读书摘抄的格式
摘抄即从文刊、文件等里头选择一部分抄写下来。
例：这篇文章很好，我特地摘抄了几段。
\ 下面有篇文章，供参考小议摘抄语言的积累对于学习语文十分重要。
郭沫若先生有言：“胸藏万汇凭吞吐，笔有千均任歙张。
”如果学生积累了大量的语汇、句式、段篇，下笔时就能辞直义畅，奔弛放达，任凭吞吐。
那么，如何加强语言的积累呢
笔者认为，指导学生摘抄是一种行之有效的方法。
虽然二00一年新版教材已经注意到在每次阅读教学的“思考、练习”中有意识地安排摘抄，但是，仅仅在课堂上练习几次是远远不够的。
我们还应指导学生在课外进行摘抄，使学生养成日积月累的摘抄习惯，积硅步以至千里，积小流以成江河。
笔者在指导学生摘抄方面作了许多探索，积累了一些经验，现罗列如下以为引玉之用。
一、指导摘抄首先要充分调动学生的兴趣。
教师指导学生进行摘抄不仅要在不增加学生的课业负担的前提下进行，而且要让摘抄与抄写生字词、书面回答课后问题等课外作业区分开来，在内容、形式、时间等方面给学生一个自由广阔的空间。
让学生按自己喜欢的方式进行活动：可看书报，也可看杂志；可边读边抄，也可边抄边背；可以坐在家中的小书房慢慢品味抄写，也可以在学校挤休息时间快速阅读摘录。
看自己所想看，写自己所想写，乐而为之。
这样才能使摘抄成为学生的一种主动需要，真正促进学生的主动阅读。
二、指导摘抄要有计划性。
摘抄最好从三、四年级开始。
因为低年级阶段识字量较大，根据学生年龄特点，课外学习主要以巩固生字词为主，所以很少有其它更多时间进行阅读抄背。
而三、四年级开始，识字量逐渐减少，学生的课外学习不需要埋没在字词堆里，就可以有时间阅读、抄写、背诵。
另外，三、四年级开始，学生对字典的运用日趋熟练，也给课外阅读带来了方便。
摘抄的内容也不能完全任“天马行空”，这样对学生组织积累的语言没有好处。
最好能根据教材及教学实情进行分学期、分阶段、分类别组织，如这一月摘抄写景类，下一月摘抄写人类等，有的放矢，事半功倍。
三、指导摘抄要循序渐进。
如果摘抄从三年级到六年级持续进行，那么在摘抄的数量、内容、形式上的要求都要有所变化，保持学生的“最近发展区域”，促进学生更有效地学习。
如笔者根据本班学生情况分年级列要求如下： 年级 数量 内容 形式 三年级 30-50字 优美词句 抄写，不认识的字查字典，在旁边批注 四年级 50-100字 优美句段 五年级 100-200字 优美段篇 抄写，批注生字词，赏析优美句、段 六年级 200-300字 抄写，批注，读后感 这样，不同的阶段有不同的具体要求，即使摘抄步步落实，又不知不觉地培养了学生良好的学习习惯，如查字典，边读边想等。
四、指导摘抄要与课堂教学相结合。
摘抄作为语文课外学习的一项内容，与课堂学习不是截然分开的。
一方面它应有自身的计划与安排，另一方面它也应随时成为课堂教学的好助手，与课堂教学相得益彰。
如教学《卢沟桥的狮子》一文时，我考虑到卢沟桥的历史意义对于不大关心历史的学生来说是理解的难点。
于是，提前布置预习时，我安排学生摘抄“七七事变”的详细经过，并谈感受。
既了解了叙事的方法，又了解了课文背景，还调动了课堂情感，成为课堂教学有力的补充。
从这一方面来说，摘抄也为课堂教学承担了收集、整理信息资料的重任。
五、指导摘抄要与要求背诵相结合。
