山水画写生的学习心得
浅谈山水画写生的学习体会山画重要成部分，自南北朝独立，迄今大约已有1300多年的历史。
历经各代艺术家的实践，业已形成了其相对独立的艺术体系。
传统山水画的学习途径主要是通过临摹、写生、创作来完成的。
写生是“外师造化”的过程，是从“所见”到“所知”，由“视觉”到“传达”的过程，它需要一个长期积累的过程才会有所结果。
通过对生活的真实体验，用写生的方法把生活中有意味的形式加以记录，从而为以后的创作积累素材；素材是创作的基础，只有掌握了丰富的素材资料，进行创作时，才能有所选择。
写生的形式是多样的，无论是浅绛、水墨或者青绿，其目的都是在于对作品内在精神的表达。
“写境”，即寄情于真实的自然景观；“造境”，即建立在自然物象的基础之上，强调作者对情感的表达。
我们从熟悉的校园来到新鲜的大自然，空间的变换给了我们不同的感受，身处自然，感触自然。
才能更深刻的表现自然，画家石涛就曾久居深山数十载，之后在自己的画作上无限感慨的题写：“搜尽奇峰打草稿”的字样，其意在于，告诫后辈在进行绘画创作之前，一定要有大量的实践积累作为基础，做到成竹在胸，这样才能创作出生动而丰富的作品。
下面是我在前一段时间的写生中的几点体会： 1、感悟自然。
首先要培养自己的情感，用心去热爱自然，感受自然，把自己置身于自然，去感受山川的空灵。
古人云：“悟对通神”，想要准确的领悟山水画的绝妙境界，最重要的一点就是在创作的过程
欣赏一幅山水画的感受100字
一、这幅山水画欣赏作品中的颜色是比较清新淡雅的，同时也不失趣味，高大巍峨的山峦重重叠叠，犹如置身于仙境，而且绿色的树木植物和紫色的风信子花卉点缀其中一点也不会觉得突兀，反而有一种特别和谐的感觉，山的半山腰上有几间茅草房，反应了主人的闲适与远离世界纷争的快乐，有一种“采菊东篱下，悠然见南山”的闲适与宁静，犹如置身仙境，这种世外桃源让人羡慕。
二、这幅中国山水画欣赏作品中，一眼望去就能给人特别舒适的感觉，因为这幅山水画作品中的主色调绿色，且层峦叠翠，让人留连忘返，而且绿色的山也不显得单调，反而特别的有层次感，让人一看就能够感觉到山的立体，巍峨与高绝，下面的白色处理得也非常好，给人一种想象，到底是河流还是云雾呢
扑朔迷离，同时也更显山水画作品作家的风采。
三、这幅中国山水画作品主要体现的是瀑布，有李白描述的“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”的感觉，瀑布层层叠叠的铺就下来，激流勇进，让人不敢靠近，而且非常立体和有层次感，给人非常震撼的视觉享受，而这幅山水画作品中颜色也不单调，它不但运用了蓝色，黑色，还有瀑布峭壁上的那一抹红色的可爱花朵，让人眼前一亮，为这幅山水画作品增添了无限的光彩，也让我们更加喜爱它的画风与画法。
学习中国画心得体会
学习中国画心得体会【篇一：中国画学习心得体会】中国画作品欣赏学习心得中国画是植根中华民族土壤中的艺术，但是真正能看懂中国画的人还不是很多。
我正是带着一种对中国画的好奇与探求心选择了“中国画作品欣赏与基本技法”这门课。
在老师的指导下，我们赏析了许多优秀的中国画作品，还学会了画工笔画，水墨画，写意牡丹等。
虽谈不上对中国传统文化精髓有了了解，但也在老师的熏陶下对中国画有了一些粗浅的认识、体会。
我明白了赏析一幅中国画，要赏析它的意境与境界，只有为观者营造出一种意境的作品才是一幅好画。
