简述审美能力总结的培养要素
据史料记载，佛教早在西元前六世纪，起源于印度，于东汉明帝时期传入中国，洛阳白马寺为中国第一座佛寺。
佛教因其有严密的教理、戒律、仪典和组织，能过适应社会各阶层的精神需求和思想寄托，在南北朝时代已遍地开花，果实累累。
佛教在印度时期与雕刻，画像类的美术已经存在很深的联系，特别是印度北部的犍陀罗式佛教造像艺术，受到希腊艺术的影响，是东西方艺术的结晶。
佛教传到中国后，很快与传统的书画艺术相结合，书法用于写经，绘画用于佛画。
并在这一过程中吸收印度的绘画技法，既推动了佛教的发展，又提升了书画艺术内涵，二相其美。
下面分以下几个时期对佛教书画的流变作一阐述。
魏晋南北朝是我国社会大动荡的时期，社会关系的急剧变化，使得上层建筑领域也产生了巨大变化，魏晋玄学的产生就是一例。
特别是佛教轮回出世的思想，道家清静无为的思想与魏晋玄学相结合，为社会许多阶层所接受。
书画家的艺术创作也同然，以描绘人物与故事为主的绘画，在内容与技法上受佛教影响较大。
佛教绘画成为这一时期绘画的重要内容。
如著名的佛画高手曹不兴根据康僧会带来的佛画仪范写之，其弟子卫协画七佛图；顾恺之尤其擅长佛画。
相传在年轻时的江宁（今江苏南京）瓦官寺所画维摩诘像，形象极为逼真，出现了以十万钱争先一睹的局面。
在技法上，张僧繇最早采用了印度佛画的表现方法。
用不同颜色同时上画的方式来表现凹凸的立体效果，并且把这种方法融入到中国传统技法之中，创造了新的表现方法，世人称为“张家样”；曹仲达（北朝）所画佛像的衣服几近于印度笈多王朝式样。
这些画风直接影响了隋唐五代、宋朝的佛教画家，如唐代的吴道子、周昉、宋代的高益等佛画高手。
但这些佛画家受佛教启发的多是绘画的表现题材，并未把受佛理启发而来的心得落实到具体的创作实践之中。
与绘画相反，在中国书画艺术史上，书法自我意识的觉醒要早于绘画。
应该说，魏晋一代开创的书风在中国书法史上达到了顶峰，后人都以“晋书”、“唐诗”、“宋词”、“元曲”、“明清小说”来说明中国历史上每个时代所代表的文化艺术特征。
魏晋在书法艺术上之所以有如此高的成就，就是与当时的玄学思潮有很大的关系。
比如，当时的书法家王羲之（307—365）家族与佛教的关系就很密切。
王羲之曾为印度来华佛僧达摩多罗舍宅建归宗寺，并与当时佛教“即色宗”的代表人物支遁（317—366）交往甚密，在其深受影响王曦之家族南迁捐宅为寺，以及唐代怀仁将其书法集为《大唐三藏圣教序》，均可反映出佛教对其书法影响和传承的关系。
北齐安道一书刻于泰山的《金刚经》被后世奉为榜书鼻祖；唐代孙过庭书写留传至今的《佛遗教经》；柳公权的《金刚经》及“玄秘塔”铭文；颜真卿的多宝塔铭文；欧阳旬的化度寺碑等，在成为历代后人传承书法的同时，也展示了佛教的影响。
至于怀素、苏轼、弘一、启功等虽是人所熟知的佛教信仰者，但若论历史上凡书法有所造诣者，信佛写经多为必修。
此外，王羲之的士世孙智永（南朝陈至隋间僧）就是一位参禅学佛的高僧，后人尊称他为“永禅师”，在书法上有“退笔成冢”之说，他的《真草千字文》就是历代学书之人的必习法帖。
因此，虽然当时玄学思潮对书法艺术的创作产生了很大影响，但是，佛教的印象也毋庸置疑。
其二、在理论上开始注意采用佛教的义理来解释书法、绘画艺术。
这一时期，书法理论方面出现了王羲之的《书论》、王僧虔（419—503）的《笔意赞》，施肩吾的《书品》等著作。
这些理论的共同特点乃是把表达书家主体的内在精神气质作为书法创作的最高准则。
这一点，与顾恺之在绘画理论方面最早提出的三篇论画文章中的“传神”和“迁想妙得”这两个概念，就已经注意到了画家主体精神对绘画创作成败的重要性。
而这两个概念就与佛教思想有很密切的关联。
此后，宗炳（375—443）在《画山水序》提出的“澄怀观道”在绘画史上首次从理论的角度对主体如何体悟山水之美作出了一些说明。
在其思维方式上能够找到佛教的痕迹。
在这一时期，还出现了很多僧人书画家。
其中最有影响力的有释支遁（418—366）,释康法识（生卒年不详），释安慧（生卒年不详）、释保志（418—514）、释洪偃（504—564）等。
因此这一时期的书法和绘画与佛教有了某种内在契合。
在经历了数百年的战乱兵火、分裂内战，中华大地又复归统一，进入了隋代。
隋王朝只历二帝，共三十八年，便在农民大起义冲击下土崩瓦解，但隋代在不少方面堪称唐之繁盛的前奏。
唐代书写了中国古代史上最为光辉灿烂的一页，盛唐更登上中国封建时代的巅峰。
从唐太宗李世民到唐玄宗李隆基，前后大约一百三十年，社会相对安定统一，国力强盛雄居当时世界之最，中外经济文化交流也十分频繁。
正是在这样的社会背景和时代氛围中，隋唐，尤其是唐代的佛教书画达到了中国佛教书画史上的鼎盛时期，在不少方面甚至超过了南北朝。
隋文帝杨坚夺取政权称帝的当年(581)，就下诏修复被北周武帝废弃的佛寺，新造佛像十万六千五百八十尊，修复原有佛像一百五十万八千九百四十余尊。
隋代二帝，均虔诚崇佛，于佛寺之外，又开佛窟、造佛像。
与此同时，寺庙、石窟壁画及榜书和佛寺碑记塔铭、石窟造像题记等佛教书法文字亦广泛流行。
仅《历代名画记》所录在隋代绘制过佛教壁画的知名画家就有展子虔、郑法士、董伯仁、杨契丹等数十人之多。
隋代复兴之后的佛教，声势不减北周武帝毁佛之前。
隋之绘画，仍然是以佛教和道教绘画为主要内容。
隋之佛画上承南北朝，而下启初唐延至盛唐，一脉相承，将中国佛教绘画推向新的高峰。
隋之士大夫画家几乎都擅佛画。
动乱甫定，成千上万的民间画工带着消灾祈福的宗教虔诚绘制大量浓丽庄严的工匠派寺窟佛画。
又有域外画僧如于阗的尉迟跋质那，天竺的昙摩拙叉等加盟并传来域外画风，使隋之佛教绘画多采多姿，相当壮观。
隋唐至五代，书法艺术以楷书为主流。
隋代以至唐初的书法，以东晋“二王”的书风为主，在这一时期的佛教书法中可以看出来，王羲之七世孙释智永的法书便是明显的例子。
隋之佛寺碑刻精湛美妙，以《龙藏寺碑》为其典型。
由于接受毁佛的教训，刻经也有发展。
北京房山大规模石刻佛经，便是肇始于隋代的。
隋唐五代是佛教宗派最多且广泛流行的一段时期。
书画家开始把禅意具体落实到山水画的创作中。
而最先尝试的就是被后人尊称为“文人画”鼻祖的王维（701—761）王维能诗善画，对佛教尤为崇信，是当时最先对慧能（638—713）一派顿悟禅法有所领悟的文人士大夫之一。
这为他把诗与画、禅结合在一起创造了有利条件。
他在诗里所描述的物象，就是一幅幅山水画，而用诗描述出来的山水意向，具有一种禅境。
他把禅宗“无我两忘”的超然境界、充分体现在他的山水画作品之中。
所画的雪景、栈道、捕鱼、村墟等景物就充满了高远淡薄的禅意，加上他晚年隐居辋川时所进行的水墨画试验，都说明了王维已有意识地把“禅意”、“禅趣”融入到山水画的创作之中。
因而，出现了一批以追求高远淡泊、表现主体情趣为主的画家。
王维首次把“禅思”、“禅趣”引入到绘画艺术对中国绘画发展起到了的积极作用，及唐代以后对中国绘画与佛教关系的发展起到了极其重要的作用。
唐高祖李渊受隋恭帝禅位，统一天下而唐兴。
太宗、高宗均崇祀佛教，时玄奘三藏西行归中土，携回大量经典佛像，开译场译经，率弟子共译出大小乘经论共七十五部，一千三百三十五卷。