心理学家的研究告诉我们，6-13岁这一段是人一生中记忆力发展的黄金时段，一个人一旦错过了13岁以前发展记忆力的黄金时段，不能形成很多知识的、情感的、经验的丰富积累，将会给他的一生留下无法弥补的遗憾。
所以，让学生边摘抄边背诵，是让学生尽可能多的记下那些应该记住且能记住的好东西，是充分利用学生这一年龄段的记忆优势，是顺应学生的发展规律的。
而且，将摘抄的背诵下来，能使语言的积累更厚实。
当然，要让摘抄真正落实，检查是必不可少的。
但若要求摘抄天天收发批改，也无太大实效。
因为摘抄只要写在作业本上，就不会有太大错误出现。
所以平时只要有组长登记就可以了，教师可分周分月统一查看，平时抽查。
另外，背诵的检查也是一项不小的工程。
于是我采取抽查与互查相结合的方式，每节课前五分钟，随机点几人背诵，其它同桌互相背诵，既起到了交流的作用，又保证了检查的效果。
总之，指导学生进行摘抄要坚持不懈，持之以恒，使之逐步形成影响学生一生的好习惯，使每个学生好读书，勤积累，在不断的内外吸收中提高理解和应用祖国语言文字的能力。
\ 二．我给大家找的一些摘抄的材料（我自己的摘抄上的哦）\ １．段落及句子篇：\ ① 秋是成熟的季节，是收获的季节，是充实的季节，却也是淡泊的季节。
它饱经了春之蓬勃与夏之繁盛，不再以受赞美，被宠爱为荣。
它把一切赞美与宠爱都隔离在澹澹的秋光外，而是愿做一个闲闲的，远远的，可望而不可即的秋。
\ ②雨，该是春的使者。
记忆里的春天没有什么好天气。
雨会不知不觉的洒起来。
漫天的淋淋漓漓，似乎没有一点重量。
微风拂过，变斜斜的轻扬，给悄然复苏的万物笼罩上了一层朦胧的轻纱。
雨里带来些洁净清新的气息，有些像薄荷的清香；浓郁时，竟发出泥土里的腥气，毕竟是春天啊
雨更是女性。
她在人家的伞上，屋顶上，草木的绿叶上，花瓣上，跳起了轻盈的舞蹈，重复倾诉水的柔情。
\ ③ 一弯银钩似的月亮已经嵌在街口那棵梧桐树疏疏朗朗的枝叶间，很像是那深蓝的天空含着静静的静静的笑容。
\ ⑤ 秋雨，凉凉的，随意的，任性的。
给我以无限的沉实，让我感受生命的饱满和快乐。
我喜欢秋雨，喜欢在秋雨中缓缓地走，缓缓地行。
喜欢在秋雨中生出地这份美丽地心境。
愿生命永远沉实饱满。
愿人生如我所愿。
\ ⑥ 最动人是秋林映着落日。
那酡红如醉，衬托着天边加深地暮色。
晚风带着清澈地凉意，随着暮色浸染，那是一种十分艳丽地凄楚之美，让你流几行感怀身世之泪，却又被那逐渐淡去的醉红所摄住，而情愿把奔放的情感凝结。
\ ⑦ 雾纱袅袅，竖琴声声，秋风里蕴藏着无限的诗情，落菊飘洒成七彩瀑布，一道道，一帘帘，流泻着思绪，和永不可及的梦幻。
绣球依依，若燃烧的红烛，一朵朵，一团团，开放着期待，开放着霞霓，开放着血染的乐章缮，雾里娇容。
阳光照射的时候，美丽在心里。
\ ⑧ 毫无置疑，绿是最令人心动的颜色。
墨绿给人以淡泊宁静；浅绿给人以恬静轻快；嫩绿则给人以生命的畅想。
而绿的乐章给人的或许就是对生存，生活，生命的思索。
\ ⑨雨，像银灰色黏湿的蛛丝，织成一片轻柔的网，网住了整个秋的世界。
天也是暗沉沉的，像古老的住宅里缠满着蛛丝网的屋顶。
那堆在天上的灰白色的云片，就像屋顶上剥落的白粉。
在这古旧的屋顶的笼罩下，一切都是异常的沉闷。
