《三体》读后感(一)
我听到太多的同志讲到片中的“拯救”和“希望”，但是听到更多的朋友对主人公的手段津津乐道。
故事的第一主题其实是“这个世界终究是少数精英的世界”。
就像片中那句脍炙人口的台词：Some birds aren't meant to be caged, that's all. Their feathers are just too bright... （有的鸟是不会被关住的，因为它们的羽毛太美丽了
）。
它太刻意地描绘了一个逆境中的精英分子。
从广义上讲，人生来就不自由，每个人都在试图获取更多的自由。
作品告诉我们：你有多大的天地就在于你天生是什么“鸟”，从《肖》仍旧可以看到尼采的超人学说，它和美国式的英雄《超人》在这个层面上是一样的。
我想现在已经没有必要评判这种立论的高下，只是想说仅仅因为作品的“精神”不具有普世性，它就不可能是一部多么伟大的作品。
《肖》是一部学习电影的过程中必看的作品，它在技巧的层面接近完美。
故事悬念的设计、人物的设置、主要情节的展开、道具的设计、音响的处理、成功的剪辑、流畅的镜头语言、包括演员的表演都令观者满意。
一个极端条件下的脱逃故事，只可惜作品立意老套，从类型上看，该片看似有所谓文艺片的外壳，其实是一部地道的娱乐片。
虽然在剧作等诸多技巧层面上用尽心思，仍旧因为其“匠”气十足，这么多年来仍旧不能被列为艺术上的典
美丽心灵的观后感 200字（不要太多字，一百五以上，两百以下）
比较感动的是约翰纳什上诺贝尔奖领奖台那一段，可不是因为他的成功，昭雪，也不是因为他和妻子的感情（虽然也很感动，老太太还是那么美）。
这一段之前有人给我看过文字介绍，这个数学家在得奖时对妻子说的话，我以为是Wlhui给的，因为她懂经济，但她说不是，就想不起了。
它让我感慨的是，诺贝尔奖，和影片的感觉，都是非常像的。
比如好莱坞是什么，影片一开始，也觉得痕迹很重，很好莱坞，但看到后面还是很喜欢，好莱坞的很多手法是模式化的，但其中也有很多真诚的心灵。
就如诺贝尔奖是俗世中的最高荣誉之一，但也有人不屑于它，比如萨特，就如伍迪艾伦拒领奥斯卡一样，他们大多是体制外的天才，我认识的一些才华横溢的朋友反对好莱坞，本质上也是一样的。
（当然我并不反对，因为我不横溢，但我能欣赏那些横溢的人，笑。
） 但《美丽心灵》则完全是体制内的。
比如幻觉。
精神分裂是什么
把假的东西当成真的，但什么又是真的
本质上来说，这世上的一切都是幻影，因为都是人类的感官造成的。
比如老虎的眼睛，看到的世界，和人看到的世界就是完全不同的，和蚂蚁看到的也不同。
如果这世上有更高级的生命，他所感知的世界也和我们人类一定是不同的。
所谓的真实，只是绝大多数人，也就是体制认为的真实。
有一部分人看到虚假的东西，其实这东西并不真是虚假的，只是它对于体制，对于大部分人来说，是虚假的。
很多电影拍摄过幻觉的东西，比如好像是《地狱神探》吧，里面有一对姐妹，姐姐总是看到幻觉，就被送进了精神病院，于是妹妹谎称自己看不到，于是就安全了，但后来，她就真的看不到了。
还有我非常非常喜欢的《潘的迷宫》，小女孩的幻觉和纳什的也一样，和不存在的人说话。
但这些影片，都是站在这些边缘人的角度，来批判体制的。
但《美丽心灵》并不一样，纳什为了自己的生活，为了妻子和孩子，和幻觉斗争，当他老的时候，已经可以那样淡然的面对那些幻觉了。
这是一个主流的价值，和好莱坞一样，也和我们大部分人的生活一样。
影片是很好的传记片，不知再创作的程度有多少，但人物的设定，我非常能理解。
是把个体与大历史背景结合的很好的作品。
比如纳什这个人为什么会有幻觉，非常合理，因为他是天才白痴，是“有两个头脑，却只有半个心灵”的人，他非常自闭，不喜交际，但他内心又非常渴望友情，这就是他幻想出一个克里斯的原因。
而他在求学时，老师告诉他：是数学家为美国赢得了世界大战，因为数学家造出了原子弹，数学家破译了密码（应指中途岛对日军密码的破译）。
而之后，正是美苏冷战，库布里克预言人类必毁灭于核大战，并且自己跑到英国去避难的年代，对于一个不通世故的人，这样的恐惧对纳什心里的压力是可想而知的，正是这样的恐惧造成了他对安全局人员的幻想。
