素描心得
素描头像的训练，除了要有目的性以外，还必须具有正确的观察方法和表现方法，只有在学习中自觉地按照这些 原理去做，抓住基本法则，才能较快地掌握造型的规律和方法。
1.观察方法： 当我们开始写生时，面对着模特还只是一个初步的感觉，尽管这种感受 比较深刻，但如果只停留在初步的 印象上来作画，就会被模特表面的细节所迷惑，促使你无法深入下去，有时甚至会产生一些视觉中的错觉而导致 画面的种种错误，因此这种初步的视觉感受必须深化，即从感性的初级阶段上升到理性分析的阶段，树立正确的 观察方法，其原因就是“感觉到了的东西，我们不能立刻理解它，只有理解了的东西才能更深刻地感觉它”。
在 头像写生时，始终把新鲜的视觉感受与分析研究对象结合起来，通过这样长期反复的实践，端正观察方法，才能 不断提高观察能力。
2.整体观念： 在作画时始终坚持整体地观察对象，这是头像写生训练中一个十分突出的问题。
因为在素描写生中没有任何 孤立的东西，它是秩序、综合关系所形成的和谐整体。
培养整体观察的能力，做到写生时纵观全局，这必须经过 长期严格的训练。
在作画的时候，如果我们看到什么画什么，不仅会使画面失去绘画中所必须遵守的主次虚实关 系，而且会导致顾此失被，因小失大，造成形体比例上的错误。
有一句艺术格言“画鼻子时看耳朵”，因此实际 写生时当然不可能各局部同时画，但看对象时应纵观全局，各个部分的关系以一次观察所见为标准，不能以数次 观察、不同时间所见为标准。
如画头的基本形时，就必须同时注意它与颈部和肩部的关系。
在处理明暗调子时也 是如此，有时把这分画得暗一点，目的足为了使另一部分提壳；减弱这一部分是为了突出那一部分，这些都足以 整体关系为着眼点。
总而言之，由于我们描绘的对象是一个具有内在相互联系的不可分割的整体，不论是结构关 系、比例关系、黑白关系、体面关系、面和线关系，都是相对存在，互相制约的，如果画时孤立片面地去对待， 最终必定会失去画面的整体统一。
由此可见，整体观察，它不仅是一个观察和表现的方法问题，也是一个思维方 式方法问题。
自古以来，有成就的画家，始终把整体关系放在首位，在整体关系基本正确的前提下，再求局部的精致变化 。
画局部，看整体，反复交替，互相促进。
如果局部破坏了整体，画面就会出现混乱，然而仅有大关系，没有局 部的深入刻画，整体便是空洞的。
整体的充实，足由局部精致表现来反映的，是互为因果，相辅相成的。
为了达到局—部与局部之间，以及局部与整体之间“比例关系”的准备，首先要从确定大关系人手，遵循整体— 局部--整体的作画步骤， 从大至小，由简人繁地逐步深入，同时要注意画面各局部之间的进展，始终保持相应 的关系，才能进行有效的比较检验和调整。
柯罗曾经说“我从来不急于画细节，我首先注意一幅画的大体和特征.....” 3.立体观念： 宇宙间的一切物体都是由它的高度、宽度和深度组合而成的，即三维空间。
许多考生由于缺乏关于物体的体 积是由面构成的原理，尽管他们有着正常的视觉，但只能画出宽度和高度的二维空间，却不能画出深度，把立体 感表现出来。
值得明确的是，任何物体都要以三度空间来测量，缺一不可。
在学习素描的开始，就应培养学生用立体观念去对待客观世界所有物象，并通过多种手法，把它们表现出来 。
通过反复的学习实践，使学生对这方面的要求更加明确。
因为，素描虽然也有表现对象质感、体感以及不同色 感的任务，比如画头像时，眼睛是透明的，头发蓬松而颜色较深；但它们首先都应具有立体感。
学生在开始观察 时，总是看不到它的体积而仅看到对象的不同颜色。
所以他不能把深色的受光部画亮，也不能把浅色的背光部画 深。
