画家陈镇庭
陈镇庭，（1898 1957年），字振庭，澄海城北人。
少有天资，四岁时能在墙上作画，读中学时对绘画更加喜爱，好学深思，积钱购画册，展玩临摹，朝夕不懈。
1939年到上海美专读书，在学期间，成绩卓著，受到刘海粟、谢海燕等画师所器重，毕业之后留为教席。
王兰若在新华艺专的时候，他通过诸闻韵先生的介绍，结识了澄海籍的学生陈镇庭，因此而经常结伴到诸先生家中作画。
与王兰若是同住一室的同班同学，天性活泼，潇洒不羁，王兰若谓其“下笔生趣，花草树木，鸟兽虫鱼，莫不栩栩如生，几欲破纸而去，其气韵生动，人咸惊叹其笔下有神也。
”他生得矮矮胖胖，安详和气。
1942年先后到泰国和越南培英学校任教，并创办“国画社”，培育人才，门墙桃李，遍及泰越。
在泰期间，多次举办画展，所得笔润，一概资助家乡福利事业，出版有《镇庭翎毛走兽图册》、《陈镇庭画存》等。
陈镇庭绘画无所不精，西画、国画皆具风格，尤以国画为最，特别擅长翎毛走兽。
学生喜欢他的美术课，最爱欣赏其画画，上课一进课室，从来不讲闲话，手指夹着粉笔，便在黑板上不停地画，不消几分钟，一池荷花，画得满室生香，几只小鸡，趣味盎然。
当你看得目瞪口呆的时候，他马上在黑板上再画一幅免费奉送给同学。
陈镇庭悉心碑帖，书法宗唐楷，尤喜欧阳询。
在其艺境中，有一种对典雅的、庄严的气格之嗜好，一切变化都是按照法度原则而表现得充分、坚实、完整、和悦，趋于尽善尽美，既不崇尚意兴，也不如少年人一般意气风发，而孜孜于法度的探求。
因此，都可算是理性的艺术大师。
《陈镇庭画存》有其所写《朱柏庐治家格言》楷书四联屏，第一幅的第一句是：“黎明即起，洒扫庭除，要内外整洁；既昏便息，关锁门户，必亲自检点。
”古人云：“一屋不扫，何以扫天下
”说的是东汉时陈蕃的故事，陈蕃整天读书，想要干一番大事业。
有一天，其父好友薛勤来看他，见到院子里长满杂草、堆积垃圾，便问陈蕃：“你为什么不打扫院子
”陈蕃回答：“大丈夫应管天下大事，而不该只考虑一间屋子。
”薛勤又说：“你连一间屋子都管不好，怎么能管理天下的大事呢
”做事要从小事做起，日出而作、闻鸡起舞，讲一个“勤”字。
日落而息，要亲自检点门户，做到处事“谨慎”。
欣赏这楷书四联屏时，可以想像其恭谨严肃、一丝不苟的态度，对例如点画之间的主次关系，穿插挪让，整体的章法等方面作了充分思考。
故用笔刚健险劲，起笔收锋应规入矩，转折提按分明，结体略取长势，撇捺舒展，重心安稳，章法疏朗，风骨清俊精劲，既有方正峻利之势，又有风姿秀雅之韵，还包含着坚实、和谐的美丽和庄严。
说一下中国的波普艺术，详细一点啦
拜托各位了 3Q
流行艺术（popular art)的简称,又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为流行的、时髦的一词（popular）的缩写。
它代表着一种流行文化。
在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。
它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。
国内从事波普绘画的代表性油画家有以下几位： 方力钧、魏光庆、刘晓东等 美国波普艺术大师劳申伯于1985年11月在北京举办个人展览后，曾深深影响了一些艺术家的创作，这也导致他们开始采用波普的方式进行创作。
例如谷文达、吴山专等。
不过席卷画坛的波普画风却形成于九十年代以后，并以王广义为标志。
但与美国波普不同，中国的波普艺术家更强调对各种具有历史与政治含义符号的借用，从而揶揄历史与政治的神话。
九十年代的波普艺术家主要分布在湖北与上海，。
比较有影响的艺术家有魏光庆、杨国辛、袁小舫、李山、余友涵、刘大鸿等。
波普艺术的大气候在中国如今已成为过去，但波普式的文化态度与思惟方式却延伸到了许多艺术家那里。
这一点，只要人们看看许多当代油画家——包括张晓刚、尚扬以及西南片的第五代艺术家的作品，就会明显体会得到。
中国波普艺术代表作品： 王广义 ： 他把时期有着浓厚政治色彩的工农兵大批判图像，直接与现实生活中最具商业流行意味的可口可乐符号相并置，从而向人们直陈出我们这个消费时代的真实存在。
在具体的表现上，王广义尽可能剔除了所谓的“绘画性”，也就是说，通过工业用磁性油漆在画布上大面积的平涂处理，使作品具有了一种前所未有的视觉冲击力。
而用橡皮图章盖上的数字符号则很好强调了时代特征。
由于对我们这个时代变化的极端敏感，也由于王广义运用波普艺术的观念成功处理了红色经验，所以使系列当之无愧地站在了中国当代艺术的前沿。
红墙-家门和顺 魏光庆：千年以来的传统封建伦理道德，对中国人的性格心理产生了意义深远的重要影响，而这种潜移默化的心理结构，在当代商品经济的大潮汹涌袭来时却显示出了它的无所适从性。
魏光庆目光敏锐地察觉到了这一变化，因此在中，他机智地将取自图像与具有禁锢隔阂意义的红墙并置，结果使作品传达出一种反思传统文化的深刻含义。
不同于艺术家王广义所创作的“政治波普”，魏光庆以其独特的文化针对性而被称为“文化波普”。
余友涵：画面用波普的方式处理了六十年代的经典照片，目的是要让人们从新的角度、新的方式看待那些已经神话了的历史性效果。
在具体的表现上，他一边将来自民间的画法与西方的硬边画法相结合，一边在画中安排了不少花朵，这不但使画面通俗易懂，也极有中国意味。
