鹿柴《唐诗素描》（曾冬）读后感
在唐诗里旅行 ——冬散文集《唐诗素描》 汤文培 终相信，经典，能改个人的气质，能提拔一个人的人生。
可能每个人对经典作品的喜爱都有着属于自己的方式，比如有的人爱好给经典作品写读后感，有的人喜欢把经典作品认真誊写在自己的手抄本上，很显然，曾冬对经典作品的爱好方式是与众不同的，他首创了一种前所未有的崭新的文本形式——唐诗素描，用写意的形式诠释着自己对唐诗的一往情深。
《唐诗素描》与传统的关于唐诗的释义迥然不同，它以原诗为载体，在准确理解诗歌内涵的基础上，运用丰富的联想和富有表现力的语言，营造优美的意境，把凝练的诗词扩展成如画的散文，在散文化的形式下再现了唐诗的意境。
《唐诗素描》精选作者十年来创作的120篇优秀作品，从某种程度上讲，《唐诗素描》是对唐诗的再创作。
曾冬是一位诗人，他对文字的巧妙运用以及对感情的把握之准，简直让人无可挑剔。
作品中的语言既形象生动、含蓄蕴藉，又质朴自然，体现出一种厚重感和音乐美感，读来朗朗上口。
在选择词汇上和词汇的构成上作者也是别具匠心的，比如在选择词汇上，作者注重选择“阳光”“静谧”“远方”“温暖”等轻快且有深意的词语；在词汇构成上，作者擅长使用平实自然的叠词和叠字来丰盈作品的艺术形象。
字里行间，我能感受到作者根据自己内心情绪的变化而变换着语言的节奏，看似随意，其实饱含着作者充沛而复杂的感情，读之给人以极大的感染力。
作者的想象是大胆而且前卫的。
在《送友人》里作者如此阐释“挥手自兹去，萧萧班马鸣”：“终于要分手了。
一个人望着另一个人，不说话，只把一颗心，装在另一颗心的心里。
一匹马望着另一匹马，萧萧长鸣，眼里是无尽的哀伤。
挥手的刹那，有雨，打湿了春天的背景。
”凝练的几句话，将送别友人时留恋难舍的心情表达得淋漓尽致；在《马》里：“诗人突发奇想：什么时候，我能拥有一匹属于自己的骏马，一匹装束华丽的骏马，在这清凉如水的秋夜，在这无边无际的大漠，如鹰般飞快地驰骋，自由的奔跑，忘掉世间的一切束缚和烦恼。
诗人抬起头，望了望依然朦胧、依然空旷的远方，忍不住为自己天真的想法笑了。
”这就是曾冬的想象，既有天马行空般的不切实际，但内涵又如此贴近我们生活的本质、贴近我们的真切感受。
作者超常的想象和独特的视角，使他能在别人司空见惯的景观上悟出生命、文化和历史来，唐诗里的景观，他已熟知于心，他仿佛同唐诗里的山川景物、草木风情发生着强烈的共鸣：在《蜂》里，作者为蜜蜂打抱不平的同时，心里挂念着唐代勤苦的百姓：“蜜蜂啊，从你身上，我看到了唐代百姓的影子，勤心苦胝，豁达乐观。
虽一辈子劳苦，而果实，却总被那些不劳而获的人榨取。
”在《北青萝》里，作者领悟到“大千世界，全在微尘”的佛家境界：“人只不过是大千世界里一粒微小的无色的尘土，一朵清晨绽放又在风中突然消失的无影的花，又何必再去在乎那些金钱名利、爱恨情仇
” 我常常在暗地里独自庆幸，庆幸我们的祖先给我们留下了如此伟大而美丽的唐诗；读完曾冬的《唐诗素描》后，我不得不再次庆幸，庆幸我们这个喧嚣而浮躁的时代还有像曾冬这样诗情俊逸而心怀悲悯的诗人。
读《唐诗素描》，如同在唐诗里旅行。
在这场旅行中，我仿佛在一步一步走近唐朝的诗人们，我仿佛看到一个个鲜活的灵魂，一个个独具匠心的生命，纵然时空相隔，山遥水阔，却仍与千载而下的我们共享喜怒哀乐。
读一篇中外画家的书，写一篇读后感 急
谢
艺术是人类文明共同的结晶，人类分分合合繁衍了几千年，艺术也就跟着发展了几千年，如果一定要把艺术分为东方和西方的概念，那么也将是暂时的概念，因为人类还在发展，所谓“分久必合，合久必分”中国古人早已经明白了事物发展的规律。
因此本文谈的观点仅做暂时之结论。
如果要讨论国画与西画之区别，我认为首先应该谈到的是空间透视问题。
