或材料。
一旦读到具有较高学术价值的著作，他还在书的扉页上或封面上写下书目索引，特别注明书中的好见解、好素材及具有代表性的错误论断的所在页码。
列宁把做批注视为一种创造性劳动，非常认真地加以对待，从不马虎草率。
他一般使用铅笔批注，很少用钢笔。
他写批注的过程，可以说是与书的作者探讨甚至激烈争论的过程。
每当读到精辟处，他就批上“非常重要”、“机智灵活”、“妙不可言”等，读到谬误处，就批上“废话!”、“莫名其妙!”等等，有的地方则干脆写上“哦，哦!”、“嗯，是吗?!”、“哈哈!”、“原来如此!”等等。
其读书入神之态，跃然纸上。
更有价值的是，列宁的重要著作《哲学笔记》就是在读哲学书籍时写的批注和笔记汇编而成的。
它被公认为马克思主义哲学的经典著作之一。
认真写批注，可以促使自己在读书时开动脑筋，认真钻研，把握书的主要内容，也可以督促自己动手笔录，记下某些感受、某个思想火花。
将来重温此书，还可进行比较，看看当初的认识是否正确，是一种有效的读书方法。
那么，列宁又是怎样提高阅读速度的呢
列宁读书的速度和理解的深度异常惊人。
有一次，一位老布尔什维克见列宁捧着—本很厚的外文书在快速翻阅，便问他要把一首诗背下来需要读多少遍，列宁回答说：只要读两遍就可以了。
列宁之所以具有如此强的记忆力，是与他读书过程中的专心致志分不开的。
他读起书来，对周围的一切就理会不到了。
有一次，他的几个姐妹恶作剧，用6把椅子在他身后搭了一个不稳定的三角塔，只要列宁一动，塔就会倾倒。
然而，正专心读书的列宁毫未察觉，纹丝不动。
直到半小时后，他读完了预定要读的一章书，才抬起头来，木塔轰然倒塌…… 这个故事说明，要想把书读透、记牢，必须高度集中注意力。
古人早就说过：“读书有三到：心到、眼到、口到。
心不在此，则眼看不仔细。
心眼既不专一，却只漫浪诵读，决不能记，记亦不能久也。
三到之中，心到最急。
心既到矣，眼、口有不到者乎
5. 恩格斯的读书方法恩格斯的读书方法之一是重视读原著，一般不轻易使用第二手、第三手材料。
1884年8月6日，德国社会民主党人格奥尔格·享利希·福尔马尔给恩格斯写了一封信，说有一位女士对社会主义感兴趣并打算研究社会科学，但不知进哪一所高等学校才好。
恩格斯复信道，这个问题很难回答，因为大学里每一门科学尤其是经济学被糟蹋得很厉害，关键是要自学，并掌握有效的自学方法。
恩格斯在信中说：“从真正古典的书籍学起，而不是从那些最要不得的德国经济学简述读物或这些读物的作者的讲稿学起”，“最主要的是，认真学习从重农学派到斯密和李嘉图及其学派的古典经济学，还有空想社会主义圣西门、傅立叶和欧文的著作，以及马克思著作，同时要不断的努力得出自己的见解。
”也就是说，要系统地读原著，因为“研究原著本身，不会让一些简述读物和别的第二手资料引入迷途。
”（《马克思恩格斯（资本论）书信集》）。
从其阅读过的书目来看，他虽然也读过大量的通俗小册子，报刊等，但花功夫最大，读得最多的还是那些经典原著。
他认为，系统读原著是从事研究的一种正确的读书方法。
这样，可以了解一个理论的产生、发展和完善的过程，不仅可以全面系统地掌握基本原理，而且可以掌握其发展过程，了解这一理论的全貌。
6. 马克思的读书方法第一，读书喜做摘要和笔记。
马克思读书，很有系统性，经常是带着目的有针对性地阅读。
每逢书中他自认为重要和有参考价值的地方，都加以摘要，并做笔记。
第二，坚持有规律性的读书生活。
马克思的一生虽然颠沛流离，在法国等许多国家流浪或暂寓，但他的读书生活一直没有间断。
自从1849年夏迁居伦敦后，马克思的经济陷入困境，家庭生活十分艰难。
但他依然坚持读书和科研工作，并在其中找到了“无穷的安慰”。
他当时每天早上9时准时来到大英博物馆阅览图书，直到晚上7时回家。
不管风吹雨打，春夏秋冬，每天都是如此。
连博物馆里的工作人员都认识他了，知道他的专座。
由于多年从不间断的阅读，以致他的座位底下出现了他双脚踩出的印痕。
第三，紧张的阅读和轻松的阅读有机结合。
马克思主要从事的是政治经济、哲学、政治学等方面的研究，他在这方面投入了大量的精力，孜孜不倦，数十年如一日，因而阅读任务也相当繁重和紧张。
由于马克思早年爱好文学，喜欢阅读文学作品，并曾做过当诗人的梦。
因而，每当他工作疲倦，在理性的书籍里徜徉过久而需要休息时，他便捧起一本诗集，或者是一部小说，走进另一世界，并以此来调剂和舒缓自己疲劳而又绷紧的大脑，取得了很好的效果。
第四，明确和妥善认识书籍阅读和自身创造之间的关系。