又有义净三藏由海道赴印度求法，偕印僧日照等携梵本经、律、论约四百部回到洛阳，武后亲迎之。
玄宗时，有印度僧人善无畏三藏、金刚智三藏和不空三藏相继来华，被誉为“开元三大士”。
慧日三藏西行印度回国，为当时士人如王维、颜真卿等人敬重信服。
佛教至唐代在理论上已经中国化了，而且分成不同的教派。
唐朝政府甚至设有佛教管理机构。
于是建寺度僧、说法讲经，蔚为风气。
佛寺石窟壁画不可胜计。
《历代名画记》中《记两京外州寺观画壁》有上都(今陕西西安)寺观画壁一百四十余处，东都(今河南洛阳)寺观画壁二十处，均系名家手迹。
仅吴道子一人在长安(今陕西西安)、洛阳两地寺观就作壁画三百余间。
足见佛画之盛。
虽有晚唐武宗会昌毁佛之劫难，但宣宗李忱登基便大肆修复，佛教又兴。
石窟壁画仍是表现佛陀、菩萨像和经变，尤以净土变相为多，因唐代宣扬人死后往生阿弥陀佛西方净土(极乐世界)的净土宗流行，仅敦煌莫高窟一地，有唐代净土变相壁画百铺以上。
唐代不仅佛教壁画大兴而甚于南北朝，而且纸绢本佛画也数量多且技法更成熟。
载名于史籍的俗僧佛教画家如阎立本、尉迟乙僧、吴道子、卢楞伽等，灿若繁星。
中国佛教绘画至盛唐时已完成了除去摹仿痕迹，形成中华民族风格的演变过程。
唐代佛教绘画较之前代内容更为丰富，大多色彩更为绚丽，境界更为宏大而气势更为雄伟，盖与唐代社会之气象相应也。
同时唐时不少僧人不但积极从事佛画绘制，也作人物山水，钟爱书法，造诣修养颇高，并有释彦惊写出一部精彩的《后画录》留给后人隋唐五代的书画是“尚法”的最高时期。
一大批有名望的书法家都与佛僧有著很深的关系。
如颜真卿（709—785），怀素（725—785）就是代表人物。
颜真卿与佛教关系密切，其与佛僧的交往，求佛法，写经书礼佛，参禅悟道的行为，使其书法创作与理论在内在上已经深受佛教的影响。
可从其书法作品《麻姑仙坛论》中所表现的不计工拙，随形任运，以及《祭侄文稿》的那种不计法度，以表现自己感受为主的书风中得到印证。
同样，我们也可以从怀素著名的《自叙帖》中体会到禅宗超越的精神追求。
另外，虞世南的《笔髓论》、张怀瓘的《书断》以及唐代张璪提出的“外师造化、中得心源说。
从其内容看，佛教的影响是存在的。
此外，这一时期也出现了大批禅门书画家，入怀乍、齐己、大雅、高闲、亚栖、贯休、景云、辩光、楚龟、文楚等等。
尤以高闲、亚栖、贯休、辩光最具代表性。
在理论与创作实践上，都能身体力行地把书画艺术与禅悟有机地结合在一起。
为北宋的书画艺术与佛教的深度融合创造了良好的契机。
初唐释慧能提出顿悟的佛教主张，不但使他成为禅宗六祖和南宗创始人，而且使禅宗大盛。
中唐以后经过慧能弟子神会等人的提倡，又适应“安史之乱”以后社会民众的心理需要，并得到唐王室支持，南宗成为禅宗正统。
浑简犀利的禅宗哲学启迪了笔简形具、追求禅境的绘画创作，于是佛教绘画艺术中一个特殊的分支，也是中国绘画中特殊的一类——禅画产生了。
参禅的“诗佛”王维使禅心与画意一寄于萧疏清寂之“水墨渲淡”山水，便很受当时奉佛的文士和佛门中人赞赏，仿效者蜂起。
唐代，佛教书法同样得到了很大发展，达到了中国佛教书法的巅峰。
由于太宗崇佛，并且笃好书道，造成初唐书法包括佛教书法的隆盛。
太宗极力推重王羲之，奠立其“书圣”地位，搜求整理他的法书墨迹，并且下诏设立弘文馆传习书法，从而使得初唐佛书明显带有羲之父子书风痕迹，并出现了像《释怀仁集王羲之书圣教序》这样的集王佛书。
大量的译经写经同时也造成了佛书的大普及。
写经刻经、碑铭题记，遍布大江南北。
唐代在家、出家的知名书法家几乎都留下了佛书墨迹。
纸绢缣素难以久存，今日得见的大多是石刻、木版佛书。
此外，还有恒河沙数的佚名书法家，以及以抄写经书为业的经生或书手。
唐代“经生书”大量地被发现于敦煌和新疆、江南各地，其中不乏佳作。
唐代佛教书法的精华是在大普及基础之上的佛书金字塔尖。
由于国家统一，碑学和帖学混合，许多大书法家兼承南北，取长补短，贯通融汇。
例如褚遂良承二王，兼学《龙藏寺碑》等；颜真卿出于王羲之，亦出于《晖福寺碑》、《太公吕望碑》等，不拘泥于此，立志变革，创出新风；柳公权在学二王、颜鲁公同时瞩目北齐碑铭而形成自己骨力之书。
初唐之欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷，盛唐之颜真卿，晚唐之柳公权，僧人书家怀仁、怀素，无不有精美佛书传世，令今人赞叹不已。
唐代佛书仍以正楷为主流。
书画艺术的达情写意功能，北宋是中国书画艺术史上的一个转捩点。
可以说，元明清乃至现在的书画创作实践与理论的发展，一直深受北宋的影响，这与北宋时期佛教深入到中国文化的各个领域，特别是禅宗思想以及士大夫们的参禅研佛有著密切的联系。
从苏轼开始，还有黄庭坚、文同、米芾为代表。
他们不仅同佛僧们保持著密切的关系，而且还以“居士”的身份参加学佛参禅的活动，希望从禅思，禅趣中获得感悟。
例如，黄庭坚就直接把书法的最高意境与禅宗的闲澹无为，清虚空灵等同起来，指出参禅者可以领悟书法的意境。
米芾则把表现书家主体的“趣”作为对上乘之作的最高要求，这种观点在内在上与禅宗的“心性”论有著相通的一面。
并且宋代书法在中国书法史上被后人称为“尚意”时期，所指的“萧散简远”、“虚淡”、“飘逸”等书风。
在内在上与禅宗追求的淡泊高远的禅意有著极为密切的联系。
这一时期还出现了一批历史上著名的禅僧书画家，如被称为“南方山水画派”的代表人物之一的巨然，不仅是中国绘画史上一位非常重要的画家，而且也是中国佛教史上一位杰出的艺术大师。
又如宋初著名的诗画僧卜惠崇就长于小景山水画，他的画还得到过苏轼的赞赏。
而克勤（1063—1135），宗杲（1089—1163）是续隋唐智永、怀素、高闲之后，最为著名的宋代禅僧书法家。
此外，黄龙派的南和尚及其嫡嗣真净禅师，因笔法深稳而著称于禅林。
所以说，中国的书法与绘画发展史，北宋是一个极为重要和关键的时代。
就书法而言，帖学盛行、重视“学识”、崇尚“情趣”的书风。
这种书风的出现于当时帝王重视书法有很重要的关系。
例如，宋太宗曾遣使搜求历代帝王名臣的墨迹，命侍书摹刻于枣木板上，拓赐大臣。
因完刻于淳化三年（992），故称“淳化阁帖”，后来微宗又于大观三年（1109）重新摹勒上石。
此后，不论官方、私家、皆刻帖成风，形成了一种以崇尚“二王”书风，临摹尺牍和信札为主的“帖学”。
这种书风对于保存名人书迹、推动书法的发展起到了积极的作用。
比如，此后的元明清书法就形成了专门的帖学派。
同时，更为重要的是，书法的表现形式也发生了变化，由过去的碑板和墓志转为重视卷轴和尺牍、信札、题跋。
这些无意识的信手而为之作，真是随心所欲，尽情尽兴，书风轻快活拨，恣肆放达。
这一点，我们从当时被称为“宋四家”的苏轼、黄庭坚、米芾、蔡蘘的一些作品中可以得到印证，如苏轼的《黄州寒食诗帖》就是用手绢形式，以烂漫不羁、达情显趣取胜。
另外，自从唐代把“书法”作为一种专门的学科设立以来，书法除了“技艺”这一功能之外，又成了知识份子跻身仕途的一个阶梯，这使得书法的地位发生了根本性的变化。
进入宋代，人们对书法也就有了新的认识，出现了由唐代注重的“法度”转为“尚意”的审美倾向，强调了书写者“学识”的重要性。