批评家沃夫格波尔曼认为他的艺术是中国式的波普艺术。
波普艺术不是以“作品”的形式来确证自己的存在的，至少，它不是被审美性地欣赏，它也用不着有以往作为一个艺术家所必需的绘画或造型技艺，它不可作为某种范本供学习者临摹，它经过大批量印刷丝毫不会造成效果的衰减，它的原作收藏不具有艺术价值，甚至它作为一种行为瞬间就消逝了，等等。
事实上，波普艺术只是一种“现象”，这种现象智慧地向人们传达了某种意义，而这个意义只是更集中、更强烈地加深了政治的、经济的、社会的、文化的等各方面已经存在的某种观念或道理。
20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。
波普为Popular的缩写,意即流行艺术、通俗艺术。
波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。
他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。
在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。
1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。
这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。
英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。
美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。
美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。
美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。
集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。
在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是(Andy Warhol，1927—1986)。
他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。
1962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。
他的绘画图式几乎千篇一律。
他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。
他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。
他的所有作品都用技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。
对于他的作品，哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。
”他偏爱重复和复制。
“我二十年都吃相同的早餐，”他解释说：“我想这也是反复做同一件事吧。
”对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。
他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。
他有一句著名的格言：“我想成为一台机器”，恰与杰克逊·波洛克所宣称的他“想成为自然”形成鲜明对比。
他的画，几乎不可解释，“因而它能引起无限的好奇心——是一种略微有点可怕的真空，需要用闲聊和空谈来填满它。
”实际上，安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复，所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉，表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。
玛丽莲·梦露的头像，是沃霍尔作品中一个最令人关注母题。
在1967年所作的《玛丽莲·梦露》一画中，画家以那位不幸的好莱坞性感影星的头像，作为画面的基本元素，一排排地重复排立。
那色彩简单、整齐单调的一个个梦露头像，反映出现代商业化社会中人们无可奈何的空虚与迷惘。
波普艺术，亦称为“流行艺术”，发端于20世纪60年代左右，以英国伦敦和美国的纽约为中心出现的一个艺术运动。
英国画家理查德·汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为：普及的（为大众设计的）、短暂的（短期方案）、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的（对象是青年），浮滑的、性感的、骗人的玩意儿，有魅力和大企业式的。
波普艺术又称普普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。