对于书籍，由于对个人的帮助不一样，所以每个人也都作出了不同的理解和评价。
如有些人把书视为自己的朋友，有的视为老师，有的视为精神食粮，有的视为智慧或快乐的来源，有的视为人类进步的阶梯。
也有的人把他作为自己的装饰品，附庸风雅。
但马克思却不一样。
虽然他早年也得到过书的启示，读过难以计数的书，可他却指着案桌上的书，对他的朋友说：“他们是我的奴隶，必须按我的意志为我服务。
” 这些话在有些人看来，或者会以为马克思有点狂傲，但在这里，至少可以说明三点：第一，马克思读书，既钻得进，又拔得出；第二，马克思把欧洲当时的所有经典著作大致上都读通了，他没有拜服其下，而是站在这些经典之上，又站在时代的高度以审视的眼光加以俯瞰，所以站得高，看得远；第三，马克思读书，已经达到了一个相当高的境界，否则是说不出这种话，难有这样的体会的。
当然，除了方法以外，马克思之所以能够成为一个时代的高峰，形成一个博大精深的思想体系，是与他终身刻苦勤奋的攻读以及勇于探索和创造的精神密不可分的。
他曾说：“在科学上是没有平坦的大道可走的，只有在崎岖攀登的小路上不畏劳苦的人，才有希望达到光辉的顶点。
”7. 伍尔芙夫人的读书法第一步是尽量敞开胸怀，来容纳作者给自己带来的无数印象；第二步是比较与判断。
第二步比第一步复杂得多、困难得多，必须经过广泛的阅读，有充分的理解力和很好的记忆力，才有可能进行生动有力的比较。
更难的是对作品作出确切的评价，指出它的失败与成功，哪一部分是它的优点，哪一部分是它的缺陷。
对这两个步骤，伍尔芙夫人形象地比喻为当“朋友”与当“法官”。
当“朋友”是为了解书的内容，获得印象。
但这仅仅完成了阅读过程的一半，就此止步是不行的。
要想从阅读中得到充分的收获，还必须作进一步思考和判断。
初步的印象有时并不可靠。
当人们拿一本书与别的书比较时，意味着态度已经有了变化，从前是作者的朋友，现在则想当一名法官。
我们同样也不能太严厉。
但有些读物是例外。
对那些伪书、劣书、坏书，对它们的审判必须严厉。
在评价一本书时，最好把它与同类著作中的最佳作品作比较，不仅能使之优劣分明，还能使那些优秀作品相得益彰，给我们留下更深的印象。
8.田中角荣的“撕书”读书法曾任过日本总理大臣的田中角荣，早年由于家境贫寒，上完高小以后就失去了系统学习的机会。
在半工半读的学习中，他十分注意读书方法。
为了锻炼自己的记忆力，他一页页地背诵《简明英和词典》、日文辞典《广辞林》，采用的办法就是一次撕下一页，记熟了就扔了。
这锻炼出他非凡的记忆力。
9. 高尔基读书法第一、坏书、好书都要读，在从阅读中区分好与坏。
高尔基由于早年生活困顿，四处流浪，总是拿到什么书就读什么书，包括人们人为不宜读的书。
通过对好书、坏书和各种书籍的广泛阅读，他感到“正派的书固然好，坏的魔道书也好，念得越多越好，要把所有的书都念过，才能找到好书。
”书是通过比较才能分出好坏的。
而且通过好、坏各种书籍的阅读，才能分辨出生活中的好与坏。
第二、读书要虚心，要抱着想他人学习的态度来读书。
他认为读书不能光凭自己的爱好，来追求某一流派和类别，而要对各种文学流派和思想学派都加以阅读和观察，本着学习的态度，吸取其中对自己有益的东西。
读书态度要认真、虚心。
第三、读过书再回复到生活中去检验。
他提倡一边重视读书，一边也要重视生活，并主张对读过的书最好再回复到生活中去检验一下，看看哪些是正确和有用的，哪些是错误和无用的。
这样读书，对书本知识或生活认识，都是大有益处的，才能收到良好的效果。
10.爱因斯坦的读书方法第一，勤奋刻苦的自学精神和自学习惯。
爱因斯坦后来的成功，与他从小就有的刻苦自学的习惯是分不开的。
11岁时，他就读完了一套通俗科学读物，并对科学开始发生兴趣。
12岁时，他又自学了欧几里得几何。
这两件事，对他以后得发展道路产生了极大的影响。
除此之外，他还阅读其他人的著作，并对哲学发生兴趣，13岁就开始读康德的书。
后来，他在《自述片段》中曾说：“我的那一点零散的有关知识主要是靠自学得来的。
” 第二，读书学习可以根据自己的情况和目标追求而有所舍弃。
爱因斯坦对自己曾有所描画，其中有一句说：“我是一个执意的而又有自知之明的年轻人。
” 他根据自身的特点、志向和兴趣，不求面面俱到、全面发展，而是毅然地舍弃和“刷掉了”学校里的许多课程，把精力和热忱集中在物理学的学习上。
结果不出所料，他在物理学方面果然取得了重大的成就。
事实证明：爱因斯坦的这一胆大舍弃和合理调整，以及所做的选择，完全是符合自己的实际情况的。