如“行到水穷处，坐看云起时”，含有无穷的韵味在其中，这才有诗意。
画也要这样，含不尽之意于画外，这叫画意，这就是意境境界。
古人说“人品不高，落笔无法”。
这个说法我也很赞同。
比如说一个人如果没有什么气度，画就谈不上有什么意境气韵，如果一个人特别注重自己的气质修养，那么他的笔墨之间一定会少几分浮华，多了几分真美。
中国画按其使用材料和表现方法，可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。
中国画画幅形式较为多样，横向展开的有长卷、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。
国画在古代一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。
中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和
书画鉴赏心得体会1000字以上
德风 。
我国的书法是一种富有民族特色统艺术，它着汉字的产生和发展一直延续到今天过历代书法名家的熔练和创新，形成了丰富多彩的宝贵遗产.书法是指毛笔字书写的方法，主要讲执笔、用笔、点画、结构、分布（行次、章法）等方法。
如执笔要指实掌虚，五指齐力；用笔要中锋铺毫；点画要圆满周到；结构要横直相安，意思呼应；分布要错综变化，疏密得直，全章贯气等等。
常见的书法艺术作品的字体有五：楷书、行书、草书、隶书和篆书。
中国画在世界美术领域中自成体系，既有悠久的历史，还有优良的传统。
是指用笔、墨、颜色在帛、布、绢、纸、绫等上面画的东西。
画的分类很复杂：从画的内容来看，可分为：人物画、山水画、花卉画、禽鸟走兽虫鱼画、界画等。
从画的形式或颜色上可分为：水墨、青绿、金碧、浅绛等。
从画的技巧上可分为粗笔（泼墨）、细（工）笔、写生、写意、皴法、白描、没骨、指头画等。
泼墨是中国画的一种技法。
相传唐人王洽每于酒酣作泼墨画。
后世泛指笔势豪放、墨如泼出的画法为“泼墨”。
总结元代山水画在中国山水画史中的意义与地位
元代山水画发展趋势是在重视对古代传承的基础上创新立意。
元代绘画中以山水画成就最高，尤其是水墨山水画方面有了空前的 大发展，后人评价元代的山水画曰：“潇洒简远，妙在笔墨之外”，元代山水画在注重皴、擦、点、染等技法，讲求法度的宋代绘画基础之上又有了重 大发展。
画史所谓的“尚气重韵”，是说“淡泊清逸”的元代文人画新格局。
元代山水画风格特点发展及影响 1 元代名人画的风格特点 元四家———指元代的四位画家黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙，他们的创 作集中体现了元代山水画的最高成就。
四家既有各自的鲜明个性特点， 又都具有元代山水画的时代风貌。
他们强调诗书画印的有机结合，状物 寄情，属于典型的文人画，对明、清绘画影响巨大。
元代绘画以山水画为 最盛，其创作思想、艺术追求、风格面貌均反映了画坛的主要倾向，影响 后世也最深远。
元初山水画家以钱选、赵孟頫、高克恭为代表，他们均对 传统山水画进行了认真探索，并托复古以寻求新路。
钱选善画青绿山水， 师法唐代李思训、李昭道父子和南宋赵伯驹，并融进文人画的笔意和气 韵，具有一种生拙之趣。
高克恭变化出入于米芾、董源、李成之间，形成了 浑穆秀润的独特风格。
