油画创作的心得体会 感想 以及技法
心得一：大学美术鉴赏心得体会中外美术鉴赏学习心得体会美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。
美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。
由于美学的复杂性，所以当时全世界对美的本质没有一个定论，而是众说纷纭。
其中美是生活说是东方关于美的本质的一种学说，认为美存在于现实生活中，生活才是美的本质。
美是理念说是西方关于美的本质的一种学说。
认为物质感性世界不存在美或美的属性，美与某种超现实存在的神秘的非物质性的精神实体紧密相联，由于这种精神实体的注入或显现，才使客观事物成为美的。
以前认为美术只是单纯的绘画作品，比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。
直到上了美术鉴赏课，才知道这只是狭隘的理解；绘画、雕塑、工艺、建筑、书法、篆刻、设计、新媒体和摄影等类型是现下的主流分类。
美术是一种富有内涵，表现形式多样，意义深刻悠远的艺术形式。
课堂上我也学到了很多知识，让我学会了如何真正的去欣赏一幅美术作品。
跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。
中国传统的美术，水墨特色明显，表现的淋漓尽致。
线条流畅，追求笔精墨妙的艺术效果，讲究骨法用笔。
这些都是对笔墨内涵的要求。
徐悲鸿的《八骏图》在技法上，他以中国的水墨为主要表现手段，又
对美术的感悟与体会
欣赏与感悟 上了美术欣赏课，感受颇多。
美术欣赏我的视野由古、古罗马倏而转到了文艺复兴时的意大利。
古罗马、古希腊的宏伟的宫殿建筑、众多的雕刻作品，展现了这两个伟大时代曾经的辉煌。
文艺复兴冲破了中世纪的宗教束缚，出现了人才辈出的局面。
使我知道了中国的陶瓷艺术的源远流长，和陶瓷艺术对于世界的贡献。
通过中西方美术艺术的差异使我更加了解了中西方美术的不同之处和相同之处。
及增加了我对于祖国灿烂文化的自豪之情，也使我更加了解了西方的美术艺术。
美术欣赏课不仅仅是对于绘画艺术的欣赏，而且是对于雕刻、建筑、陶瓷艺术等等艺术中所体现出的美术艺术的欣赏。
我想上美术欣赏课给我的最深课的感受莫过于此了。
这使得我的眼界大开。
美术欣赏当然包罗万象：古今中外的，各个艺术流派的，不同方面的。
有古罗马、古希腊的最具特色的建筑、雕塑。
有文艺复兴时期各个艺术大师的杰作。
还有近现代的各种新兴的流派的介绍。
这些都是西方的艺术中的美术艺术的具体体现。
那么对于东方，尤其是中国，同样具有悠久历史的自然要数陶瓷艺术，还有独特的建筑风格。
更加不同于西方绘画艺术风格的是中国独有的山水画的艺术手法。
我在选修《中国水墨画基础》课的时候，老师就讲过中国的山水画很是不同于西方的绘画。
他还举了一个具体的例子，就是他有一个外国留学生跟他学习中国的山水画法，但是不管怎样这位外国的学生都画不出中国山水画的那种真正的味道，尽管他的画功很好。
从这个例子中，我想中国山水画是凝结了中国人民的特有的情节在里面的，所以外国的画家很难画出中国话的味道来。
当然，西方和东方的绘画艺术分别属于不同的画法，各有千秋。
因而我们应该相互学习，才能相互促进彼此的发展，而不能顽固守旧。
尤其在当代不断发展的世界里，加强彼此的交流学习更加显得重要。
中国画注重画山水等自然景物或者虫鱼鸟兽等动物，并且善于运用空气透视法，而且善于想象，这样可以使得绘画有远有近，画面有种旷远阔达的气象在里面，并且中国的画更加注重使内心的情感表达在画上。
而西方的绘画主要运用焦点透视的方法，表现的绘画作品多为描摹人物、事件为多，展现的空间不够开阔，所以常有种压抑的感觉。
看中国画多给人一种清新的感觉，善于运用留白的画法，而且多描摹大河高山等雄伟的景物，所以有种壮美之感。