幻想自己在为国家工作，破译苏联的密码，拯救世界。
那一代人的恐惧和压力，被表现在一个天才而又童真的数学家的荒唐故事里面。
其实我们中国那个时代的荒谬，比之不知甚之多少倍，什么时候有人以这个角度来拍摄一部电影呢
问起Wlhui，她说，前一阵刚好看过约翰纳什的访问，说卢塞尔克劳演的不像他，因为演员太壮了。
克劳是我极喜欢的演员，他在《角斗士》里的马克西默斯是我见过的最有男性魅力的人之一，那才是他的本色，来演这样一个单薄儒雅的人物，确实有点不妥，但他晚年的风度，还是让我心折。
怎样从社会工作角度写飞越疯人院读后感
《飞跃疯人院》之观后感好莱坞每年在以吨计的生产垃圾时,也时常为全世界人民奉献出一件件精品,就这点上,我并不认为他们逊色于欧洲电影,他们实在不必向那些贡高自傲的欧洲同行和中国（我只熟悉中国）那些品位出奇的小资们低头哈摇,一个劲地承认自己没文化底蕴.（这也是我自己说的,估计美国佬自以为是得很） 奥斯卡虽然越来越俗气,最近连《指环王》、《角斗士》这样的垃圾电影都得了许多奖品,但是我们必须看到,它仍然为世人提供了一系列的好作品,近的如《美国丽人》,远的如《欲望号街车》,这些电影在对人性和现实的批判上不遗余力,使我们领略到了好莱坞并不仅仅只是世界上最大的虚拟兵火库和美女帅哥梦工厂而已. 现在说说《飞》片.在电影结束前半个小时,我认为这片子有点意思,但是还说不上非常有意思.其实我指的是一部艺术作品如果仅仅是让你觉得比较有意思,也就是说在技巧,表现手法上让你感到有点奥妙,那是不够的. 拿正热和着的世界杯打个比方,我是巴迷,但是并不妨碍我觉得英格兰队踢得还是很有水平的.也就是说我认为英队技战术上让我觉得很有意思,有嚼头.但是我之所以成为一个忠诚的巴迷,是因为我爱这只球队,而我之所以爱巴西队,是因为它曾经在精神上给过我非常强烈的震撼,使我无法在感情上背叛它. 说得罗嗦了,把话拉回来,如果《飞跃疯人院》仅仅是讲了一个不但不是疯子而且很聪明的家伙,误打误撞般搞飞机搞进了疯人院,而后领着一帮疯子和疯人院的女护士大唱对台戏的故事吧,我会认为这是部很有象征意味的电影,明摆着的,导演想告诉你,面对强权和高压统治,我们该做些什么. 就像片子里的主人公,他其实是个冲动 粗鲁但颇有小聪明的家伙.他搬不动浴室里的大理石水池去砸铁窗,却告诉他的病友们起码他试过.他还努力地争取选票,好让自己或者还加上众人可以收看电视转播的棒球赛.他抢开大客车把病友送上船出海去钓鱼,甚至最后还让他的女友和那个口吃的病友作爱. 其实在我感到有趣的那大部分影片中,我没觉得那些病秧子们过的日子有什么不好,护士长虽然不算慈眉善目,但是很有礼貌地对待他们.他们还能赌博,打篮球. 一言以蔽之,一切正处在一个规定的轨道中,没有出轨就没有任何问题,反正那些病友们从未想过要离开疯人院,他们甚至是自愿留在这的. 直到主人公的到来,才使一切起了翻天覆地的变化.这小子是个天生的捣蛋鬼,一来这就要冒犯护士长的权威. 直到他真的搞了一次小革命（他们打架了）,他被电击后,他才意识到疯人院里甚至比他以前呆的监狱更可怕,这可不是搞着玩的,于是他就开始盘算着逃出去. 这时我们也领略到了冷冰冰的护士长身上所代表的强权的威力.她的命令必须得到服从与贯彻,一切必须纳入轨道,不准有任何偏差,当然这一切都是为了病人好! 电影的高潮是最后那段逃跑的狂欢以及狂欢后的情景.主人公本可以逃走,但是当他受到恐吓,说他走了病友就要遭殃时,他留下了. 在这里不得不提醒诸位注意一下两位病友.其实每位病友都代表了某种病态,都代表了某种典型性格,但是我想说这两位,是最后这出闹剧转变为悲剧的最关键人物.一位是那个结巴,他害怕护士长将他的陋行告诉给他妈妈听,竟然自杀了.这充分暴露了护士长冷漠森然的那一面,也直接导致了主人公冲动地上前紧扼护士长的脖子.而后,这出悲剧就正式开始了,主人公被人送到病房时,已经变得完全地痴呆了,一个飞扬跳脱的造反者,一个不疯的家伙最后因为挑战权威就这样被弄疯了.之后,另一个关键人物,那位高大的装聋作哑好多年的酋长又出现了,他扼死了他唯一的好朋友——主人公,原因只是他要沿着主人公所指明的那条路逃离疯人院,而“没有你,我不愿意走”,他这样说道. 