元代中后期，崛起黄公望、王蒙、吴镇、倪瓒这四大 家。
元四家以他们各自的创新风格和简练超脱的艺术手法，把中国山水 画发展到了一个新阶段，代表了这一时期山水画发展的主流。
写景稠密，布局多重山复水，多表现林峦郁茂苍茫的气氛。
任仁发 人物鞍马师法唐人，笔法工细流畅，笔调明快清丽，保留了较多的唐人 传统，但亦有自己风貌，在元初与赵孟頫齐名。
张渥以画白描人物见 长，师法李公麟，用笔流畅飘逸，形象真实，栩栩如生，被誉为“妙绝当 世”。
王绎善画肖像，笔法细劲，造型准确，神态生动，在元代肖像画家 中成就最为突出。
颜辉在宗教人物画方面，负有盛誉，他用笔粗润豪 放，略近南宋梁楷泼墨法，于水墨晕染中现出凹凸效果。
代山水风格总的发展趋势是在重视对古代传承的继承上，创新立 意。
突出表现就是文人画开始占据画坛的主导地位，所以适合表现文 人画家意识的山水画和枯木竹石、梅、兰以及水墨花鸟大量涌现，人物 现实画的相对减少，随着文人画的繁荣，绘画作品中诗、书、画进一步 密切结合而且成为普通的风尚。
这加强了中国画的文学趣味，更好体 现了中国画的民族特色。
2 黄公望、倪瓒的山水画的发展及对后世山水画的影响 黄公望得赵孟兆真传，他的作品“精通造化，笔尽意在；水墨纷纷， 深润古雅”。
他继赵孟頫之后，将元山水推向山水画的正脉，改变了院 体画陈陈相因的积习，开创了山水画的一代风貌。
《富春山居图》是他 晚年画作，足以代表他艺术的最高水平，作品几乎没有“渲染”而仅具 “勾皴轮廓”用一个“写”概括，表现了连绵不断的山峦，一望无际的江 水，水墨浑润纷纷，意境开阔辽远，草木苍莽烂漫，树木奇异纷繁，以干 枯之笔勾皴，疏朗简秀清逸潇洒。
黄公望的山水画成就在中国绘画史 上极高，自元以后凡有山水画的地方，皆有他的巨大影响所在，黄公望 的山水是描摹他的“胸中丘壑”。
这胸中丘壑是太湖一带的客观山水揉 合他的主观精趣共同铸就的，所以他能够师法董巨、二米而撞出画之 誉。
他的山水画审美呈现出了一种“抽象”和“具象”相结合的特点，推 动传统水墨写意的技巧发展，同时也大大促进了“抒情之意”的文人画 的最高境界的发展。
倪瓒的作品大多取材于太湖一带景色，好作疏林 彼岸，浅水遥岭之景，章法板简，于简中富繁；多用枯笔干擦，淡雅松 秀，似嫩而实苍，风格萧散超逸，独树一帜，与黄公望、吴镇、王蒙并称 “元四家”，对文人山水画作出了新的创造和发展。
在理论方面，主张作 品表现画家的“胸中逸气”，重视主观意兴的抒发，反对刻意求工，求书 画透逸疏淡，工力极深，自成一家。
在画法上，墨色清淡，善用侧锋，有 轻有重，以干而带毛的“渴笔”画山石树木，作折带皴，多用横点点苔， 皴擦多于渲染，画树多取松疏姿态，树叶用松叶点等。
构图上采用平远 构图，近坡高树数株，中间是辽阔的湖面，把远山提到了画幅最上端， 构成两段式章法，使画面具有了辽阔旷远的特殊艺术效果，中右方以 小楷长题连接上下景，使全图深然一体，这种章法是倪瓒的一大发明。
倪瓒以画水墨山水见长，《雨后空林图》即为其少有的设色作品之 一。
倪瓒的多数作品，写景极简，而这件作品则山川高大，景物丰富。
画 中山石多用披麻，折带皴，干笔淡墨，浓墨点苔，敷色清淡温和。
整个画 面布局充实饱满，平稳有变，景像开阔。
《渔庄秋霁图》一画是他山水画 典型风格的作品，近景是平坡，上有杂树五六枝，中景是一片空白，实 力浩森的湖水，远景是低平的峦头。