国画是散点透视，西画焦点透视，这是东西方绘画的本质区别。
在二十世纪后期，西方艺术从古典主义走向印象主义再到抽象绘画的产生，西方绘画体系在不断解体，产生了许多受东方精神影响的作品，如毕加索著名的《格尔尼卡》就运用了散点透视法，此外米罗、夏家尔等也习惯于使用这种方法。
由此可见东方绘画给西方绘画的发展提供途径的例子很多。
同样，中国近代绘画不仅学习西方的方法，甚至引进了一个画种—油画。
如果说中国人学习了西方绘画，不如说是学习了西方的透视方法。
请看从最初学生画的素描到后来的各种主题性创作，无不使用着这个方法。
如果比较历史上东西方绘画的其他不同之处，我认为区别还在于西方人发现了光影，东方人发现了线条。
西方人利用光影成像原理在画面上描绘出逼真的图象。
从达芬奇到安格尔再到马奈德加莫不如此，甚至后来发明照相机也是绘画实践的结果。
东方人因为受书写习惯的影响，将书法的线条运用到了绘画中，从吴道子到阎立本再到今天的诸画家依然如此。
近观中国学习西方绘画的历史，以徐悲鸿先生为代表影响最大，他画油画，是用现实主义的手法，也提出了“中体西用”的观点，既用中国的毛笔宣纸为工具，运用西方现实主义的技法了造型。
这种绘画的特点是象安格尔那样，先用线条画出准确的轮廓，再以光影原理用墨的浓淡来画体积。
这种方法目前仍然运用于国内各大美院的教学中。
另一种是以林风眠为代表，其作品借鉴了构成主义、野兽派、纳比派等思想的影响，而上述流派都是在反现实主义的基础上产生的，他们的特点是是打破以往对空间和真实的表现。
纳比派代表人物德尼断言：“所谓绘画，无非是二元的平面。
”与其忠实地再现自然，不如直接地考虑画面的构成。
由此可见林先生学习的是西方发展后的艺术，应该更加具有进步意义。
时至当代，西方艺术在进入二十一世纪后变革更加激烈，从印象派引入决裂的时代以后，对绘画的主体对象的怀疑使艺术仿佛晕眩了。
抽象主义画家特温布利宣称：“今天，每一个线条都是线条本身内在历史的具体体现，它无需做出任何解释，它是它本身存在的结果。
”皮洛克提出了艺术的无限可能性，他用全新的技法从新定义空间，材料。
素描，以及空间布局等关系。
尽管当代西方艺术纷繁复杂，但归结起来有一个共同特点：既这些当代艺术家都在为发明一种新的种类的图象而忙碌着。
正如波普艺术家安迪沃霍尔所言：“我真希望发明一种象牛仔裤一样的蓝那样简单的东西。
”与此同时，中国前卫的艺术家也在忙着做同样的事情，但到底还是中国人，放弃传统材料只能算是西体西用。
要考虑中国未来绘画的发展就不能不考虑中国画的发展问题。
反观中国近代艺术家学习西方的经历，最后还是归结在使用中国传统材料创作上来。
谈到中国传统绘画就不能不谈笔墨纸砚，简而言之笔及毛笔，墨及黑墨，纸及我国特有的宣纸，砚现在有人用，有人喜欢墨汁就放弃了。
中国古人用毛笔沾溶于水的墨写画出图案就是创作国画的基本过程。
目前国内就笔墨问题讨论的很多，其实笔墨作为一种造型手段犹如西画之肌理，并非构成一幅作品的主角；西方人象马提斯也很喜欢中国墨，但他是将墨仅看作颜色的一种使用，相反，中国人过多地强调笔墨的意义就会陷入孤芳自赏的状态，而忽略西方绘画中对于色彩探索的成果。
西方绘画在色彩上曾经成功地借鉴过东方色彩，安格尔曾经被戏称为误入巴黎的中国人，凡高也曾迷恋过日本画，而中国绘画在色彩的借鉴上运不如西方积极。
另外，中国绘画强调萧疏淡远诗情画意符合中国农耕时代的一唱一和的人文精神，但很难适应当前快节奏读图时代人们的审美需要。
尤其是互联网和无线通讯技术的使用使世界变的越来越小，随着国际间的交流频繁人们的审美标准更加接近。
因此要想使我国的传统绘画艺术得到发展就不能忽略对西方现代艺术的研究和借鉴。