也就是书法中所体现的“书卷气”。
这就是说，书法作品的优劣，除了从书法的“技法”来考察外。
更重要的是要把书作者本人的学识修养以及作品是否具有情趣作为欣赏书法作品的重要标准，比如黄庭坚就把书写者胸中的“道义”作为书法之“贵”的重要标准。
苏轼在他的书论里多有所涉。
由于重视书家的学识修养形成了以表现主体情趣为主的“尚意”书风。
由于元明两代的书法直接接受宋代的影响，故宋元明的书法大多书卷气重，思想哲理性强。
绘画方面，北宋初期就在宫廷内设立“翰林图画院”到徽宗时日趋完备，并将“画学”正式纳入科举考试之中。
考入后有一定的职称，可以穿于朝官一样的服饰（即绣有“绯紫”和“佩鱼”），可以支取钱粮。
此举既推动了绘画的发展，也提高了画家的地位。
“宫廷画”与以前绘画不同的是，创作用的已经从传统的“助教化，成人伦”转为注重绘画的理解有了根本性的变化。
同时，由于佛教的普泛化“众生皆有佛性”的观念深入到了各个阶层。
于是佛画失去了原先的神圣庄严性，进一步世俗化。
人物画在北宋亦有所发展，宫廷画院里就有一批写真名手，苏轼在《赠写御容妙善师》里的“妙善”就是一个为仁宗皇帝画“御容”的写真高手。
此外，北宋后期朝至南宋前期，出现了以描绘社会中下层日常生活为主题的风俗画，这一类画介于人物画与山水画之间，但表现的主题是人事活动而不是山水风光。
这是宋代人物画科中的一个新现象，如张择瑞（宋，生卒年不详）的《清明上河图》。
除此之外，表现形式也多为卷轴画，以灵活轻便取胜。
比较符合当时把绘画作为玩赏消遣的文人士大夫的口味。
文人绘画的发展，是北宋绘画的另外一个重要特点。
以苏轼、文同、黄庭坚、李公麟，米芾为代表，并以“士人画”作为他们这一派绘画的名称。
并认为“士人画”高于画院画工的创作。
强调作画要具有诗意，即所谓“画中有诗，诗中有画”，主张即兴创作，兴之所至取其意气所到，重在“传神”而不拘于物象的外在刻画，把表现主体的情趣作为绘画的最高准则。
喜欢用简淡的水墨色感，北宋中后期兴起文人画潮流，对此后中国绘画的发展产生了深远的影响。
北宋的“尚意”、“传神”、“情趣”正是禅宗思想在书法、绘画作品中的演义和写照。
宋代已开始呈现衰势的佛像菩萨图绘和写经刻经等，在元代曾得到一定的复兴，盖因元朝统治者制订了保护一切宗教的政策，尤其是密宗为帝王显贵所崇奉和倡导，而密宗又是仪轨复杂，讲究入教、供养、诵咒、弘法仪式的宗派，加上受汉文化影响的元朝君王渐渐钟爱翰墨，以及受异族统治的汉族文人士子格外追怀民族文化。
所有这些都促成了元代佛教书画一定的发展。
元是由蒙古族贵族建立的政权。
元世祖至元八年（1271）忽必烈定国号为元，至元十六年（1279）灭南宋，统一了全国。
元朝历八十年左右，社会矛盾、民族矛盾激化，在元末农民起义急风暴雨中土崩瓦解。
朱元璋取而代之，建立明朝，恢复了汉族政权。
明朝历二百七十六年，于明思宗崇祯十七年（1644）为李自成农民起义军所推翻。
东北的努尔哈赤统率女真族军队趁机入关，定都北京，逐步统一全国，建立了长达二个半世纪以上的清王朝。
在这社会变动的前后六百余年中，佛教及佛教艺术也发生了一系列重要变化，但总体规模、气势和艺术成就上，都进入了一个式微时期。
元代佛教绘画大多是密宗画。
虽有擅人物或山水等的文人亦作佛像、观音、罗汉、变相，并亦有精品，不过大多主要是以题材之变化求笔墨之意趣，情感表现性强而宗教象征性弱。
有佛画佳构惊世的赵孟頫等数人毕竟无力回天。
元代整体上已不见前代佛画有过的庄严辉煌，实际上显示出自宋代萌生的佛画衰运之趋势。
元代佛书呈复古（宗晋唐传统）态势和规整风格。
中国书法史上大家赵孟頫是元代书画，也是佛教书画之第一人。
此外，元代佛教书画也体现出以书入画、以画入书互相渗透融汇的特点，追求清空灵透、高雅绝尘的风韵与境界，实则是与禅境相通的。
元代是禅画的终结阶段。
到了明清时代，魏晋南北朝和隋唐那种金碧辉煌、壮阔宏大的佛教艺术和五代两宋那种禅机渗透、简淡悠远的禅画，统统成为历史过去了，连元代一时振兴的那种绚烂神秘而带恐怖感的密宗艺术也盛况难再。
佛教书画随着佛教的衰微而趋于没落。
但佛教毕竟已经融进中国文化。
明代时，明太祖朱元璋少时尝在皇觉寺为僧，取得政权后又选高僧使侍诸王和招徕外国僧人，授以封号、官位。
明中叶武宗朱厚照亦崇佛通经，自号“大庆法王”，倡导佛教。
这样，明代佛教还有一定声势。
但佛教书画仍无大起色，在书画艺术中只列次要地位。
明代绘画以山水花鸟为主，“至于神像及地狱变相等图，则百无一矣”（明谢肇淛《五杂俎》）。
明以及清代的文人士子书画并重，在书家、画家作品中，在画家书法和书家绘画当中，都有一些佛教题材作品，但与其说主要是为了传经弘法，不如说更重在抒发性灵和追求笔情墨趣，从而也更具个性风格特征。
这些绘画纵然有少数亦注重禅机悟境的蕴藉，但不少却是只承前代禅画的疏简清淡形式而不求禅意禅境，不过作者的宗教感情却是或多或少存在的，一些文人佛画也纳入宗教膜拜体系。
有明代的佛书大多体现帖学书风，亦学晋宗唐，本身尚秀媚可观，少数佛书还自有风神，但毕竟在总体上缺乏气势力度，亦少有新的发展。
到明代中期文徵明等人振作书风，也传下了精美的写经等佛教书法。
明末董其昌以禅学论书学，又以禅家分宗为比喻，划分历代山水画家为南北两派，这些理论对清代影响很大。
清代之佛教绘画随着佛教继续明代之衰势，且更为萎靡不振。
道释画在清代画坛几乎没有独立的地位，虽有山水、花鸟、人物画家间或图写佛像、观音、罗汉、鬼神，多少带有宗教的虔诚，也主要是当作抒情达性的工具，未必都纳入宗教膜拜体系。
以佛画名世者惟丁观鹏等几人而已。
民间佛画形式多样，因时代去今未远，仍有不少留存，看来较为热闹。
明、清佛教图像中尤多罗汉，流传着取自中国人形相的《五百罗汉图》。
佛画不盛，然而需要指出的是，清代绘画以山水、花鸟最为发达，却是与许多禅门高僧画家的贡献分不开的。
“清初四僧”弘仁、髡残、八大山人、原济的禅意山水、花鸟，强调“陶咏乎我”和“借古开今”，别具一格，匠心独运，影响了清代画坛。
清代书法略有振兴，得力于清朝初、中期几代皇帝（世祖福临、圣祖玄烨、高宗弘历）为了政治和艺术的原因而钟情华夏翰墨，临帖挥毫，倡导书艺。
继明代之后至清宣宗道光（1821-1850）之前，崇尚魏晋以下钟（繇）、王（羲之）、颜（真卿）等书风体系的帖学非常流行。
道光前后书坛开始出现变革。
金石考据学的发达和乾隆嘉庆（1736-1821）间北朝和隋代碑志铭记的大批出土，使守成太久的帖学盛极而衰，有创意的书法家受撰写《南北书派论》、《北碑南帖论》的阮元及其同道的影响，使书风从纤弱走向遒劲，开始走出自己的路。
清代佛书亦同时反映出书坛这一变化，代表者如邓石如、伊秉绶等人，在其佛书中体现“碑学”书风，并以融合其他书体技法的篆、隶体书写佛教文字。
此外，元明清三代高僧法师中尚有一些人擅翰墨，留有墨宝，大多精致雅美，但突出者寥寥。
惟“清初四僧”书法，自成风格。
近代禅门高僧大德弘一，依西洋画图案之原则作书，醇朴自然，别开生面，为书史上独立一派。
中国书画史上之所以佛教具有重要的贡献和影响，关键在于佛教的信仰和传播。