《幽涧寒松图》近乎正方形的画幅 和平面的取景方法，使画家不得不采用特殊的构图方式，将通常所画 的宽广水面压缩成一条溪流，从前景缓缓流过，倪瓒用轻重干湿不同 的侧锋微妙地画出山石的顶面与侧面，以表现其立体感，此画这一画 法的运用可谓登峰造极，画中所展现的幽静清凉的景色正是他心目中 的宁静有序，远离尘器的理想环境。
3 元代山水画的发展以及对后世山水画影响 元代山水画的基本趋势沿着董源和巨然、大小米，更远的是李成和 郭熙的方向发展，甚至追溯其源头至王维。
元代文人画家的一个显著特 点是他们与职业画家的相互影响，但当时的文人画家，喜欢艺术的学者 与文人，看来并不是一直歧视职业画家。
当然，他们在理论上将文人画家 和视他们称之为画师或画匠的职业画家区别开来。
但是，元代文人画家 诗文集中，表达了他们对地方画家和职业画家的作品欣赏和尊敬，根据 这些作品，我们完全可以推测出在文人画家和职业画家之间有密切联 系。
在这点上，元代文人画家的态度同道教画的职业画家一样的，职业画 家吸收了董源、巨然、米氏、李郭、马夏的画风，尤其是浙江地区对李郭画 风的普及，随之而来的一定是缺少或是程式化的表现自然主义，这不可 避免的成为从地方氛围中脱离出来的艺术风格。
这个推断导致了一个暂 时的论断，盖有郭熙印章的《早春图》和《岷山雪霁图》应该是浙江地区的 当地画家所作。
同样，朱德润的《秋林读书图》受比宋传统的影响，尽管在 用笔上不同，但在对自然捕捉和在纸上表现的方式与刚才提到的两幅作 品相似。
事实上，正是对元代变通性的继承，使得明代的浙江派能够接受 不同的画风，象李郭、董巨、朱氏、马夏等等。
浙派对笔墨的自由、多变的 运用也可以追朔到元代绘画。
对美术的感悟与体会
欣赏与感悟 上了美术欣赏课，感受颇多。
美术欣赏我的视野由古、古罗马倏而转到了文艺复兴时的意大利。
古罗马、古希腊的宏伟的宫殿建筑、众多的雕刻作品，展现了这两个伟大时代曾经的辉煌。
文艺复兴冲破了中世纪的宗教束缚，出现了人才辈出的局面。
使我知道了中国的陶瓷艺术的源远流长，和陶瓷艺术对于世界的贡献。
通过中西方美术艺术的差异使我更加了解了中西方美术的不同之处和相同之处。
及增加了我对于祖国灿烂文化的自豪之情，也使我更加了解了西方的美术艺术。
美术欣赏课不仅仅是对于绘画艺术的欣赏，而且是对于雕刻、建筑、陶瓷艺术等等艺术中所体现出的美术艺术的欣赏。
我想上美术欣赏课给我的最深课的感受莫过于此了。
这使得我的眼界大开。
美术欣赏当然包罗万象：古今中外的，各个艺术流派的，不同方面的。
有古罗马、古希腊的最具特色的建筑、雕塑。
有文艺复兴时期各个艺术大师的杰作。
还有近现代的各种新兴的流派的介绍。
这些都是西方的艺术中的美术艺术的具体体现。
那么对于东方，尤其是中国，同样具有悠久历史的自然要数陶瓷艺术，还有独特的建筑风格。
更加不同于西方绘画艺术风格的是中国独有的山水画的艺术手法。
我在选修《中国水墨画基础》课的时候，老师就讲过中国的山水画很是不同于西方的绘画。
他还举了一个具体的例子，就是他有一个外国留学生跟他学习中国的山水画法，但是不管怎样这位外国的学生都画不出中国山水画的那种真正的味道，尽管他的画功很好。
从这个例子中，我想中国山水画是凝结了中国人民的特有的情节在里面的，所以外国的画家很难画出中国话的味道来。
当然，西方和东方的绘画艺术分别属于不同的画法，各有千秋。
