影像本体论的介绍
一、长镜头及安德烈.巴赞的长镜头理论 1、长镜头 作为一种电影技巧或电影手法的长镜头迄今尚无严格的科学定义。
一般指在一个统一的时空里不间断地展现一个完整的动作或事件的镜头。
它至少包含两个要素一是时间。
这种镜头的尺数比较长一般最短也在15米最长可达300米放映时间约在30秒到10分钟之间。
这些时间也是个模糊的概念没有具体的数二是空间。
通过运用景深镜头或移动拍摄达到对一个相对完整的生活片断的电影化概括。
长镜头并不是某个导演或电影理论家所发明的这种手法很早就存在。
11、长镜头的叙事手法 长镜头在空间营造上注重场面调度多使用景深镜头在镜头结构上多使用运动镜头替代固定镜头因而造成了它的镜头使用一般都有较长时间的延续这也就是我们常说的长镜头的叙事手法。
长镜头的叙事手法可以说是纪实主义的 典型风格和特征。
长镜头是指在一个镜头里不间断地表现一个事件的过程甚至一个段落它通过连续的时空运动把真实的现实自然地呈现在屏幕上形成一种独特的纪实风格。
从摄影的角度看长镜头在一个镜头中有景别和角度的变化并能完整、明了表现一段内容所以又叫作段落镜头。
从编辑的角度看长镜头通过变化拍摄角度和调整景别的距离用一个镜头完成一组镜头所担负的任务镜头内部的运动起到了和蒙太奇相同的作用所以又叫作镜头内部蒙太奇或称镜头内部剪辑、机内剪辑。
长镜头的风格与分切镜头式的蒙太奇剪接相比无论是在叙事结构方面还是在时间、空间结构方面都有其独特之处。
11.1、叙事结构的特点 首先它具有传达信息的完整性。
镜头内部蒙太奇不间断地表现一段相对完整的事件因此它具有传达信息的完整性。
活动影像所具备的完整信息是由声音和影像两方面组成的用分解的方法拍摄用分切镜头的方法剪辑在很多时候不能保证完整信息的传达不是声音的连续被破坏就是画面的连续性被破坏。
长镜头由于使声画保持连续和同步从而保证了叙事结构的完整。
其次它具有相对可信的真实性。
由于长镜头不靠动作的分解和组合来表现运动过程而是把连续的动作完整地展现在屏幕上视觉形象连贯完整从观众接受的角度看由于长镜头可能排斥了造假的可能而使表现的事实具有真实性。
在表明事实的可靠性方面长镜头是一种有说服力的做法。
再次它能表现事态进展的连续性。
长镜头可能把事件的发展过程和真实的现场气氛表现在屏幕上使观众感受到身临其境的气氛。
1.1.2、时空结构特点 德州科技职业学院毕业论文 4 首先它具有屏时间和实际时间的同时性。
用蒙太奇组接表现出来的屏幕时间往往对、事件发生的进程进行了很大的修改它可以大大压缩实际的时间进程也可以把完全不同的事件过组合在一起。
虽然这在许多情况下是无关紧要的但是它毕竟可以使人们对它可信度提出怀疑。
镜头内部蒙太奇保持了时间进程的不间断性事件过程的实际时间连续性、完整地反映在屏幕上可信度大大提高。
其次具有时间进程的连续性。
镜头内部蒙太奇在时间结构上的一个最显著特点就是时间的连续。
无论是在变换景别还是在变换拍摄角度时都不打断时间的自然过程保持了事件节奏的正常进展。
再有从空间结构特点看长镜头在运动过程中展现空间全貌空间连续完整。
摄影机的运动使有限的视域逐渐地展现出事实空间的全貌这种展现空间全貌的方式所产生的魅力是蒙太奇剪辑绝对达不到的。
另外长镜头能在运动过程中实现空间的自然转换。
在纪实性较强的电视节目中长镜头经常是很有力的表现方法特别是在表现一些真实性要求较高的关键内容时它有时是一种既省力又讨好的方法。
但是它也有节奏慢、不稳当、不易准确地突出重点等特点而且拍摄难度大很难做到完美无缺。
所以在使用这种方法时要谨慎事先对整个段落的表现内容和镜头运动的节奏要有周密的设计这样才能做到少有失误。
2、安德烈巴赞的“长镜头理论”--纪实主义美学理论 为了了解长镜头理论的内容首先要了解、研究巴赞对传统的蒙太奇理论的批评。