物体各种固有色的观念，影响他们去研究物体受光后的明暗变化。
为了便于学习，我们可以采取对石膏几何 体的写生来理解物体由面所构成的原理，这个原理对于表现其它复杂的形体具有普遍的意义。
在此基础上，树立 起在空间深度上塑造形体而不是在平面上描绘这一概念，不是轻易能够做到的，需要掌握透视知识和注意培养这 种观察认识物象的习惯，才能正确把握物体在画面上的恰当位置，做到看得立体，画得立体。
4.艺术表现： 艺术表现最主要的还是取决于作者的感受和艺术素养，取决于作者的精神表现，即内心世界的表达。
作者的 感受越深，在感情上越是能鲜明地感受到对象精神的美和形象的美，就越能进行有效的艺术概括。
如作画开始， 先观察研究，画面是强还是弱、色调是明快还是深沉等等，在感受对象的基础上，分析主次关系，前后虚实关系 ，这样由表象认识上升到理性的把握，画面上的形象就具有艺术的表现力和艺术感染力。
绘画训练是技术训练， 同时也是艺术训练，二者是不可分割的整体。
在作画实践中，描绘活动同时也是表现活动，是作画人眼中、脑中 、手下的同一件事情。
素描实践只讲技术不讲艺术，只能说是训练画匠。
造型艺术不讲艺术规律和艺术表现，就 无所谓艺术教育，更谈不上艺术创造了。
艺术表现要付诸于形式，成为视觉感受的具体形象。
画面构图的主次虚实处理，用笔的抑扬顿挫，和谐的韵 律节奏等等构成了形式美。
在学习中，各种形式美因素也是从观察、感受物象中升华出来并运用于艺术实践的。
倘若不顾对象故意摆弄玄虚，在画面上搞形式游戏，这是基础训练中不可取的。
5.素描头像与头部形体结构： 要想画好一幅素描头像，首先要认识这个形象。
怎样才能了解和掌握它呢? 这就要求我们从形象的结构特征 出发，对人物形体结构进行全面的分析理解，才会在今后学习中取得可喜进步。
素描造型的基本手段：素描造型的表现手法多种多样，在这里我们考虑再三，仅谈两种表现手法：即线条和 明暗。
6.线条：： 线条是一种明确的富有表现力的造型手段，能直接地、概括地勾划出对象的形体特征和形体结构，它具有丰 富的表现力和形式美感。
随着对象的不同，要求用不同的线条表现。
从艺术大师不同画风比较中，就可以认识到 这种表现领域的广泛性。
线条还有一种表现节奏的作用，轻重起伏波纹式线条，或刚柔相间、长短穿插、曲直弯转、抑扬顿挫的线条 ，给人以音乐的节奏感。
门采尔《轧铁工人》的画中就给我们这种心理效果。
线条在素描中不仅可以有效地把握形体，还能对所要表现的物象做出有力的判断。
素描训练无论采取哪种手 段，开始都要用线确定所有的关系。
用不同种线条来寻找形体，—用多条重要的辅助线划分比例定位置；用长直 线画大的形体关系；用切线画出小的结构转折关系；用重线、实在线表现近处和暗部；用淡线、虚线表现亮部和 迟远的部分。
在素描训练中通过对线的探索，逐渐认识线在绘画中的作用，并能通过线条创造美的造型。
7 .明暗： 明暗是表现物象立体感、空间感的有力阶段，对其真实地表现对象具有重要的作用。
明暗素描适宜于立体地 表现光线照射下物象的形体结构、物体各种不同的质感和色度、物象的空间距离感等等，使画面形象更加具体， 有较强的直觉效果。
在早期的绘画中，就有人不同程度地采用了这种手段。
到了文艺复兴时期，随着科学的发展 ，促进了这种手段的成熟，形成了明暗造型的科学法则。
这时期的三杰：达·芬奇、米开郎基罗、拉斐尔等艺术 大师的研究实践把前人的经验，发展到了一个新的阶段。
明暗现象的产生是光线作用于物体的反映，建立在物理光学的基础上。
没有光就不能产生明暗。
倘若光线射 在某一立体物体上，就不难看到不同的明暗现象。