波普艺术试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。
波普艺术这个字目前已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟Laurence Alloway所提出的。
波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的延伸。
简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。
波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。
早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。
并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。
这也引起一些争议。
1960年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。
后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。
波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。
不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。
知名的波普艺术家其中包括： 理察·汉密尔顿 en:Richard Hamilton 凯斯·哈林 en:Keith Haring 大卫·霍克尼 en:David Hockney 贾斯培·琼斯 en:Jasper Johns 草间弥生 en:Yayoi Kusama 罗依·李奇登斯坦 en:Roy Lichtenstein 彼得·马克斯 en:Peter Max 克拉斯·欧登伯格 en:Claes Oldenburg 罗伯特·罗申伯格 en:Robert Rauschenberg 詹姆斯·罗森奎斯特 en:James Rosenquist 伟恩·第伯 Wayne Thiebaud 安迪·沃荷Andy Warhol 波普艺术其创作特征是直接借用产生于商业社会的文化符号，进而从中升华出艺术的主题。
它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，还使艺术创作的走向发生了质的变化。
说一下中国的波普艺术，详细一点啦
拜托各位了 3Q
流行艺术（popular art)的简称,又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为流行的、时髦的一词（popular）的缩写。
它代表着一种流行文化。
在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。
它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。
国内从事波普绘画的代表性油画家有以下几位： 方力钧、魏光庆、刘晓东等 美国波普艺术大师劳申伯于1985年11月在北京举办个人展览后，曾深深影响了一些艺术家的创作，这也导致他们开始采用波普的方式进行创作。
例如谷文达、吴山专等。
不过席卷画坛的波普画风却形成于九十年代以后，并以王广义为标志。
但与美国波普不同，中国的波普艺术家更强调对各种具有历史与政治含义符号的借用，从而揶揄历史与政治的神话。
九十年代的波普艺术家主要分布在湖北与上海，。
比较有影响的艺术家有魏光庆、杨国辛、袁小舫、李山、余友涵、刘大鸿等。
波普艺术的大气候在中国如今已成为过去，但波普式的文化态度与思惟方式却延伸到了许多艺术家那里。
这一点，只要人们看看许多当代油画家——包括张晓刚、尚扬以及西南片的第五代艺术家的作品，就会明显体会得到。
中国波普艺术代表作品： 王广义 ： 他把时期有着浓厚政治色彩的工农兵大批判图像，直接与现实生活中最具商业流行意味的可口可乐符号相并置，从而向人们直陈出我们这个消费时代的真实存在。
在具体的表现上，王广义尽可能剔除了所谓的“绘画性”，也就是说，通过工业用磁性油漆在画布上大面积的平涂处理，使作品具有了一种前所未有的视觉冲击力。
而用橡皮图章盖上的数字符号则很好强调了时代特征。
由于对我们这个时代变化的极端敏感，也由于王广义运用波普艺术的观念成功处理了红色经验，所以使系列当之无愧地站在了中国当代艺术的前沿。
红墙-家门和顺 魏光庆：千年以来的传统封建伦理道德，对中国人的性格心理产生了意义深远的重要影响，而这种潜移默化的心理结构，在当代商品经济的大潮汹涌袭来时却显示出了它的无所适从性。
魏光庆目光敏锐地察觉到了这一变化，因此在中，他机智地将取自图像与具有禁锢隔阂意义的红墙并置，结果使作品传达出一种反思传统文化的深刻含义。
不同于艺术家王广义所创作的“政治波普”，魏光庆以其独特的文化针对性而被称为“文化波普”。
余友涵：画面用波普的方式处理了六十年代的经典照片，目的是要让人们从新的角度、新的方式看待那些已经神话了的历史性效果。