东方与西方也许本来是一家，或者起码也是亲家，你中有我我中有你，借鉴是双方都无法回避的前景，只有用科学的拿来主义方法才能找到更加适合的发展道路。
愿二十一世纪里我们的思想更加开阔和自由，我们的艺术更加丰富多彩，我们的绘画事业更加繁荣。
关于素描的知识
重形体结构，轻明暗虚实 我一直固执地坚持这样一个观点：好素描应该像雕塑一样，素描就是在纸上做雕塑
在雕塑家的眼里是没有明暗虚实之说的，他们只会看到高低起伏，看到形体与形体之间的结构关系，明暗是表现形体的工具，在绘画中是一种制幻的因素，它并非是认识形体的手段。
当我们看到一个物体时，脑子里不是明暗反应，也不是色彩反应，而是一种形体反应、质感反应和量感反应。
明暗是光的产物，它们不是物体固有的，物体固有的形态是不受光的支配而独立存在的，无论白天还是黑夜，无论你看见还是看不见，它都是客观存在的，不变的是形体，变化的是明暗。
只有当画面的光影和对象完全吻合的时候，形体才能准确地显现。
如果说光影素描擅长画灯光和强日光的话，那么它对平光或柔光却显得力不从心。
当然，我这样说并不意味着明暗不重要，相反，明暗对于形体的塑造来说至关重要，当对象的形体结构定准确后，明暗就显得无比的重要，明暗调子越丰富就越能表现对象的质感。
明暗永远要围绕形体转，形体第一，明暗第二。
重色阶顺序，轻技法表现 前面我说过，素描就是在纸上做雕塑，说白了，就是在纸上制造一种三维立体的幻觉，而这种幻觉的制造就要依赖色阶的变化来产生。
画素描首要的技能就是要读准对象的明暗调子，就像学音乐首先要唱准1234567一样。
哪里最黑，哪里最白，每一块黑属于哪个色系的黑，每一块白属于哪个色系的白，每一个色系下都有明暗的微妙变化，一般我们把每个色系的形体分为七个层次，即，黑、中黑、浅黑、灰、中灰、浅灰、白，每块颜色都在自己的范围内活动，绝不能越位，破坏色阶的秩序感。
只有这样，画面调子才耐看，形体的质感、体积感才会增强。
素描的要决在哪里
很多人有很多种解释，但不管怎样，素描就是素描，它是靠色阶的反衬对比来制造立体幻觉的。
很多人一提到素描，都热衷于技法的表现，其实，所谓技法有很多种，它只不过是表现形体、描绘色调的一种手段罢了，你怎么画都行、都对，但不管技法多么高明、多么现代、多么时尚，最终都要描绘出色阶的顺序，不能为了技法而破坏了色阶的排列秩序，如果你一味地追求表面浮躁的技法，而不顾本质的色阶变化，还以此而“仗势欺人”，我只能说，你真牛X
先再现后表现，先模仿后创造 在画素描的时候，别人的第一反应是如何去表现，如何去创造出一种美妙的幻觉；而我的第一反应则是如何客观地、真实地、朴实地把对象先再现在纸上，先去模仿它固有的形体关系和明暗关系，至于如何去具体的表现，即技法层面上的东西到下一步再去考虑，这就像盖大楼，先把房屋的结构搭建起来，具体的装潢是在此之后的事。
很多学生一看到被画的对象，都显得非常激动，这是难得的，但很多一上手就急忙考虑如何同一些“特效”，但结果往往是，急急忙忙的开工，又急急忙忙的收工。
我们说表现技法是必要的，但它必须依附在对象固有的形体关系上，不能为了表现技法破坏了整体的形态关系。
就像我们穿的衣服，无论它设计的款式多么时尚现代，如果不符合人体的形体比例与结构关系，再好的衣服也不过是废品一个。
所以，对于写实素描而言，我建议在画之前先不要过多地去考虑如何表现对象，应先把它如实地搬到纸面上，通过涂抹描绘先模仿它固有的关系，然后在此基础上进行表现与创造，这样就能做到有的放矢，不至于乱了头绪。
先涂调子，后写局部 在画素描时，有一个重要环节，叫“铺大调子”，之后，还有一个关键的环节，叫“深入刻画”，它们是一种先后递进的关系，它们相互依赖、相互影响、相互制约。