由此可见，明暗现象的产生，是物体受光线照射的结果。
同一个物体虽然由于不同角度的光线照射而出现不同的明暗变化，但是光线不会改变对象的结构，因为对象 的结构是固定的，而光线是可变的。
所以，物体明度调子的变化，结构是主体，光线是客体。
物体受光后出现受 光部和背光部，即明、暗两大系统。
由于物体结构的各种起伏变化，明暗层次的变化是很多的。
我们把这种变化 所具有的一定规律，归纳起来称作明暗五调子，即：亮部、中间色、明暗交界线、反光、投影。
其中亮部和中间 色属于物体的受光部，明暗交界线和反光、投影属于背光部。
它们构成物体的明暗两大关系。
五调子的规律是塑造立体感的主要法则，也是表现质感、量感、空间感的重要手段。
素描造型正确地表现出 这种关系，就可达到十分真实的效果。
明暗交界线是由亮部向暗部转折的部分。
这个最暗的部分我们不能简单地 理解为一条重的线，它有宽窄、浓淡虚实等变化，其特点是由光源的强弱和物象的形体特征所决定。
我们非常重 视明暗交界线的变化，是因为它在造型中起着十分重要的作用。
明暗交界线是区别物象面的不同朝向和起伏特征 的重要标志。
暗部与反光是一个整体。
反光部很自然地统一在暗部。
过亮或过暗都会影响物象体积和空间的塑造 ，画得过亮，同亮部的中间色重复，显得孤立，影响整体协调的统一。
中间色是物体固有色中心区域，也是比较细致、复杂的，它是明暗分界线的壳部的过渡面，是个不易观察清 楚而又要认真研究和刻画的重要部分，同时，它应和暗部自然地衔接起来。
投影在塑造物体的体积感和空间感中 具有重要的作用，所以在素描学习中，应注意掌握投影的形体变化和虚实关系。
8.五官的造型特征： 为正确生动地画好这些部分，不仅要熟悉它们的基本结构和特征，更重要的是理解五官由于面部表现变化而 形成的相互关系。
不注意五官周围肌肉的变化和相互关系，表现就不自然。
眼： 眼睛是由瞳孔、角膜、眼角组成球形嵌在眼睛窝里，上、下眼睑包裹在眼球外，上下眼脸的边缘长有睫毛， 呈放射状。
上眼睑，睫毛较粗长向上翘，下眼睑睫毛细而短向下弯。
两只眼球的运动是联合一致的，视点在同一个方向上，由于头部的扭动，眼睛出现了不同的透视变化。
眼睛的形状不同，有圆、扁、宽、双眼皮、单眼皮等区别。
年龄段不同，眼睛的形状也不同。
有的人内眼角低，外眼角高；有的人内外眼角较平，观察表现应认真注意区分 。
眉毛： 眉头起自眶上缘内角，向外延展，越眶而过成为眉梢，分上、下两列，下列呈放射状，内稠外稀，上列覆 于下列之上，起势向下，内侧直而刚，并且常因背光而显得深暗，外侧呈弧形，因受光显得轻柔弯曲。
人的眉毛 形状、走向、浓淡、长短、宽窄都不尽相同，是显示年龄、性别、性格、表情的有力标志。
鼻： 鼻隆起于面部，呈三角状，有鼻根和鼻底两部分组成。
鼻上部的隆起是鼻骨，它小而结实，其形状决定了鼻 子的长、宽等。
鼻骨下边连接鼻软骨，包括鼻中隔软骨、鼻侧软骨和鼻翼软骨，鼻翼可随呼吸或表情张缩。
鼻子 的形状很多，因人而异，有高的、肥厚的、也有尖细的或扁平的等等，都是形象特征的概括。
鼻孔的形状随鼻形 而变化，特别与鼻翼有很大的关系。
嘴： 嘴，就形状来说，是由覆于上、下颅骨和牙齿之上的双唇所决定的。
颌骨和牙齿形成的弧度直接影响双唇的 曲直。
嘴形的不同，就是由颅骨和牙齿的弧线所定型的。
嘴唇由口轮匝肌组成，上下牙齿生在半圆形的上下颅骨 齿槽内，外部是呈圆形体积。
上唇中间皮肤表面有条凹，称人中。
嘴唇的表面有唇纹，各人的唇纹形状不同。
上 、下唇的活动十分灵活，彼此呼应，不仅对发音有很重要的作用，对表情也有直接的影响。