这是因为长镜头理论是在对蒙太奇理论的批评中形成的。
长镜头理论形成于20世纪50年代是一种与传统的蒙太奇理论相对立的电影美学流派是一种与唯美主义、技术主义相对立的写实主义理论。
法国 理论家安德烈.巴赞提出的电影理论.系前期电影研究产生的主要理论之一。
巴赞在他的《摄影影像本体论》一文中提出了影像本体论的观点.认为影像与客观被摄物同一具有自然的属性而这一属性满足了人类复制现实以战胜时间侵蚀的本能欲望。
因此再现事物原貌的独特本性是电影美学的基础。
从此点出发巴赞要求电影要完整地再现客观现实保持空间的统一性和时间的真实延续。
他反对蒙太奇手段破坏时空完整性的切分与组合主张以长镜头和景深镜头的原则构思拍摄影片。
巴赞指出长镜头和景深镜头的运用可以避免对观众知觉过程的限定保持镜头的透明和多义保证事件时间进程的完整、让观众看到现实空间的全貌和事物的实际联系。
从叙事的角度说连续拍摄的镜头——段落正体现了现代电影的叙事原则摒弃了戏剧式的省略手法从而在银幕上展现出事物的自然流程。
长镜头作为一种电影风格和表现手段在展现完整的现实景象等方面有其极大的优越性。
巴赞的真实美学包括三方面内容 2.1、摄影影像的本体论。
他认为电影摄影的本性是影像复原。
摄影机有使电影影像与被摄现实同一德州科技职业学院毕业论文 5 的功能这样才使得电影有了真实地表现现实的可能性。
他说quot一切艺术都是以人的参与为基础的唯独在摄影中我们有了不让人介入的特权。
quot按照他的理解电影独特的再现事物原貌的本性是电影美学的基础。
2.2、电影起源的心理学。
他认为电影发明的心理依据就是再现完整现实的神话。
再现一个quot完整无缺的quotquot声音、色彩、立体感等一应俱全的外部世界的幻景quot也就是真实的银幕形象只有这样才能满足人们欣赏电影的心理要求。
2.3、电影语言的演进观。
巴赞认为电影语言的演进趋势是向现实主义发展即朝着真实的方向发展。
他认为与电影联系的真实有三种 表现对象的真实-- 强调如实展现事物原貌的真实性、多义性和透明性以及题材直接的现实性。
现实的存在永远是多义的、含糊地和不确定的。
因此他反对对事件作单一地解释主张quot画面的存在先于含义quot应quot把现实中模糊意义重新表现在影片中quot。
他不仅要求物象的真实性而且始终主张内容的现实性。
这导致了对传统蒙太奇的非议。
巴赞认为含义的单一性是思维的特征而不是自然的特征。
蒙太奇把事实隐化了用另一种合成的现实来代替它这就使人对影片的真实性产生了怀疑。
孔雀开屏--炫耀杀牛--屠杀这种隐喻来自作者的主观意念而绝非事实本身就是这样。
因此他认为这是一种文学的、非电影化的手法。
空间、时间的真实-- 这一问题是巴赞美学的核心。
他认为电影应该包括真实的时间流程和真实的现实纵深。
电影的整体性要求保持戏剧空间的统一和时间的真实延续这样才能保证事实的真实可信。
如果把空间分解了或把时间压缩了这本身已经破坏了真实的进程同时也就破坏了事实是本身的意义。
他认为电影空间的特征是有限的反映客观存在。
quot银屏不是画面的边框而是展露现实局部的遮光框quotquot画面造成空间的内向型相反银幕为我们展现的景象似乎可以无限延伸到外部世界quot。
这一认识又导致了对传统蒙太奇的怀疑。
巴赞在《被禁用的蒙太奇》一文中指出quot若一个时间的主要情节要求两个以上或多个元素同时出现蒙太奇应该被禁用。
quotquot在上述情况下蒙太奇恰恰是反电影的文学手段。
与此相反电影的特征暂就其纯粹状态而言在于从摄影上严守空间的统一。
quot 叙事结构的真实— 巴赞认为从整体上电影的叙事结构不应像以前那样以强调戏剧性结构为主而是应更接近自然。
这是一种quot本体论上的平等从根本上打破戏剧范畴quot的结构是故事的发生和发展具有生命般的真实与自然的结构是事件的完整性受到尊重的结构。