深入刻画有赖于铺大调子的铺垫，而铺大调子有赖于深入刻画的具体塑造。
如果调子铺的很乱，那深入刻画就无法正常进行，如果深入刻画的每个局部都很到位，但破坏了前面铺出的大色调关系，只会是白花力气，适得其反。
我们经常看到一些很优秀的作品，它们笔法细腻，调子变化微妙，让很多人，尤其是初学者产生一种敬畏：它们到底是怎么画成的
其实，他们并没有你想象的那么复杂，我在这儿班门弄斧，给各位看官揭揭底
我发现，很多细腻的素描作品，它们在铺大调子时都习惯用铅笔涂，就像儿童画中着色的环节一样，在这个阶段，它们不讲究什么技法，只是直观地把对象特定的关系涂抹在纸面上，这时你看不出线条、笔触的痕迹，只是调子与面的结合，把对象最原始的状态老老实实地涂抹出来。
其实，很多大师的经典作品都有涂抹的痕迹，我们很难从中找到那些张牙舞爪的线条和生硬的笔触，而是一种非常朴实、单纯、稳重的原始描绘，这可能就是大师作品的味道所在把
等把大调子、大关系涂抹完之后，就要每个局部逐一地深入刻画了。
在刻画时，要非常耐心地，像写字一样把每个单元的质感“写”出来，我在这里为什么用个“写”字而非“画”字，主要是说要用方向不同、长短不一、轻重有别的笔触把对象的形体、明暗关系慢慢修出来，这时我们要忘记技法，用一切可以用的手段把对象客观地记录下来，往返循环几次，形体的质感自然会呈现在眼前。
在这个阶段一定要注意，“写”的要慢、要细心、要细腻
写涂后写，就是这样 忘记技法，还原本质 我在素描中一直主张一个观念，就是忘记技法，还原对象的本质面貌，这也是写实素描的秘诀所在
技法是让一个画家心惊肉跳的词汇，每个画家都有一套看家本领，就像古代武术界中的各个门派，他们的功夫其实都大同小异，但每家的套路又有不同，这时的技法就成了画家的立身之本。
因此，我一直固执地坚持一个观点：每个画家都有匠人的身份。
但我今天非要反其道而行之，主张忘记技法、没有技法，忘记技法就是最大的技法，没有技法就是最全的技法。
想必各位看官一头雾水，不认此理。
别急，且听我把话说完
我们首先明确一个逻辑思维顺序：技法是为了更好地表现对象的形体结构、空间感与质感，我在前面说过，深入刻画是用笔写出来的，既然写，就要强调自由轻松，什么方法都可以用，怎么画都可以，只要能真实地把形体的质感记录下来就OK，谁规定了画眼睛必须用什么方法，画鼻子必须用什么方法，画脸蛋必须用什么方法，画屁股必须用什么方法……只要能达到目的，不择手段。
这让我又想起了古代武术中什么招式最厉害，我想应该是“迷踪拳”，没有什么固定的把式，只要能在最短的时间内击败对手，就是上乘的功夫。
隔行不隔理，武术的道理同样可以用在素描上。
上乘的素描是没有固定套路的，只要能还原对象的本质，真实地描绘形体的质感，什么招管用就用什么招。
这也就是为什么我们在看一些优秀作品时看不出它们是怎样画出来， ——迷踪素描
抓住三条主脉线 我对学生说的最多的一句话就是：雕塑，雕塑，还是雕塑，一定要把素描画的跟雕塑一样，素描就是在纸面上做雕塑
把素描画的跟雕塑一样，一直是我素描观中最核心的概念，雕塑效果，重点在于强调形体的结构，用明暗反衬的手法把对象的体积、质感制造出来要想达到这种效果，有一个最简单，也是最行之有效的方法——抓住三条主脉线。
哪三条主脉线呢
轮廓线、结构线、明暗交接线。
轮廓线抓紧就会使对象从平面的纸上与背景脱离开，形成一定的空间感，抓住轮廓线还能把形体的形状界定下来，从而达到“形”像。
轮廓线画准了，那对象的基本形态也就随之产生了，如果轮廓线抓不住，那就会把手画成爪，把脚画成蹄，把脸蛋画成屁股。
古代大师的作品很大的魅力来自对轮廓线的考究。
结构线是制造雕塑感的杀手锏，我们强调画素描时注重对象的形体结构、高低起伏，这时，形体本身与形体之间的结构转折线就显得无比重要。