在具体的表现上，他一边将来自民间的画法与西方的硬边画法相结合，一边在画中安排了不少花朵，这不但使画面通俗易懂，也极有中国意味。
批评家沃夫格波尔曼认为他的艺术是中国式的波普艺术。
波普艺术不是以“作品”的形式来确证自己的存在的，至少，它不是被审美性地欣赏，它也用不着有以往作为一个艺术家所必需的绘画或造型技艺，它不可作为某种范本供学习者临摹，它经过大批量印刷丝毫不会造成效果的衰减，它的原作收藏不具有艺术价值，甚至它作为一种行为瞬间就消逝了，等等。
事实上，波普艺术只是一种“现象”，这种现象智慧地向人们传达了某种意义，而这个意义只是更集中、更强烈地加深了政治的、经济的、社会的、文化的等各方面已经存在的某种观念或道理。
20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。
波普为Popular的缩写,意即流行艺术、通俗艺术。
波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。
他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。
在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。
1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。
这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。
英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。
美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。
美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。
美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。
集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。
在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是(Andy Warhol，1927—1986)。
他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。
1962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。
他的绘画图式几乎千篇一律。
他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。
他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。
他的所有作品都用技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。
对于他的作品，哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。
”他偏爱重复和复制。
“我二十年都吃相同的早餐，”他解释说：“我想这也是反复做同一件事吧。
”对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。
他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。
他有一句著名的格言：“我想成为一台机器”，恰与杰克逊·波洛克所宣称的他“想成为自然”形成鲜明对比。
他的画，几乎不可解释，“因而它能引起无限的好奇心——是一种略微有点可怕的真空，需要用闲聊和空谈来填满它。
”实际上，安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复，所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉，表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。
玛丽莲·梦露的头像，是沃霍尔作品中一个最令人关注母题。
在1967年所作的《玛丽莲·梦露》一画中，画家以那位不幸的好莱坞性感影星的头像，作为画面的基本元素，一排排地重复排立。
那色彩简单、整齐单调的一个个梦露头像，反映出现代商业化社会中人们无可奈何的空虚与迷惘。
波普艺术，亦称为“流行艺术”，发端于20世纪60年代左右，以英国伦敦和美国的纽约为中心出现的一个艺术运动。
英国画家理查德·汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为：普及的（为大众设计的）、短暂的（短期方案）、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的（对象是青年），浮滑的、性感的、骗人的玩意儿，有魅力和大企业式的。
波普艺术又称普普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。