从局部上是用动作的真实、细节的完整代替传统省略法的结构。
他用了一个形象的比喻蒙太奇的叙述方法只是表现漂亮的quot门把quot而他主德州科技职业学院毕业论文 6 张的叙事结构却是表现整个quot大门quot。
由此我们可以看出巴赞理论和蒙太奇理论的区别前者强调事实后者强调思维前者重叙述后者重表现。
巴赞为了实现自己的审美理想找到了一种最适当的表现方法即长镜头和景深镜头。
他多次赞扬了弗拉哈迪在《北方的纳努克》、奥逊·威尔斯在《公民凯恩》、罗西里尼在《游击队》中以及新现实主义导演在他们的影片中使用的手法。
他认为这样的长镜头至少有三点好处 这种风格可以避免严格限定观众的知觉过程它是一种潜在的表意形式注重通过事实的常态和完整动作揭示动机保持透明和多义的真实 长镜头保证事件的时间进程受到尊重景深镜头能让观众看到现实空间的全貌和事物间的实际联系它们的运用可以展示空间和时间的真实 连续性拍摄体现了现代电影叙述原则摒弃了戏剧的严格符合因果逻辑的省略手法再现了现实事物的自然流程因而倍感真实。
继巴赞之后对写实主义电影美学作了更完整表述的是德国人齐格弗里德·克拉考尔。
克拉考尔的基本电影观念是明显继承自巴赞的照相本体论但他走得更远从某种意义上说是变得更狭隘实际上对写实主义电影的发展在理论上作了某些有害的束缚。
巴赞的理论对现代电影创作有很大影响它在很大程度上改变了人们对电影与真实关系的认识。
他的观点对于纪实性节目的创作有很多是很有借鉴价值的。
但是巴赞对蒙太奇的否定是偏颇的他在强调电影纪实属性的同时却忽略了它的情感力量。
这一严重的缺陷后来受到西方电影理论界的批评在实践上也受到了严重的挫折。
事实上没有一部电影能够完全按照他的理论来拍摄。
电影自从格里菲斯以后就不再是现实的自然反映而是艺术家创造的产品其中有艺术家的自由创作和自我表现。
至于表现手法电影语言如同文字语言一样是一种表达观念的符号系统只要能更好地表达作者的意图什么方法都可以使用。
正如法国电影理论家让·米特里后来指出的被安德烈·巴赞学派搞得截然对立的蒙太奇与非蒙太奇技巧其实只是蒙太奇效果的两种不同形态。
二、真实的纪实风格与纪录片以及长镜头的联系 我们所说的纪录片体现的是纪实风格长镜头也是纪实风格的重要手段。
纪录片是以真实生活为创作素材以真人真事为表现对象并对其进行艺术的加工与展现的以展现真实为本质要求纪实并用真实引发人们思考的电影或电视艺术形式。
纪录片的核心为真实。
真实是纪录片的艺术生命这是普遍的共识。
纪实风格是纪录片艺术各种功能、价值赖以存在最重要的基石。
真实性又是纪录片感染力的酿造基。
缺乏真实感的纪实虽真犹假全无价值。
在1958年周恩来总理联系“大跃进”浮夸风强调指出“纪录片要真实的反映时代的历史特点不能脱离历史弄虚作假不能用虚假的东西欺骗群众。
”1962年他又一次明确强调“纪录片一定要完全真实有几个镜头与事实不符合使人连其他材料也不相信······不能‘客里空’”《我们的足迹》。
例如长镜头在我国纪录片中的运用最初是在九十年代初《望长城》、《押运兵》、等几部纪录片中出现的后来又在《潜伏行动》、《中华之门》、《》等纪实性纪录片中被成功采用人们开始被其连续发生、真实纪录、无法篡改的纪实美所吸引。
所以一个时期以来长镜头的运用成为各类纪录片创作常用的一种手法似乎是一种纪德州科技职业学院毕业论文 7 录气息的象征。
长镜头的运用是为了给观众提供更直接、具体、可信度更高的画面信息量。
要看是否能纪录下需要向观众展现的故事和情节是否能捕捉到与故事情节相关的要素是否含有起承转合、渲染情绪、深化主题等功能的情景信息或者是否能纪录一部作品中令观众最感兴趣、最能留下深刻印象的“精彩片断”等等。
“对于我来说一部电影使用什么手段它是一部表演出来的故事片还是一部纪录片不重要。
