我想做一套卓别林电影主题的酒吧，求卓别林电影中有哪些元素，道具和经典的场景以及经典台词等等。
其实有很多文学会影视剧品中出现的神级句子翻译，让我感觉到被感觉啊，比如说甄嬛传里面的一些台词，都是带有一些隐含意义的，所以我觉得甄嬛传这个影视作品中出现的神级句子翻译让我倍感震撼。
活着的意义是什么
享受人生，不管是艰难困苦，还是荣华富贵，都是独一无二的经历，人生，就是慢慢品味这些经历。
急求任何一段卓别林有声电影的经典独白
拜托一楼的，你起码看过《大独裁者》吧
卓别林后期有声电影：《杀人狂时代》《舞台生涯》《纽约王》《大独裁者》《凡尔杜先生》独白真的很不好找……
被称为喜剧之王的人物是谁
以下八位大师级笑匠，来自东西南北，在他们的，皆为叱咤一时的风云人物，又不乏能编能导的全才。
如今，他们多已上了天堂，但他们的经典喜剧，今天仍让我们发笑。
某种程度上，他比卓别林更伟大 巴斯特-基顿 Buster Keaton 1895-1966 在贝托卢奇的情色片[梦想家]中，两位影痴曾有一番关于基顿和卓别林孰更了不起的争论，但最终谁也未说服对方不了了之。
或许熟悉卓别林而不谙基顿为何人的观众会觉得，还会有谁比卓别林更伟大，或者说，更好玩吗
但只要你看过[将军号]，可能就会信服，某种程度上基顿确实比卓别林更伟大，因为他无须做任何动作，往那儿一呆立，仅凭一副麻木不仁的死样，就能叫你乐不可支，稍一皱眉，又能惹来一阵笑。
就因为[将军号]，基顿征服了我。
而且，基顿虽然面冷，但他的角色绝不是没有感情的，只是他所有的感情，都包含在他那面无表情的一举一动中了。
基顿生于杂耍表演世家，一生拍片无数，能导善演，是默片时代的喜剧巨星，但进入有声电影时代，事业一落千丈，晚年相当凄凉，在他后来客串出演的经典黑色电影[日落大道]和卓别林的[舞台生涯]中，都有对他惨淡晚年的真实写照，不胜心酸。
个人特色：1.因表演时永远脸无表情，人称“冷面笑匠”，但这个特点却又与他所扮演的角色常常陷入麻烦的危急状况形成鲜明对比，笑果非凡； 2.极善于运用时间差制造惊险场面，叫观众为之担忧，但因为计算精细，又让观众为他的安然无恙松一口气。
经典经典代表作：[将军号](The General，1927)、[小私家侦探](Sherlock, Jr.，1924) 说实话，我只看过基顿这一部电影，但即使距今77年，它仍然非常有观赏性，在[将军号]中，基顿的表演和惊险动作场面都绝对经典，能叫人立刻爱上这个家伙。
而片中那个火车掉入峡谷的壮观镜头，至今令人震撼不已。
一颗金子般的心 查理-卓别林 Charles Chaplin 1889-1997 一代笑匠，号称世界的“良心”，也是自电影诞生以来，声名传播的最为久远的编剧、演员和导演。
生于伦敦，父母都是小演员。
5岁便登台献艺，10岁随剧团赴美时，获喜剧明星麦克.谢内特发掘，进入好莱坞。
此时正是默片的，他在15年时间内，创造出流浪汉夏尔洛这一永垂青史的经典形象。
喜剧泰斗的地位也借此奠定。
卓别林早期风格，以制造扔蛋糕式闹剧为主，1921年的[]风向一变，以温柔之心开始悯怀人间疾苦，之后佳作迭出。
1940年，坚持拍摄默片的卓别林改变初衷，开了金口，有了自己第一部有声电影[]，锋芒直指重权在握的狂魔希特勒。
其后虽有[舞台生涯作]和[凡尔杜先生]这类杰作问世，但以不复默片时代的辉煌。
盛行之时，倾向进步的卓别林离开了给他带来巨大声名的美国，远赴瑞士。
即使这样，1972年，美国影艺学院特别颁了一座奥斯卡奖表扬他对影坛的特殊贡献。
1975年，卓别林又被英国女王伊丽莎白二世封为爵士。
个人特色：1.超想像力的身体语言，善于利用物件制造噱头，如水池、毛巾、自动楼梯、皮鞋、轴承等，笑料所及，无所不为其用；2.有声片时期，内景居多，有着明显的舞台剧风格；3.朴素的人文关怀，其影片多描写普通人之间深切的关怀。
这也是卓别林永恒和伟大的重要原因。
代表作品：[] 还是流浪汉夏尔洛，这次他又无私地帮助了一个盲女。
在她复明之后，他又开始了流浪生涯。
这是卓别林默片时期的颠峰之作，其善意的感伤没有因其无声的黑白而有丝毫褪色。
无政府主义四贱客 马克斯兄弟 Marx Brothers 尽管他们只合作了十数部电影，但仍被誉为影史最成功的喜剧团体之一，热衷于塑造或癫狂或装傻充愣的人物和表现荒诞不经的内容，并凭此独步上世纪30年代的喜剧电影界。
四兄弟年幼时受身为杂耍演员的母亲的鼓励，苦学歌舞表演，经过奋斗，1925年他们以歌舞剧征服了百老汇，4年后又闯入好莱坞，取得一定成功后又去了纽约，在30年代初期拍摄了三部被公认为最佳马克斯兄弟喜剧的电影：[骗人把戏](Monkey Business，1931)、[马毛](Horse Feathers，1932)和[鸭子汤](Duck Soup，1933)，它们的共同特点就是对极尽政治讽刺之能事，尤其是对当时崛起的纳粹党。