耳： 耳朵由外耳轮、对耳轮、耳屏、对耳屏、哥垂组成，是软骨组织，具有一定的弹性，形似水饺。
耳朵稍斜长 在头部的两侧。
在学习时除了弄清它的结构外，还应注意它的体积。
头部形体结构： 人的头部结构较复杂，我们应以研究造型为目的，为更好地理解头部的体积，将人的头部予以几何化的归纳 。
头部骨路是头部造型的本质所在。
它是处在圆球体和立方体之间，从整体上可以概括成一个圆球或立方体或楔 形之间的复合体。
用立方体概括头部，便于掌握头部的空间结构。
头骨有几个突出的点，我们叫它骨点。
这些骨 点通过面部肌肉显示出来。
从额头的额结节到眉弓、颞线、颧骨结节和下颌结节骨点的连接，便构成了头部不同 面的转折。
由此可以看出眉、眼、鼻、嘴是处在一个面上，耳朵是长在两个侧面上。
9.头部比例： 人的五官位置和形态特征各有差异，这是前人概括的头部的基本比例，有长三停，横五眼。
正面看人物头部 ，从发际到眉毛，从眉毛到鼻头，从鼻头到下颌等距离的三段为三停。
两只耳朵中间的距离为五只眼睛的长度。
成人眼睛在头部的二分之一处，儿童和老人略在三分之一以下。
眉外角弓到下眼眶，再到鼻翼上缘，三点之间的 距离相等，两耳在眉与鼻尖之间的平行线内。
这些普通化的头部比例只能作为写生开始时的参考，最重要的是在 实践中灵活运用，正确区别不同的形态结构，才能体现所描绘对象的个性特征。
油画创作心得
油画课程的心得体会得知这学期要上油画课以后，心情不免有些紧张。
因为它对于我来说是那么的陌生。
在此之前从未接触过油画。
我曾欣赏过无数中外优秀的油画作品，陶醉于画家笔下那灵动的线条，丰富的情感和栩栩如生的色彩，但通过这次自身的油画课实践，终于明白了任何优秀的作品都源于画家对生活的热爱和追求，对艺术领域的积极投入。
任何优秀的作品并非一朝一夕的历炼，它源于画家毕生心血的投入。
所以说，任何成功并非偶然。
通过这次的两次模特写生和一次临摹，让我从不会画油画，到会画一点油画，比想象中要简单一点。
在此之前一直都没有接触过油画，认为油画很难画，不知道从哪里下手。
但画了一幅再到第二幅的时候，慢慢的就得心应手了，就觉得油画充满了情趣。
它体现了我们做事的态度。
在绘画的过程中，不仅要仔细观察人物的外部特征，同时要准确地捕捉人物的内心世界，把握人物的喜怒哀乐，并通过造型和色彩将其生动地表现出来。
通过前两张人物写生，我认为色彩的运用很重要，一幅好的作品，给人的第一感觉应该内容丰富，感情细腻，色彩充满魅力，一开始我对于色彩的运用很生疏，尤其是人物的脸部色彩把握不好，导致调出的颜色不协调，整个人物看起来是僵硬呆板的，后来，在老师改画的过程中学到了一些技巧。
初学者的我们，太拘拟于造型，所以在绘画过程中忽略了整体的把握，导致画出来的作品缺乏生动性，但老师的绘画手法潇洒而富有活力，很注重整体效果的把握，做到形
求一篇美术学习心得 200字左右
今天我们去参观了一个特殊的画展，这个画展的主题是“童心有爱，七彩梦想”。
年少的我们，心中充满了稚嫩的梦想。
我怀揣着这样的心情，走进了位于科技宫四楼的画展展厅。
一进展厅，我便看见了琳琅满目的绘画作品：素描、水彩画、儿童画、沙画、国画，应有尽有，还有别具风格的手工制品。
一件件美丽而精致的手工作品吸引了我的眼球，但更令我叹为观止的是一副夏日荷花图，是一幅国画。
这幅画画得十分逼真：亭亭玉立的荷花优雅的站在池塘中央，淡粉色的花瓣将柠檬黄的花蕊轻柔的包住，十分美丽。
左侧一朵荷花含苞待放，宛如羞涩的小姑娘。
荷花下方，几片嫩绿的小荷叶刚刚长成，两侧的墨色的荷叶更衬托出小荷叶的生机勃勃。