抓住结构线就会把对象形体的来龙去脉搞清楚，抓住结构线也就会增强形体的结实感，不至于像一盘散沙一样，毫无力度、毫无生气，结构线可以说是再现式素描的命脉。
明暗交接线，我想对于素描来说就是点睛之笔，抓住明暗交接线，对象的体积感就会马上制造出来，形体的空间感也会随明暗交接线的强化而暴露出来，这可以说是一举两得、一石二鸟的好事。
在素描中，制造对象的体积感，最重要的就是来自于明暗交接线，所以，当你的画面还十分空洞时，不妨加强对明暗交接线的修复，相信定会使你的画面立马生动起来，形体感与空间感也会立马浮出水面，不信，你试试
天下万物都有它最致命的要害，就像心脏对于人一样，解决任何问题都要讲求巧劲，学会抓重点、抓要害，所谓“举一纲，万目张”， 只有抓重点才能四两搏千斤，画素描也要抓住要害，抓住三条主脉线。
以灰色为主调，找出黑点和白点 写实素描有一个最大的特点：细腻耐看，整个画面调子变化很微妙，任何颜色都在细微之中轻轻舞动，它就像一曲旋律优美的抒情歌，很耐人寻味。
写实素描没有大黑大白的明快变化，从最黑到最白，它是慢慢地、逐渐地过渡的，中间有大量不同的灰色参与了其中，写实素描的明暗调子变化都是轻缓过渡产生的，最黑和最白往往只是一个点，即黑色里面还有黑色，白色里面又有白色，层层递进排列完成。
写实素描忌讳黑白大起大落，所以，记住：在灰调子中找落差，在灰调子中找对比，在灰调子中找色阶，把北方女人柔情似水的一面做出来，把南方女人清秀灵美的一面修出来。
以灰色调为核心，这是写实素描的秘诀所在
学习素描有什么需要注意的地方
素描简而言之就是单色画。
却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。
当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。
同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他廖寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。
这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握【注意事项】1.缺乏整体美感这是不少初学者和考生共同的毛病，由于他们缺乏长期性的作业训练，在考试中不能在整体观念的指导下全面推进，往往是急于求成，在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部，造成局部相互之间关系无法很好地衔接。
让整体的美感不能更好的体现出来，局部的构造已经很突出了，而其他地方做的不足，这样的一副画，怎么能得到好评呢
一幅画的整体是由若干个局部组成的，没有局部的一幅画是不真实的；然而，一幅画只有局部，没有整体，就算再精彩、再深入也是毫无意义的。
素描的目的，不光是练就一手“好活”，而更重要的是培养一种艺术思维的“意境”和如何观察事物的“想法”。
离开了这两点，素描练习也就失去了它的本质意义。
既然整体是关系到一幅素描画的成败，那么局部与局部、局部与整体的关系就显得十分重要。
如何解决这种关系，就要靠比较的方法，比较色调的深浅，比例的长短、宽窄、大小，比透视关系的远与近、虚与实。
根据这种比较，画出来的作品，才是客观对象真实存在的一面。
2.敏锐感加强世上所有的人，没有绝对相同的面孔，即使是双胞胎也不例外，他（她）们也都有别人不易察觉的差异。
素描训练的根本任务是，捕捉对象的特征和独具个性的差异，但是在素描写生的过程中，常常看到有的学生不管画谁，不管对象的长相如何，气质怎样，都画得像一个人，模特儿似乎成了摆设，成了他们胡编乱造的参照物。