之后又重返好莱坞，在票房上达到了成功的顶峰，直到40年代初，之后兄弟四人各自单飞，这个传奇组合就此解散。
马克斯兄弟对今后的以多人插科打诨为特色的喜剧团体影响甚巨，甚至在恶搞动画片[]中四个以爆粗为乐的小屁孩儿身上，都能看到他们的影子。
个人特色：1.在银幕上，格罗克-马克思永远在摆弄他的雪茄，唇上还留着黑化妆油涂上去的“胡子”；2.言行极富无政府主义和荒诞主义色彩。
经典经典代表作：[鸭子汤] 马克斯兄弟最出名的电影，讲述一个虚构的美国州府陷入财政危机，于是向一位富婆借款，富婆的代价是让一位脑筋有些不太正常的家伙做州长，结果把情况弄得一团糟，为探清虚实，附近州派去几个愚蠢的侦探，随着他们的到来，混乱达到了顶点。
[鸭子汤]在历届好莱坞百部佳片排行榜中都榜上有名，其中的经典台词“我可以和你一起跳舞直到母牛回家。
如果再想想，我宁愿和母牛一起跳舞直到你回家。
”，在“”评选的“10名最伟大的电影台词”中排名第七。
喜剧实验大师 雅克-塔蒂 Jacques Tati 1909-1982 虽然一生只导演了5部电影，但这位集编、导、演于一身的法国喜剧泰斗被视为现代喜剧的鼻祖，凭低成本喜剧片[节日]一举成名，讲述了一位相貌古怪却又讨人喜欢的邮差弗兰西斯的奇遇，之后不求重复的[胡洛先生的假期]的出现更被视为喜剧电影史及至电影史上的一件大事。
个人特色：1.主人公形神基本雷同，就像卓别林的流浪汉，塔蒂自己扮演的角色则是身着雨衣、不合身宽松长裤，说话时不忘掸烟斗、烟斗不离手，与环境格格不入的可笑人物，加上塔蒂一流的默剧演出，令人捧腹不已；2.不注重情节，喜欢复杂的喜剧结构，擅长拿捏演员的搞笑表演与观众反应之间的互动；3.由于影片对现代社会的复杂隐喻，极少取得巨大商业成功，但充满实验性的现代创作手法，不仅令塔蒂成为之后导演争相效法、影响力深远的大师，更是被电影学者将之与、戈达尔等人相提并论。
经典经典代表作：[节日](Jour de fete，1949)、[胡洛先生的假期](Les Vacances de M. Hulot，1953)[我的舅舅](Mon oncle，1958)、[游戏时间](Playtime，1967) 塔蒂的作品少之又少，但几乎部部是精品，其中又以[我的舅舅]最受欢迎也最为成功。
影片继续讲述胡洛先生的故事，讲述性情单纯的他如何被盲目追求现代化的姐姐及姐夫“改造”失败的种种笑料，塔蒂以他对科技与人性所作的微妙观察，通过新旧生活模式自然\\\/文明、温情\\\/寂凉的强烈对比，诙谐地体现了旧生活的温馨亲切与现代化生活的冰冷无情，既令人莞尔又不失深意，与[]有异曲同工之妙。
一个老活宝 路易-德-费奈斯 Louis de Funes 1914-1983 这位被誉为“法国国宝”的喜剧之王，28岁进入影坛后，混了10年龙套，大大小小就演了60余部电影。
直到1954年与法国巨星让-迦本合作[穿越巴黎]，才使得这个身材矮胖、早早谢顶的中年男人一举成名。
成名后一发不可收拾，先主演了[方托马斯]系列，演一个丝毫不具备办案能力的警官。
费奈斯似乎对警察形象情有独钟，接着又主演了一套关于某宁静小区某警察局一串荒唐事的系列影片，成功了打造了“愚蠢警察”的最佳范例，这部系列也成为法国最成功的系列喜剧。
1980年，费奈斯自导自演了梦寐以求的莫里哀著名讽刺喜剧[吝啬鬼]，同样获得巨大成功。
在世界各地，费奈斯拥有难以计数的影迷，仅我国引进费奈斯的影片就多达10部以上，最著名的便是[虎口脱险]。
在法国，优秀的喜剧演员不乏其人，但若生在费奈斯的时代，就会被他的笑脸所淹没。
个人特色：1.拥有复杂生动的面部表情和灵活多变的身体语言。
喜吹口哨，做鬼脸；2.惯以一种男性少有的歇斯底里表现人物的爱憎，永远夸张，永远过火，却也永远深得人心；3.他的身体里蕴藏着极其可爱的“穷凶极恶”，将阳奉阴违、贪婪自私明白无误地写在脸上。
经典代表作：[虎口脱险] La Grande Vadrouille 1965 “打死我也不说，打死你我也不说”，费奈斯塑造的这位二战时期的指挥家，豪无职业特性。
费奈斯善于“歪曲”人物的身份和特性，带来的只是费奈斯式的天真、偏执和异想天开。
在这个人物身上，费奈斯得到了淋漓尽致的发挥，也是他获得世界声名的，最重要的一部电影。
板着脸让你笑 杰克-莱蒙 Jack Lemmon 1925-2001 在西恩-潘之前，杰克-莱蒙也曾在威尼斯、柏林和戛纳影帝，在奥斯卡影帝、最佳男配都有所斩获，戛纳还得过两次封帝，可以说这是表演界前所未有的殊荣。
1955年，杰克-莱蒙在[罗伯茨先生]中饰演一轻浮军官，获得奥斯卡最佳男配角后，奠定了他以后的轻喜剧路线。
不久，杰克.莱蒙与著名喜剧导演比利-怀德的合作擦出一系列耀眼的火花，也使杰克-莱蒙的喜剧表演进入一个更亲切更逼近人心的崭新世界。