一只如画龙点睛般的蜻蜓停在盛放的荷花旁，仿佛被荷花淡雅的香气迷住了，久久不愿离开。
池塘中，几条顽皮的小鱼在荷叶下嬉戏，十分生动可爱。
看到这幅画，我便想起了南宋诗人杨万里的一句诗：“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。
”我觉得，这幅画的作者想告诉我们的和杨万里一样：我们一定要做一个像荷花一样的人，出淤泥而不染，濯清涟而不妖。
这次画展，我不仅体会到了大千世界的美丽，还知道了做人的道理。
这次画展，我真是受益匪浅
速写技巧、心得与注意事项
中国美术学院社会美术水平考级中心成立于2003年4月21日，中国美术学院院长——许江。
中国美术学院社会美术水平考级中心主任——杨林。
考级中心下设专家评审委员会和考级办公室。
中国美术学院作为国内早先兴办的、学科完备、规模齐整的第一所国立高等美术院校，始终站在时代艺术的前沿，饱含振兴民族艺术的历史使命感和责任感，充满与世界艺术积极对话的理性精神，对中国当代视觉文化艺术的创新和拓展形成重要的影响。
如今的中国美术学院校园更新，理念传承，院系重组，学科拓展，实现了学校历史上的跨越式发展。
校园占地1000余亩，地跨杭、沪两市，拥有三大校区、十个学院，八千在校学生，千名教职员工。
学院在国际上与世界一 流美术院校建立了交流合作关系。
中国美术学院名家辈出，桃李满天下，蜚声海内外，可谓是艺术教育的殿堂，艺术家的摇篮。
中国美术学院在国内高等美术教育中有着重要地位，同时在普及社会美术教育、提高国民素质方面也起着重要作用。
早在1997年，我院经文化部批准，就建立了院外美术等级考试委员会，积极展开社会美术考级活动，由我院专家、教授直接参与考级评定委员会主持美术考级评定，具有极高的性。
2002年，我院被国家文化部批准为国内第一个跨省的全国性美术考级机构，由于我院在美术考级实践中，机构完善、教材齐全、教授云集、管理有序、操作规范，被社会公认为全国社会美术水平考级的笼头机构，形成一 流的中国美术学院考级品牌形象，正吸引着越来越多的考生和学子积极报名考级。
我院有一大批引领当代中国美术高端的专家教授，全院500位教师中半数为教授、副教授。
我院美术考级的考官，均为正副教授和具有研究生学历的中青年骨干教师，是我院各学科建设和科研创作的生力军，几乎都是国 家级各类书画展的评委成员。
考级中心正是以这支雄厚的教学师资力量为依托，由专业教授领衔、带领的中青年骨干教师组成评审委员会，负责对考级辅导教师的培训和考级试卷的审定。
评审委员会在评卷中，坚持标准，公正客观，以评促教，以评促学，使我院考级活动成为普及美术教育、提高全民艺术水准、培养更多我院的后备生源的有效途径。
自1997年以来，我院考级事业蓬勃发展，考生人数达数十万之多。
参加考级的人员覆盖面广，结构多样，层次丰富。
从幼儿园小朋友、中小学生，到大学在校生，从在职的人员、武警、解放军官兵、业余美术爱好者到离退休人员，涵盖了社会的各行各业。
我院考级中心的承办单位遍布全国各省、市、自治区、直辖市，达200余家。
除中国大陆以外，还有来自港、澳、台、韩国、日本、德国、澳大利亚、英国等国家和地区的外籍考生和考生家长。
通过考级活动，我院发现了不少优秀美术人才和具有一定专业水准的好作品，得到了评审委员会教授的首肯，促进大量优秀考生考入美术院校深造。
关于名人坚守的事例
写生是艺术创作中必不可少的手段。
自然界本身就是丰富多彩的，而写生是学习绘画的主要训练方法之一，也是绘画创作过程中一个极其重要的环节。
通过写生可获得第一手的创作素材，真实而又自然。