一部好电影要表现真理而不是事实。
”——谢尔盖·爱森斯坦—1925年 上面这句引言体现出纪录片与故事片之间实际上并没有明确的界限。
一般来说观众对一部纪录片的期待是它写实但实际上仅仅镜头和拍摄人的在场这个事实就可以影响被记录的情况。
严谨的纪录片同时也记录下拍摄过程对被记录的情况的影响来让观众获得一个比较客观的印象。
被记录的情况的代表性也影响到一部纪录片是否写实。
比如许多描写动物的纪录片在裁剪时往往更加愿意选择带有戏剧性的镜头而这些镜头并不一定是这些动物典型的生活习惯。
纪录片的拍摄者的个人观点和他的评论也可能影响一部纪录片的写实性。
比如许多描写动物的纪录片中评论者喜欢用拟人的语句来描写一个动物的行为而实际上动物的行为与拟人的描写可能毫不相关。
长镜头作为纪录片的主要表现手段近年来越来越受到创作者的关注。
但是在注重运用长镜头的同时却也时常忽视了信息量和信息价值。
有观点认为视听媒介作为现代传媒的最基本功能既不是娱乐也不是艺术而是传达信息。
在观众能够自由选择更多频道的今天信息则是抓住观众的重要因素之一所以要处理好长镜头与信息量之间的关系 1、过程本身的信息价值和“镜头内部蒙太奇” 纪录片中长镜头所表现出的真实性和感染力是不言而喻的。
《下山的路》说的是一个小山村修路的故事。
因为没有路不仅给这个山村带来了贫穷而且10年间就有12人相继摔死在下山的羊肠小路上。
为了生存村民们决定集体修路。
片中多次运用长镜头其中工休时农民杨建林吹唢呐的镜头有一分多钟镜头推拉摇移从脸部特写、手上的血泡到村民们悠闲吸烟的场景、再到荒凉的远山……画面中没有语言和更多的人物动作只有起伏的唢呐声和山谷回音。
这里镜头语言所表现出的悠远、艰苦、欢乐与希望的交织极富感染力是蒙太奇剪接所不能替代的。
画面中所包含的丰富的信息量是通过“镜头内部蒙太奇”来实现的即“用一个镜头内的景别、构图、光影、场面、人物动作等造型因素的变化来强调、突出导演为此镜头所规定的思想含义。
”也就是前苏联电影理论家罗姆所称之的“场面调度”、“多构图镜头”。
长镜头拍摄中的场面调度能增加信息含量决不能在一个没有意义的构图上停留太久。
当然长镜头所包含的信息量还取决于能否捕捉到所截取事件过程本身的信息价值。
有一部表现云南少数民族摩梭人生活的纪录片片中的主要人物达玛初作导游时摸不着头脑她在湖岸边跑来跑去一会儿跳上船问她的游客在哪儿一会儿又跑到另一条船上继而又跑到岸上喊人。
镜头有40秒机位没有变化是以全景长镜头方式拍摄的观众所获取的信息价值是创作者记录下的事件本身德州科技职业学院毕业论文 8 给予的应该说这个镜头对了解和透视达玛这个人物是很有意义的。
同是一部纪录片中有些镜头则内部变化少、信息量少故而显得冗长。
比如三个连接延时一分钟的长镜头第一个是大铁壶煮东西没有同期声和解说字幕是“盐不够再加点盐”第二个是壶的特写第三个是喝。
观众对摩梭人的生活方式并不了解包括所用的器皿镜头既然刻意去表现它就必须让观众明白。
但事实却相反观众恐怕并不明白就连壶里煮的到底是什么东西画面中都没有说清上下文也没有交代观众只能去猜了。
还有一个旅游者骑马的镜头镜头内部没有运动和变化长度也近一分钟。
镜头的时间越长越容易造成信息量不足节奏迟缓这样的镜头用多了很难吸引人看下去其长镜头存在的意义更值得商榷了。
2、巧用“蒙太奇”丰富信息量 长镜头是记录事件过程最适合的“镜头语言”但应当指出“长镜头是相对而言的它主要是根据主题需要及长镜头本身所表现的内涵及其价值来确定”其在纪录片中是否需要另外“一个镜头再长也不可能记录某一事件发展的全过程长镜头也只有通过剪辑才有意义。
” 纪录片的叙事技巧十分强调对时间的处理。
因为艺术作品所展现的时间与真实时间是完全不同的概念。
真实时间是故事发生的自然时间流程而叙事时间则是经过加工的在叙事文本中呈现出来的时间状态。