而描摹的花鸟树木却给人一种伶俐轻快、聪慧灵性之感。
而观看西方的绘画则多为油画，色泽虽然浓重，但却看起来大多有种灰暗之感。
很少可以感受到空灵之感。
我想东西方的文化差异是导致这种差异的原因之一。
因为西方受宗教的影响深远，宗教气氛浓厚。
而中国则不太相信宗教，相反中国的儒、释、道教则更多的是关心人与自然的关系和谐与否的方面，因而束缚较少，所以中国的画更让人感觉一种轻快愉悦的感觉。
当然和作画的工具的运用也有很大关系。
西方用画笔，中国则是毛笔。
这种工具的差异自然导致了做出的画会有差异。
还有就是颜料的使用了。
中国画用墨先画好画，然后再经过一种工序叫做装裱，这样给画加上各种鲜亮的颜色。
使得中国的画可以保存很长的时间而完好，不退色。
但是西方就很是不同了，用画笔在画布上作画，颜料用化学颜料，画好后保存就很麻烦，比较容易褪色。
当然这些都是古代的一些做法了，现在西方的保存技术是大大的提高了，我们反而落后了。
现在当然是有很大的改变了，以前是东学西入，后来是西学东入，到现在东西方的交流是不断地加强，相互的影响。
所以绘画艺术也不断的相互的学习借鉴。
中国的建筑和西方的建筑最大的不同就在于中国的房屋时用木材制作的，而西方的建筑则是用石材制作的。
这和各自所处的地理环境有很大的关系。
中国古代处于长江黄河流域，土地肥沃，深林茂密，地势平坦，所以盛产优质木材，因而房屋多为木材制作。
而西方则多山地，山产石材，所以他们必然会以石材作为建筑的主要材料，另外这也是为什么西方的石雕雕刻雕像繁荣的原因之一。
我原先以为石材造的房子当然会比木头造的房子坚固的多，但是我的猜想是错的。
石材耐压但是韧性差，而好的木材不但耐压而且韧性很好，甚至比钢还要好。
这是我叹为观止。
而更加令我感到惊叹的是，中国房屋使用了斗拱的结构，这使得每个梁柱环环相扣，使得屋顶的巨大重量通过斗拱的精巧的结构而转移到支撑房屋的大柱子上去。
这就使得屋子的墙壁不用承担重量而仅仅是起到遮风挡雨的作用。
这俨然是现代钢筋混凝土构架的雏形。
而且这种斗拱的结构还有利于房屋的扩充，而不用费很大的功夫。
也就是说可以在原来的房屋上面通过梁柱来扩充，而不用推到重新来建。
而西方的石材不仅韧性不好，而且还要承担很大的重量。
并且可扩充性也不好。
当然它有一个优点就是可以加高。
中国的房屋却多是一层的。
中国常见的高层建筑恐怕要数塔了，然而塔的建筑形式去时舶来的，因为佛教的传入而传进来。
西方石材建筑的集大成恐怕是凡尔赛宫了。
中国的木材建筑的集大成当然非皇家的宫殿了。
中国的房屋建筑多主张对称美，建筑群往往有一条中轴线，而西方的的建筑则多曲线，典型的教堂大多有圆形的穹顶结构。
较之，我认为中国的木材建筑有种举重若轻的感觉，而感觉西方的石材建筑则多是一种凝重深沉。
另外中国房屋的顶部的铺设的瓦也是中国的特色了。
瓦的使用使得雨水可以轻易地留下来不易造成屋内漏水的情况。
现在随着城市化的进程的加快，瓦在中国可能很少再见到了，瓦因而成为中国文人用来表达自己的情感的常用的对象。
当然不仅仅是怀念瓦，大概可能是怀念中国古代灿烂的文明，在迈向新时代时发出的叹息吧。
谈到文艺复兴，我们自然会问那么文艺复兴为什么会发生呢。
也许我们不应该这么问，而应该问，文艺复兴为什么在当时发生，而且发生在意大利呢。
因为欧洲的思想受中世纪的宗教影响太深了，人们的思想受到了极大地束缚，人们想摆脱这种束缚追求自由是他们神圣的权利。
所以不管迟早，文艺复兴都会发生的。
这是毫无疑问的。
而之所以叫做文艺复兴，是因为在古希腊、古罗马的时代曾经有过辉煌的文艺、科技、思想的繁荣。
因而要打破中世纪的宗教神学的束缚，那自然是人想到的就是文艺复兴的提法了。
问题的关键在于为什么会发生在当时的意大利。
因为当时意大利的经济发展很快，新兴的阶级自然不愿继续收其他力量的阻碍，所以就会寻找新的思想来冲破旧的思想。