第三，读书学习之外，常与同学讨论。
早在爱因斯坦上中学的时候，他就与两个青年朋友经常在晚上一起学习和讨论各家哲学著作，谈论哲学和科学的各种问题。
即使到了大学读书，他仍有这个习惯，在苏黎世工业大学读书时，他与马尔塞耳·格罗斯曼建立了真正的友谊，这种友谊与它们共同的学习与志趣是分不开的。
后来，他的这位同学成为著名的大学数学教授和数学家，最后又帮他建立了广义相对论。
因为广义相对论中不仅有物理学的论断和解释，还牵涉到一些数学问题，这方面他解决不了，才请格罗斯曼来帮忙的。
由此可见，学习中的讨论交流不失为一种很好的学习方法，有时对双方都有好处。
第四，提倡深入理解，反对死记硬背。
爱因斯坦出生于德国西南部的古城乌耳姆一个犹太人的家庭。
当时的德国学校，教育纪律十分严格，盛行的又是一些死记硬背的读书方法。
爱因斯坦对此十分厌恶，他喜欢“自由行动和自我负责的教育”，学习中喜欢采用深入理解的方法。
他在回忆自己要考大学的那段生活时曾说自己：热衷于深入理解，但很少去背诵。
以后，即使到了大学读书，他仍坚持“深入理解”的学习方法，而决不去搞那些不必要的死记硬背。
参观历史博物馆有感 300字
今天，我们小记者要去历史博物馆，不妨你也跟着我一起去吧
我们一走进博物馆，一幅迷人的景象就呈现在我们的眼前：一块纱布里面站着一个巨人——他就是铜立人像。
它形态各异，而且还有两只长长的手臂，好像要抱你一样。
可见，它具有浓浓的民俗文化啊
接下来，我看到一个文物好像在金鸡独立，结果，我上前一看原来是铜人首鸟身像啊。
它像奥运云一样，一动不动地立在那里。
然后，我又看到了一颗巨大的牙齿，它会是谁的牙齿呢
原来，它是陆地上最大的动物——象的牙齿。
它巨大无比，呈土咖啡色。
突然，我的眼睛被一幅幅山水画吸引住了，然后，我就不知不觉地来到“画廊”，那里到处都是画，有的刻在木头上，还有的干脆把人的造型捏出来。
第一幅画是在木头上刻的，它的内容非常丰富，而且很精致。
可是，我感觉它非常像《清明上河图》。
你看，民俗文化又特别，又相像。
然后，我们又去了三楼，那里有爷爷所开过的车、用过的公文包等等。
在这里，我大开眼界，看到了改革开放初期1980年的电话，还看到以前竟然有两个镜头的照相机，真是应有尽有
可是，一个大大的家伙挡住了我的视线，我心想，这家伙，这么大，还有一个自行车一样的圆圈，真奇怪
原来，它是古代的电影设备啊
你看，古代的东西也很新奇哦
但是，时间过得飞快，我们该回去了。
我恋恋不舍地告别了历史博物馆，心思还在那有趣的博物馆。
如何在美术欣赏中培养幼儿的审美能力的开题报告
谈文艺复兴三杰及其各自艺术特色 作者 于彦伟 （聊城大学） 选修了外国美术史，感受到国外众多画家流派的风格，深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏。
要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。
而对文艺复兴三杰，他们各有所长，在不同的时候占据了不同的地位。
我查阅了各类资料，加上一些个人观点，有以下的一点看法。
说到文艺复兴时期，达芬奇起到了举足轻重的作用。
他思想深邃、博学多才。
比之文艺复兴时期中的任何一人，有更多的、领域更广的幻想。
他怀着永无休止的探索精神去研究自然和人生的一切奥秘，他把艺术和科学、理智和情感、形体和精神熔于一炉，继承和发扬了前人的人文主义思想和现实主义表现手法，把艺术推进到一个前所未有的高度，更可贵的是，为自然科学的发展也作出了巨大贡献。
可以说达·芬奇是文艺复兴时代最完美的代表人物。
而稍微年轻的米开朗琪罗可所谓是一位举世公认的巨匠。
他的雕塑不在于他的强健与巨人般的宏大，而在于它的灵感和神韵。
这是他的追随者永远也学不到的东西。
他，一位富裕的佛罗伦萨人，一个下层贵族中的一员。
却性情孤高，从不屈服任何压力。
唯有教皇世俗的权威和神圣的地位才能迫使他到西斯汀礼拜堂作画，在那里他可以登峰造极，创找出了有史以来最伟大的湿壁画。
他一向排斥画笔，曾以他激烈的誓言说他唯一的工具是凿子。
显得那么可怕，才会让人萧然起敬吧。
确实没有一个艺术家比米开朗琪罗更令人敬畏。
和谐、圆融、愉快、优美、温和是拉菲尔的真实写真，不仅画风如此，为人处事亦如此。
但是追逐”名利”的心加快了生命逝去的步伐，年轻的生命留给了世人永恒的作品。
这三位巨匠真是当之无愧的文艺复兴的精神领袖。
最早认识达芬奇的时候是在小学。