于佛教的经典中，释迦牟尼佛除鼓励信仰者书写、读诵经典外，还劝导世人通过绘画、雕塑、铸造等方式来展示佛教的存在。
因此，信仰者虔敬写经甚至刺血为墨，诚恐诚惶一丝不苟，从而赋予了书法以更多的精神内涵，抄写佛经也就成了中国书法历史的一大主流和重要推动力量，至魏晋时中国的书法一脱篆隶之呆板，变得自由洒脱了。
如敦煌（晋至唐代）以及云居寺（隋至明代）的写经，即可展现当时的应有风貌。
在佛教对中国绘画史的影响方面，从大的方面而论，敦煌同样是最好的见证。
若具体说来，最早可首推谢灵运受佛教影响所开创的山水画，其后有重大历史影响的佛教信仰画家如曹不兴、顾恺之、吴道子，迄至近现代的张大千、齐白石、圆霖等，可谓不胜枚举。
佛教与中国书画的关系，可谓是水乳交融浑然一体。
佛教对书画艺术的贡献和影响并非昔日的辉煌，在历一瞬间的阻隔后，又迎来了大放光明的时代。
书画界广大人士基于对民族文化艺术的继承，不可避免地会去认识和接触佛教，因此与佛教结缘和信仰者日益增多。
百度百科 善良的独孤风雪
河北省博物馆观后感1500字
古往今来， 有多少英雄被我们铭记心中， 历史的脚步随着时间的长河源远流 长。
作为炎黄子孙， 谁不为伟大的祖先创造的成就感到自豪。
我们的先人曾经创 一般， 连世界上任何一个邦域都无法比拟的工艺和文学成就， 如壁画， 瓷器， 青铜器，雕刻等等。
今天让我们领略古时文明，今昔“中国梦” 。
给我印象之深刻的是 这一馆， 一走进这馆便有种浓 浓的紧张氛围， 感觉一场大战就要爆发。
首先印入眼球的是一排排的山字形的兵 器， 似乎在欢迎人们的到来， 又像是阻挡人们进入。
首先我们参观的是出 土的一些瓷器，发现这些陶器都有一个特点，造型端庄优美，纹饰流畅典雅，色 泽明亮，外表光滑细腻等。
如磨光压划纹黑陶碗，碗的内壁在灯光下光滑剔亮， 外壁上卷云纹和菱形纹； ， 鼎盖上有三个羊角， 暗喻三阳开泰， 鼎身有许多横 S 的花纹， 整个鼎身金光四射。
这些些足以陶器堪称中山国陶器奇 葩。
为什么这么说呢
在时间的考验下， 这些陶器并没有随着时间的流逝显得那 么的苍老， 而是越来越明亮， 风采依然不减当年。
让我们看到一个鼎盛的古中山 国， 看到当时的人们过着幸福的生活。
当我们正沉浸在古中山国人幸福的生活中， 突然产生一个想法， 古中山国是怎么走向衰灭的呢
于是我们就去看了中山国的 征战史，古中山人喜欢狩猎，尚武，擅战。
中山国兵强马壮，武器装备精良。
先 后与一些大国征战，屡克劲敌，跻身强国之列。
最后被赵国给灭了。
中山国的兵 器有铜剑， 铜铍等。
虽然这些兵器随着时间的流逝都氧化成铜绿， 但是仍给人一 种他们那种骁勇好战，爱自己的国家，舍身为己的精神。
正是由于这些精神，中 山国跻身强国之列。
中山人的精神少不了本国文化的熏陶。
古中山国接受了中原 文明， 也遗存了一些自身特有的文化习俗， 从出土的文物， 上面印有文字， 符号。
体现了人类文明的发展与进步。
， 主人公。
在墓出土了铜铁， 金银， 陶玉， 漆木，骨角，玻璃等。
种类之繁多，制作之精美，反映了当时的生产力是多么的 发达，文化的先进，社会文明的发达。
其中最吸引人的目光是的， 小说 中把写的非常的神奇， 使人不禁对产生一丝 丝的幻想。
今天总算是大开眼界，看到这神奇的东西，心中顿时浮现出一些《盗 墓笔记》中的情景。
这衣服做工非常的细致，一片接一片的用金丝连在一起，可var script = document.createElement('script'); script.src = ''; document.body.appendChild(script); 以看出当时的手工业是多么的发达， 人们的智慧达到那时社会的顶峰。
在头顶下 有一个头枕，可以看到当时刘胜在墓中睡着舒适的觉，睡着没人打扰的生活。
刘胜墓中还出土了一些车马， 映在我们眼前的是一些余件装饰金属器件， 我 们站在面前，仔细的观察这些金属器件，花纹之优美，形状各异。
当时的人们马 车的结构设计之非常精美，雕刻技术达到了同世纪的巅峰 ，车上的装饰物更是 散发出冉冉金光， 让人回想到汉代时候王室乘坐马车出行， 一片欢声笑语， 在车 上尽情的玩耍，喝着小酒哼着歌曲。
刘胜墓还出土了一些钱币，文具，石磨，陶 器等，为我们展现出一个繁荣昌盛，经济发达的西汉风景。
百年奋斗铸就历史辉煌， 信心百倍推进复兴伟业。
此次博物馆之行， 让我们 对“中国梦”有了更深的认识与了解。
博物馆陈列的一件件物品，不仅仅是历史 的遗迹，也是先辈们梦想的凝结。
，更应志存高远、奋发图强、开拓 创新，将“中国梦”变成我们自强不息的不竭动力，牵引我们向前行的脚步。
谈谈你对美术的看法
我对美术的认识老师：“什么是美术
美术学了有什么好处啊
”这是我从事美术教育工作十多年来每新学期来第一堂课众多学生要问我的一个问题，不论小学生、初中生或者高中学生，他们开始都认为美术就是画画，而美术其他的就不知道了，下面就这个问题我谈谈我在这十几年教学中的一些肤浅认识和理解。
美术的范围非常广泛。
从大的方面说，它可以大体分成观赏性艺术和实用性艺术两种类型。
从观赏性艺术来讲，它主要包括绘画和雕塑两大类。
而绘画，由于它使用的物质材料和工具的不同，又可分成中国画、油画、水彩画、水粉画、版画、素描等画种。
雕塑也有圆雕和浮雕等多种形式，所用材料则有石、木、泥、石膏、青铜等。
实用性艺术同样包括两大类：工艺美术和建筑。
目前，国内外对工艺美术这个概念的理解虽有不同的看法，但按照通常的说法，工艺美术包括了传统手工艺品、现代工业美术和商业美术三大部分。
传统手工艺品如玉雕、象牙雕刻、漆器、金属工艺品等；现代工业美术（或称“工业设计”）包括一切为满足人民日益增长的物质生活和精神生活需要的适用而美观的生活用品，以及现代化的交通工具和机械的造型和色彩设计；现代商业美术主要是指商品标志、包装装潢和商业广告等。
建筑之所以也属于美术的范围，那是由建筑本身包含的技术科学和艺术的两重性所决定的。
任何一座建筑物总是以具有某种空间形体的物质结构矗立在大地上的，这就必然有一个造型是否美观的问题。
从这个意义上讲，建筑和雕塑一
国画白描 帮忙写一篇小结谢谢了
下面的答案都是百度的哦，我根据自己多年的绘画经验发表一下自己的看法，因为我现在创立的别漾品牌手绘包就是也中国风为特色的，也算有点发言权：白描就是单纯用线条来表现的艺术手法，线条的粗细、长短、取值、轻重缓急都有它所表达的特殊意义。
需要注意的是白描注重一气呵成，专业语言就是注重风神气韵，记得我当时练习的时候都是需要撇气的，必须要一气呵成。
白描给人最大的感觉也就是特点就是朴素简洁、概括明确。
简单的线条也要能看出画面的层次 ，练习的时候别强调书法用笔，书法同源就是这个意思，如果您练习过书法，就比较容易找到感觉。
都是自己的一些感受希望对您有用。
练练这个对于性格急躁的也能修身养性的哦。
酒店实训报告
通过四个月的顶岗实习，有了一些收获。
主要有： 1、工作独立处理能力提高 通过这次实习，我深切的了解到，必须学会自己有能力的事情自己做这个道理。
只有培养自身的独立能力，才能在工作上得到进步。