他与雪莉.麦克琳的合作，被誉为最佳喜剧情侣。
而与好莱坞另一位著名喜剧明星沃尔特-马修的搭挡，再加上比利.威尔的执导，被誉为攻无不克的“铁三角”，在整个60年代，杰克-莱蒙曾6次成为10大卖座明星。
同时，他的正剧演出同样出色。
按比利.怀德的话说：有的人是明星，有的是演员，而莱蒙却是艺术家。
个人特色：1.生活化的写实表演，能在面无表情中制造紧张感；2.所饰人物大都为生活失意者，杰克-莱蒙赋予人物在特定情境中最准确无误的尴尬和失落；3.以正剧表演出演喜剧人物，这是杰克-莱蒙异于其他喜剧演员的过人之处。
经典代表作：[单身公寓] Odd Cupple 1968 这是杰克-莱蒙和沃尔特-马修最精彩的一次合作，两个离婚又性格截然不同的男人试图生活在一起，到头来，还是被拧成了一堆乱麻。
杰克-莱蒙在其中的表演张驰得当，游忍有余，将一个事业和爱情落入僵局的中年男人诠释的真实可信，而笑料的铺陈虽连绵不断，却又清新自如。
永远的寅次郎 渥美清 Kiyoshi Atsumi 1928-1995 共48集的[寅次郎的故事]是影史上最长寿的喜剧系列，在日本本土放映时，每每形成节日气氛，因“寅次郎”渥美清的离世，才得以终结。
渥美清生于东京上野，原名田所康雄，早期在浅草剧院当喜剧演员。
1951年进入电影界，其后10年在一些影片中扮演配角，并无特别表现。
至1961年与山田洋次合作[男人辛苦：寅次郎的故事]中的主角寅次郎开始走红，成为日本人心目中的喜神。
渥美清以其夸张而不变形的表演，质朴却朴素的表演，塑造了一个热爱家乡却又四处失恋，四处流浪的日本第一大闲人——寅次郎。
他的善良、热情和豁达，反映了日本平民最朴素最简单也是最健康的欢乐。
渥美清游历了日本的名山大川，在自然景色中求得心灵的平和。
个人特色：1.自然朴实，十足的平民特色；2，一成不变的礼帽、旧西装并内套坎肩，这身行为也为渥美清赢来东方卓别林的美誉；3.在嬉笑之余，仍能流露出一丝淡淡的愁怅。
寅次郎名言： 每当看到海边夕阳的落日，就倍感亲切呀
我这个没有用的人，每天都是在反思中度过。
每当我在日本各地旅行的时候，就会不由自主地思念起远在东京故乡的家人。
妹妹樱花她还好吗
阿博怎样了，满男还在升学的事而烦恼吧，叔叔和婶婶的身体还很健康吧
饭团店的生意还不错吧。
厂长章鱼的工厂是不是每天都在倒闭的危机中度过呀
风吹到哪里，我就走到哪里。
鬼马狂想 许冠文 1942- 香港市民喜剧的开创者，毕业于香港中文大学联合书院社会系。
大学二年时香港组建电视台，大学毕业后曾任中学教师、广告公司经理等职。
1968年与其弟著名歌星许冠杰联合出演电视剧[双星报喜]，创下当年香港电视最高收视率。
1972年被李翰祥选入主演[大军阀]，成为一线明星。
70年代末至80年代初，许冠文和许冠杰、许冠英组建许氏兄弟公司，制作出[鬼马双星]、[半斤八两]等市民喜剧佳作，屡创票房奇迹，一时风光无两，为港式喜剧建立了新的典范。
许冠文身兼编导、表演、制片等数职。
1981年编导并主演了[摩登保镖]获第一届香港金像奖最佳男主角奖，1988年出演[鸡同鸭讲]于1989年获美国拉斯维加斯国际喜剧电影节最佳男主角奖。
还和巩俐、张曼玉联合主演过正剧[中国盒]。
许冠文是香港喜剧电影旗帜性人物，淡出影坛数年后，今年又有[煎炸三包]和[父亲大人]两部新作面世。
个人特色：1.爱戴秀琅眼镜，多出演憨直斯文的好好先生；2.表演富有层次，能在喜怒快速转换之际表达人物清晰的心理轨迹；3.其电影多表现小人物的白日梦，并能善意地展现白日梦的破灭，是宽容大于嘲讽，对社会现实也多讽喻。
经典代表作：[半斤八两] 1976 韦家辉2003年的贺岁片[狂想曲]便是直接反拍许冠文这部自编自导自演的名作。
一个草台班子式的侦探社演绎了一连圈啼笑皆非的闹剧。
许冠文在这部影片里显现出他对挖掘连珠炮式笑料的超凡胆识，全片几乎无一冷场，大包袱套小包袱，接踵而至，又在笑料中反映出了当时港人急功近利，善于自我安慰的性格特征。
默片喜剧有哪些艺术特色
我们知道，电影胶片的拍摄速度是16格\\\/秒，在银幕上放映出来之后动作很快，失去重力，让人觉得夸张和滑稽，这本身就有一种喜剧效果。
即使是悲剧，如果我们仔细注意人物的行动，都会觉得有点滑稽。
因此，从某种意义上说默片更适合喜剧，或者说本身具有喜剧风格。
而最优秀的喜剧恰恰都是默片。
同时，喜剧的节奏一般都较快，适合以动作表现喜剧情境，而台词则不及动作表现力强（我们亲眼看到一个人踩香蕉皮摔一跤和别人给我们讲述某人摔了一跤，其引起的喜剧效果是有着天壤之别的），至少它会拖慢影片的节奏。
试想，如果的喜剧中有台词，会是怎么样
事实上的后期作品，如以及，我个人觉得不如他的默片优秀。
其原因之一就在于台词拖慢了影片的节奏（当然，这也与他后期脱离平民趣味等因素有关）。
简述为电影成为一门独立艺术做出巨大贡献的三个人 并叙述具体功绩