达芬奇画鸡蛋的故事可谓众人皆知，正是他那种坚强的意志，才造就了他以后的伟业。
正是刻苦的大量练习，才使得在他的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视。
这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平， 被誉为素描艺术的典范。
其特点是：观察入微，线条刚柔相济，尤善于利用疏密程度不同的斜线，表现光影的微妙变化， 他的每一件作品 都以素描作基础 。
《蒙娜丽莎》可谓是达芬奇的代表之作，而这一点在《蒙娜丽莎》 上表现得尤为突出。
其实，他笔下的这一使人难忘的微笑已不是具体的佐贡多夫人的表情了，而是一种具有抽象意义、普遍意义和典型意义的，是蒙娜丽莎所有的，是达·芬奇所有的，也是我们大家所共同拥有的人性特质的某种精微的东西。
可能，这就是《蒙娜丽莎》巨大魅力的所在。
达芬奇也许是智商最高的艺术家。
他的思维超越他的时代，他的发明改变了他的时代。
正是他艺术的创作加入了科学的思维。
才完成了当时常人难以完成的课题：1、解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；2、完成了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题；3、解决了当时绘画中两个重要领域--纪念性壁画和祭坛画的问题。
达芬奇的这些贡献不仅像镜子似的反映了他一生的成就，更深刻影响后来各派画家的思考创作。
为世界艺术宝库留下了珍品中的珍品。
比达芬奇年轻23岁的米开朗琪罗曾在著名画家古兰达约门下学习，但真正给他启示的是古代雕塑，他在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。
不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。
在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，在宏伟的背后蕴藏的灵感和神韵更是只可意会不可言传的。
雕塑《大卫》创作于他的早期，当时他还不到30岁，但他的艺术风格已趋于成熟。
我认为，大卫之所以成为不朽的作品，在于他把思想从石头中释放了出来。
以精湛的技巧、强烈的信心，与常人有惊人不同之处的雕凿出这尊完美的英雄巨像。
根据意大利15世纪两位最著名雕塑家多纳泰罗和委罗基俄曾创造过两件同名雕塑作品来看，他们不约而同地把大卫塑成少年，就像圣经故事讲的情形一样。
而米开朗琪罗的惊人之处，在于他摆脱了文字记述的束缚，根据自己的要求，把少年大卫塑造成一位发育成熟、体魄健美的英俊男子，一位如神的人，从而极具表现力地传达出他对人的信心、对新社会理想的热情。
更表现了他不受他人思想束缚，敢为人先的创作精神。
再我看来,拉菲尔的画永远都显的那么平易近人、亲切自然。
画若其人，传说拉菲尔为人温和，处事谨慎。
”他为我们创造了女性美的典范，以至这种典范到今天仍是后辈们难以企及的；只有一个拉斐尔，他使圣母真正回到了人间，成为我们理想中柔美的化身”。
高度赞扬了拉菲尔对塑造圣母形象的巨大贡献。
正是圣母画的成功，为拉斐尔带来了所需要的声誉。
26岁时，他被推荐给教皇朱诺二世。
并受到教皇的赞赏. 使他虚荣心得到了很大的满足.在大量的工作中，拉斐尔开始雇佣大量的助工和学徒，通常是自己完成主体，别人辅助完成。
人们发现了他的另一艺术天分--善于处理庞杂的大场面。
他的野心开始得到满足，教皇赐给他极高的权限，据说，每到一处都受到王者般的礼遇，他成为艺术界炙手可热的明星。
然而，拉斐尔仍旧不能忘记他的圣母。
1514年，他独自绘制了一生中最后一幅画作--《圣母与圣西斯德》。
天才总是命不长，年仅37岁的拉斐尔却倒下了，与其说他的才能与精力是被雪片似的定单、无休止的工作夺去的，不如说是他追求功利的野心毁灭了他。
但他的艺术贡献却代表了一个时代、一种模本的兴盛而成为后人学习的标准. 也许在他罗马圣贤祠上的墓志铭,更能概括他的一生: 这里安息着拉斐尔 他活着--大自然害怕被征服 而他死后 又担心自己死去. 短短几个周的学习,使我对美术知识认识还很有限,对画家及其他们作品的评价可能有点片面和不足.但是 ,完成外国美术史的选修后,再鉴赏外国画家的作品时,不再人云亦云,能够提到自己的观点.这或许就是选修外国美术史后最大的收获吧.