主人公木然地望着酋长,而后被酋长用枕头闷死.他手舞足蹈了一番,最后就再也不动弹了. 让我们记住这个神秘地负载着象征意义的酋长先生.他身材高大,他能搬得动大理石水池,他却足够世故,在疯人院里不声不响地装聋做哑许多年,唯一有力量开辟道路的是他,而他却没有第一个这样做. 这最后二十多分钟,将整部电影推向了高潮.悲剧的面目终于显露在观众面前.到底在这个疯人院里发生了什么,使得一个活生生的人最终变成了一个疯子,而到底又是什么使那位最后沿着主人公开辟的道路逃走的人将病蔫蔫的主人公活活的闷死在床上了呢?还有,那些疯子,他们虚弱,脆弱,需要帮助,他们该不该获得帮助呢? 在最后关头,导演给了我们一次大清算,一次完整的总结,为我们结束一些疑问,更为我们提出了无数需要深深思考的问题.这些新的疑问,是建立在观众强烈的心理共鸣上的.当酋长将枕头伸向主人公时,我不认为有任何人能在此时保持冷静,这是多么荒谬却又多么合理的一个场景啊,一个朋友、战友,将凶器伸向了倒下了的先行者. 这即是前文中我所提到的艺术精品在情感上所能给受众带来巨大的灵魂震撼. 这并不是一个简单的喜剧,导演在向我们传达什么哲理呢?每个人有每个人的看法,我不想再多说下去了,我只希望大家也看一看,然后和我一样向好莱坞导演致敬. 最后说一句吧,这部片子应该拍得挺早的,那时候还是冷战时期吧?!我个人认为,这片子有点影射苏联阵营国家政治生活的意思.
好莱坞电影中的典型特点
一、经典好莱坞电影叙事的形成和发展完善之路 “好莱坞”有几种界定方式：最宽泛的是指美国电影业，包括不同城市、不同规模的电影制作和发行公司；狭义的“好莱坞”是指“七大金钢”公司（俗称“主流片厂”，包括时代华纳、迪斯尼、福克斯、派拉蒙、环球，哥伦比亚、米高梅）；地理概念的“好莱坞”是指大洛杉矶市当中的一个镇，山坡上有个巨大的“好莱坞”（Hollywoodland）字样，但只有派拉蒙一家主流片商坐落该市。
以时间坐标来看，“好莱坞”大约从1904年起，叙事形式（剧情片）成为电影产业中最突出和最重要的形式。
这时，好莱坞开始成为世界电影工业的强势力量。
1908——1927年是经典好莱坞电影的发展阶段。
1910年左右，许多电影公司开始迁往加利福尼亚州洛杉矶的一个小镇，好莱坞成为电影公司的主要聚集地。
到1920年的10年间，许多小公司逐渐合并成为一些大公司。
在这种大众化生产体系的制片厂里，美国电影开始形成了完全倾向叙事形式的电影制作。
爱迪生公司的一位导演埃德温.鲍特是第一个运用叙事连贯性与发展的原则来拍片的导演（相对于早期的杂耍式小喜剧的影片，是一种前古典的叙事电影）。
鲍特的影片（1903），片中我们看到一对母子被消防员救了两次，一次从屋里拍摄，一次从屋外拍摄。
虽然该片运用了一些重要的经典叙事因素（如一个消防员预感火灾将发生，一连串拉着警报的消防车开到现场的镜头），但鲍特在当时还没有认识到应当如何运用两个镜头的交错剪辑，来传达给观众一个完整的故事与剧情。
鲍特的另一部电影（1903）则可以称为经典好莱坞电影的原型。
剧情发展已经具有清楚的时间、空间和逻辑上的线索，从劫匪开始抢劫到最后被歼，观众可以清楚地看到一步步的发展。
好莱坞导演格里菲斯的影片（1915）和（1916），其叙事语言的开创性具有让电影可以和音乐、戏剧、小说等门类一同站在艺术品的行列里的划时代的意义。
这两部影片已把一个场景分成几个镜头，交叉运用远景和大特写，并且他赋予了这些手法强烈的动机或理由。
在情节处理上已不仅是简单交代救援者与受害者之间的救援行动，而是发扬光大为经典的“最后一分钟营救”。
格里菲斯把剪辑句法的基本要素变成精确有力的语言，被电影学者叫做“经典剪辑”。
经典剪辑用剪辑来增强戏剧效果，而不是只达到一些纯粹表面的目的。
并且把动作分为一系列镜头，仔细选择和安排远景、中景、近景镜头，并不断改变观众视点，是主观的连续性，即包含在连起来镜头中的联想。
用一个比喻来说，汽车在早期已经具备前后四只轮子，一只方向盘，驾驶仓等一直到今天汽车基本不可或缺的要素。
格里菲斯的电影对于电影叙事，尤其是经典好莱坞电影的叙事就是那四只轮子和一只方向盘。