在写生中可以把研究生活、吸收传统、酝酿创作三个环节结合在一起。
走进自然、体验生活、表达情感等一系列主体与客体之间的活动，都能在写生中实现。
只有积累丰富的写生经验，真实地描绘出自己的情感和思想，表达出对自然的理解、感受和认识，才能提高艺术修养和审美能力。
人们经常说，艺术是心灵的写真，唯有真诚才动人心弦。
所以，课外写生具有十分重要的 意义。
一、美术教学存在的弊端 在美术教学中存在轻视课外写生的问题，学生依赖性大，动手能力差。
在当前的美术教学中，写生课是美术教学中的一门必修课。
但是写生课却得不到行政领导的重视，写生课时少得可怜，所谓外出写生课也流于形式，几乎变成了旅游，老师带着学生外出写 生，大多数学生都会带着相机，都不愿意直接对着景物写生，出去游玩一趟，拍些照片就回来了，学生普遍轻视写生课，许多学生的学习态度不端正也不认真，没有吃苦耐劳的学习精神。
搞创作时，学生对着照片就开始闭门造车，东拼西凑，画得杂乱无章，既没有主题，又不能感人，没有一点乐趣，也激不起作画的激情，加之绘画基本功差，作品更是枯燥空洞，显露出公式化、概念化、呆板化的弊病。
二、课外写生的重要性 1.课外写生是提高绘画创作水平的重要途径 （1）课外写生培养了我们对生活的观察力 法国艺术大师罗丹在《遗嘱》一文中说：“所谓大师，就是这样的人，他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。
” 在课外写生中，学生就要善于培养发现自然美的敏感力，把 潜伏在大自然当中的美的宝藏通过我们的眼睛给发掘出来，用手把大自然中的美给表现出来。
面对课外写生中自然的人物和风景，要求的目的并不仅仅是为了简单地再现自然，而重在对所观察景物或对象的重新认识和发现。
细心观察所要描绘的对象，要善于从现实生活中发现感人的细节。
一方面提高写生的细节刻画能力，使作品更加的深入和完整，另一方面培养了我们善于发现生活中美的能力。
大自然中的色彩、明暗、构图等细节都会使我们对自然的观察日渐丰富，日积月累，将汇集成艺术创作中的直接源泉和营养。
我国古代著名画家顾恺之曾经说过的“迁想妙得”，形象地说明了艺术从生活中汲取营养的作用。
多走、多看、多思考，用毕生的精力去学习，充实自己的知识，提高个人的品位，才能步入创作的佳境。
（2）课外写生是培养学生创作激情、提高绘画技能和创作水平的有效途径 课外写生是美术教学中最重要的训练科目。
在课外写生过程中，我们可以把研究生活、体会艺术规律、启发创作三个环节有机结合在一起。
除了能培养学生对生活的观察力之外，还能够使学生具备较高的绘画技巧及控制画面和处理画面的能力。
在美术教育教学实践中，我们经常会遇到这样的问题，很多学生心中有了想要表达的内容，可是由于缺乏足够的艺术修养及手法，想表达的东西画不出来。
这里很大一部分原因就是在各种写生课学习阶段对于绘画技法的实践不够。
相反，很多在课外写生学习阶段能够较快掌握一定绘画技巧和画面处理能力的学生，在艺术创作阶段就显得得心应手，能够较轻松地将自己的想法付诸画面上，这就是写生课的训练为他们提供了坚实的绘画技术上的基础。
艺术专业不同于其他专业，一般性规律可以从书本和课堂中得来，而在进行具体的画面操作技巧上就只有凭借个人的悟性和在大量的写生练习中得到。
（3）只有深入大自然，才能激发学生的强烈艺术创作愿望和 激情 大自然绚丽多彩、五彩缤纷、魅力无穷，让我们获得最直接、最丰富的色彩感受和最自然、最真实的美感。
这种感受和激情是单纯呆在画室里所难以取得的，它是一种带有个人真挚感情色彩和强烈乡土生活气息的审美体验。