大学美术欣赏 心得体会
心得一：大学美术鉴赏心得体会中外美术鉴赏学习心得体会美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。
美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。
由于美学的复杂性，所以当时全世界对美的本质没有一个定论，而是众说纷纭。
其中美是生活说是东方关于美的本质的一种学说，认为美存在于现实生活中，生活才是美的本质。
美是理念说是西方关于美的本质的一种学说。
认为物质感性世界不存在美或美的属性，美与某种超现实存在的神秘的非物质性的精神实体紧密相联，由于这种精神实体的注入或显现，才使客观事物成为美的。
以前认为美术只是单纯的绘画作品，比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。
直到上了美术鉴赏课，才知道这只是狭隘的理解；绘画、雕塑、工艺、建筑、书法、篆刻、设计、新媒体和摄影等类型是现下的主流分类。
美术是一种富有内涵，表现形式多样，意义深刻悠远的艺术形式。
课堂上我也学到了很多知识，让我学会了如何真正的去欣赏一幅美术作品。
跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。
中国传统的美术，水墨特色明显，表现的淋漓尽致。
线条流畅，追求笔精墨妙的艺术效果，讲究骨法用笔。
这些都是对笔墨内涵的要求。
徐悲鸿的《八骏图》在技法上，他以中国的水墨为主要表现手段，又
对艺术欣赏的感受或文章
曾以“美是难的”来概括他对美本质问题的探索历程，今天如果我们谦逊一点的话，恐怕还是要说像艺术的本质这样的问题，也的确是难于探讨、难于定论的。
面对着关于艺术的纷繁说法，我首先要问：艺术，你到底是什么
在中开宗明义的说道：“艺术以另一种方式确凿无疑地成为艺术家和作品的本源”。
事实也的确如此，谈及艺术，我们必然要涉及到艺术家和艺术作品。
因此，从关于艺术的诸多混沌的阐释中，我选择从艺术家和艺术作品的角度试图来揭开艺术神秘的面纱。
纵观漫长的艺术史，不难发现，有一个严肃的命题是不可回避的：人与世界的关系，而这也恰恰是诠释艺术史的根基和主线。
无论是从高更那幅具有“终极设问”意味的画——《我们从哪里来
我们是什么
我们要到哪里去
》，还是从那幅具有拷问人生行动意义的中，我都顿觉有一种被穿透感，我强烈感到冥冥宇宙中有种千丝万缕的情结在撕扯着我的心。
艺术是什么
面对这个古老的命题，说：“艺术是自行置入作品中的真理”，艺术 “是对作品中真理的创造性保藏”，“艺术是人的创造和保藏。
”归根结底，从艺术创作本体上讲，艺术风格的形成实际上表现了一种人与世界的存在关系，风格的变化也预示着人与世界存在关系的变化，意味着人类一种感觉领域的消退和另一种感觉领域的打开。
艺术创造的本质在于艺术家通过艺术形式来把握世界，这种把握不是对世界的简单描摹，而是艺术家通过感性创造活动来对宇宙、历史及人生进行的深度阐释与意义重建。
艺术形式或艺术风格则是这种阐释或创造活动的感性显现。
正因为如此，通过艺术形式，我们不仅可以看到艺术家的与文化修养，还可以看到艺术家对于社会、政治及历史的认识和理解，看到艺术家对于宇宙、世界和人生的体验和感悟，甚至看到艺术家所处的整个时代的精神状况。
因此，关于艺术，我想说：人与世界的关系主宰一切
但是，有了诠释艺术史的这条主线，并不意味着我们就可以在艺术的海洋里轻松畅游。
在艺术世界里，空间和时间相互交错着，纷繁而复杂：地理上的暂时性组合在不停地改变着艺术的形式与功能;任何作品都带着奔腾流逝的时间，它既沉浸在亘古洪芜之内，又蕴含于最为遥远的未来之中。
就像，在多少个世纪之后仍然在拨动着人们的心弦，原始的绘画在被发现之时仍如同它起始时一样有着令人目眩的灿烂。
面对这般浩如星空的艺术世界，我们更加需要的是为艺术之长龙点睛。
这一在艺术世界中频繁出现的形象，被众多艺术大师所演绎。
但是，在、等不同大师的笔下，玛利亚却有着不同的面容和神质。
在有限的生命中我们不可能抓住这浩渺的诸多艺术形象，但是我们却可以更近一步，把握艺术理论的模型。
换言之，艺术现象的混乱为艺术理论的形成提供的不仅是素材，更是基础，虽然是艺术史，诠释的根基仍旧是理论。
因此可以说，理论的形成和构筑高于一切
因此，关于艺术，我要说：理论模型解决一切
让我们进行一次艺术星空中的撞击，来一次猛烈的头脑风暴吧
当然，我们并不能到此为止，停滞不前，那样是对于艺术的固化。
在建构了艺术的理论模型后，我们要继续向前，去追寻永恒，去寻求艺术世界中的终极结论。