波普艺术试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。
波普艺术这个字目前已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟Laurence Alloway所提出的。
波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的延伸。
简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。
波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。
早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。
并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。
这也引起一些争议。
1960年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。
后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。
波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。
不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。
知名的波普艺术家其中包括： 理察·汉密尔顿 en:Richard Hamilton 凯斯·哈林 en:Keith Haring 大卫·霍克尼 en:David Hockney 贾斯培·琼斯 en:Jasper Johns 草间弥生 en:Yayoi Kusama 罗依·李奇登斯坦 en:Roy Lichtenstein 彼得·马克斯 en:Peter Max 克拉斯·欧登伯格 en:Claes Oldenburg 罗伯特·罗申伯格 en:Robert Rauschenberg 詹姆斯·罗森奎斯特 en:James Rosenquist 伟恩·第伯 Wayne Thiebaud 安迪·沃荷Andy Warhol 波普艺术其创作特征是直接借用产生于商业社会的文化符号，进而从中升华出艺术的主题。
它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，还使艺术创作的走向发生了质的变化。
谁能告诉我关于 南北朝时期的戏曲发展
中国戏曲脸谱一般认为源自南北朝时期的代面,或是由更早的傩舞衍化而来.代面是以舞者头戴面具表演为主要特点的一种古代面具舞蹈.古人头戴四只眼睛的金色面具,扮演神通广大的方相氏,手执戈,盾,手舞足蹈,驱除厉鬼.到了宋代就有了在脸上直接勾画的脸谱,省去了代面的诸多不便.清乾隆年间,四大徽班进京演出,后逐渐形成京剧表演艺术.因为吸取了多种地方戏曲剧种的长处,京剧在脸谱艺术上也有了很大发展,成为戏曲舞台上脸谱最多,最完整的脸谱体系.京剧中小生,花旦多为俊扮,略施脂粉以达到美化的效果,其特征是千人一面,即所有生行,旦行的面部化妆大体一样,人物个性主要靠表演及服装等方面表现.而净角,丑角脸谱却显得丰富多彩,千姿百态,可以说是一人一谱,以脸谱直接表现人物个性,有多少净角,丑角,就有多少净,丑角的脸谱,决不雷同.正如戏歌里所唱:蓝脸的窦尔墩盗御马,红脸的关公战长沙,黄脸的典韦,白脸的曹操,黑脸的张飞叫喳喳……脸谱的描绘有三块瓦脸,,六分脸,元宝脸,歪脸等,大体上说,脸谱用不同的主色调表现不同的性格,红色表示忠勇侠义;紫色表示智勇稳重;黄色表示骁勇善战,性格暴躁;绿色表示侠骨义肠,性格莽撞;蓝色表示刚直勇猛,桀骜不驯;黑色表示忠耿正直;白色表示阴险奸诈;粉红色表示年迈气衰的忠勇老者;金,银色表示威严,多用于神,佛,鬼怪,象征虚幻之感.【金陵街巷】宗老爷巷清代文人描摹的南京风情【金陵文脉】程少岩 年生于江苏沭阳,从小在家乡的戏班子里学戏. 年招生,他一举考中,毕业后分配到当武生演员. 年后程少岩因演出中脚部韧带受伤,迫不得已,改行学素描,学国画,当上剧院舞台美工师.学戏少不了要学画脸谱,过去戏班子没有专职的化妆师,多半是师傅先画好半边脸儿,然后徒弟依葫芦画瓢,画出另一半儿,往往是戏演熟了,脸谱也学会了.也因此,很多脸谱没有定法,一些剧目不再演出,相关的脸谱也就消失了.程少岩在看戏时总要带块小纸片,看到一个脸谱,就在纸上临摹下来,有不足之处,顺手就在纸上加工,但总会把改动之处标记下来,日积月累,逐步积累了一叠脸谱标本集.这些成了程少岩后来创作脸谱的依据.上世纪 年代,京剧团出国演出,将戏剧脸谱作为送给外国友人的礼品,礼品很漂亮,但因为是泥胎制作,比较重,携带很不方便.程少岩由此琢磨出一个办法:用绵纸,宣纸在人脸模具上层层浸水相叠,烘干后制成半边立体脸模,然后在上面勾脸.这种纸艺脱胎制作出的脸谱形象逼真,行家们评论说:不但精美如真,连盔头,髯口一应不谬于舞台.除此之外,程少岩的布艺脸谱,彩墨画同样传神.在,南来北往的游客都能欣赏到程少岩的脸谱作品.颜少奎原名颜景真, 年生于山东省郯城, 岁那年因家道中落,他被送去济南学戏.