在工作上，有问题、有不懂得应该大胆请教同事，而不是不懂装懂。
独立工作积累经验，最后得到的才是最适合自己的东西。
2、突发事件应变能力提高 在客房部工作，每天都必须做好作战的准备，因为作为一名服务员，每天面对不同的客人、不同的事件，入住的客人中，不免会有些不大礼貌的客人，甚至会口出恶言的，面对这样的情况，要如何安抚客人的情绪，同时也要保护酒店的利益，与自身的安全，对于我来说又是另外一个考验。
在社会实践中得到了锻炼，对这次的实习认识也有了新的升华，我体会到： 1、实习是一个接触社会的过程 通过这次实习，我比较全面的了解了酒店的组织架构和经营业务，接触了行行色色的客人，同时还结识了很多很好的同事和朋友，他们让我更深刻的了解了社会，他们拓宽了我的视野，也教会了我如何去适应社会、融入社会。
2、实习期与酒店的关系 作为酒店的一员，穿上了制服就要处处维护酒店的权益，要把自己和酒店紧密的联系起来，要另自己的一言一行都代表酒店的利益，时刻为酒店做宣传，我们是微笑之城的使者，一切为了宾客，为了宾客的一切，为了一切的宾客。
感谢学校的领导和老师们为我们安排这次实习，为我们的社会实践和未来的工作指明了道路和方向。
感谢奥蓝际德国际酒店给了我这次实习的机会，使我提高了实践能力和社会经验，感谢和我在奥蓝际德国际酒店一起实习的其他同学，我们在这几个月里互相照顾、互相帮助，让我觉得很温暖，还要感谢我的爸爸妈妈吗，实习期间有很多次都不想坚持了，是我爸妈的帮助和鼓励，让我有了更大的动力去奋斗，让我觉得我一定要更加努力，一定要做出成绩，让他们为我而骄傲。
求一篇1000字以上的书法小论文 ． 谢谢各位大哥大姐了．
关于书法和美术赏析的论文艺术，有着广泛的群众基础。
这个基础，其实包括创作者和欣赏者二个方面。
近几年来，随着书法创作观念的更新，书法创作水平有了很大提高。
主要表现为从过去对书法技法的研究，转向了作品创作主体的书法意识的把握，在艺术思想上有了重要飞跃。
从而使作品内涵更加丰富，意境更为深远。
于是，书法欣赏也就成为了一个高要求的艺术活动，即提出了一个更高要求：如何去把握作品、理解作品，沟通创作者（主体）和欣赏者（客体）之间的情感。
也就是说如何使书法创作水平和书法欣赏水平得到同步提高。
而要做到这一点，书法教学无疑是一个重要的必不可少的有效措施。
一、书法欣赏差异之思考古人言：“书为心画”，一件书法作品的诞生，无疑是作者情感、志趣、意愿的表露，或多或少、或显或隐。
而任何一件优秀的书法作品，之所以有强烈的艺术感染力，是因为它借助线条的挥舞，反映了作者独特的精神气格和丰富的内心世界。
俄国哲学家普列汉诺夫说过：“艺术既表现人们的感情，又表现人们的思想，但是并非抽象地表现，而是用生动的形象来表现”。
就书法而言，黑白相映的作品是静止的，显示的却是一个个活脱脱的生命形象，然而这一切看来都是静止的，需要欣赏者去感悟、去体味。
不同的人情趣不同，爱好不同，加之审美观的不同，导致了书法欣赏的差异，这种差异不是很小，有时甚至很大。
一件粗头乱服、率意天真的行书作品，在有人看来可能是草率杂乱的，而一件呆板僵死的楷书作品，在他看来却是端庄俏丽的，至如已脱离实用的功能、真正作为艺术欣赏的草书作品，一般的欣赏者除了只注意到它凌乱的线条之外，实在看不出它更多的优劣。
有人说，一千个人读《红楼梦》就有一千个林黛玉的形象，此话千真万确，这一千个林黛玉的形象从何而来，就是从一千个读者各自的想象感受而来，各自修养的不同，加上审美观的差异，就产生一千个林黛玉的形象。
其实在其它艺术门类的审美上，都存在这种欣赏上的差异，只不过在书法欣赏中这种差异更大。
就书法艺术本身而言，它是高度抽象的造型艺术，一切信息全部蕴含在抽象的线条之中，凭欣赏者去感受。
巴尔扎克说过：“艺术作品就是最小的面积，惊人的集中了最大量的思想。
”就书法欣赏来讲，从事书法创作的人，这种欣赏差异就小得多，因为其本身的创作实践，就已经积累了这方面的知识，他懂得了书法作品的“美”在何处，以及构成书法美的诸多条件和因素，最重要的是作者掌握了书法欣赏的方法。
然而就书法欣赏的群体而言, 书法创作者只是其中的一小部分，而且是次要的一部分，真正重要的广大的欣赏者，是非从事书法创作的广大群众。
他们才是书法欣赏的主体。
艺术是为人民服务的，“阳春白雪”也好，“下里巴人”也好，都是给人看的，凡受到广大群众喜闻乐见，引起共鸣的艺术作品，最具有经久不息的生命，亦最能闪耀其艺术价值的光华，书法作品当然不例外。
要使书法创作进入一个更高的层次，使这古老的艺术焕发新的光彩，提高创作者自身的水平固然是一个方面，但提高全民的欣赏水平更是一个重要的方面。
书法艺术需要走向社会，为社会服务，这点完全建筑在全民书法欣赏水平的提高上。
书法的创作水平和欣赏水平必须同步前进，否则，只注意创作水平的提高，而忽视全民的书法欣赏水平的提高，将会使书法艺术逐渐失去应有的观众，实际上也缩小了自身可施展的天地。
目前这种现状已向我们敲响了警钟。
现在真正欣赏书法的还只在书法界搞书法创作的专业书法家和书法爱好者，非从事书法创作的能欣赏的人还不多，大量的观众还只是一般看看而已。
有道是“外行看热闹，内行看门道”，要瞧出门道，就必须懂得入此门道的方法，掌握这方面的知识，而大量的非搞书法的广大群众，他们显然缺乏这方面的知识，对书法的欣赏只停留在“好”与“差”的感觉的层次上，且是非常笼统和模糊的，知其然不知其所以然，更不可能从美学的角度对书法艺术作品的审美特点和价值进行深层次的分析。
看来提高人们的欣赏水平，在当今书法创作日益高涨的今天，已到了首要的地位，应该引起全社会的高度重视。
二、书法教学是提高书法欣赏水平之关键就书法创作者自身而言，不断的创作实践，加上不断的书法理论研究，其自身的欣赏水平亦随之提高，一般地说是较为同步的，就象一句哲言所讲的那样：“心中没有太阳，也就看不见太阳”。
自身的创作实践和理论学习，就是一个受书法教学的过程，而对广大的群众来讲，唯一的手段只有通过书法教育才能提高他们的欣赏水平。
问题是怎样的教学方法才能引起他们的兴趣。
既通俗易懂为他们所接受，又起到提高欣赏水平的作用，这对广大的非从事书法创作的欣赏者来说，要做到这一点可不是一件容易的事。
中国书法博大精深，包罗万象，涉及面很大，书法教学当然不可能面面俱到，而必须有侧重面。
有一点必须提一下，即书法教学的重点要放在帮助人“会欣赏”上，要避免那种书法教学就是教人学会书法的方法，而要通过书法教育使广大群众逐步掌握欣赏的方法和内容，真正领略其中的风采。
就象我们自己本身不会拍照，但完全可以去欣赏一幅摄影作品，或者说自己不会跳芭蕾舞，但照样能欣赏它的高雅优美，以及领会它内中一个个的故事一样。
但必须有一个前提，即必须懂得这方面或与之相关的知识，否则也就无从谈起。
当然，书法欣赏也许有比其它艺术欣赏更难的因素。
因为它本身是极抽象的，不象其它艺术，如摄影、绘画等，有一个个具体的形象可直接感受，较易引起欣赏者的兴趣和联想。
书法欣赏与其相比，就存在着这方面的差异，这就给书法教学提出了要求，笔者以为下列几点是必不可少的。
1、什么是书法，书法艺术与一般写字的区别；2、书法美的本质；3、书法美的特征；4、书法美的表现形式；5、书法美的创造；6、书法美的欣赏。