在古希腊，按尼采的说法，艺术的使命就是来抵抗人生的悲剧性，让艺术赋予人生意义。
或许我们看过梵高的那幅经典的绘画《农靴》，事实上它之所以成为经典更多的是因为海德格尔的经典评述，我们从梵高的农鞋中看出的是“劳动步履的艰辛”，“回响着大地无声的召唤”、“馈赠”、“冬眠”，“浸透着对面包的稳靠性的无怨无艾的焦虑，以及那战胜了贫困的无言的喜悦，隐含着分娩阵痛时的哆嗦，死亡逼近时的战栗” 。
一句话，从对物或器具的描绘中看到的是人对物的诗意的联想。
在那双普通的“农靴”背后更多的是一种精神的传达，是绘画艺术价值的升华。
只有透过形式把握住精神的永恒不二，才能达到艺术世界的巅峰。
如果我们只是静止的在《农靴》面前欣赏，很难真正的理解到背后的精神传达，那双“农靴”是用来穿的，是助于我们行走的工具。
罗丹的雕塑《行走》使我切实领会到“人类是世界上最伟大的放荡者”（罗丹语）。
正如海德格尔所倡导的那样，我们不能丢掉自己的根――大地，只有不断行走，才能使自我真正的与大地融合，才能真正的揭示人与大地的关系本质。
对于艺术所传承的精神实质，我们需要的是在行走中把握，进行自己的“心灵冒险之旅”，在心灵的“放逐”中达到人与大地的融合。
因此，关于艺术，我必须说：让我们一起学会行走，践行艺术的终极结论，不断行走于广阔大地
对中国传统文化之书法的见解思想
中华神韵万古流芳－－浅谈中国传统文化：书法世界上，拥有书法艺术的民族屈指可数，其中，唯有中国书法，具有最悠久的历史，传播得最为广泛，同民族文化保持着最密切的关系。
中国书法源远流长，构成了中中国书法美学思想国书法审美意识自古至今的发展演变的历史轨迹。
书法风格与审美意识的发展代表着民族文化的表征，是时代审美风尚和审美趣味的体现。
一般来说，从史与论的节点上将中国书法美学思想发展分为8个部分，即汉人尚气、魏晋尚韵、南北朝尚神、隋唐尚法、宋人尚意、元人尚态、明人尚趣、清人尚朴。
这只不过是概括某个时代的书法审美思想的主潮，主要就其最集中、最具体特征的书法精神而言。
任何时代的书法美学思想都是丰富多元的，但是每个时代都有代表这个时代审美特征的理论思想。
书法，是中华民族的美术之魂。
书法美的表现,不外有实与虚两个方面。
实的方面是有形的。
它包括用笔、结构、章法等内容；虚的方面是无形的，包括神采、气韵、意境等内容。
两方面互相依存，相互为用，共同表现出书法作品的审美价值。
用笔、结构和章法，都是可见的形体。
用笔有迟急、起伏、曲折之分，笔锋有正侧、藏露之别，笔画形态有方有圆，还要讲求笔力与笔势；结构有奇正、疏密、违和等法理；章法有宾主、虚实、避就、气脉连贯和行列形式等表现方法。
三者之间既区别又相辅相成。
神采、气韵、意境，都是无形之物，他须要通过有形的用笔，结构与章法加以表现。
神采是书法艺术的灵魂，古人评论书法，早有神采为上，形质次之的说法，但同时又指出规矩既失，神则无存。
神采美只有通过形质美才能表现出来。
气韵是书法艺术的生命,是形与神之间的桥梁,是表达情性的介质.书法家掌握了熟练技巧,运气达于毫端,以气行笔,点画之间气脉相通,气韵和神采才表现出来。
意境也是书法艺术的内在美，包含意境、情调、风度、品格等内涵。
他与神采、气韵相比，更偏重于作者主观精神的表现，是更高层次的书法审美内容。
看中国的书法，奇峻峭拔，苍润清劲，一件好的书法作品，但觉气势豪迈，给人一种清劲洒脱、苍润奇伟的艺术感受。
“中国书法”，这一概念首先是指用墨题写在纸上的字，尽管中国书法史上的古典时期刻在石上的书作并不少于写在纸上或绢上的书作。
由于这个原因，有些人很难把甲骨和青铜器看成是书法作品。
中国书法，它指的是手工创作的一切象形文字符号。
也就是说，不管书写的具体材料和工具如何，也没有任何时代的限制。
因此，中国艺术学家实际上将一切碑刻文物都纳入这一概念，从殷代（公元前二OOO年中叶）的甲骨到周代的铜器从欧洲美学的观点来看，书法首先与纸上的题写有关，而与其它材料上的题写关系不大。
世界上，拥有书法艺术的民族屈指可数，其中，唯有中国书法，具有最悠久的历史，传播得最为广泛，同民族文化保持着最密切的关系。
书法，看似十分简易，仿佛凡会书写汉字的人都可以参与，能使用毛笔在宣纸上书写汉字，似乎就成了书法家。
其实不然。
书法作为一种艺术创作，是玄妙而艰深的。
写汉字容易，真的走进书法艺术境界的书法家并不是很多的。
书法，是在洁白的纸上，靠了毛笔运动的灵活多变和水墨的丰富性，留下斑斑迹相，在纸面上形成有意味的黑白构成，所以，书法是构成艺术；书家的笔是他手指的延伸，笔的疾厉、徐缓、飞动、顿挫，都受主观的驱使，成为他情感、情绪的发泄，那便是神采飞扬，飞龙走凤的要旨。