艺术作品的奥秘之一就是要对经过筛选的生活中有着本质意义的素材进行再排序。
重新排序有两种组接方法一是对叙事的时序进行调整使叙述呈曲线状态二是原故事的时序保持不变只是经过取舍将时间缩短亦即使故事时间和叙事时间的时距产生差异。
时间重新排序的结果是变化了叙事文本的节奏增加了信息量调动了观众的收视兴趣。
应当提出的是目前一些纪录片忽视了故事语言和叙事语言“时间错位”与“时距差异”的美学价值存在着片面理解长镜头作用的倾向。
例如有一部讲述尼姑生活的纪录片给人的感觉就是有闻必录东拉西扯镜头一个个都很长十几分钟过去了还不知道创作者的意图何在。
所有镜头都是扛着摄像机晃晃悠悠去拍的长镜头像在记述一部流水账缺乏选择、味同嚼蜡不免带有自然主义的倾向自然也就谈不上信息价值了。
信息价值指的是有用信息并不完全等同于信息量。
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关于摄影
你要原文的是指法文的吗
国内少见。
译文在“电影是什么”一书中。
摄影影像本体论 法国电影理论家安得列.巴赞（1918—1958）提出的电影理论。
著有《电影是什么
》。
他认为：“摄影与绘画不同，它的独特性在于其本质上的客观性。
况且作为摄影机的镜头代替了人的眼睛，而他们的名称叫客观性。
在原物体和他们的再现物之间只有另一实物发生作用，这是破天荒第一次。
世界的影像第一次按着严格的决定论自动生成，不用人加以干预，参与创造。
……一切艺术都是以人的 参与为基础的；惟独在摄影中，我们有不让人介入的 特权。
” （《电影是什么
》11页）按巴赞的理论，在制作电影和电视作品的过程中，每个人都没有介入的权利，影象是由摄影机按严格决定论自动生成的。
拍电影不能进行创作活动，在摄影中，不能对被摄体进行任何加工，实际上这是办不倒的。
实际上银幕和屏幕上的镜头画面都是创造人员参与加工的结果。
由于巴赞的过早去世他还没有形成完整的理论体系。
摄影影象本体论，强调电影的真实性是可取的，但用在电影创作上，是行不通的，甚至是荒谬的。
木乃伊情结是由下面哪一国的著名电影学家提出的
他的电影理论很多,具体内容你可以买一本《电影是什么》看看。
给你摘抄一小段： 法国电影理论家巴赞的段落镜头理论 新现实主义电影的手法和美学主张，促使以后的电影理论界不论在电影的叙事手法，蒙太奇剪辑、摄影、表演，以致在剧场景的结构上都出现新的论证和观点。
最明显的是法国电影理论家巴赞的段落镜头理论(即长镜头理论，反对单镜头剪辑，而主张像一些新现实主义影片一样，更多以段落或一场戏作为一个剪辑单元。
在他看来，只有这种剪辑方法，才更符合生活。
“新浪潮”电影诞生于年1958年，该电影流派把巴赞推崇为自己的精神领袖。
巴赞的理论主要表现在两个方面： 一、“电影是现实的渐近线” 巴赞在《摄影影象的本体论》中，提出了“摄影的美学特征在于它能揭示真实”的美学原理。
他说：“……摄影机镜头摆脱了陈旧偏见，清除了我们的感觉蒙在客体上的精神锈斑，唯有这种冷眼旁观的镜头能够还世界以纯真的面貌，吸引我的注意，从而激起我的眷恋”。
由此，巴赞得出了这样的结论：电影艺术所具有的原始的第一特征就是“纪实的特征”。
它和任何艺术相比都更接近生活，更贴近现实。
巴赞的“电影是现实的渐近线”，被称作是“写实主义”的口号。
在“新浪潮”的作品中，特昌弗的《胡作非为》直接实践了巴赞的理论，是一个很能说明巴赞理论的影片。
《胡作非为》描写了一个12岁男孩安托纳，由于得不到家长和老师们的理解和关心，两次出逃，流落街头，后因行窃经受警察与心理学家的审问，被送进劳教营，后又逃跑出来奔向大海的过程。
特吕弗打破了传统叙事手法，将影片的叙事语言始终保持在生活的渐近线上，形成了一种崭新的艺术风格。