到了无声电影的尾声，也就是20年代末期，经典好莱坞电影已经发展出相当复杂的格式，声音和色彩等电影新技术的出现也对经典好莱坞电影的叙事产生了显著的影响。
30—40年代经典叙事的好莱坞电影达到高峰，并很快风靡全球。
60—70年代在经历了漫长的低谷时期之后，好莱坞电影工业完成了向新好莱坞转化的过程，又迎来一派繁荣。
出现了一批被称为“电影业的小伙子”的年轻导演，他们对经典好莱坞叙事传统充满了敬仰之情，他们遵循经典电影类型片样式，但又加入了许多个性化风格。
高科技的运用也更加丰富了好莱坞电影的叙事手段。
弗朗西斯科.科波拉（1972）；乔治.卢卡斯（1977）；斯蒂文.斯皮尔伯格（1975）；马丁.斯科西斯（1976）等等是这一时期的代表。
值得一提的是马丁.斯科西斯，他是典型的从小看好莱坞电影长大的一代人，深受好莱坞电影文化熏陶，同时又是在好莱坞统治下的美国电影界生存，他可以娴熟的把经典好莱坞电影叙事手段运用到自己的作品里，讲出一个又一个经典的好莱坞的电影“好故事”，同时他把理念和思考蕴含于故事之中。
首先有一个让观众满意的故事，然后观众再考虑去接受导演所要表达的思想，即由感性到理性，讲故事一直是他传达感情和思想和有力武器。
斯科西斯的影片中还运用了许多大胆的新技法，大量的跳接，突如其来的定格，和许多大胆的特技，这是传统好莱坞没有的。
但这些技法以观众认知为基础，具有巴赞所说的“逻辑性”，所以仍然保持了观众的幻觉。
与欧洲许多导演不同，他的电影仍是观众视点，他在观众视点和导演视点中间找到了一个很好的平衡点。
他们否认那些“隐而不见”的叙事和“消极”的看片的经典原则，他们极力张扬个性化的艺术创作，也许斯科西斯们的探索正是当代电影发展方向和经典好莱坞电影的未来走向。
美国著名电影史研究专家罗伯特.艾伦和道格拉斯.戈梅里合著的指出：“自本世纪以来在西方占主导地位的电影风格被称为经典好莱坞叙事风格。
这个术语意指电影元素的一种特定组构范式，它的整体功能就是以一种特定的方式讲述一个特定类型的故事。
经典好莱坞电影叙事包括一条连续的因果链，动因是某个角色的欲望或需求。
通常的解决方式就是满足那些特定的欲望或需求……经典好莱坞风格的历史重要性在于到20年代后期，好莱坞风格作为叙事影片创作的独家风格已为世间大多数人所接受。
其他风格则被好莱坞风格的阴影所遮没，并且要在好莱坞风格所建立的标准面前受到评判。
对于电影史学家来说，好莱坞风格提供了一种在历史上可以界定的标准，一种美学参照系。
其他风格将被联系于这种参照系加以评估，参照系内的影片和影片创作者亦会因之而确定各自的位置。
显然，经典好莱坞电影的“整体功能就是以一种特定的方式讲述一个特定类型的故事。
”而这种“特定的方式”就是三四十年代风靡一时的戏剧化风格，并进而形成了好莱坞全盛时期所特有的类型电影，使得好莱坞影片可以归纳为一个个“特定类型”。
因而经典好莱坞电影曾经也被称为“戏剧式电影”。
二、经典好莱坞电影叙事结构策略 西方戏剧在舞台上讲故事已经有几千年历史，早在古希腊戏剧就已经开始形成完整的5幕式戏剧结构（序场Prelude、开场Introduction、发展Development、解决Resolution、尾声Epilogue）。
经典好莱坞影片很“霸道”的把借用这一结构样式讲故事的电影结构方法归入自己名下。
当然戏剧按照冲突律结构剧本，虽也适用于电影剧作结构，但“电影在应用这一定律时必须注意一些重要的特殊条件。
”（美国电影和戏剧理论家劳逊语） 在经典好莱坞叙事结构中还有一种以序曲、主题、第一主题变奏、第二主题变奏、主题再现、尾声这一交响乐为蓝本形成的“电影交响乐结构”方式，本文不做展开了。
1、序曲和尾声。
古希腊戏剧多在广场集市上演，人来人往环境嘈杂，序曲的功能是等待观众，帮助观众情绪沉静下来。
序曲往往既没故事也没人物，只有音乐。
尾声的功能是让观众平静的回到现实。
六十—八十年代好莱坞电影倾销年代，电影放映前广告已放映一会了，所以电影往往从第一个画面就开始进入故事。
中国导演张艺谋的影片第一个画面巩俐就开始讲话了，就是一个例子。
尾声则由于故事已结束，就是让观众等灯亮起来的作用，也被很多剧作者和导演所舍弃。