同时课外写生和室内写生最大的区别在于，外出写生可以让画家获得一种既新鲜又兴奋的感受，作画时充满激情。
在课外写生的过程中，让我们有机会看到更多的自然景色， 投身在大自然的怀抱中。
对于生活在都市中的我们，在面对自然美景时会强烈地感受到艺术和生活的联系竟然如此的亲近，艺术创作的选择竟会如此的丰富，艺术创作的热情竟会如此的高涨
我们常常说到的“有感而发”正说明了主观感受对艺术表达所起到的巨大作用。
认真观察景物的内在美，从内心深处去感悟自然万物的美好属性，经常到大自然中去写生，丰富自己的内心世界，提高认知能力和感悟能力。
2.写生与创作的关系 对于“写生与创作”的关系，有些人会有这样的误解，认为写生只是一种训练基本功或收集素材的方法，而忽略“写生也是创作”这一重要方面，其实西方绘画面对物象写生就是创作，有时提到创作，人们往往会认可那些利用照片或素描稿一丝不苟地放大精制而成的作品，却忽略了写生创作的作品。
在课外写生中我们不仅要对客观现象、自然景物有着敏锐的感受，还要将独特的个人感受转化到画面上。
艺术家的个人绘画风格都不是凭空想象或主观臆造出来的，都是在长期的、大量的绘画作品中一点一滴积累起来的，在这其中，课外写生使得技术与思想的结合为创作的精神与思想提供了更多的可能性。
以开放的姿态，拓展的思维发挥写生方式的特性，以促进写生作品的个性化、风格化的形成。
因此课外写生成为画家个性、情感表现和表达的重要途径。
写生是对现实的一种创造性表现，其形象含有丰富的想象 力、创造力，具有美的视觉效果。
写生不等同于创作，但是创作需要的某些最普遍的规律、法则的集中表现，是从历代艺术家长期的艺术实践中提炼出来的艺术语言的规范化。
同时写生与创作是两个递进的过程，他们是紧密相连的。
对景写生、对景创作也是对“师法造化”的发扬。
3.继承我国历代绘画大师重视深入自然的写生精神 深入自然写生，在表面看来是一件轻而易举的事情，但在实际生活中却是艰难的、甚至是冒着生命危险的活动。
我们可以想一想，像宋代的画家易元吉，为了画好活生生的猿猴，他竟然冒着生命危险到深山老林里去实地生活和考察。
这种敬业精神值得我们学习。
当代的画家李可染、黄胄、刘文西等都是靠写生画出来的，他们对生活的热爱，对艺术的执著和勤奋都是值得我们学习的榜样。
三、端正课外写生态度，培养良好的课外写生习惯 大自然赋予我们那样美的景物，值得我们用生命去阅读，并 在写生中提炼意境和主题，因此，我们只有端正课外写生态度，培养良好的课外写生习惯。
回顾历史，许多艺术大师莫不是以写生作品奠定其成功的基石，因为艺术家深知“写生”是通往艺术之路的捷径――画家到大自然中去“师法自然”，培养画家良好的视觉阅历和高雅的审美能力，同时锻炼画家体会自然、观察自然、归纳自然和表现自然的能力。
培养对自然风景和环境的观察力和感受力。
因此明确了课外写生的重要性，有利于我们进一步把写生课和艺术创作有机结合起来，特别是在当今的社会环境下，更应正确地理解和把握这种关系。
作为一个画家，必须经常对自然写生，与自然亲切对话，不断提高驾驭画面的能力，使其画面不断完美。
培养良好的课外写生习惯：一方面培养写生的观察能力，另一方面积累写生的经验、观念和艺术修养。
面对自然的写生应重视对自然体验和表现，重视在单纯精炼的艺术语言中追求表现的深度。
主体与客体的有机结合，既是绘画认识和总结，又恰恰是课外写生最确切的定义。
深入生活和自然，端正对课外写生的态度，是艺术家与生活沟通的桥梁，能使艺术家更直接、更深刻地感受生活，挖掘生活的深层次内涵，也是有利于实现绘画变革的基本途径。