所以，书法也是一种表现性的艺术；书法能够通过作品把书家个人的生活感受、学识、修养、个性等悄悄地折射出来，所以，通常有“字如其人”、“书为心画”的说法；书法还可以用于题辞、书写牌匾，因此，也是一种实用性的艺术。
总之，书法，是具有更强的综合性艺术，是更倾向于表现主观精神的艺术。
书法和绘画则统领着中国美术的其他门类，而列为中国美术之首。
当把书法与绘画并提时，又将书法摆在绘画前面，称之为“书画”，如“书画同源”、“琴棋书画”、“书画缘”、“能书会画”等等。
书法与传统中国画的关系是十分密切的。
特别是在宋元文人画出现以后，绘画用笔讲究从书法中来，水墨写意与书法的行草意趣相通。
中国古代雕塑中也蕴含着书法的特征。
中国古代雕塑的纹理即是线的组合，造型的装饰性与书法中的篆隶保持着内在联系。
中国古代建筑从布局到主体的梁柱结构，循对称、均衡、主从关系等法则，园林建筑中的含蓄、借景，以及亭、台、楼、榭追求的空灵、飞动等都与书法的结体、章法和节奏、气韵密切相关。
至于工艺美术和民间美术，也不同程度地受到书法的影响。
书法可以视为中国美术之魂。
造型艺术，都以可视的形象因素所构成，形象因素的最小单元是“点”，“点”移动的轨迹为“线”，点与线的有机组合，构成书法，“线”移动的轨迹又形成“面”，点、线、面的有机组合，构成绘画，“面”移动的轨迹，形成体积，于是又构成雕塑、工艺美术品以及建筑等。
对美术的感悟与体会
欣赏与感悟 上了美术欣赏课，感受颇多。
美术欣赏我的视野由古、古罗马倏而转到了文艺复兴时的意大利。
古罗马、古希腊的宏伟的宫殿建筑、众多的雕刻作品，展现了这两个伟大时代曾经的辉煌。
文艺复兴冲破了中世纪的宗教束缚，出现了人才辈出的局面。
使我知道了中国的陶瓷艺术的源远流长，和陶瓷艺术对于世界的贡献。
通过中西方美术艺术的差异使我更加了解了中西方美术的不同之处和相同之处。
及增加了我对于祖国灿烂文化的自豪之情，也使我更加了解了西方的美术艺术。
美术欣赏课不仅仅是对于绘画艺术的欣赏，而且是对于雕刻、建筑、陶瓷艺术等等艺术中所体现出的美术艺术的欣赏。
我想上美术欣赏课给我的最深课的感受莫过于此了。
这使得我的眼界大开。
美术欣赏当然包罗万象：古今中外的，各个艺术流派的，不同方面的。
有古罗马、古希腊的最具特色的建筑、雕塑。
有文艺复兴时期各个艺术大师的杰作。
还有近现代的各种新兴的流派的介绍。
这些都是西方的艺术中的美术艺术的具体体现。
那么对于东方，尤其是中国，同样具有悠久历史的自然要数陶瓷艺术，还有独特的建筑风格。
更加不同于西方绘画艺术风格的是中国独有的山水画的艺术手法。
我在选修《中国水墨画基础》课的时候，老师就讲过中国的山水画很是不同于西方的绘画。
他还举了一个具体的例子，就是他有一个外国留学生跟他学习中国的山水画法，但是不管怎样这位外国的学生都画不出中国山水画的那种真正的味道，尽管他的画功很好。
从这个例子中，我想中国山水画是凝结了中国人民的特有的情节在里面的，所以外国的画家很难画出中国话的味道来。
当然，西方和东方的绘画艺术分别属于不同的画法，各有千秋。
因而我们应该相互学习，才能相互促进彼此的发展，而不能顽固守旧。
尤其在当代不断发展的世界里，加强彼此的交流学习更加显得重要。
中国画注重画山水等自然景物或者虫鱼鸟兽等动物，并且善于运用空气透视法，而且善于想象，这样可以使得绘画有远有近，画面有种旷远阔达的气象在里面，并且中国的画更加注重使内心的情感表达在画上。
而西方的绘画主要运用焦点透视的方法，表现的绘画作品多为描摹人物、事件为多，展现的空间不够开阔，所以常有种压抑的感觉。
看中国画多给人一种清新的感觉，善于运用留白的画法，而且多描摹大河高山等雄伟的景物，所以有种壮美之感。
而描摹的花鸟树木却给人一种伶俐轻快、聪慧灵性之感。
而观看西方的绘画则多为油画，色泽虽然浓重，但却看起来大多有种灰暗之感。
很少可以感受到空灵之感。
我想东西方的文化差异是导致这种差异的原因之一。
因为西方受宗教的影响深远，宗教气氛浓厚。
而中国则不太相信宗教，相反中国的儒、释、道教则更多的是关心人与自然的关系和谐与否的方面，因而束缚较少，所以中国的画更让人感觉一种轻快愉悦的感觉。
当然和作画的工具的运用也有很大关系。
西方用画笔，中国则是毛笔。
这种工具的差异自然导致了做出的画会有差异。
还有就是颜料的使用了。
中国画用墨先画好画，然后再经过一种工序叫做装裱，这样给画加上各种鲜亮的颜色。
使得中国的画可以保存很长的时间而完好，不退色。
但是西方就很是不同了，用画笔在画布上作画，颜料用化学颜料，画好后保存就很麻烦，比较容易褪色。