这部影片同时在国际影坛上产生了巨大的反响和欢迎，为“新浪潮”的崛起打下了基础。
二、场面调度的理论 巴赞认为：“叙事的真实性是与感性的真实性针锋相对的，而感性的真实性是首先来自空间的真实”。
蒙太奇理论的处理手法，是在“讲述事件”，这必然要对空间和时间进行大量的分割处理，从而破坏了感性的真实。
相反，景深镜头永远是“纪录事件”，它“尊重感性的真实空间和时间”，要求“在一视同仁的空间同一性之中保存物体”。
巴赞希望电影摄制者认识到电影画面本身所固有的原始力量，他认为，解释和阐明含义固然需要艺术技巧，但是通过不加修饰的画面来显示含义也是需要艺术技巧的。
所有这些，构成了巴赞“场面调度”的理论，也有人称其为“景深镜头”理论或“长镜头”理论。
巴赞提出的“场面调度理论，几乎在一切方面与蒙太奇理论相对立。
蒙太奇出于讲故事的目的对时空进行分割处理，而场面调度追求的是不作人为解释的时空相对统一；蒙太奇的叙事性决定了导演在电影艺术中的自我表现，而场面调度的纪录性决定了导演的自我消除；蒙太奇理论强调画面之外的人工技巧，而场面调度强调画面固有的原始力量；蒙太奇表现的是事物的单含义，具有鲜明性和强制性，而场面调度表现的是事物的多含义，它有瞬间性与随意性；蒙太奇引导观众进行选择，而场面调度提示观众进行选择。
巴赞的这个理论影响了整整一代人。
特吕弗是巴赞的忠实弟子，他说：“没有正确的画面，正确的只有画面”。
戈达尔说：“电影就是每秒钟24画格的真理”。
他们的电影观念，同巴赞的场面调度的理论一脉相承。
摄影影像的本体论（安德烈-巴赞） 如果用精神分析法去分析造型艺术，就可以把涂防腐香料殓藏尸体看成是造型艺术产生的基本因素。
精神分析法追溯绘画与雕刻的起源时，大概会找到木乃伊“情意结”（complexe)。
古代埃及宗教宣扬以生抗死，它认为，肉体不腐则生命犹存。
因此，这种宗教迎合了人类心理的基本要求-----与时间相抗衡。
因为死亡无非是时间赢得了胜利。
人为地把人体外形保存下来就意味着从时间长河中攫住生灵，使其永生。
妥善保存死者骨肉的完整外形，这曾经是天经地义的事。
一具用泡碱处理过的，干瘪的，呈褐色的木乃伊也就是古埃及的第一个雕像。
但是金字塔或通道中的迷宫不足以防止墓穴被盗，还要采取另外的保险措施，以防万一。
所以，在石棺附近，除了撒些小麦当作死者的食物外，还放上几尊陶制的小雕像，作为备用的木乃伊，死者身体一旦毁坏，这些雕像便可充当替身。
从雕术这种宗教起源中，我们可以看到它的原始功能：复制外形以保存生命。
显然，在史前洞穴中发现乱箭穿身的泥雕熊表现了同种心愿更积极的一个方面：泥熊等同于知兽的神化物，为的是祈求狩猎成功。
当然，艺术与文明同时在演进，造型艺术也终于摆脱了这种巫术职能（路易十四就没有让后人把他的尸体涂上香料保存，只是请勒＊布朗画了一幅肖像）。
但是，降伏时间的渴望毕竟是难以抑制的，文明的进步只不过是把这种要求升华为合乎情理的想法罢了。
我们不再相信模特儿与画像之间在本体论上有同一性，但是我们承认后者帮我们回忆起前者，因而使他不至于被遗忘。
描形绘像的做法已经与人类本位说的实用主义无关。
它涉及的不现是人生命延续的问题，而是更广泛的概念，即创造出一个符合现实原貌，而时间上独立自存的理想世界。
倘若人们在我们对绘画的盲目赞叹中有没有看到用形式的永恒克服岁月流逝的原始需要，“绘画便实在太虚妄”了。
如果说造型艺术不仅是它的美学史，而且应先是它的心理学历史，那么，这个历史基本上就是追求形似的历史，或者说是写实主义的发展史。
从这种社会学观点看问题，照相术与电影的出现便自然而然地解释了现代绘画肇始于19世纪中叶的精神与技术的重大危机。
安德烈＊马尔罗在发表于（激情）杂志上的那篇文章中写道：“电影只是在造型艺术现实主义演进过程中最明显的表现，而现实主义的原理是随文艺复兴运动出现的，并且在巴罗克风格的绘画中得到了最极端的体现。