早期经典好莱坞电影都是严格按5幕式进行结构的，八十年代以后的叙事结构变成了没有序曲和尾声，只有开场、发展、解决的三幕式成为主流。
这一演变不是美学因素造成的，而是环境造成的。
2、“起、承、转、合”。
中国古典派在文章结构的讲究上有“起、承、转、合”的概念。
这个结构故事的总结和经典好莱坞电影叙事结构开场、发展、高潮、解决有着神似的相象。
开场（Introduction）,在这一部分中编导的主要目的在于“破题”，即介绍剧中明星人物并介绍他的对手，设置一个矛盾或危机。
开场要求“开门见山”，是在富于动作性的冲突中展开的。
任何叙事艺术都以写人为中心，这个“冲突”往往体现为性格的冲突。
开场部分应当以交待清楚重要人物之间的性格差异为要务，并且还要点明叙事的重心和基本情景。
典型的方式是在开场时，尽量以连续发生的情节动作来吸引观众继续看下去的好奇心。
这种情形，可用“让观众陷在剧情中不能自拔”来形容。
观众会在已呈现的事件当中推测可能的原因。
经典好莱坞影片《魂断蓝桥》的开场为例，便是在富于动作性的冲突中展开的。
男主人公罗依和女主人公玛拉在第一次世界大战乱糟糟的空袭警报中相见了，这是大情景。
罗依是马上要上前线的军人，玛拉是一家纪律严厉的芭蕾舞团的演员，这是小情景。
这些基本情景都不允许他们相爱。
罗依是个浪漫贵族出身的军人，玛拉是一个平民之家务实的姑娘。
罗依取走玛拉小护身符，没出席上司的宴会，却跑去观看玛拉演出，并把她私约出来，两人在“烛光俱乐部”约会。
一个主动一个被动，还有英国传统社会传统等级观念的重压。
这个开场部分就让性格冲突接火交锋，为未来冲突建立依据，也为悲剧性结局奠定了合理、可信的基础。
发展（Development）,也叫“纠葛”，着重展示矛盾纠葛如何加强剧中英雄的困难与危机。
不仅要展示剧中正反主人公的能量和目的，还要着重刻画剧中人物所面对险恶的环境。
影片《魂断蓝桥》发展部分有五段戏，孤立起来看，各成段落。
认真分析，上一段是下一段开始，下一段又是上一段的必然继续。
另一种说法是前一个是下一个的准备，下一个是前一个的高潮。
《魂》片作者正是按照“冲突律”的法则，经过仔细设计和安排，错落有致地把各个部分组织起来，以达到矛盾深化的目的。
由于矛盾的不断深化，便也造成了戏剧艺术必需具备的那种紧张感。
这种“紧张”必须逐渐加强，不能让它松弛下来。
困难点要越来越难才好看。
姐姐反对完，妈妈反对，爸爸再反对，这是琼瑶剧常见的败笔，同一性质的反对张力一样，这就不是层层递进的紧张了。
阿契尔在《剧作法》一书中说：“戏剧的秘密的最大部分在于一个词“紧张”。
而剧作家技巧的主要内容就是在于产生、维持、悬置、加剧和解除紧张。
” 经典的发展结构为了不断加强这种紧张感，往往要遵循一条原则，即按照情节发展的逻辑，顺序地把来龙去脉交待清楚，是剧情能够以步步相逼的发展威势，奔赴高潮。
它必须按照因果关系，把段和段、场和场，循序渐进地、承上启下地、合情合理地连接起来。
大部分的情节发展模式是：因果关系通过不同方式改变角色的境遇。
最普通的一种就是——所知信息的变化。
经常，角色在剧情发展过程中获得了某些信息，其中有一些在剧情转折时起到了重要作用。
此外还有目标引导的模式，及它派生出的找寻模式和调查模式等。
时间与空间也提供情节发展的不同模式。
经典发展模式强调戏剧的整体性，表面上合理的动机，各个组成部分的连贯性。
每一个镜头都不露痕迹的过渡到下一个镜头，力求使动作顺利地开展，造成一种不可避免的感觉。
为了增加冲突的紧迫感，有时会加上某种最后期限，从而强化感情。
尤其是在早期经典好莱坞电影中，经典发展模式往往有两条情节线索，与主要的动作线索同时展开一个罗曼蒂克的爱情故事。
在爱情故事中，一对次要恋人与一对主要恋人同时出现。
高潮（Highest Point），电影叙事中的高潮是指戏剧性进展（在情绪、剧情、力度方面）最高点。
经典好莱坞电影叙事高潮并非必然是一场激烈的戏，只需要情绪激烈就行了。
在希区柯克的《精神病患者》那场经典的淋浴凶杀戏中（第一幕最后），凶残、血腥的表现远比最后在地窖中发现母亲尸体要多。
高潮也更不一定是一种戏剧性突变。
相反，高潮完全可以是一次意料之中的、期待着的对抗。