世界电影的产生和发展 （一）十九世纪30年代，电影开始了它的诞生前的技术准备期，也叫做发明期。
早在1829年，比利时著名物理学家约瑟夫普拉多发现：当一个物体在人的眼前消失后，该物体的形象还会在人的视网膜上滞留一段时间，这一发现，被称之为“视象暂留原理”。
普拉多根据此原理于1832年发明了“诡盘”。
“诡盘”能使被描画在锯齿形的硬纸盘上的画片因运动而活动起来，而且能使视觉上产生的活动画面分解为各种不同的形象。
“诡盘”的出现，标志着电影的发明进入到了科学实验阶段。
1834年，美国人霍尔纳的“活动视盘”试验成功；1853年，奥地利的冯乌却梯奥斯将军在上述的发明基础上，运用幻灯，放映了原始的动画片。
摄影技术的改进，是电影得以诞生的重要前提，也可以认为摄影技术的发展为电影的发明提供了必备条件。
早在1826年，法国的W尼埃普斯成功地拍摄了世界上第一张照片“窗外的景”，曝光时间8小时。
而在初期的银板照相出现以后，一张照片缩短至30分钟左右，由于感光材料的不断更新使用，摄影的时间也在不断缩短。
1840年拍摄一张照片仅需20分钟，1851年，湿性珂珞酊底版制成后，摄影速度就缩短到了1秒，这时候 “运动照片”的拍摄已经在克劳黛特、杜波斯克等人的实验拍摄中获得成功。
1872年至1878年，美国旧金山的摄影师爱德华慕布里奇用24架照相机拍摄飞腾的奔马的分解动作组照，经过长达六年多的无数次拍摄实验终于成功，接着他又在幻灯上放映成功。
即在银幕上看到了骏马的奔跑，受此启发，1882年，法国生理学家马莱改进了连续摄影方法，试制成功了“摄影枪”，并在另一位发明家强森制造的 “转动摄影器”的基础上，又创造了“活动底片连续摄影机”，1888年9月，他把利用软盘胶片拍下的活动照片献给了法国科学院。
在1888-1895年期间，法、美、英、德、比利时、瑞典等国都有拍摄影像和放映的试验。
1888年，法国人雷诺试制了 “光学影戏机”，用此机拍摄了世界上第一部动画片。
1889年，美国发明大王爱迪生在发明了电影留影机后，又经过5年的实验后，发明了电影视镜。
他将摄制的胶片影像在纽约公映，轰动了美国。
但他的电影视镜每次仅能供一人观赏，一次放几十英尺的胶片，内容是跑马、舞蹈表演等。
他的电影视镜是利用胶片的连续转动，造成活动的幻觉，可以说最原始的电影发明应该是属爱迪生的。
他的电影视镜传到我国后被称之为 “西洋镜”。
1895年，法国的奥古斯特卢米埃尔和路易，在爱迪生的 “电影视镜”和他们自己研制的 “连续摄影机”的基础上，研制成功了“活动电影机”。
“活动电影机”有摄影、放映和洗印等三种主要功能。
它以每秒16画格的速度拍摄和放映影片，图像清晰稳定。
1895年3月22日，他们在巴黎法国科技大会上首放影片获得成功。
同年12月28日，他们在巴黎的卡普辛路14号大咖啡馆里，正式向社会公映了他们自己摄制的一批纪实短片，有、、、等12部影片。
是第一个利用银幕进行投射式放映电影的人。
史学家们认为，所拍摄和放映已经脱离了实验阶段，因此，他们把1895年12月28日世界电影首次公映之日即定为电影诞生之时，卢米埃尔兄弟自然当之无愧地成为 “电影之父”。
（二）1896-1912年，电影从幼年期迅速成为一种艺术 早期的电影，还没有脱离刚刚诞生的痕迹，它以杂耍和魔幻术的姿态，使人们感到新奇。
从、到、、《扑灭大火》、《拯救遭难者》等影片，卢米埃尔创造了最早的新闻片、旅游片、纪录片、喜剧片等影片样式。
卢米埃尔电影最突出的特点是纪实性，它直接拍摄真实的生活，给人以身临其境之感，成为写实自然主义电影风格的开路先锋，形成了电影的纪实性传统。
卢米埃尔的生活纪实短片在持续放映了一年半时间以后，人们的兴趣就在明显的减弱，以至最后再也无人问津了，这不能不说是时代的局限和自然主义的局限造成的。
但刚起步的困境，并没有影响电影的大势所趋，另一位法国电影先驱乔治梅里爱应时而出，他使电影从一种纪实性的“活动照相”(亦称运动画面)导向了艺术电影，为电影的发展作出了许多创造性的贡献。
作为机械师，梅里爱制造了一整套机关、机器和舞台道具；作为画家，他制造了无数个布景和服装；作为魔术师，梅里爱运用了丰富的想象力，创造了许多新的特技；作为作家，他不断创造出新的剧本；作为演员，他是他节目中的重要角色；作为导演，他懂得怎样设计和调动一个小剧团。
乔治萨杜尔在《世界电影史》中说：“梅里爱天才的特征，在于有系统地将绝大多数戏剧上的方法如剧本、演员、服装、化妆、布景、机关装置以场景的化分等等，应用电影上来。
”他在这方面所取得的经验，直到今天还以各种形式保留在电影中。
梅里爱以照相的特技代替了舞台上的机械装置，同样，由于无声电影的需要，梅里爱也特为演员们发明了一种新的演技。
这种演技虽和哑剧的演技有所不同，但着重夸张，突出手势，因为它非常注意动作，而对面部表情极不重视。