颜少奎的聪颖好学,让老师徐泽民非常喜欢他.一次徐老师看见颜少奎用稻草裹脚御寒,便上街买了双胶皮鞋专门送给他,温暖了他无数个寒冬. 年颜少奎考进了,专攻花脸.不久在颜少奎的人生历程中,出现了一个重大的转折点.当时京剧大师梅兰芳演出需要 名靠将,颜少奎被选中,与梅大师同台演出.后来,颜少奎得到一本,内含梅大师搜集的明清时代的戏曲脸谱.从此,颜少奎在唱好戏的同时开始专攻画脸谱.年,颜少奎调入任净角演员,他一边演戏,一边画脸谱.在纸上画找不到感觉,他便和家人一起去雨花台挖泥巴,捏人头,绘脸谱.发现泥的质量不过关,他又去无锡向工艺美术大师讨教泥人艺术,甚至一次背回 多斤惠山泥.他拜脸谱大师翁偶虹为师,刻苦钻研. 年,颜少奎在鼓楼公园首次举办个人脸谱展,结果 多件脸谱作品被收藏,震惊美术界. 年,颜少奎被授予一级民间工艺美术家称号. 年后,颜少奎的戏剧脸谱远赴欧洲的法国,德国,荷兰,比利时等国展览,东方的文化艺术瑰宝让西方人为之倾倒.国家邮政总局曾专门发行颜少奎京剧脸谱邮票一套.前不久,他的戏曲脸谱被选为 年北京奥运会三个传统文化艺术代表之一.民国时期,街头巷尾,车站码头等处,到处可见简易茶摊.茶并非好茶,水亦非好水,但对忙于生计的贩夫走卒来说,却似甘霖.大桶装茶,大碗畅饮,提神解渴,好不自在.汪由 供稿长江后街是南京最为热闹的酒吧一条街.这条街几易其名,最初的名称为宗老爷巷.宗老爷巷因明末清初的官吏宗敦一而得名.这里曾是他的宅弟.宗敦一是明代四川宜宾富顺进士,崇祯年间任监察御史等职.明崇祯十六年( 年),宗敦一出任江南督学,被尊称为江右宗公.我国著名理学家,教育家朱柏庐 — 年 ,就是宗敦一的门生,黎明即起,洒扫庭除这一朱柏庐治家格言至今仍是脍炙人口.明亡后,宗敦一先后两次出任江南道监察御史,其间还出任过直隶巡按御史,山东巡按御史,顺治九年( 年)至十年( )在南京出任顺天学政.清代学政的地位较高,加提督衔,官阶与督抚平行.当时只有顺天,江南,浙江设学政,掌管各省学校生员考课升降之事.宗敦一固守封建伦理思想.顺治十年年 ,皇帝福临曾要降皇后为静妃,改居侧宫.满朝文武大臣都不敢吭声.几天后,礼部员外郎孔允樾奏言皇后万万不能废!宗敦一等十多名御史又合疏上奏:伏乞皇上收回成命.福临大为恼火,认为他们是想沽名钓誉,博得直谏名臣的声望,遂下旨斥责说:宗敦一等人明知朕已有旨令诸王众官会议,仍然渎奏沽名,着下有司议处!后来诸王贝勒大臣等遵旨会议,几经周折,终于认可了废后之举.宗老爷巷的名称从明清一直沿用到解放后.文革时期,宗老爷巷与太平北路等路统称为反帝路,文革后,易名为长江后街.陈宁骏也许是受到乾隆年间李斗的《扬州画舫录》影响,上元(今南京)文人车持谦于嘉庆二十二年( )写了一部《秦淮画舫录》.车持谦( ),又号捧花生,上元贡生.《秦淮画舫录》计有纪丽,徵题上下两卷,记述了当时 余位秦淮名伎生平小传,轶闻掌故.不过该书主要记述歌伎生活,内容单一,难与《扬州画舫录》媲美.而次年补缀的《画舫余谭》则以不少笔墨描绘秦淮河畔民俗风情,饮食商贸和戏曲百艺等状况,在一定程度上弥补了这些缺憾.乾嘉年间夫子庙一带仍为繁盛之地.在车持谦的描述中,秦淮河畔酒宴之盛,当数蔻香阁,听春楼,赏心庭院,倚云阁数家.淮清桥畔新顺酒馆酒碟鲜洁,酒味醇厚,盘馔极丰腴.这些店家所烹扣肉,焖肉,徽圆,咸鱼,荷包蛋,煮面筋,螺羹等名闻遐迩.每当暮霭将合,华灯初上,灯舫屯集于阑干外.某船某人需某菜若干,酒若干,碟若干,万声齐沸,应接不暇,秦淮鲤汲淮水烹之殊佳,船宴堪称盛极一时.鸿福园,春和园茶社位于文星阁(今魁光阁)东头,各占一河佳胜.平日座客常满,或凭阑观水,或促膝品茗,水烟,旱烟接踵而上.白云雾,龙井,珠兰,梅片,毛尖等名茶随客挑选,酱干生瓜子,小果碟,酥烧饼,春卷,水晶糕,花猪肉烧卖,饺儿,糖油馒头等食物咄嗟立办.茶食店则以利涉桥之阳春斋,淮清桥之四美斋为上,游画舫者争相购买,这些茶点乃款客馈人的必备佳品.清代夫子庙地区也是百艺展示地之一,百工技艺,戏剧曲艺,杂耍表演甚至赏花玩鸟活动缤纷多彩.天气晴好时,观者翘首伸颈,围若堵墙.文德桥畔亭阁临流,棋坛高手设局待弈,谋利为生;石观音庵香火最盛,都人瞻礼不绝;市肆摊铺则主要集中在姚家巷,利涉桥,桃叶渡头处,手绢,鼻烟,风兜,雨伞,衣服,鞋帽,披肩,头巾,花边,发髻,流苏,绒花等,所售品类繁丰,炫心夺目.仅荷包,扇套就有结子,刻丝,珊瑚,珍珠等样式,闺中之物,十居其九,故诸姬妆饰,悉资于此.由此也折射出当时江南手工业的兴旺.遇喜庆佳节,人们还在画舫竞放烟火,水鸭,水鼠,满天星,遍地锦,金盏,银台,赛月明,风车,滴滴金等应有尽有……清代南京市井生活百态历历在目.清朝定鼎后大肆推行文字狱,反映金陵社会生活的典籍著述大为减少,而车氏这些著述清丽优美,细腻传神,成了研究清代中叶南京社会风情的重要文献.周安庆随着京剧进课堂试点的展开,学京剧成为部分中小学生音乐课的一部分.在京剧表演中,脸谱是一个重要的部分,各种人物大都有自己特定的谱式和色彩,借以突出人物的性格特征,具有寓褒贬,别善恶的艺术功能,使观众能目视外表,窥其心胸.因为其独特的艺术魅力,如今脸谱不仅仅出现在戏曲舞台上,也已成为独立的艺术品.在南京,就有两位脸谱艺术家,他们让南京的京剧脸谱艺术走向世界.今年初,颜少奎,程少岩的戏曲脸谱被收入南京首批 个市级非遗项目之中.