例如经典类型片中的西部片和侦探片中，表现为主人公和对手公开发生接触对抗。
一方胜利、一方失败。
经典好莱坞叙事结构中的高潮往往是结构的顶点，是冲突从量变到达质变的时刻。
在《魂断蓝桥》中，如果说发展部分还只是矛盾经历着量变的过程，那么，当一直作为伏线处理的“等级差距”这一新的矛盾突现出来时，促使原有的矛盾产生质变，形成了全剧的高潮：玛拉作出了最后的抉择，她奔向罗依母亲的房间，向罗依母亲剖白了自己的不幸遭遇，在高潮这一时刻里，人物往往将其精神本质最鲜明地表露出来。
高潮时刻的玛拉个性鲜明夺目：她是一个受正统观念深深束缚，一个肉体虽遭污辱而心灵至纯至美的女性。
在高潮这一时刻里，体现在整个冲突中的两种力量，谁胜谁负也已被确定：在纯洁爱情和传统观念较量中，玛拉终于失败了。
西方的画作总有焦点最中心的地方。
西方的画作很自然的就能把欣赏者的目光引到视觉焦点上，这是其技巧的必然。
与之相对应的，往往一部两小时片长的经典好莱坞叙事影片在其时间的正中点：一个小时的时候，会有一个重要的转折，那就是“次高潮”（1st culmination）。
解决（resolution）,高潮之后的部分，是矛盾冲突的结局。
原则上，任何叙事都会走向结局，结局往往意味着故事中所展示的矛盾冲突，获得了解决（至少作出了解答）。
大多数经典好莱坞叙事影片都会呈现一个封闭性的结尾，不留下任何未解决的问题，寻找一个最后的结果来完成因果链。
观众通常会知道每个角色的命运，每个秘密的答案和冲突的结果，更重要的是，这些特征都并非叙事形式所必需。
按照经典的传统，在喜剧中是婚礼或舞会，在悲剧中是死亡，在一般戏中是团圆或恢复正常生活——结束。
最后一个镜头出于它的特殊地位，往往是某种哲学概括，总结前面这些素材的意义。
3、好莱坞最新写作观念——搭桥式 美国学者托马斯.沙兹在《旧好莱坞\\\/新好莱坞:仪式、艺术与工业》一书中指出：“好莱坞制片厂实际上逐渐把影片生产的每一个阶段都标准化了，从叙事的构思到最后影片投放市场。
”好莱坞这种标准化的制作是与好莱坞观众密切联系协调的结果，是一种对观众集体价值和信仰的应答手段。
市场的成功必然鼓励重复，而任何叙事模式，甚至在电影叙事一般语法中的一个孤立技巧的演变，也都是制片人和观众之间持续进行交换的结果。
观众的反应最终决定了一个故事的叙述范式或技巧是否需要重复或者进行更改，并最终在电影生产系统内加以成规化。
我们来简略的浏览一下经典好莱坞电影生产要经过的几十道工序：首先由制片人提出拍片意图，交编剧部门编造故事，确定情节，再到“噱头部”增添笑料，补充滑稽场面，次要情节，然后便到专门设计对话的部门写出对话。
剧本定稿后，交由总导演分配给负责各个场面的分导演，安排协调调度…… 由此我们可以看出，一部经典好莱坞叙事剧作的创作并完成，并不像一幅画作或小说往往由一个人独自构思创作而成，而是一个集体进行的项目。
比如小说的结构并不重要，小说家信笔写来的多，读者对小说阅读是乱翻也能看懂的。
而电影，尤其是经典好莱坞电影是线性叙事的，故事结构必须很严密，要严丝合缝才行。
好莱坞不同工序的编剧们是靠什么来结构出叙事的框架的呢
看了对下面一张图的解读，我们可以得到这样一个答案：好莱坞的编剧们更象一群盖大桥的建筑工程师。
他们新开发的剧作法叫“搭桥式”。
故事进入点 次高潮 高潮 Ⅰ Ⅱ Ⅲ 序幕 开场（破题） 发展（纠葛） 解决 尾声 第一个桥墩 第二个桥墩 （动机） （目标） 我们知道盖一座桥并不是从河的一边垒到另一边，而是先垒起中间承重的桥墩，再搭两边桥板。
好莱坞的“工程师”们结构剧本也同样不是由头写到尾的，而是先找到图中所示的“动机”和“目标”二个桥墩。
从这里开始建立全剧的叙事结构。
第一个桥墩是故事的进入点，“工程师”们苦思冥想的是找到怎样一个“意外”造成故事进入。
在第一个桥墩首先他们要解决的是主人公的动机问题。
经典好莱坞影片的叙事中，主要由心理因素引发的剧情因果链几乎是所有叙事事件的动机。
第二个桥墩在全剧的高潮，这里是主人公的目标所在。
只有这两个部分扎扎实实的想明白，看透了，结结实实垒起来，才可以由此而开始铺展桥面。