影片《灰姑娘》是梅里爱戏剧电影的代表作，这部取材于欧洲著名童话故事的影片，巧妙地运用了诸种特技手法，把南瓜变成车子；把老鼠变成了马车夫，对于特技摄影的开创性运用，是梅里爱对于电影的又一个贡献。
1902年，梅里爱根据儒勒凡尔纳和HG威尔斯的两部有名科幻小说编导了著名的科学幻片《月球旅行记》。
这是他的高峰作，在电影史上产生了深远影响。
影片描述了一群身着星相家服装的天文学家到月球上去旅行的奇幻故事。
他们来到一座奇怪的机器制造厂，一些漂亮的女海员搬来一个大炮弹状的飞行器，当天文学家坐进去后，他们被反射到了月球。
天文学家们从飞行器里出来，欣赏了月球火山口附近平原的奇妙风光；他们还受到了由美女扮演的星神们的欢迎。
天黑以后，他们从梦中被冻醒，就钻进了一个大洞窟里，在里面看到了月亮神、巨型蘑菇和各种稀奇古怪的东西。
几经危险周折，他们又乘炮弹飞行器飞回地球，经过海底奇异的旅行，在一座雕像的揭幕典礼中结束。
梅里爱对电影艺术的贡献，使电影在成为一门独立的影像视听艺术的道路上向前迈进了一大步。
在这一时期，不能不提到的是拍摄了《火车大劫案》的鲍特。
鲍特在《火车大劫案》中第一次用14个场景来构成一部电影，而在此之前的梅里爱的影片都是从头到尾一个镜头。
《火车大劫案》第一次使用多场景来构成电影(严格说来它还不算真正的电影，因为那时候没有镜头变化)。
鲍特的影片里有了特写，电影史上很有名的镜头就是让手枪对着观众，在影片里已经初步尝试，但是，对这种镜头的美学功能，它的作用还根本没有任何有意识的认识，所以这只是一种自发的开始走向电影艺术的一个阶段。
在无声电影阶段，对电影发展做出了巨大贡献的是美国的格里菲斯、卓别林和苏联的爱森斯坦。
1908年，大卫格里菲斯加入了爱迪生公司，一开始时当演员，后来当导演。
从1908年到1912年间，他共导演了大约四百部影片。
在《孤独的别墅》中，他创造了“平行蒙太奇”，标志着电影已完全摆脱了舞台剧的束缚，电影的时空得到了极大的扩展。
这时期美国出现的布赖顿学派对电影艺术的发展也起到重要的作用。
布赖顿学派的代表威廉保罗在《彼卡德里马戏团的摩托车表演》中成功运用了移动摄影。
威廉逊还在《中国教会被焚化》首次成功使用了追逐和救援的戏剧式场面，以划分两头的交切手法造成剧情的渐次紧张，给其后的惊险片特别是美国的 “西部片”开了先河。
布赖顿学派的另一位代表人物GA史密士在《祖母的放大镜》和《望远镜中的景象》中，同一场景交替使用了最初的真正的蒙太奇形式，特写和远景相结合手法的交替使用对电影语言的开拓与应用作出了贡献。
此外，布赖顿学派的柯林斯和哈桥梁尔分别拍摄了《矿工的生活》与《煤矿爆炸惨案》、《囚犯的越狱》等真正描写现实生活的影片。
这一时期，被称为世界上第一座电影城的法国万森市，被誉为“世界电影首都”，拥有“百代”“高蒙”两大电影制片公司。
1903至 1909年也因而被称为世界电影史的“百代时期”。
1908年，世界上第二座影城——好莱坞也在拍摄《基度山伯爵》时初具雏形。
其时，只不过是摄影师汤马斯伯森斯和导演弗兰西斯鲍格斯共同搭建的一个小小的摄影棚，直到1913年才形成规模。
（三）1913-1926年，无声电影走向成熟 梅里爱在完成他第430部影片之后，于1913年退出影坛，最后惨死在街头。
一代巨匠在为电影艺术的发展做出巨大的贡献之后，就这样靠别了世界。
梅里爱的衰落和好莱坞的兴起，标志着电影已告别了它的幼年时期，而进入了成熟期阶段。
格里菲斯在1915年以艺术家的勇气拍摄出了世界电影史上的经典无声片《一个国家的诞生》，在1916年又拍摄了《党同伐异》。
这两部被誉为电影艺术的典基之作，标志着电影成为艺术的起始，是美国电影史上的里程碑，是当时电影水平的最高境界，也是世界电影史上的两部经典之作。
格里菲斯的不朽功绩是突破了梅里爱时期戏剧电影若干陈旧的陋习。
作为第一人，在拍片时，他让摄影机移动起来，极大地丰富了电影语言，开创性地使用了“特写”、“圈入”和“切”的手法，又使蒙太奇成为电影艺术的重要组接手段。
在梅里爱的特技摄影和英国布赖顿学派对蒙太奇的早期发现的基础上，格里菲斯创造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。
在《一个国家的诞生》里，他充分运用了他发展的特技和蒙太奇语言，影片集中体现了当时欧美电影艺术探索的成果。
这部影片在广阔宏伟的历史场景中，较好地发挥了电影艺术时空的跳跃自如的特性，同时体现了蒙太奇多线对比、交替的作用。
全片由一千多个镜头组接而成，不同景别的转换使用，灵活多变的摄影技巧，是格里菲斯在电影史上的大胆创造。
在影片中，近景及特写等不同景别的组合运用，和谐、变换，各得其所。
如大远景，他用来表现两军对峙交火的战争场面；特写，他用来表现人物的细部动作。