怎样写篆书
篆书是大篆、小篆的统称。
笔法瘦劲挺拔，直线较多。
起笔有方笔、圆笔，也有尖笔，手笔“悬针”较多。
篆书是最早的一种书体，其笔法比其他书体相对简单。
篆书结字富有装饰性。
所以说“书法从篆书开始，学习者应当先学篆书。
篆书体划严肃，布白严谨，学习篆书可以避免弱、俗、荒、斜的毛病。
”种类大篆，大篆是籀文、古文、金文、石鼓的统称，其用笔与甲骨文味道迥异，风格浑厚朴茂，结体绚熳多姿。
小篆，小篆是指秦始皇时命李斯等人实行“书同文”，以秦篆为基础，统一六国文字而出现的一种简化的规范文字。
小篆笔法圆融平正，结体典雅和平，而且有规可循，是识篆与了解文字本义的唯一门径。
小篆发展到清代，线条变粗，而且突破笔画粗细、迟速、顿挫、轻重、方圆的变化。
小篆的另一个分支是汉篆，用笔上掺以方折的隶意，而入印的篆书更为方折，又称缪篆，即摹印篆。
以下列推荐碑帖为例，详细讲解小篆的学习过程和方法。
篆书推荐碑帖：大篆：《散氏盘》《毛公鼎》《虢季子白盘》《大盂鼎》《石鼓文》。
当代临习钟鼎文字卓有成就的书法名家有王友谊、刘兴、冯宝麟、王镛等人。
小篆：《泰山刻石》《峄山碑》、李阳冰《三坟记》、吴昌硕篆书、吴熙载篆书、陆维钊篆书、杨沂孙篆书、邓石如篆书、赵之谦篆书。
习篆宗法清钱泳《书学·小篆》曰:“学篆书者，当以秦相李斯为正宗，所谓小篆是也。
惜所传石刻惟有(泰山》二十九字，及《琅娜台》刻石十二行而已。
”按语：《泰山封山刻石》《琅琊刻石》为小篆极则。
临摹是学习书法艺术的必经阶段和入门途径，同时，更是书法家终生学习和掌握书法技法的唯一手段。
同时，临摹也是书法创作的必由之路。
因为临摹的过程是对经典法帖审美价值的积累和修正原有书写习惯并使之向更高层次发展的过程。
我们的书法创作灵感也往往是在临帖的过程中被激发的，可以说临摹碑帖，为我们的书法创作提供了不尽的营养。
因而掌握正确的书法临摹的方法，对于有效地提升书法家的艺术创作水准起着至关重要的作用。
对于不同的书体，在临摹的方法和难度方面是有所不同的，一般说来，篆书临摹难度要大于其他书体，这主要是由于篆书与我们相距太遥远，必然会对我们今天的理解与判断带来隔阂，古代对临习篆书技法的相关书论太少，当代又缺少系统而实用的篆书临习技法方面的读物，加之篆书的临摹与创作还需要有较高的学术含量，因而当代的篆书创作一直弱于其他书体。
（一）用笔唐代孙过庭在《书谱》中说：“篆尚婉而通”，这五个字可以说是篆书用笔的度世金针，警世名言。
“婉”和“通”虽仅二字，却准确揭示出对篆书用笔的基本笔势和篆书笔画质量的要求。
因此，临习篆书写应以中锋为主，中锋立骨，中锋才能使笔画圆实劲健，运笔应流畅，此乃正宗古法、风格神采所系。
否则，极易写得板滞，要打破其板滞，用笔的虚灵是其关键。
篆书的捉笔须掌虚而指实，运笔讲求中含内敛、流畅通达，笔力藏于笔画之中，使气息浩浩然、绵绵然而首尾贯通。