因而我们应该相互学习，才能相互促进彼此的发展，而不能顽固守旧。
尤其在当代不断发展的世界里，加强彼此的交流学习更加显得重要。
中国画注重画山水等自然景物或者虫鱼鸟兽等动物，并且善于运用空气透视法，而且善于想象，这样可以使得绘画有远有近，画面有种旷远阔达的气象在里面，并且中国的画更加注重使内心的情感表达在画上。
而西方的绘画主要运用焦点透视的方法，表现的绘画作品多为描摹人物、事件为多，展现的空间不够开阔，所以常有种压抑的感觉。
看中国画多给人一种清新的感觉，善于运用留白的画法，而且多描摹大河高山等雄伟的景物，所以有种壮美之感。
而描摹的花鸟树木却给人一种伶俐轻快、聪慧灵性之感。
而观看西方的绘画则多为油画，色泽虽然浓重，但却看起来大多有种灰暗之感。
很少可以感受到空灵之感。
我想东西方的文化差异是导致这种差异的原因之一。
因为西方受宗教的影响深远，宗教气氛浓厚。
而中国则不太相信宗教，相反中国的儒、释、道教则更多的是关心人与自然的关系和谐与否的方面，因而束缚较少，所以中国的画更让人感觉一种轻快愉悦的感觉。
当然和作画的工具的运用也有很大关系。
西方用画笔，中国则是毛笔。
这种工具的差异自然导致了做出的画会有差异。
还有就是颜料的使用了。
中国画用墨先画好画，然后再经过一种工序叫做装裱，这样给画加上各种鲜亮的颜色。
使得中国的画可以保存很长的时间而完好，不退色。
但是西方就很是不同了，用画笔在画布上作画，颜料用化学颜料，画好后保存就很麻烦，比较容易褪色。
当然这些都是古代的一些做法了，现在西方的保存技术是大大的提高了，我们反而落后了。
现在当然是有很大的改变了，以前是东学西入，后来是西学东入，到现在东西方的交流是不断地加强，相互的影响。
所以绘画艺术也不断的相互的学习借鉴。
中国的建筑和西方的建筑最大的不同就在于中国的房屋时用木材制作的，而西方的建筑则是用石材制作的。
这和各自所处的地理环境有很大的关系。
中国古代处于长江黄河流域，土地肥沃，深林茂密，地势平坦，所以盛产优质木材，因而房屋多为木材制作。
而西方则多山地，山产石材，所以他们必然会以石材作为建筑的主要材料，另外这也是为什么西方的石雕雕刻雕像繁荣的原因之一。
我原先以为石材造的房子当然会比木头造的房子坚固的多，但是我的猜想是错的。
石材耐压但是韧性差，而好的木材不但耐压而且韧性很好，甚至比钢还要好。
这是我叹为观止。
而更加令我感到惊叹的是，中国房屋使用了斗拱的结构，这使得每个梁柱环环相扣，使得屋顶的巨大重量通过斗拱的精巧的结构而转移到支撑房屋的大柱子上去。
这就使得屋子的墙壁不用承担重量而仅仅是起到遮风挡雨的作用。
这俨然是现代钢筋混凝土构架的雏形。
而且这种斗拱的结构还有利于房屋的扩充，而不用费很大的功夫。
也就是说可以在原来的房屋上面通过梁柱来扩充，而不用推到重新来建。
而西方的石材不仅韧性不好，而且还要承担很大的重量。
并且可扩充性也不好。
当然它有一个优点就是可以加高。
中国的房屋却多是一层的。
中国常见的高层建筑恐怕要数塔了，然而塔的建筑形式去时舶来的，因为佛教的传入而传进来。
西方石材建筑的集大成恐怕是凡尔赛宫了。
中国的木材建筑的集大成当然非皇家的宫殿了。
中国的房屋建筑多主张对称美，建筑群往往有一条中轴线，而西方的的建筑则多曲线，典型的教堂大多有圆形的穹顶结构。
较之，我认为中国的木材建筑有种举重若轻的感觉，而感觉西方的石材建筑则多是一种凝重深沉。