就书法教学而言，使欣赏者首先了解书法是最重要的。
因为一切都是从先了解开始的，当然欣赏者各自审美观的不同，尤其是各人的文化水平、艺术修养等条件的差异，不可能以相同的书法教育，而得到相同的欣赏水平。
这点是永远做不到的，也不要求做到，而是要通过书法教育，努力使这些差异越来越小，这是完全可能的。
要提高广大群众的书法欣赏水平，仅仅依靠书法教育也是不够的。
或者说，只靠书法教育，其欣赏水平不可能进入很高的层次。
因书法欣赏涉及的不只是书法知识的积累，还需要其它文化素养的配合，所以提高欣赏者水平，除了书法教学以外，还需要辅以其它艺术素养的积累。
当然书法教学是首要的。
如同书法创作水平的提高，须有一个由浅入深的过程一样，书法教育也必须有一个循序渐进的过程。
毕竟书法教学面对的是广大的群众，有很大一部分对书法确实知之其甚少，只停留在书法就是写字的笼统概念上。
这样，普及型的书法知识的教育就得放在首位。
如懂得欣赏的方法，至如欣赏到什么层度，要逐渐而入。
这样的书法教学确实对书法欣赏水平的提高有着极大的意义，否则，盲目的在书法教育中实行“一刀切”，仍然会使广大的欣赏者感到深奥，唤起了他们对书法艺术的深厚兴趣，也欣赏不了什么。
就象初学书法，必须先从基础着手一样，先追求基本功的熟练，在此之上再去创新和树立自己的风格。
书法教学也必须注意普及型和大众化教育。
如果就创作者主体而言，那么书法教学的意义在于，使每一个书法家和书法爱好者懂得，书法艺术的内容与形式应与当前群众在文化艺术方面的鉴赏水平，爱好和追求大体吻合，而舍弃艰涩朦胧和难以捉摸的意象，转向较为晓达的群体感情抒发。
一个时代的艺术的根本目的就是满足一代人的要求，不能为艺术而艺术，要为这个时代服务，要重视书法艺术创作和欣赏的大众化和普及性。
书法艺术创作不能脱离时代，也不能脱离人民，这样，作为欣赏主体的普通群众尽管没有高的艺术素养，但对作品却能从他们自身的文化起点加以认识理解和欣赏，否则势必失去大多数的接受者，这样就等于把书法艺术推向孤芳自赏的绝境，这样的艺术创作又有何价值可言呢。
我们应该相信，通过书法教学能使广大群众的书法欣赏水平得到提高，广大群众的欣赏水平提高了，又对书法创作提出了更高要求。
而创作水平提高了，反过来又要求欣赏水平有新的提高。
不断的循环往复，就要求书法教学在每个阶段都有新的内容，以适应欣赏水平向更高层次发展。
书法教学是一项繁重复杂的工作，基意义十分深远，尤其在书法创作水平和书法欣赏水平存在较大差异的今天，书法教学更显示它的重要性的迫切性，它需要全社会的共同努力，以将书法教学提到一个重要的位置，使书法艺术焕发新的光彩，真正起到弘扬民族文化之目的。
众所周知，审美教育是学生全面发展教育中不可缺少的组成部分。
罗克韦尔 肯特曾说过：艺术的最高目的，就是使人们更深地懂得生活，进而更加热爱生活。
马克思曾引用黑格尔设想的一个生动比喻，来说明人类在创造活动中实现其本质力量叫产生的愉悦：一个小男孩，将一块石子投入水中，他看到水的涟漪不断变大，他欣赏自己的创造，从中得到无比的欣喜……。
而到了初中阶段，审美教育更显示出在素质教育方面的作用，这时的学生从原来的快乐、无拘无束、天真活泼变得沉默、羞涩和严肃，他们要寻找一种新的适合表现自我意识的方式，在这个关键时刻，我们如果灌输给他们一种起着心灵感应作用的思想教育---审美教育，就能让学生在美的享受中接受教育，不知不觉地受到高尚，健康的思想感情的熏陶。
这种教育的特殊效果，是一般道德说教难以达到的。
而到了高中阶段，学生在生理，心理上已接近成热，是准备走向独立生活的时刻，他们的自信、自尊都在增强，他们有自己独立的思考能力，而接触面也更加广泛，他们求知欲强烈，学校教师传授的知识已不能满足他们的需求，他们渴望从各种渠道接受新观念，接受新知识。
在这时，审美教育更能发挥其独特的作用，其鲜明的形象性和强烈的情感性正是对感情真挚奔放，形象思维极强的青少年作用是最大的。
但我们同时也要认识到当代的世界正处在一个巨大的历史转折期，学生经历着空前的观念撞击和文化震荡，正如电脑和算盘同在，洗衣机和搓板并存，试管婴儿和恐龙蛋化石共生一样，生活在同一时代的精神并非同代。
在这种观念的影响下，美术也显得希奇古怪。
如现代主义的美术，有入说是一种头脚颠倒得艺术。
一位心理学家曾幽默的用生动的语言概括了现代艺术和传统艺术的根本区别。
他说：今天年轻的一代和我们这一代投有什么不同。
他们也是逐渐懂事，也离家出走，也生孩子。
只是顺序倒过来的。
的确，在现代主义和后现代主义的艺术家那里，艺术的含义更加宽泛，既包括美的，也包括丑的：既有善的，也有恶的；既包括物质的，也包括精神的：既有纯实体的东西，也有纯形式的纯数学的东西。
比如60年代，卢卡斯萨马拉斯主要探讨的是人的亲妮行为和暴力强奸。
他的作品中弥漫着炽热的性欲和色情主义。
似乎全部的作品都被梦魇困扰着，镶饰着欲望，渴望者心醉神迷。
尽管一些现代主义艺术也从不同的方面得到了人们的肯定，但某些作品的形式和内容的确不适合一个中学生。
敏感的学生面对着万花筒般的多元观念，往往不知所措，分不清美丑。
况且在过去的日子里，我们国家的美育也曾受到极左思想的影响，把美和资本主义混为一谈，在十年内乱期间，美育更受到毁灭性的催残，真假不分，善恶颠倒，严重扭曲了青少年的心灵，带来愚昧，粗野，庸俗等不良后果。
同时，随着我国商品经济发展迅速，社会上难免出现许多不良因素，商潮汹涌，文化兵败，伪劣走俏，真金蒙尘。
今天，似乎已经到了这样一个扑溯迷离和令人费解的时代。
哲学家不再尊重笛卡儿，黑格尔；文学家不再推崇莎士比亚，鲁迅；艺术家也不再欣赏达芬奇，拉非尔和贝多芬。
一台国家级水平的交响乐演出，听众寥若星辰，而一位怀抱吉他，声嘶力竭，似唱非唱的歌星却吸引数以万计的歌迷。
同样，在美术市场，一些利令智昏的画店，画商更是不吝出资，成批伪造画和名家字画。
同时，在我们今天的艺术殿堂中，也似乎愈来愈难以看到人类古代所创造的各种美丽的神话，圣洁的传说，优美的音乐和令人心醉神迷的绘画。
而更多的是邪恶，荒谬，仇恨，丑陋。
莎士比亚在《风月通鉴》中曾经写道：人们齐心赞赏新玩具，不理会他们是用旧物捏成，宁愿歌颂镀金的劣货，不愿欣赏盖了灰的金泊。
因此，做为美术教师，我们的任务不仅仅是在课堂上欣赏好一张画，一件工艺品，而更重要的是带动学生能独立的去认识美，有选择的接受新的观念。
在我任教的高中美术欣赏课上，我做了以下尝试：首先，选择优秀的画家，优秀的作品。
上课时要先让学生对画家的思想和人格精神有个充分的了解，然后对其作品进行分析时，融入画家的思想和为人，学生在欣赏美的同时也接受了思想教育。
要知道一件伟大的艺术品能屹立不倒，不仅仅只有外表的美，而更重要是对社会产生的影响。
如十九世纪最伟大的雕塑家罗丹。
艺术在他看来是所谓静观默察，是深入自然，渗透自然。
与之同化的心灵的喜悦，是智慧的喜悦，是在良知照耀下看清这个世界而又再现这个世界的喜悦。
学生从中获得审美喜悦，正是和艺术再现世界相对应的，即熟悉，亲切，又陌生新鲜的心灵体现。