当然这些都是古代的一些做法了，现在西方的保存技术是大大的提高了，我们反而落后了。
现在当然是有很大的改变了，以前是东学西入，后来是西学东入，到现在东西方的交流是不断地加强，相互的影响。
所以绘画艺术也不断的相互的学习借鉴。
中国的建筑和西方的建筑最大的不同就在于中国的房屋时用木材制作的，而西方的建筑则是用石材制作的。
这和各自所处的地理环境有很大的关系。
中国古代处于长江黄河流域，土地肥沃，深林茂密，地势平坦，所以盛产优质木材，因而房屋多为木材制作。
而西方则多山地，山产石材，所以他们必然会以石材作为建筑的主要材料，另外这也是为什么西方的石雕雕刻雕像繁荣的原因之一。
我原先以为石材造的房子当然会比木头造的房子坚固的多，但是我的猜想是错的。
石材耐压但是韧性差，而好的木材不但耐压而且韧性很好，甚至比钢还要好。
这是我叹为观止。
而更加令我感到惊叹的是，中国房屋使用了斗拱的结构，这使得每个梁柱环环相扣，使得屋顶的巨大重量通过斗拱的精巧的结构而转移到支撑房屋的大柱子上去。
这就使得屋子的墙壁不用承担重量而仅仅是起到遮风挡雨的作用。
这俨然是现代钢筋混凝土构架的雏形。
而且这种斗拱的结构还有利于房屋的扩充，而不用费很大的功夫。
也就是说可以在原来的房屋上面通过梁柱来扩充，而不用推到重新来建。
而西方的石材不仅韧性不好，而且还要承担很大的重量。
并且可扩充性也不好。
当然它有一个优点就是可以加高。
中国的房屋却多是一层的。
中国常见的高层建筑恐怕要数塔了，然而塔的建筑形式去时舶来的，因为佛教的传入而传进来。
西方石材建筑的集大成恐怕是凡尔赛宫了。
中国的木材建筑的集大成当然非皇家的宫殿了。
中国的房屋建筑多主张对称美，建筑群往往有一条中轴线，而西方的的建筑则多曲线，典型的教堂大多有圆形的穹顶结构。
较之，我认为中国的木材建筑有种举重若轻的感觉，而感觉西方的石材建筑则多是一种凝重深沉。
另外中国房屋的顶部的铺设的瓦也是中国的特色了。
瓦的使用使得雨水可以轻易地留下来不易造成屋内漏水的情况。
现在随着城市化的进程的加快，瓦在中国可能很少再见到了，瓦因而成为中国文人用来表达自己的情感的常用的对象。
当然不仅仅是怀念瓦，大概可能是怀念中国古代灿烂的文明，在迈向新时代时发出的叹息吧。
谈到文艺复兴，我们自然会问那么文艺复兴为什么会发生呢。
也许我们不应该这么问，而应该问，文艺复兴为什么在当时发生，而且发生在意大利呢。
因为欧洲的思想受中世纪的宗教影响太深了，人们的思想受到了极大地束缚，人们想摆脱这种束缚追求自由是他们神圣的权利。
所以不管迟早，文艺复兴都会发生的。
这是毫无疑问的。
而之所以叫做文艺复兴，是因为在古希腊、古罗马的时代曾经有过辉煌的文艺、科技、思想的繁荣。
因而要打破中世纪的宗教神学的束缚，那自然是人想到的就是文艺复兴的提法了。
问题的关键在于为什么会发生在当时的意大利。
因为当时意大利的经济发展很快，新兴的阶级自然不愿继续收其他力量的阻碍，所以就会寻找新的思想来冲破旧的思想。
再加上许多的天才人物的出现所以便形成了当时十分繁荣的文艺复兴思潮。
文艺复兴带给欧洲人们新的思想，逐渐的使得人们从宗教繁重的思想中解脱出来，可以说为以后欧洲的发展起到了启蒙、促进的作用。
而在文艺复兴中崭露头角的天才人物，也给我们留下了很多的宝贵的知识和财富。
中国的制陶瓷的工艺可以追溯到商朝开始制造青铜，青铜虽然不是陶瓷，但是可以称得上是陶瓷工艺的原始阶段。
后来出现了黑陶，大约唐朝时候产生了瓷的工艺。
这是很大的进步。
瓷的出现弥补了陶的表面不光滑的缺陷，使得瓷的应用广泛的深入了人民的生活之中。
景德镇成为我国的制造瓷器的中心之一，饮誉海内外。
陶瓷甚至成为中国特有的一种陶瓷文化。
很多士大夫都参与陶瓷的制作。
这就使得中国的陶瓷技术当时遥遥领先与世界。
西方的国家通过丝绸之路、海上贸易等不惜重金来购买中国的陶瓷，把中国的陶瓷当做稀世珍宝对待。
几个世纪以来在西方形成瓷器热，经久不衰。
中国的瓷器上面可以绘画、可以有文字书法等等。
不仅仅是器物，更是一种人文的精神的表现。
当然随着瓷器制造技术被西方所掌握，陶瓷的制造的技术不再是秘密，但是中国的瓷器在世界上仍然具有很大的吸引力。
中西方的美术艺术有很大的不同，但是也有相同的的地方，那就是追求美。
我想中西方在不断的交流中会碰撞出更多的火花，促进彼此更好的发展。
当然我们也要把握好继承和发展的关系，不能抛却我们古代的灿烂的文化。
只有这样才能在和西方的交流融合中把握住前进的方向，永远有自己的归属。
我想美术欣赏课教诲我很多的东西。
这更多的是一种心灵的交流课。
注，楼主请根据自己情况更换人名，地名，等不妥之处