园子里绿翳翳的石榴、桑树、葡萄藤，都不过代表着过去盛夏的繁荣，现在已成了古罗马建筑的遗迹一样，在萧萧的雨声中瑟缩不宁，回忆着光荣的过去。
草色已经转入忧郁的苍黄，地下找不出一点新鲜的花朵；宿舍墙外一带种的娇嫩的洋水仙，垂了头，含着满眼的泪珠，在那里叹息它们的薄命，才过了两天的晴美的好日子又遇到这样霉气薰薰的雨天。
只有墙角的桂花，枝头已经缀着几个黄金一样宝贵的嫩蕊，小心地隐藏在绿油油椭圆形的叶瓣下，透露出一点新生命萌芽的希望。
\ ⑩雨静悄悄地下着，只有一点细细的淅淅沥沥的声音。
桔红色的房屋，像披着鲜艳的袈裟的老僧，垂头合目，受着雨底洗礼。
那潮湿的红砖，发出有刺激性的猪血的颜色和墙下绿油油的桂叶成为强烈的对照。
灰色的癞蛤蟆，在湿烂发霉的泥地里跳跃着；在秋雨的沉闷的网底，只有它是唯一的充满愉快的生气的东西。
它背上灰黄斑驳的花纹，跟沉闷的天空遥遥相应，造成和谐的色调。
它噗通噗通地跳着，从草窠里，跳到泥里，溅出深绿的水花。
\ 雨，像银灰色黏濡的蛛丝，织成一片轻柔的网，网住了整个秋的世界。
\ 2.美文摘抄可以先摘抄整个文章，然后在你认为美的地方划上波浪线，然后再写上赏析也可。
\ 3.名人名言摘抄\ 4.好词摘抄等等总之，摘抄的格式是不拘一格的，只要你能有所收获，都算得上。
摘抄什么意思
近代画家,一览表 近现代国画家排名: 1 徐悲鸿 2 王雪涛 3 林散之 4 王震 5 何香凝 6 黄宾虹 7 刘海粟 8 傅抱石 9 黄胄 10 何海霞 11 李苦禅 12 吴湖帆 13 张大千 14 唐云 15 李可染 16 惠均 17 宋文治 18 陶冷月 19 钱松岩 20 赵春翔 21 吴子深 22 马骀 23 蔡鹤汀 24 胡也佛 25 齐白石 26 潘天寿 27 溥儒 28 黄秋园 29 殷梓湘 30 陆俨少 31 高剑父 32 常玉 33 陈之佛 34 吴昌硕 35 徐砚 36 潘玉良 37 田世光 38 李铁夫 39 溥僴 40 张辛稼 41 卢子枢 42 陈半丁 43 王叔晖 44 梁树年 45 赵少昂 46 沈迈士 47 黄独峰 48 于非暗 49 诸升 50 启功 51 陈摩 52 张复 53 俞致贞 54 林风眠 55 蒋兆和 56 胡爽庵 57 冯超然 58 袁松年 59 徐操 60 陆鸿年 61 俞莲 徐悲鸿 徐悲鸿 ：（1895-1953）现代绘画艺术大师，江苏宜兴人。
四岁入塾，从父习画。
年甫弱冠，东渡日本，翌年赴法，师事达仰，继入徐梁学院及巴黎国立美术学校1921年游学德，1927年归国，任中大艺术教授。
1933年在巴黎画展，法政府选购十二幅，辟专室陈列。
旋赴欧，在德、意及苏联举行画展。
抗战后，屡在国内广州、长沙以及香港、印度、星洲等各地为救济祖国难民，举办画展。
历任北京大学、桂林美术学院教授。
后，任北平艺专校长。
解放后，任中央美术学院院长，中华全国美术工作者协会主席。
在绘画创作上，反对形式主义，坚持写实作风，主张“古法之佳者守之，垂绝者继之，不佳者改之，末足者增之，西方绘画可采入者融之。
”继承我国绘画优秀传统，吸取西画之长，创造自己独特风格。
长于国画、油画、尤擅素描。
造诣极深，善于传神。
著名油画《 、国画有、、、等，最为所重。
画马为世所称，笔力雄健，气魄恢宏，布避设色，均有新意。
。