这就是“搭桥法”的核心之所在。
这个方法虽然匠气，但对于结构一部经典叙事的好莱坞影片又是很实用的办法。
以前一本影片的胶片长度是10分钟，一部120分钟的好莱坞电影就是12大本胶片，一部影片也就是由12个事件来组成，这就是机械性的习惯，也是暗藏在观众心中的习惯，即10分钟一过就期待下一个事件。
建桥的工程师挑选建桥的材料要权衡长短尺寸和重量。
好莱坞的“工程师”们则以时间为单位裁剪素材，长于10分钟完成的事件，15分钟减掉5分钟就好了，不足的补齐就OK了。
时代的进步，现在电影观众的欣赏节奏加快，要求6-8分钟要完成一个小事件，这样一部120分钟的影片要求有16个左右小事件组成。
“工程师”们修改润色剧本总是从小的事件的裁剪入手的，然后再去分析大的结构，以是否匀称为好的标准。
这是好莱坞剧作“工程师”们把握节奏最简单而有效的办法。
三、经典好莱坞电影叙事技巧策略 1、 蒙太奇技巧：美国电影导演格里菲斯在《一个国家的诞生》等影片中创造性的在场面之内进行大量的切换，直接把戏剧性空间解构，然后重新组合以适应观众的思维和情感参与，并由此发展出后来成为经典好莱坞叙事的一种拍摄和剪辑语法：用主镜头或交待镜头建立一个故事的发生地点，然后，当动作发展时，切至人或物的中景，在戏剧性高潮时用特写来吸引观众的注意力。
很显然，这种叙事蒙太奇是建立在观众对事物理解的心理逻辑之上的。
因此容易被观众所理解和接受，或者说，观众在不知不觉中接受了电影的叙事而对其中蒙太奇叙事技巧却习焉不察。
这种把自身隐藏起来的正是一种所谓“透明”的叙述。
这种叙述方式造成了观众的幻觉，使他们相信好莱坞的那些传奇。
2、 观点选择：经典好莱坞观点包括主观（subjective）、客观（objective）、绝对客观（absolute objective）、全知观点（omniscient）、作者观点（author’s）、多重观点（multiple）、复合观点（combination）。
经典好莱坞电影的叙事众多技法中最明显的倾向是采用“客观化”，意即呈现一个基本的客观故事，在此基础上穿插人物的“知觉主观”和“心理主观”视点。
因此，经典好莱坞叙事电影通常都用非限制型的叙述手法。
即使观众只注意一个人物，我们也可以通过剧情获取剧中人所不了解或没听到的信息（《西北偏北》、《公路勇士》是这种倾向的好例证）。
这种手法只有在某些主要依仗神秘的类型所片（如侦探片）中才废弃不用。
经典好莱坞叙事并非一味鼓励观众对影片中主人公的绝对认同，实质上“电影最终的威力，尤其是经典好莱坞传统的威力在于主观认同与客观超脱之间，参与动作与观察动作之间的张力。
”经典好莱坞电影在煞费苦心地让观众积极实现主观认同而参与情节之中的同时，又通过精心的安排让观众置身于这些中心人物之外，让观众处于一定的审美距离而观看剧中人的表演。
这一点突出表现在摄影机的正\\\/反拍（被摄对象）镜头叙述模式和全知的叙述模式交互运用。
一方面，在正\\\/反拍镜头中，影片让剧中人直接为观众组织戏剧性空间，只有剧中人在看的时候，观众才在视觉上看到剧中所看到的物理空间，从而直接鼓励观众和剧中人物产生强烈认同，观众在某种意义上说也就成为剧情动作的参与者。
另一方面，当摄影机采取全知的叙述模式时，观众对剧情的了解就远远大于剧中人对剧情的了解，观众就实际上进入到一个和导演无意的共谋：即观众和导演都在剧中人“上面”，犹如上帝一样俯视剧中人物困境。
这时观众对剧中人物的认同转移到对导演的认同，观众从剧情的参与者转移为旁观者。
3、 角色结构谱：经典好莱坞影片的角色往往有如下几种：正面人物（protagonist）、反面人物（antagonist）、配角（supporting）、主动角色（active）、被动角色（passive）、刻板角色（cliche）、单线人物（one-string）、圆形人物（round）、扁平人物(flat)。
俄国学者费拉基米尔.普罗普在他的《俄罗斯民间故事研究》中认为故事中的众多身份，面目各异的人物却不外乎七种角色，普罗普将其称为七种“行动范畴”。
分别是：①坏人②施惠者③帮手④公主，或要找的人和物⑤派遣者或出发者⑥英雄或受害者⑦假英雄。