这里有初学时期老师指导上的失误，还有考生自己认识上的误区。
有的考生错误地认为：模特儿像不像没有关系，只要画面效果好就行，反正评分的老师也不知模特儿什么样。
像不像确实不是衡量一张素描作品优劣的标准之一，但它却能检验一个学生对事物所具备的敏感性和表现能力。
如果一个学生长时间脱离对象去感受，去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练，那么他就有可能造成感知能力的退化，失去一个艺术家所应有的敏感性。
具体到素描写生中的表现就是千人一面。
这是因为作为一个画家重要条件的眼睛已经退化了。
无疑，这样的试卷是无法得到高分的。
而这些毛病一旦形成就很难纠正。
所以学生们要特别注意老师讲到的每一个细节。
3.画面把握不好在最后画面调整时，最容易出现画面灰、效果对比不强烈和画面锁碎的问题。
为什么会出现这些问题呢
这是因为画面的黑、白、灰层次缺乏完整统一的对比和变化规律,，画面的层次就不清晰，画面的效果就不响亮，至于哪一种成分多点，哪一种成分少点，都要给你的感受而定。
自身的关系是非常重大的，但不管怎样的比例关系，三大基本色调都不应缺少其中面灰的原因很多。
比如模特儿的面部大部分都处在亮部里，于是，画面上基本都是亮和灰的色调；如果处理不当，很容易造成画面灰。
这时，就体现深灰的作用，尽量拉开深灰和浅灰的距离，使之保持画面的层次感。
还有一种情况：模特儿的皮肤比较深，黑和深灰色调占其面部的大部分面积，而浅灰和亮面所占的面积很少。
处理不好也容易造成画面灰暗、沉闷，影响作业成绩。
对此，考生应主动减少中间色调的深度，提高画面（脸部）的亮度，保持画面的层次感。
写生的过程当中，在整体尊重客观对象的前提下，允许对局部的色调进行调整、或减弱、或加强的艺术处理。
素描写生的对象，或明或暗，或强或弱，或虚或实，都有着它的规律和秩序。
写生时如果打乱了这种客观秩序，就会出现零乱琐碎，因而影响画面的整体感。
还有一种情况，每个局部都画得很好很完整，但局部和局部之间没有联系，互不统属，互不相让，像一盘散沙。
一个物体在一个固定光源的照射下，必然会出现强弱、远近和虚实的物象。
因而就产生了物象主次关系———秩序感。
把握不好，这样的一幅作品也不能说是一幅好的作品的
4.在素描的练习过程中，素描必须着重光线、物体的关系，笔触的描绘手法，将自己眼睛所观察到的形体，具体而微的呈现出来。
所以，素描需培养自己的观察力。
另外，素描也可以解释为“存在”与“绘画”之间一切的努力，亦即所谓“绘画之描写力”。
例如，描绘桌上的静物，除了可以发现静物上不同的色彩外，亦可发现放在桌上的安全感，和背景间的协调性，这些存在的形、色、线条、明暗，质感，量感、存在感、空间、动态……等等复杂的因素，互相交织，构成一个美的秩序。
绘画就是要将那些自然的秩序，导换成美的、入画的秩序，这也是素描的意义和目的。
素描是绘画的基础,是最能体现人的绘画水平的画种。
因此，在学习中要踏踏实实，持之以衡，不可浮躁。
到大学学设计要有什么素描基础吗?
~ ~别急着一下子能拥有什么技巧提高功底为什么国内的书会被人评论为错误引导，也并不是出书者的错~因为他们都是按照美术考试出的书~你要为考好试看那些书绝对没问题~但要提高美术修养~提高自我审美素质~就要多看一些理论书籍~我这里就不说什么点。
线。
面了。
讲下学习取向~要记住~专业之间的差别是专业以外的知识~要学好素描别一老去找关于素描的书~要把所学的认为是对的东西和素描结合起来~- -我是艺术生~也是学美术的~现在读的设计~大四学生~会不会说得太不着变了
有空多聊~QQ 310242431