清人朱和羹认为：“笔不虚，则欠圆脱，妙在能合，神在能离，离合之间，神妙出焉。
此虚实兼到之谓也，”可谓得其三昧。
一般说来，实笔，指用笔较为重而迟缓且墨浓；虚笔，指用笔较轻而急速且墨干。
用笔要虚实互出、润燥相生，才可以使得篆书的笔画（线条）节奏鲜明，韵律生动，行气贯通。
故而，书篆宜虚实相生、润燥结合，宜圆转涩进，涩而通畅，才能使线条浑厚、通畅而又古拙、虚灵，从而表现出圆通劲健的力度来，形成毛、涩、松、畅的艺术效果。
此外，在临摹过程中还要注意线条粗细穿插和变化，切不可一味求均求匀。
当然，我们在临习篆书的初级阶段，首先要把篆书的字形和笔顺搞清，不要以为其简单而被忽视。
到熟练之后，就可把注意力转向用笔，关注用笔的骨力、虚实、疾涩、润燥等细节，从而使临习走向更高级阶段，最终完成从形质向神采的过度。
（二）结字秦始皇统一中国后，小篆成为官方统一的文字。
小篆体势修长，讲究对称，笔画停匀，用笔起收不露痕迹，体态端庄而妍美。
自秦以后，历代的书法家大都把秦篆奉为圭臬，取修长的纵势为体貌。
唐代李阳冰为篆书者楷模。
自唐而下，南唐有徐铉，宋代有张谦仲、喻湍石均为其时的篆书大家。
元代有赵孟頫、吾衍、周伯琦、吴叡，各以篆书擅名一时。
明代徐霖则饮誉当代。
降至清中叶后，王澍、丁敬、钱坫、洪亮吉、衍、莫友芝、杨沂孙，乃至近代罗振玉、章炳麟、王褆一脉，皆规模“二李”（李斯、李阳冰）——起笔藏锋敛毫，行笔中锋，收笔多垂露，笔画停匀，讲究对称，字型方整，结体疏松古拙。
这些篆书名家或师《石鼓》、或参钟鼎籀书，虽然评者誉称其篆书“远接前秦”、“情参钟鼎”，然而，大致工致多于神情——用笔、结字均未能突破前贤的藩篱。
萧退庵老人认为小篆“必须能写得方，写得扁，方是好手”[i]，可谓一语道破了篆书的结字特征。
因此，在习篆时，应以方楷一字半为为宜。
以我个人的体会，将篆书写扁写方也并非轻而易举就能做到的。
这首先要练就过硬的手上功夫，并且要多从汉碑篆额的篆书上去感悟。
同时，在临习书篆时，必须以“疏处可以走马，密处不能容针”的标准严格要求自己。
结字达到疏至不可再疏、密至不可再密，以疏为风神，以密为老气，这样就能想方就方，想圆就圆，要长就长，要扁就扁，随心所欲，无所不宜了。
另外，还要考虑字形的取势。
一般来说，取势是字形生动与否的重要一环。
就篆书字势而言，应该追求端庄雅正，字形的高度比例以及字形与垂脚长度的比例，一定要符合一定的适度。
如此于展纵间兼取横向之势，便能于一字之内、字字之间，得舒展跌宕而又顾盼之情。
再结合以中锋用笔为主，偏锋、侧锋并用，收笔多侧锋，悬针、垂露兼融，笔画间注意搭接的装饰意味诸方面，兼工带写，篆书“取势”、“具情”的新面就能表现出来。
范的笔画是多少
范的笔画：名称：横、竖、竖、点、点、提、横折钩、竖弯钩笔画数：8