应该说不论是叙事电影还是民间故事，类型化的人物是它们共同的叙事基础。
经典好莱坞电影往往追求人物形象的类型化。
所谓类型人物，正如英国文艺理论家福斯特所说，就是具有单一性格结构的人物，也就是说可以用一个专有名词或集合名词便能够概括的人物。
福斯特认为，文艺作品中类型人物的最大好处就在于，读者或观众可以轻易地分辨他们并记住他们，这种类型人物善恶分明，正面人物与反面人物的界限十分清楚。
当然这种类型人物最大的弱点在于， 人物性格未免太露太浅，缺乏足够丰富的性格内涵。
好莱坞生产的大量西部片，主人公几乎都具有善恶分明的类型化倾向，无论是英雄牛仔与印地安人、警长与匪徒几乎全部都可以用类型化来划分。
4、 对白技巧：经典好莱坞电影对白有如下几种功能：带动故事情节；表现角色内心；介绍源由、背景、过往；定下调性。
讲几点编剧们写对白时小心的地方。
不要出口成章，小心佳句，单看很好，放角色口中则不好。
激动时不可说明白话。
要人说人话，不要太完整。
“一个破碎的我怎么去拯救一个破碎的你，，，，”这就是一句日常口头不会说的话，写成对白是败笔。
舞台上长篇大论的对白用的多，放到电影里要小心。
《苏菲的抉择》和《德克萨斯州的巴黎》两片中都有长达十几分钟的精彩的长篇对白，它要求首先演员要棒，其次故事要堆叠到那个情绪和意境才可以。
对白还可以用来转场，也能构成沟通。
对白勿与视觉重复，但可与视觉相辅。
好莱坞编剧们最老套的对白的信念：最后一句话最有力。
5、节奏的控制：文章的作者控制文章节奏的手段是段落。
电影控制节奏的办法很类似，一段电影是用开场和收场的视觉的标点符号——镜头来分段。
空镜、摇镜、淡出淡入等都可以起段落逗号和句号的作用。
经典好莱坞电影的转场有时间转场、空间转场、情感转场、空镜转场、余音戏转场等转场手段。
6、 好莱坞剧本写作程序：一般是这样的顺序构想（idea）、本事（synopsis）、角色研究（character sketch）、故事大纲（treatment）、分场大纲（scene-by-scene outline）、剧本（script）。
求，美国电影危情时刻‘’的观后感
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楼主问的是丹泽尔.华盛顿主演的危情时速吧，不是危情时刻。
看最大的感受是，你几乎感觉不到时间的流逝。
但这又是一个的故事，观众始终被巨大的危机感所笼罩着，即使我们知道这一切最后终将化险为夷，但过程中的险象环生仍然能带给人劫后余生的快感。
事后想一想，这本来不是一件什么大不了的事情，影片中虚张声势的成分很多，我相信有一千种方法能够将人送上失控的列车，但影片却采用了看似最不靠谱的一种，但这个故事中所蕴含的巨大冲击力让我们忽略掉了剧情上的漏洞，而去尽情地享受这个过程。
中的商业元素和制作技巧融合得十分充分，影片制胜的关键在于节奏，累积的危机效应裹挟着剧情如自由落体般以令人窒息的速度向前发展，摄影和剪辑都极具冲击力，这其中配乐对张弛有度的节奏起到了至关重要的作用，高节奏的事件主题和优美舒缓的人物主题错落有致、交相辉映，有效地调动着观众的观影心理。
在某种程度上也延续了导演托尼斯科特擅长的现实批判风格，针对以铁路公司高管高尔文为代表的以低效率、假内行为特征的官僚主义进行了无情的嘲讽，而另一方面则讴歌了以和为代表的底层蓝领工人在危机面前所表现的大智大勇和执着敬业。
同样是由扮演，这里被勒令提前退休并退休金减半的与中因捕风捉影的受贿传言而被贬谪的有着类似的境遇，但就是这样被体制边缘化的下层员工，最后成为力挽狂澜的英雄。
取材于美国发生的真实事件的《危情时速》是一部没有敌人的电影，却有着高强度的对抗性，这得益于影片高超的叙事技巧和制作水准。
其实好莱坞电影有太多的东西值得我们去学习，不仅仅是那样集大成的想象力和控制力，还有像《危情时速》这样的主旋律电影，看看他们是如何在强大而精密的商业包装下来诠释人定胜天这样传统的对抗灾难主题的。
这个差距不仅仅是表现在制作能力上的，让一个平时充当社会底层基石的普通人，在关键时刻成为撬动地球的杠杆支点，由此来传达符合主流价值观的人性主题。
谢谢采纳