再加上许多的天才人物的出现所以便形成了当时十分繁荣的文艺复兴思潮。
文艺复兴带给欧洲人们新的思想，逐渐的使得人们从宗教繁重的思想中解脱出来，可以说为以后欧洲的发展起到了启蒙、促进的作用。
而在文艺复兴中崭露头角的天才人物，也给我们留下了很多的宝贵的知识和财富。
中国的制陶瓷的工艺可以追溯到商朝开始制造青铜，青铜虽然不是陶瓷，但是可以称得上是陶瓷工艺的原始阶段。
后来出现了黑陶，大约唐朝时候产生了瓷的工艺。
这是很大的进步。
瓷的出现弥补了陶的表面不光滑的缺陷，使得瓷的应用广泛的深入了人民的生活之中。
景德镇成为我国的制造瓷器的中心之一，饮誉海内外。
陶瓷甚至成为中国特有的一种陶瓷文化。
很多士大夫都参与陶瓷的制作。
这就使得中国的陶瓷技术当时遥遥领先与世界。
西方的国家通过丝绸之路、海上贸易等不惜重金来购买中国的陶瓷，把中国的陶瓷当做稀世珍宝对待。
几个世纪以来在西方形成瓷器热，经久不衰。
中国的瓷器上面可以绘画、可以有文字书法等等。
不仅仅是器物，更是一种人文的精神的表现。
当然随着瓷器制造技术被西方所掌握，陶瓷的制造的技术不再是秘密，但是中国的瓷器在世界上仍然具有很大的吸引力。
中西方的美术艺术有很大的不同，但是也有相同的的地方，那就是追求美。
我想中西方在不断的交流中会碰撞出更多的火花，促进彼此更好的发展。
当然我们也要把握好继承和发展的关系，不能抛却我们古代的灿烂的文化。
只有这样才能在和西方的交流融合中把握住前进的方向，永远有自己的归属。
我想美术欣赏课教诲我很多的东西。
这更多的是一种心灵的交流课。
注，楼主请根据自己情况更换人名，地名，等不妥之处
油画毕业创作心得怎么写
一,油画创作的社会背景与审美的关系,一千字.二,东方人与西方人在不同历史背景下的创作审美,一千字.三,做为现代网络时代的你的审美与古人的审美观有什么不同,一千字.内容和论证要充实,观点要独特鲜明.这只是个大纲,多翻翻美术史吧!以上不知满意否,我多嘴了!
东方色彩观对西方油画色彩的影响
中国国画中的明暗构图法对西方的光影构图法有比较大的冲击，我举个例子，现代主义之父塞尚的画面要求以色造型，以色平衡，以色和谐，以色表达深度和结构空间，他受印度艺术的影响解放了西方油画中的空间；而梵高的创作均已日本绘画为基础，色彩鲜艳夺目，最终他解放了油画里的色彩；高更从原是雕塑中挖掘到的精髓恰好存在与没有表达的东西之中......，最终解放了油画里的构图。
等等。
印度，日本也算东半球文化，与中国文化大规一类，但是艺术的发展受种族，环境，时代等因素影响，把中西方结合的国画大师有林风眠，他的仕女画就吸收了油画中不少营养，明暗与光影可谓完美结合~ 写论文还是多找一些有相关信息的的书进行总结比较好~ 祝你写出好的论文大家分享一下
论如何引导学生进行油画艺术创作
本文就如何引导学生通过学习和借鉴他人的成功经验和方法并结合自身实际进行艺术创作进行了探析。
关键词：关键词：油画艺术创作；引导；学习借鉴；实践创新作为非中国本土画种的油画，传入中国已有一百多年的历史。
对绝大多数的油画专业学生而言，在迈入大学校门前对油画专业知识的掌握几乎没有或很少，怎样才能在短暂的大学四年里，深入学习和熟练掌握相关的专业知识和技能并将其运用到自己的创作当中，是他们需要解决的难题。
如何引导学生理论联系实际，将所掌握的基础专业知识和技能具体地运用到创作实践当中，对进一步深入学习油画专业知识，具有十分重要的意义。
对于学习油画专业知识时间较短，初次进行艺术创作的学生们而言，许多人都将面临这样的问题——毫无思绪、无从下手。
究其原因，艺术创作与课堂习作的不同之处就在于——课堂习作主要针对的问题是要求学生掌握专业基础技能，而艺术创作则是在其基础上的融合和提升，它体现的是作者对社会生活的细微观察、个人情感的体验和个性化的审美认知。
如何将以上所列因素以完整的作品形式呈现出来，对刚接触油画艺术创作的学生而言是极大的挑战。