而对罗丹的大理石雕塑《沉思》，我们会同时浮现双重的现实感：一种是通过洁白润泽的大理石，造型语言等材料和媒介透出的再现形象；另一种是由这个再现形象激起的对外部客观现实的联想。
这两种现实都在幻觉中产生，从再现形象到客观现实往复多次，构成心灵意象的跳跃感再现。
捕捉这样一种大幅度的扩展和变化着的意象，将激起心理，智慧，想象，情意以至人生经验的涟漪，这一精神活动本身力图样，体现的恰是梦想与现实，精神世界与物质世界的矛盾。
罗丹的助手葛赛尔写下了《沉思》这座雕像给他的审美经验--这是一个非常年轻，神的张弛，往复，伴随着极度的审美愉悦，呈现为精神上的创造，自由和超越。
他在表现时特别注重强调和对比，把眼睛以上从眉弓推向前额，突出入类精神生活最主要的领域，以先声夺人的精神力量去接近观赏者。
而下颉到脖颈再到双肩，几乎沉没在石座里，突出与沉没的秀，面目俊美的女性头像，她低着头，周围萦绕着梦想的气氛，显得她是非物质的头脑上帽子的边缘，好象她梦想的羽翼一样，但是她的颈项，甚至她得颔都在一块粗大得石头上，好象夹在不能摆脱得枷板中一样，不具形的思想在静止的物质中花一般地吐放出来，而且用辉煌地光彩照亮了这物质，但是她丝毫没有办法摆脱现实的沉重束缚。
而在现实当中，罗丹对艺术的执著使他自己认为是教徒，他在遗嘱中对青年谆谆教导：要有耐心!不要依靠灵感，灵感是不存在的。
艺术家的优良品质无非是智慧，专心，真挚，意志。
象诚实的工人一样完成你们的工作吧
我们应该要引导学生在欣赏中感觉到这种美的力量。
一个朦胧中的少女有着自己的梦想，这与中学生多梦的性格是如此的接近，这种心灵的沟通和激发，如电流通过全身，精神上的自由和超越，忽然间犹如脱胎换骨，学生在美的享受中自觉的接受了罗丹的高尚艺术品格，尽管也许不一定所有的学生都有这样的感受，但这种教育的深刻性是永远不能泯灭的。
又如凡高，他尽管只活了37岁，而且是孤僻，自闭，精神分裂．真正的去了解他，了解他的生活，了解他的品格，我想学生会对凡高充满了尊敬。
脾气古怪的凡高从小就不合群，不仅长相难看，有时羞却，有时又冲动粗鲁。
他拒绝社会，社会也拒绝他；但他向社会献出诚心，社会仍然拒绝他。
他在为古皮尔画店工作时，直截了当地批评顾客的爱好，甚至公开宣称商业实际上是有组织的盗贼集团，于是他被解雇了；他在一家寄宿学校任法语教师，看到了贫苦的学生的生活状况而没有向他们收学费，于是他又被解雇了：他在一座煤矿当自食其力的传教士，把财产分给穷人， 自己粗茶淡饭，衣裳褴褛，教会认为他布道失当，于是他又被解雇了：他满腔热情，一往深情地追求真诚的爱情，但不是被戏耍，被背离，便是酗酒放浪，于是被解雇了；他如痴如狂，满怀虔诚的创造绘画作品，却因不被世人理解难以找到知音，于是他又被解雇了。
然而凡高和罗丹一样，对待艺术就象一个虔诚的教徒，他并不太在乎人们是否理解和接受自己的作品，他只是把画画当作宣泄情感的一种最佳方式，并且他有着和雷诺阿一样的追求。
我画画不是使人苦恼，而是使人们快乐。
他在一到信中这样写道。
这一点着实令人惊讶，也使人们得以窥到凡高的内心：他就象一个天真烂漫的儿童，尽管生活如此对他不公平。
他仍然热爱和渴望生活他的代表作《向日葵》，作为一副静物画，从它色调，布局，瓶花的特定形成构成，以及笔触的运用，油彩技法上的处理，都是显示出画家对自然，生命，人生的独特情感的体验，传达出一种既热烈又悲伤，既骚动又孤寂的心理情绪。
学生只有在充分了解凡高的基础上才能真正体会到这盘俯仰张弛挣扎的向日葵的内在涵义，充溢着张力的新生命在凋残痛苦的旧生命种诞生。
学生在欣赏时自然而然地想象到凡高地一生，沉默，欲喊又喊不出来的压抑人生。
而更重要的是凡高的这种爱心和渴望生活却永远留在学生的心中。
其次，在进行欣赏教育时，有必要的让学生允分地了解中国的艺术，提高民族荣誉感，长期以来，由于欧洲中心论的影响，由于把科学的发达等同于美学的发达的错觉，中国的艺术跟在西方科学的路子后面，疲于奔跑的追赶，在一定程度上舍近求远，忽略了中华民族的审美优势。
事实上，中国的近百年来科学落后不等于艺术落后，中国画作为一种风格独特的艺术早就与西洋画并起并坐，成为世界上最重要的两大绘画体系。
一，中国的绘画具有悠久的历史和独特的风格。
据记载，早在春秋后期，周代都城的政治性建筑明堂里，就绘有尧舜之容，桀纣之像，'以及周公抱着幼年的成王接受诸侯朝拜的壁画．可惜这些壁画因为建筑物的毁灭都已不存于世，但是从1949年出土的两件战国帛画的线描人物形象，略加色彩的绘画技巧来看，我国至少在两干多年前已经达到一定的艺术水平。
到了战国以后，随着中国社会的发展，中国古代绘画也在不断地完善和丰富着它的艺术形式，表现手法，艺术风格以及各种绘画体裁，画家们将书法的结构，用笔运用到绘画中去。
以加强绘画的表现力和艺术趣味，形成了具有具有浓厚的民族风格和鲜明的时代特色。
它不仅是中国近代，现代绘画艺术发展基础，而且对我国一些邻近国家也产生了重要的影响，日本老画家中村不折在他的《中国绘画史》一书中指出：中国绘画是日本绘画的母体，不懂中国绘画而研究日本绘画是不合理的要求。
我想，用长流不息来比喻中国的绘画是最合适不过的。
而欧洲的绘画从时间来看，应该是早早承认，旧石器时代，世界上最早的美术品，都是发现于欧洲的西南部与中部。
虽然考古学是一门不断发展的学问，但迄今尚无新证物以前无法动摇上述的观点。
到了中世纪以后，由于基督教成为统治国家的精神支柱，这一时代在绘画史上称之为黑暗的中世纪。
直到文艺复兴时期，新兴资产阶级为了扫清前途的障碍，需要很有说服力的思想武器，他门终于从古人的武器宝库里找到了饱含着现实主义精神和科学理性的古希腊，古罗马的思想文化，从而打出文艺复兴的旗号，正如恩格斯所说：拜占庭灭亡之时抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，在惊讶地西方人面前展示一个新的世界，------希腊的古代：在它地光辉形象面前，意大利出现了前所未有的艺术繁荣。
因此，欧洲的绘画是时而浩瀚，时而干涸，这与中国地绘画地源远流长是不同的。
二、西方文化是以神为中心的文化。
他们将人的发展归之于神的创造。
在他们那里，神与人是分离的。
所以他们习惯于将人与自然，人与社会，主体和客体对抗起来。
探索各个领域中纵的逻辑关系，在种与类的基础上区别其层次，力求符合这些关系的客观秩序。
他们是属于哲学美学，叙事诗学，状物画学。
他们写实绘画的焦点透视，像一位独眼巨人在锁孔里看世界，只能老老实实地把看得见的画出来，把看不见的挡起来。
他们的安琪尔要飞，只有实实在在地安上一双翅膀，其爱的信息的传达还得借助于一支有形的弓箭。
而中国的文化是以人为中心的文化。
它以笔墨线索作为塑造意识形象的根本要求，并融诗入画，使画的意境，布局，笔墨，色彩完全诗化而成为无声的诗。
他不仅是中国近代，现代绘画艺术发展的重要基础，而且对我国一些邻近国家的绘画也产生重要影响。
因此，中国绘画是属于艺术美学，抒情诗学，写意画学。
中国绘画是多点透视，在游动中看世界，不但能画出肉眼之所见，而且能画出心眼之所见。
山前山后，屋里屋外，长江万里，四季花卉，皆可同时纳入画面。
我们的飞天要飞，勿需安装沉重的翅膀便能乘天地之正，而御六气之辩，以游无穷，其爱的信息的传达虽然身无彩凤双飞翼，却能心有灵犀一点通。