” 确实，世界绘画曾经实现了形式的象征主义与现实主义这间不同程度不同的平衡，但是，到了15世纪，西方绘画开始不再单纯注重用特有手段表现精神现实，而力求把对精神的表现和对于外部世界尽量逼真的描摹结合起来。
毫无疑义，一个具有决定性意义的事件就是透视画法的发明，这是第一个科学的初具机械特性的体系。
透视法使画家有可能制造出三度空间的幻象，物像看上去能够与我们的直接感受相仿。
从此，绘画便在两种追求之间徘徊：一种属于纯美学范畴－－表现精神的实在，在那里，形式的象征含义超越了被描绘的原形；而另一种追求是仅仅用逼真的模拟品替代外部世界的心理愿望。
这种追求幻象的要求一旦有所满足，便愈益强烈，以至于逐渐吞噬了造型艺术。
然而，由于透视画法只解决了形似问题，并不能表现运动，因而那里的现实主义自然只能限于探讨如何把事物的瞬间表现得富于戏剧性，即通过某种心理上的第四维暗示出在苦于静止不动的巴罗克艺术中是蕴含着生命的。
当然，伟大的画家总是把这两种倾向结合起来：他们既能把握现实，又将现实融于艺术形式中，使两种倾向主次分明。
但是，我们看到的毕竟是本质迥异的两种现象，客观的评论应当善于将其区分，以便了解绘画艺术的演进。
从16世纪以来，对现实幻象的追求不断从内部影响绘画。
这是一种纯心理的需求，它本身并不属于美学范畴，只有从追求魔力的心理中才能找到它的根源。
但是，这种需求十分强烈，在它的影响下，造型艺术的平衡被全盘打乱了。
围绕着艺术中的真实进行的论争就是由于这种误解，由于美学与心理学的混淆引起的。
要求既具体又本质地表现客观世界的真正现实主义，与迷惑视觉的（或迷惑头脑的）虚假现实主义混为一谈，后者满足的是几可乱真的幻象。
由此看来，中世纪艺术似乎就没有尝过这种冲突的苦头：它既有强烈的写实性，又是高雅的精神表现，它对于由新技术手段揭开的这一幕还一无所知呢。
透视法成了西方艺术的原罪。
替它赎罪的人是尼埃普斯和卢米埃尔。
照相术既完成了巴罗克艺术的夙愿，也把造型艺术从追求形似的困扰中解放出来。
因为绘画曾经竭力为我们制造几可乱真的幻象，这种幻象对艺术来说已经足够了，但毕竟似真非真，而照相术与电影这两大发明从本质上最终解决了纠缠不清的现实主义问题。
一个画家不论有多巧，他的作品总要被打上不可避免的主观印记。
既然由人执笔作画，对画像的怀疑便不会消除。
所以，从巴罗克风格的绘画过渡到照相术，这里最本质的现象并不是单纯器材的完善（摄影在模仿色彩方面还远不及绘画），而是心理因素：它完全满足了我们把人排除在外，单靠机械的复制来制造幻象的欲望。
问题的解决不在于结果，而在于生成的方式。
因此说，保持风格与形似两者之间的冲突是较为现代才有的现象，在感光玻璃片发明之前，恐怕还找不到这类冲突的迹象。
显而易见，夏尔丹的作品中令人赞叹的客观性与摄影师的客观性完全是两码事。
现实主义的危机真正开始于19世纪。
今天，毕加索成了这场危机的神话般人物，这场危机涉及到造型形式存在的条件及社会学基础。
现代画家摆脱了追求形似的心理，把形似与否的问题丢给了平民百姓，往后，就由平民百姓一方面把照相术与形似问题等同起来，另一方面把只求形似的绘画与这个问题等同起来吧。
因此，摄影与绘画不同，它的独特性在于其本质上的客观性。
况且，作为摄影机眼睛的一组透镜代替了人的眼睛，而它们的名称就叫（法文OBJECTIF）。
在原物体与它的再现物之间只有另一个实物发生作用，这真是破天荒第一次。
外部世界的影像第一次按照严格的决定论自动生成，不需人加以干预，参与创造。
摄影师的个性只是在选择拍摄对象，确定拍摄角度和对现象的解释中表现出来。
这种个性在最终的作品中无论表露得多么明显，它与画家表现在绘画中的个性也不能相提并论。
一切艺术都是以人的参与为基础的，唯独在摄影中，我们有了不让人介入的特权。