若需指导学生创作完成一幅较为完整的油画作品，老师应当积极启发学生考虑诸多方面的问题——主题的表达、画面的构图、色彩的运用等。
但对于专业知识面窄，基础技能还不够完善的学生而言，要寻求问题的解决之道就必须通过“理论联系实际”这个重要环节。
所谓“理论”主要是指通过学习专业理论书籍丰富专业知识，研读中外经典美术名作借鉴他人的成功经验和方法；“实际”则是指实践过程，将理论知识和自身实际情况结合起来，从艺术实践过程中发现自我个性，不断创新从而形成具有鲜明个性特色的艺术作品。
一、学习、借鉴野兽派的灵魂人物马蒂斯曾说过：“我的艺术得益于所有的画家。
青年时代，我在卢浮宫工作，临摹过去的大师们的作品，学习他们的思想、他们的技巧。
在现代艺术，无可否认，我从塞尚那里获益最多的”。
马蒂斯的艺术创作是在不断的学习过程中通过大量的研读和临摹老一辈艺术大师的作品，借鉴他人成功经验和方法的基础上加以整理、加工、改造，最终形成他独具审美价值的审美观有选择性的学习和借鉴他人的成功经验和方法是解决这一问题的途径之一。
在学生没有明确的创作思路时，老师应因材施教，根据他们各自的特点和实际情况指导学生有针对性的大量研读专业理论书籍和国内外历代经典名作，学生可以从对画面构成、颜色运用、线条起伏的分析中汲取灵感，并将之进行提炼和转化从而得到启发，激发他们的构思和创意。
学习和借鉴不仅是积累经验的过程，同时也是形成个性化创作的起点。
在接触艺术大师们的画作时，读者往往会被画面整体氛围或是出现在这些画面中的某个细节部分所吸引、所触动，引发内心的共鸣，并为之留下深刻的印象，这种深刻印象将在一定时期内影响到读者的艺术创作。
当我们试着对学生某一创作阶段的作品进行分析时，会发现在其作品中的构图、色彩或表现形式会令人产生似曾相识的感觉，甚至会觉得其作品与某些经典的艺术作品存在着相似的痕迹。
正是因为通过学习和借鉴大师们的成功经验和方法，学生将引发内心共鸣的这种深刻印象运用到自己的画面中，它所带来的影响在此得到了充分的体现。
久而久之，这种印象将演变为一种长期的积累，随着深入学习，这种积累也就为个性化艺术创作提供了坚实的基础。
二、实践、创新油画艺术创作是逐渐发展和修改最初构思的长期过程，由构图开始直至作品的完成，在这漫长而又复杂的过程中学生将面临各种难题是不可避免的。
学习和借鉴他人的成功经验和方法对学生而言，这只是个性化创作的起点，不应对此过分依赖。
只是一味模仿他人而不努力寻求个人鲜明特色，就会限制创造力的发挥，从而影响个性创造的进一步发展，也很难形成自身的个性化创作。
老师除了引导学生通过研读画作来解读作品内涵，对画作中所采用的专业技巧进行分析、研究，还应引导学生联系自身实际并从中找到解决问题的途径和方法，运用自身的艺术感受力在创作实践过程中不断注入新的理念才能推陈出新，从而创造出独具个人鲜明特色的艺术作品。
高更作为一个艺术的革新者，通过对艺术永无止境的探索，在孜孜不倦的学习过程中曾先后受到多种艺术形式的影响。
他所借鉴的古代埃及、中世纪、罗马式雕刻以及东方佛教造型、日本绘画、黑人艺术等，在他去世后的很多年后，由马蒂斯、毕加索等人重新发现其中的价值，将它们中间蕴藏的神秘意识引入自己的艺术创造之中，从而使艺术放出新的光芒。
总而言之，只有通过坚持不懈的理论学习和艺术实践，学习和借鉴他人成功经验和方法并将进行归纳、总结，从中发现自我个性并将其运用到自己的创作实践当中，博采百家之长为我所用，这样的艺术创作才能具有个性特色。
尽管整个周而复始的过程就如同婴儿学步般艰难，但跨出这一步是深入学习、了解和掌握油画专业知识的关键步骤，并将为艺术创作打下坚实的基础。
参 考 文 献：[1]《马蒂斯论艺》，李黎阳编著，北京，人民美术出版社，2002年.[2]《走进大师 高更》，眭谦编著，北京，人民美术出版社，2002年.[3]蒋跃，《绘画形式语言研究》，合肥，安徽美术出版社，2008年.