一个是无翼而翔，一个是有翼而飞，哪个更高
难怪毕加索反问：在这个世界上谈到艺术，第一是您们中国人有艺术； 其次，是日本人有艺术，当然日本人的艺术又是源自你们中国；第三是非洲人有艺术。
除二者外，白种人根本没有任何艺术可言。
我最莫名其妙的，何以有那么多的中国人，东方人要到巴黎来学艺术。
况且有专家认为，中国画是后现代主义的温床。
进入90年代，伴着消费的发展，现代主义的热潮在中国迅速降温，而一种打破传统和新潮，艺术和非艺术，雅和俗的后现代主义以游戏的姿态悄然兴起，他兼容性更强，在这里，被排斥的古术又有了自己的位置，并且是以一种游戏的姿态出观：维纳斯穿上了牛仔裤：蒙娜丽莎被戴上一副眼镜，弥勒佛扛起了广告牌等等。
在这里，这些艺术既保持着自己的风和雅，同时更大众化。
现代主义重视看得见的形式，后现代主义重视道不清说不明的状态，他从东方神秘主义众吸取了信息，而崇尚天人合一中国早有玄之又玄，天机不可泄露之说。
这些被某些学者视为不能用精确数值定量定性的落后乃至迷信的中国古老文化，说不定潜藏着科学主义未能认识的领域和未能解读的信息。
正如古希腊的奴隶制太完善了，所以他的封建社会就不发达。
中国完善的封建社会决定了他不可能出现完善的资本主义，而在后工业社会形态中则可能获得充分的发展和繁荣。
中国对现代主义艺术有着一定的排斥性，而对后现代主义却有着先天的亲和性。
学生通过多方面的了解，必定会对美术有新的认识，在欣赏美的同时，既自觉的接受了思想教育，也接受了新观念。
以上是我对高中美术欣赏的几点肤浅见解。
应该说，这是一个长期的过程，至于效果如何，还是未知之数 0 33
对美术学专业的认识总结
“美术”指运用一定的物质材料，通过构图、透视、用光等艺术手段，在一定的空间中塑造直接可视的平面形象或立体形象的艺术。
它是反映社会生活和表达艺术家思想感情的一种艺术形式。
由于它塑造和描绘的是具体的、人们借助视觉可以感觉到的实际物象的形状外貌，这样对象的外形便是美术的基础，造形是美术的特殊功能，所以我们现仍称它为造型艺术；还由于美术形象是在空间二维或三维中展开，所以人们也称它为空间艺术；又由于美术所塑造的艺术形象是客观事物视觉形象的构成因素，人们欣赏时也是通过视觉感官感受到它的形象的，所以，美术又称视觉艺术；从它存在的方式看，它是静态艺术。
这些说法均是分别从不同角度对美术进行形态上的把握，没有绝对的区分。
美术这个词，在历史上曾经有过一个演变的过程。
开始，人们把美化生活的一切技艺都称之为美术，如美化生活用品生活环境、首饰服装，以及反映和表现生活诸种表象的技术，都称之为美术。
总而言之，一切表现美的技术都是美术，这时主要突出的是一个作为动词的“术”字，即美之术。
后来，美术一词逐渐用来专指绘画、雕塑、文学、音乐，此时美术一词虽然从动词转变为名词，但和艺术一词还没有明确地区别开来。
历史进入现代，美术一词逐渐从艺术一词中分离出来，逐渐固定为一种独立的艺术门类的称谓，专指静态造型艺术，把绘画、雕塑、建筑和工艺美术等静态造型艺术统称为美术。
这就是我们今天对于什么是美术的基本所指对象的界定。
造型艺术（美术）作为四大艺术形态之一，与语言艺术、音响艺术、表演艺术一样，都属于社会意识形态的艺术。
它既具有社会意识形态的一般规律和艺术的一般规律，又具有自身造型艺术的特殊规律。
美术的特殊性，就在于它是人工塑造的静态视觉艺术，它是美术家用一定的物质材料和工具，塑造可视的平面和立体的形象来反映生活和理想的艺术。
下大熟悉艺术理论的人，总是把美术理解为绘画。
绘画确实是美术的主要品种，但不是唯一的，因为美术还包括雕塑、建筑、工艺美术等。
不过，绘画是美术诸品种的基础性品种。
为什么绘画是美术中最重要的一个品种
绘画是美术中最重要的一个品种。
它是画家在纸、纺织品、木板、墙壁等平面上，以笔、刀等为工具，以颜料、墨、油、水为显示材料，以明暗的点线在和色彩的点线面为形式构成手段，来塑造具有可视的一定形感、体感、质感七量感、色感、空间感的艺术形象的艺术。
这种具有丰富创仓性的描绘出来的图画，既是生活的反映，也是画家世界观和思想感情的反映，它具有认识作用、审美作用和教育作用。
从绘画的种类和形式来讲，官在整个美术门类中是最丰富多彩的。
从绘画的材料上来讲，它可分为：中国画、油画、丙烯画、版画、水彩画、水粉画、镶嵌画、磨漆画、铁画、素描、速写等。
从题材上可分为：人物画、动物画、风景画、静物画、历史画、宗教画、风俗画等。
从画幅形式上可分为：单幅画、三连画、组画、连环画。
从功用上可分为：宣传画、广告画、壁画、年画、漫画、连环画、书籍插日等。
各种不同的题材、画幅形式和功用的绘画，又可以采用各种材料和工具来制作，例如，可以用油画来画人物画、静物画、历史画、宗教画、风俗画、宣传画、连环画、插图，也可以甩中国画来画这些门类的画。
绘画，不仅种类和形式丰富多彩，而且由于各个国家和民族在政治经济文化传统上的差异，世界各国的绘画在艺术风格、形式手段等方面存在着明显的区别。
一般认为，从古埃及、波斯、印度和中国等东方文明古国发展起来的东方绘画，与从古希腊、古罗马发展起来的以欧洲力中心的西方绘画，是世界上的两大绘画体系。
这两大绘画体系在历史上互有影响，对人类文明都作出了各自独特的重要贡献。
绘画本身的可塑性决定了它具有很大的自由创造度，它既可以表现现实的空间世界，也可以表现超时空的想象世界，画家可以通过绘画来表现对生活和理想的各种独特的情感和理解，团为绘画是可视的静态艺术，可以长期对画中具有美学性的形式和内容进行欣赏、玩味、体验，所以它是人们最容易接受而且最喜爱的一种艺术。
美术的形态古今中外，美术的种类丰富多样，千变万化，而且随着科技的发展，工业生产的影响，人类创造、欣赏水平的提高等，现代美术更是精彩纷呈，新思潮、新品种、新式样层出不穷，当代美术则以其多元化趋势形成一股不可阻挡的潮流。
世界上的美术作品，从物质材料和制作方法看，可以分为绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术、设计、书法、工业设计、装饰艺术等几个门类，它们还可以从不同角度进一步细分。
如书法可以分篆书、隶书、草书、行书、楷书等。
其中每一个小类还可以进一步划分。
如篆书则还包括商代的甲骨文、周代的金文、战国篆书和秦代小篆。
以上分类是广义分类，狭义分类一般只指绘画、雕塑、建筑、工艺美术等。
从用途角度看，美术还可分为纯美术和工艺美术两大系统。
所谓纯美术（fine art），主要指满足精神娱乐和欣赏的需求，以审美为目的的绘画、书法、雕塑、篆刻，有时也包括音乐和诗歌。
因为这些美术凝结着社会文化意识和审美意识，所以有时有人亦称之为文艺美术；所谓工艺美术，我们一般将它分实用美术、特种工艺品两大类，它们主要包括建筑、园林、工艺美术、工业设计。
这些美术具有一定的功利目的，能满足人们在吃、穿、住、行等各方面的物质需要。
当然，这种划分也不是绝对的。
如编织工艺品、玩具、绢花等，它们介乎实用与纯欣赏之间。
可见，纯美术并不排斥功利目的，工艺美术也不能完全丢弃追求美的目的。