在拍摄三K党信马飞驰的场面时，格里菲斯将摄影机安装在卡车上，追逐奔马进行跟拍，取得了紧张、逼真、生动别致的画面效果。
一年后的《党同伐异》也是标志格里菲斯毕生成就的影片，冲破了古典戏剧的“三一律”限制，创造了开拓银幕时间、空间的“多元律”。
影片将不同时代的事件加以排比和集中，极大地丰富了电影语言，又丰富并发展了平行蒙太奇语言。
这部精典巨作，以其疏密相间的节奏，溢彩流光的画面，移动摄影的美感，宏伟开阔的大胆构思，在电影史上占有重要地位，促进了电影艺术的发展。
这一时期，电影成为艺术已有公论；另一方面，这一时期，电影已经成为一种企业，电影到此时才有了真正的艺术作品。
美国喜剧电影大师查尔斯卓别林，也是无声电影时期杰出的电影艺术家。
1914年，编导了第一部影片《二十分钟的爱情》。
接着，《阵雨之间》又问世，在这部影片中，第一次出现了流浪的夏尔洛的形象。
1917年的《安乐街》里，夏尔洛形象显示了逼人的光辉。
《夏尔洛从军记》一片标志着卓别林表演艺术的成熟。
1919年，他自己集资建厂，成了好莱坞第一个真正独立制片的艺术家。
20年代，他拍摄了一批以《淘金记》为代表的著名影片。
卓别林一生有80部喜剧电影作品，其中《王子寻仙记》、《大独裁者》、《凡尔杜先生》、《摩登时代》和《淘金记》等代表作具有永久魅力。
卓别林电影的最大特色是：具有鲜明的现实感和尖锐的讽刺性及雅俗共赏的大众化特色。
萨杜尔先生对其作品作了如下评论：“卓别林的影片是唯一能为贫苦阶级和最幼稚的群众所欣赏。
同时又能为水准最高的观众和学识渊博的知识分子所欣赏的影片”。
苏联的著名电影大师谢盖爱森斯坦是无声电影时期为蒙太奇理论的建立与发展作出举世瞩目的重要贡献的杰出代表。
1924年，他导演了第一部影片《罢工》，创造性地使用了杂耍蒙太奇，把沙俄军警屠杀工人镜头和屠杀牲畜的镜头组接在一起，使之交替出现，造成了怵目惊心的隐喻。
1905年，他导演了世界电影史上最杰出的史诗式的无声片《战舰波将金号》，成功地在影片里表现了俄国1905年革命。
该片曾多次在国际电影评选中获奖。
影片中著名的敖德萨阶梯的场面、段落，已成为影响几代电影艺术家的经典性范例。
1927年，他还导演了《十月》。
爱森斯坦的贡献在于对蒙太奇理论地阐述和艺术实践，使之成为一个完整的美学体系。
爱森斯坦的艺术特点在于将格里菲斯创造的平行蒙太奇技巧向前推进了一大步；善于运用特写表现事物的内涵；利用镜头的交切形成蒙太奇节奏，揭示人物的内在情绪；充分发挥了蒙太奇的隐喻功能 ，形成“诗电影”的传统。
（四）1927-1945年，电影作为一种艺术走向成熟 1927年是电影史上具有划时代意义的一年。
《爵士歌王》影片的诞生标志着有声电影时代的来临，同时也是电影走向成熟期的标志。
声音使电影由单纯的视觉艺术，发展成视听结合的银幕艺术，实现了电影史上的一次革命，极大发展了电影的本性，为电影艺术开拓了新的天地。
有声电影从问世到推广，大约用了五、六年的时间，原因有认识上的、经济上的和技术上的。
特别是一批有名的电影艺术家，留恋无声电影时期的美学原则，过多挑剔了刚问世的有声电影的一些弱点。
但是，随着电影艺术家对声音控制运用能力的增强，以及录音设备、技术条件的改善，有声电影才得以正常的发展。
声音进入电影之后，蒙太奇不仅是画面组合，同时也扩展至声画的对位或对立，因而丰富了蒙太奇的内涵手段。
有声电影取代无声电影，是符合电影发展的客观规律的，也是有其客观必然性的，因为有声电影的诞生标志着电影走向艺术真正发达的时期。
1933年以后，由于技术的进步，电影制作中同期录音得以改为后期录音，电影摄影又变得灵活而富有生气了。
同时，蒙太奇理论和手法都有了较大的发展。
苏联电影大师普多夫金在拍摄《逃兵》一片时，就曾用声画对位和对立的配音方法来加强影片效果，使观众耳目一新。
1935年，马摩里安摄制了世界上第一部彩色故事片《浮华世界》。
彩色胶片的发明，使得电影艺术又进入了一个新的发展阶段。
声音和色彩促使电影更趋近于自然。
有的电影创作家，在一部影片中交替使用彩色片和黑白片，因而收到了特殊的艺术效果。
彩色电影的问世，标志着电影从诞生发展达到了完善成熟的发展时期，从此电影艺术进入了新的发展阶段。
（五）1946-1959年，电影艺术进入了重要的发展时期 这一时期，世界电影呈现多头并进的曲折发展时期。
美国电影在战后一段时间里，在世界各地受到了冷遇；战后的苏联及其东欧国家形成四足一方，大体沿着社会主义现实主义的传统轨道缓慢发展。
艺术创作受教条主义和庸俗社会学的影响，少有突破和进展。
这一时期，苏联的一些电影工作者拍摄出了一批有感情冲击力的战争片和有一定形象感染力的人物传记片。
如《青年近卫军》、《攻克柏林》、《易北河会师》、《米丘林》、《茹科夫斯基》、《海军上将乌沙科夫》。
在斯大林逝世后，苏联电影在解冻文学的思潮影响下，开始走出僵化的模式。