另外中国房屋的顶部的铺设的瓦也是中国的特色了。
瓦的使用使得雨水可以轻易地留下来不易造成屋内漏水的情况。
现在随着城市化的进程的加快，瓦在中国可能很少再见到了，瓦因而成为中国文人用来表达自己的情感的常用的对象。
当然不仅仅是怀念瓦，大概可能是怀念中国古代灿烂的文明，在迈向新时代时发出的叹息吧。
谈到文艺复兴，我们自然会问那么文艺复兴为什么会发生呢。
也许我们不应该这么问，而应该问，文艺复兴为什么在当时发生，而且发生在意大利呢。
因为欧洲的思想受中世纪的宗教影响太深了，人们的思想受到了极大地束缚，人们想摆脱这种束缚追求自由是他们神圣的权利。
所以不管迟早，文艺复兴都会发生的。
这是毫无疑问的。
而之所以叫做文艺复兴，是因为在古希腊、古罗马的时代曾经有过辉煌的文艺、科技、思想的繁荣。
因而要打破中世纪的宗教神学的束缚，那自然是人想到的就是文艺复兴的提法了。
问题的关键在于为什么会发生在当时的意大利。
因为当时意大利的经济发展很快，新兴的阶级自然不愿继续收其他力量的阻碍，所以就会寻找新的思想来冲破旧的思想。
再加上许多的天才人物的出现所以便形成了当时十分繁荣的文艺复兴思潮。
文艺复兴带给欧洲人们新的思想，逐渐的使得人们从宗教繁重的思想中解脱出来，可以说为以后欧洲的发展起到了启蒙、促进的作用。
而在文艺复兴中崭露头角的天才人物，也给我们留下了很多的宝贵的知识和财富。
中国的制陶瓷的工艺可以追溯到商朝开始制造青铜，青铜虽然不是陶瓷，但是可以称得上是陶瓷工艺的原始阶段。
后来出现了黑陶，大约唐朝时候产生了瓷的工艺。
这是很大的进步。
瓷的出现弥补了陶的表面不光滑的缺陷，使得瓷的应用广泛的深入了人民的生活之中。
景德镇成为我国的制造瓷器的中心之一，饮誉海内外。
陶瓷甚至成为中国特有的一种陶瓷文化。
很多士大夫都参与陶瓷的制作。
这就使得中国的陶瓷技术当时遥遥领先与世界。
西方的国家通过丝绸之路、海上贸易等不惜重金来购买中国的陶瓷，把中国的陶瓷当做稀世珍宝对待。
几个世纪以来在西方形成瓷器热，经久不衰。
中国的瓷器上面可以绘画、可以有文字书法等等。
不仅仅是器物，更是一种人文的精神的表现。
当然随着瓷器制造技术被西方所掌握，陶瓷的制造的技术不再是秘密，但是中国的瓷器在世界上仍然具有很大的吸引力。
中西方的美术艺术有很大的不同，但是也有相同的的地方，那就是追求美。
我想中西方在不断的交流中会碰撞出更多的火花，促进彼此更好的发展。
当然我们也要把握好继承和发展的关系，不能抛却我们古代的灿烂的文化。
只有这样才能在和西方的交流融合中把握住前进的方向，永远有自己的归属。
我想美术欣赏课教诲我很多的东西。
这更多的是一种心灵的交流课。
注，楼主请根据自己情况更换人名，地名，等不妥之处
国画感受
我从小就很喜欢画国画，画画的时候会感觉时间过的很快，因为一门心思就只想着怎么布局，怎么下笔，那样聚精会神的做事只有我在画画的时候才会出现。
国画是很神奇的东西，每一笔画下去都会留下痕迹，无论你怎样覆盖，上面的水印，作画留下的笔记，是不会消失的。
这是国画和别的画做大的不同，也是我最喜欢的地方，就像做人一样。
有句古话说——若想人不知，除非己莫为。
自己做过的事情都会留下痕迹，无论怎样遮掩，即使真的没有其他人知道，但在你的心里，它就是很真是的发生过。
所以，尽可能不要做亏心事，过的了别人，过不了自己。
。
。