急需一篇800字简述中国当代艺术的发展的文章。
给你个，自己改写: 从二十一初，美国对当国艺术的兴趣开始增长，但这种兴趣的动力是源于中国经济和世界经济的日益融合，是源于策展商人，而不是源于美国艺术家，而且这种动力常常需要从美国商业艺术展卖会上去体验，而非美国艺术家们的创作中心和大学。
当然也有少数有影响力的学术性活动及展览已在美国开始。
比如“国会山上展艺术”：由美国亚洲文化学院、国会图书馆和美国国家民俗中心共同主办的。
这些交流活动和展示可以称为是一种进步，原有的东西方的文化力量在这里发生微妙变化，但是赵晓明教授认为这远远不够。
他认同当代中国艺术在不远的未来还可以在以美国为中心的西方视野中放射光芒这种观点。
尽管目前，大卫.克拉克的观点仍认定中国当代艺术对西方来讲是一个暂时的新鲜玩意，或是被视为一种欣慰，即这个越来越像西方的东方世界正在学说西方的“艺术”语言。
比如王广义的作品，颠覆了文革时代的肖像画法，以调侃共产主义，让步于资本主义的世界观，在某种程度上，这对支持资本主义价值的人而言是易读的。
这样的解读使得这些作品与世界范围内社会主义瓦解的意识形态完全一致，这种意识形态曾经指导美国在冷战后时代的外交政策。
作品中存在的其它东西仅仅被认为是地域色彩，即使图案中有些清晰的政治痕迹也是安全可控的，对美国价值或者国家体系不构成任何挑战，对西方现状没有影响。
这在前苏联解体之前，一些前苏联的前卫艺术家作品在美国备受追捧，这些作品被美欧收藏家视为“在极权高压下，少数人发出的真实声音。
” 但当前苏联解体之后，他们惊讶地发现，这些真实反映人们生活的写实主义作品在前苏联蔚为大观，这使美欧藏家对社会主义生活形态的臆想破灭，那些曾经天价的画也跌到了地上。
而值得注意的是另一位中国当代画家王易罡，其散播艺术自由的东方价值观，在自由美国并非理所当然。
过去的三个月里，当美国亚洲文化学院为他举办的美国画展活动期间，美国的公众和美国的美术馆，曾经为了他的艺术自由和政治原因讨论其在美国展览的某些作品，在大学、在美术馆和在媒体上持续发出两组尖锐的对抗的声音，他是反战还是反美
然而正是这种对抗，为王易罡和中国当代艺术赢得了可贵的话语权和显眼的历史痕迹。
推动交流对于提高中国艺术在美国为代表的西方地位起着根本性的作用，因为交流可以凸显产生艺术的社会文化背景。
在中国当代艺术出现在美国国会图书馆、出现在国家民俗中心和史密苏尼亚国家艺术博物馆这类美国文化艺术殿堂时，加快了中国艺术在西方世界声誉的建立，但是今天中国艺术界重度商业化拜金的阴影使得这类学术层面的努力受到威胁。
原因之一是，几乎没有中国商业型策展人能全面了解美国，因此鲜有能力去“发现”相对来说不为人知的艺术交流平台。
中国艺术往往在跨越国际的展览中是孤立的，西方在理解中国本土所强调的问题时有其自身的固有框架，而中国当代艺术人在这个框架中却并未感到不自在的。
这是一个必须迅速改变的现状。
另一方面，尽管中国的策展人将中国当代艺术带给了西方观众，但他们给予世界有关中国当代艺术产生背景的形象却是十分散乱的，所以提供这一背景阅读的重任应该是中国艺术史家。
然而迄今为止，艺术历史已经证明在展现中国艺术的成就方面艺术史界远非商业策划界拿手，如果中国艺术历史界要充分面对这个时代挑战尚需很多改变，但赵晓明教授随之介绍说他已经开始注意这个领域的变化，作为机构中国艺术研究院和中央美术学院是这种力量的先行者。