继1957年卡拉托卓夫《雁南飞》以后，苏联电影便出现了再度大发展的局面。
西欧的电影大国，如英、法、德、意，构成当时四足并立的另一极。
战争留下的阴影和经济困难的制约，西方电影进入特殊的时期，在困难和对手挑战下，不仅没有委缩，反而刺激了西欧现实主义电影的繁荣发展。
在东方，主要是日本、中国、印度的电影出现了长足的新发展，并先后进入了世界大国之列。
日本电影在东方起步较早，二战期间日本电影步入歧途，而战后不久便获得新生。
尤其在1950年黑泽明的《罗生门》以后，日本电影引起了世界的关注。
印度电影在三十年代开始也有了较好的狭窄的发展。
进入本时期后，印度电影因受意大利、法国和苏联电影的影响，逐渐从追求豪华的音乐歌舞片而转向现实。
1953年，拉基卡普尔导演的《流浪者》和比麦尔洛埃的《两亩地》等影片标志着印度电影的新面貌。
在1955年，印度影片产量达285部，仅次于日本成为世界第二位。
现在，印度电影每年产量多达700部左右，成为世界电影产量第一大国。
这一时期世界电影史上有着重要影响的是意大利的新现实主义电影。
新现实主义电影中心代表人物是意大利《电影》杂志反法西斯影评家巴巴罗桑蒂斯和柴蒂尼等。
出身于新闻记者和作家的年青导演是他们的响应者，主要包括：德西卡、罗西里尼、维斯康蒂、利萨尼、莫切里尼等。
他们要求建立一种现实主义的、大众的和民族的意大利电影。
他们的口号是：“还我普通人”；“把摄影机扛到大街上去”。
他们十分重视作品的真实，尽可能使场景和细节具有照相性的逼真诚，基本上利用外景和实景拍摄；不大注重讲究文法，不强调蒙太奇剪辑；主张启用非职业演员，演员在表演中可以即兴对话。
其代表作品主要有：《罗马11时》、《偷自行车的人》、《游击队》、《警察与小偷》、《大地在波动》、《橄榄树下无和平》、《米兰的奇迹》等。
新现实主义电影的特点是取材大都是意大利的真实生活的纪实性写照。
新现实主义电影在五十年代中期衰落，但对推动电影艺术的发展，是起到极其重大的作用的。
（六）1960年至今，世界电影从突破创新中走向多样化发展 继意大利“新现实主义”电影之后，世界电影史上又出现了规模巨大的第三次革新运动。
这次电影运动始于法国，自1959年新浪潮兴起，法国电影出现了一条全新的、有效的打破商业电影垄断制片的道路。
新浪潮的口号就是不要大明星，打破明星制度，不要花大价钱拍豪华影片，影片要接近生活等等。
这股浪潮蔓延到了全世界，许多国家都出现了新浪潮。
“新浪潮”电影运动是一个留下较多实绩，在世界电影发展过程中产生深远影响的电影运动。
这次电影运动以反传统为旗帜，以非理性为基本特征，是对戏剧化电影更大的一次冲击。
这次电影运动以夏布罗导演的《漂亮的塞尔杰》和《表兄弟》公映起始，特吕弗《四百下》，阿仑雷乃《广岛之恋》在戛纳电影节引起轰动为开端。
其电影艺术特征是：影片呈现全新风格、意识流和闪回镜头为一些创作人员常运用的表现手段，情节松散，众多生活事件无逻辑地以无技巧手法编辑在一起，表现人物的潜意识活动，缺乏结构上的完整性。
新浪潮后期影片，现实主义完全被抛弃，影片陷入到狂乱、神秘和颓废的泥坑。
其非理性、非情节化的倾向愈演愈烈，导致不久就衰落了，但由于声势浩大，且敢于突破创新，所以，在电影史上的影响是巨大的。
它既确立和强化了导演的中心地位，又进一步发掘了电影的特性，丰富了电影的语汇，推动了这一时期电影的全球性的大发展，真正形成了电影题材的多样化、电影样式的丰富化和电影思潮与流派的多样个性化。
这一时期全世界的电影事业出现较大的发展。
就连拉丁美洲、远东、阿拉伯世界和黑非洲电影都有了可观的发展，而过去巴西、阿根廷、墨西哥在世界电影史已占有一席之地，在这段时期，又有了新的发展，智利、古巴、玻利维亚等国电影也有了新的发展。
这一时期，香港电影发展到充斥着整个中南亚电影市场，并影响着整个大陆的局面。
所以，本时期世界电影已由过去的四足分立并进变成了全球性大发展。
世界电影发展中有两个名词必须要谈，一是好莱坞，一是奥斯卡。
上文谈到1913年好莱坞电影城初具规模，实际上当1908年摄影师汤马斯伯森斯和导演弗兰西斯鲍格斯来到这儿拍摄《基度山伯爵》时，这里还只是美国西海岸洛杉矶郊外的一个小村，这个小村风光秀丽，景色宜人，之所以被称为好莱坞，意即常青的橡树林。
自1913年建立以来，这里聚集着派拉蒙、米高梅、福斯、环球、华纳等大制片公司，支配着影片的生产以及全世界影片的上映和发行，同时，也吸引着世界各地的导演和演员去那里拍片和表演，成为美国繁华的电影城市。
好莱坞是美国电影出品的主要基地，据有人统计，生产的影片可以分为75种类型，其中我们较熟悉的有侦破片、西部片、歌舞片、喜剧片、惊险片、科幻片、抒情片，这些制片公司在电影方面大量投资，使电影事业在美国成为一种大规模的工业，取得了世界电影的霸主地位。