照片作为“自然”现象作用于我的感官，它犹如兰花，宛若雪花，而鲜花与冰雪的美离不开植物与大地的本源。
这种自动生成的方式彻底改变了影像的心理学。
摄影的客观性赋予影像以令人信服的，任何绘画作品都无法具有的力量。
不管我们用批判精神提出多少异议，我们不得不相信被摹写的原物是确实存在的，它是确确实实被重现出来，即被再现于时空之中的。
摄影得天独厚，可以把客体如实地转现到它的摹本上。
最逼真的绘画作品可以使我们更了解被描绘物的原貌，但是，不论我们怎样雄辩，它终究不会像摄影那样具有异乎寻常的威力，以博得我们的完全信任。
于是，在达到形似效果方面，绘画只能作为一种较低级的技巧，作为复现手段的一种代用品。
唯有摄影机镜头下的客体影像能够满足我们潜意识提出的再现原物的需要，它比几可乱真的仿印更真切，因为它就是这件实物的原型。
不过，它已经摆脱了时间流逝的影响。
影像可能模糊不清，畸变褪色，失去纪录价值，但是它毕竟产生了被摄物的本体，影像就是这件被摄物。
相簿里一张张照片的魅力就在于此。
这是些灰色的或黑色的幽灵般的几乎分辨不清的影子，这不再是传统的家庭画像，而是能撩拨情思的人生的各个瞬间，它们摆脱了原来的命运，展现在我们面前，把它们记录下来不是靠艺术魔力，而是靠无动于衷的机械设备效力。
因为摄影不是像艺术那样去创造永恒，它只是给时间涂上香料，使时间免于自身的腐朽。
其于这种观点，电影的出现使摄影的客观性在时间方面更臻完善。
影片不再满足于为我们录下被摄物的瞬间情景（就像琥珀中数百年的昆虫保存完整无损），而是使巴罗克风格的艺术从似动非动的困境中解脱出来。
事物的影像第一次映现了事物的时间延续，仿佛是一具可变的木乃伊。
摄影影像具有独特的形似范畴，这也就决定了它有别于绘画，而遵循自己的美学原则。
摄影的美学特性在于揭示真实。
在外部世界的背景中分辨出湿漉漉人行道上的倒影或一个孩子的手势，这无须我的指点；摄影机镜头摆脱了我们对客体的习惯看法和偏见，清除了我的感觉蒙在客体上的精神锈斑，唯有这种冷眼旁观的镜头能够还世界以纯真的原貌，吸引我的注意力，从而激起我的眷恋。
凭借着摄影技术创造出来的，我们不曾了解的或未能见到的世界的自然影像，大自然最终做到了不仅模仿艺术，还仿效艺术。
大自然的创造力甚至可以超过艺术家。
画家的美学世界与他周围的世界是异质的，画框圈出了一个实体上和本质上迥然不同的小天地。
相反，印在照片上一物像的存在如同指纹一样反映着被摄物的存在。
因此，摄影实际上是自然造物的补充，而不是替代。
当超现实主义流派为了生出造型畸胎而求助于感光底片时，他们已经隐约地悟出了上述道理。
因为对超现实主义来说，美学目的离不开影像对我们头脑产生的机械效应。
想像与现实两者之间合乎逻辑的区别趋于消失。
任何形象都应被感觉为一件实物，任凭任何实物都应感觉为一个形象。
所以摄影曾经是超现实主义流派在创作中优先采用的技术手段，因为摄影取得的影像具有自然的属性：一种真正的幻象。
超现实主义绘画使用制造逼真效果的技巧，并且注重细节的精确，这就是摄影术的一种反证。
显而易见，摄影的出现是造型艺术中最重要的事件。
它解除了困扰，又实现了夙愿，使西方绘画最终摆脱了现实主义的纠缠，恢复了自己独特的美学。
印象派的“现实主义”科学为借托，与制造逼真效果的技法截然对立；况且，只有不再注重外形的模仿时，色彩才能把外形淹没。
后来，在塞尚的作品中，坚实的形态重新进入构图，但是，它毕竟摆脱了制造幻象的透视法的几何学。
由机械产生的影像与绘画相颉颃，终于超过了巴罗克的形似，达到了与被摄物等同的水平，迫使绘画本身也变成了摄影的对象。
既然摄影术使我们能欣赏到直观上未必能惹人喜欢的原物摹本，又不妨碍我们去欣赏不必以大自然为参照物纯画作，从此，帕斯卡式的指责就毫无意义了。
此外，电影还是一种语言。