好莱坞摄制的影片完全是以票房价值收入为指导原则，制片人关心的是如何多赚钱，要求“把光打在有钱的地方”，“把镜头对准观众崇拜的面孔”。
因此，好莱坞的影片一般都能在商业上获得巨大成功。
这些影片十分讲究戏剧性，编织各种人在各种生活中的各种遭遇，结构紧凑、曲折，人物性格复杂、独特，情节常有误会、巧合；富有传奇、浪漫色彩，具有极大的刺激性和观赏性，能够满足要求娱乐的感官体验和心理需求。
第一部在好莱坞拍摄的电影史根据大仲马的原著改编的无声影片《基督山伯爵》，那是1908年在好莱坞的荒野上搭建的一个简陋的棚子里拍成的。
有些人把1913年影城好莱坞的奠基年，这年由派拉蒙公司在好莱坞建立了一个初具规模的摄影棚，并有当时美国东部大导演西帛.地迷尔来此拍摄《通婚着》一片，摄影棚也由此再次扩建，所以人们将这作为好莱坞的诞辰载入史册。
三四十年代是好莱坞的黄金时代，其间推出了不少传世佳作，如《乱世佳人》、《蝴蝶梦》、《魂断蓝桥》以及喜剧大师卓别林的杰作《摩登时代》、《大独裁者》等，这些影片不仅被奉为好莱坞的经典之作，而且也为世界电影史册增添了辉煌的一页；世界观众并由此熟悉了那些在银幕上塑造了一个个性格鲜明的人物形象的明星：卓别林、鲍嘉、盖博、泰勒、劳伦斯、琼.芳登、英格丽.褒曼等。
随着资本主义经济的畸形发展，好莱坞也受过种种危机，通货膨胀，制片成本大幅度提高，以及电视业的竞争，观众审美观的改变，一度使好莱坞走向低谷。
有的公司因此亏损，有些公司干脆搞多种经营，变摄影棚为旅游、展览区。
直到70年代，制片商们采用了欧洲的制片人制度，才使好莱坞走出低谷。
同时，制片商还引进新的科学技术，创造了立体声、宽银幕等电影形式；有的厂家与电视化敌为友，使好莱坞也跻身于电视界，并由此使影视事业走向繁荣。
至于奥斯卡，众所周知，每年的三四月间，太平洋之滨的美国名称洛杉矶音乐中心影星荟萃，他们在这里参加由美国电影艺术与科学学院举办的奥斯卡金像奖的颁奖典礼。
这一年一度的颁奖盛典，不仅是美国电影界的一件大事，也是世界影坛上的一件令人瞩目的事情。
在美国，最为著名的电影艺术奖由两种，一是外国记者颁发的金球奖，另一种是奥斯卡金像奖。
比较而言，金像奖更为人们所津津乐道，因为它是美国电影界的最高荣誉，一旦独占鳌头，便马上身价百倍，因此，此项大奖的竞争颇为激烈。
为什么金像奖命名为“奥斯卡”呢
这还得从金像的设计说起：金像的造型本由米高梅公司的美工师塞德里克.吉木斯构思而成，后由青年雕塑家乔治.斯坦利于1928年完成塑像的制作。
这尊金像的主体是一个男人站在一盘电影胶片上，手中紧握战士的长剑，身长34.5厘米，重3.45公斤，由铜为主的合金铸成。
因塑像呈金色，故称之为金像奖。
得名奥斯卡是在1931年，颁发金像奖之时，说来也纯属偶然：当年颁奖前夕，评审委员会的成员在一起评论金像，当时的艺术与科学院的图书管理员玛格丽特.赫里奇仔细地端详了金像后，情不自禁地叫到：“呀
他看上去真象我的叔叔奥斯卡。
”于是，艺术与科学院的工作人员便称金像为奥斯卡，这个名称也从此闻名全球了。
奥斯卡金像奖诞生至今已有73多年的历史了。
我们从中可以看到美国乃至世界电影事业的飞跃发展。
奥斯卡金像奖原定为两年评选一次，自1934年起，扩大到每年一次。
最初规模不太大，活动只限于电影界内部，且评选消息只在《洛杉矶时报》上发表，直到1953年，评奖的全过程才第一次通过电视媒介向全国实况转播，同时还增设了一项外国影片金像奖，至此，奥斯卡奖评选成为世界瞩目的一件大事。
如今，有了卫星作为传送媒介，奥斯卡金像奖的评选更是家喻户晓。
1989年3月30日，在好莱坞举行盛况空前的第61届奥斯卡奖揭晓盛典，主持人当场宣布：世界上有91个国家的十亿观众，包括第一次收看实况转播的前苏联观众通过卫星收看这次颁奖仪式。
总之，从第二次大战结束以来，电影在技术上是相当完善了，在艺术表现方面也是已经成熟了。
我国的电影理论家邵牧君在《西方电影史概论》一书中提出，电影在其百年的发展历程中，大致可以从四个阶段进行研究： 一是形成期(1895年——1927年)，从爱迪生、卢米埃尔在美国和法国发明电影之日起，经历了从短片到长片，从单镜头到多镜头剪接，从而形成视觉语言的二十多年历史。
二是发展期(1927年——1945年)。
在这不到二十年的时间里，电影获得了声音和色彩，具备了电影艺术的一切必要的表现元素。
人们对反对无声电影的经验开始了总结，并且在运用音响和色彩方面，在探索电影形象表现潜力方面都展开了认真的研究和实验。
三是成熟期(1945年至今)，电影在第二次世界大战结束后已在技术上达到了完善的地步，此后的技术发展不再对艺术表现有重大的影响。
电影从此进入了在艺术上精益求精的阶段，并在同其他艺术的关系上，从过去单纯的摹仿吸收进行到有取有舍的阶段。
此外，更值得重视的是，电影这时的不再是单纯的娱乐品，而是具有极大的社会影响的艺术门类了。