1952年病中，曾将自己一生创作和全部珍藏，捐献国家。
平生积极从事美术教育事业，为中国美术事业发展，鞠躬尽粹，培育不了少优秀人才。
。
1953年卒于北京。
年仅五十九岁，就其寓所改建徐悲鸿纪念馆。
其代表作，最为人所喜爱。
间作花鸟及猫，亦别具风格，情趣盎然。
著有、、、、《悲鸿彩墨画集》等行世。
（张伟明 编文于泰山） 齐白石 齐白石(1864——1957年)中国书画家、篆刻家。
名璜，字濒生，号白石，湖南湘潭人。
早年为木匠。
27岁拜当地文人为师，学诗书画印。
57岁后定居北京，卖画治印。
60岁后，“衰年变法”重视创造，融传统写意画和民间绘画技法于一炉。
所画花鸟虫鱼虾蟹，笔墨纵横雄健，造型简炼质朴，色彩鲜明热烈；阔笔写意花卉与微毫毕现的草虫巧妙结合，神态活现。
论画谓“妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。
”篆刻布局奇特有力。
能诗文。
曾任中国美协主席。
1953年文化部授予“人民艺术家”称号 刘海粟（1895- ） 刘海粟是杰出的美术家、教育家、美术史家、画家。
江苏省武进县青云坊村人。
刘海粟6岁读私塾、酷爱书画。
14岁到上海，入画家周湘主持的背景画传习所学西洋画。
1912年11月在上海乍浦路创办现代中国第一所美术学校－－上海国画美术院（上海美术专科学校前身），任校长，招收了徐悲鸿、王济远等高材生，并冲破封建势力，首创男女同校，增加用人体模特和旅行写生。
1918年到北京大学讲学，并第一次举行个人画展，收到蔡元培、郭沫若的称赞。
1919年他到日本考察绘画及美术教育，并出席日本帝国美术院第一次美展开幕式，回国后创办天马会。
1920年10月代表中国新艺术界，赴日本参加帝国美术院开幕大典，和日本画家藤岛武二、满国古四郎、桥本关云等交游论艺，其油画作品备受日本画坛重视和推崇，被称为东方艺坛的狮。
回国后，充实了美术院的课程和设备，成为当时国内美术最高学府，并著有《米勒传》、《塞尚传》，介绍西洋艺术，颇有影响。
1927年受军阀孙传芳迫害通辑，逃亡日本。
朝日新闻社曾为他在东京举行画展。
1938年春回上海，应上海中华书局之邀，写成八十万言的巨著《海粟丛书》六卷，分《西画苑》、《国画苑》、《海粟国画、海粟油画》三部分，画论精辟，广为流传。
潘天寿（1897—1971），浙江宁海人。
原名天授，字大颐，号寿者，别号阿寿、懒道人、雷婆头峰寿者等。
早年求学于杭沪，毕业于浙江第一师范学校。
27岁时任上海美术专科学校教授，其后历任多所艺专教授、校长等职，曾为国立艺专校长。
建国后，历任浙江省文联副主席，浙江美协副主席、主席，中国美协副主席，全国人大代表，中央美院华东分院副院长，浙江美院院长。
1958年受聘为苏联艺术科学院名誉院士。
精擅国画、书法、篆刻。
著有《中国绘画史》、《中国书法史》、《听天阁诗丛》、《治印丛谈》、《潘天寿美术文集》、《潘天寿书画集》等. 潘天寿是杰出的中国画艺术大师和现代中国画教学的重要奠基人。
建立了完整的教学体系， 张大千是具有世界影响的中国画大师。
他在创作上的卓越成就，与他的渊博的学术修养，深厚的生活积累以及他广结师友，裁长补短密不可分。
除绘画外，他对诗词、古文、戏剧、音乐以及书法、篆刻，无不涉猎。
并先后与齐白石、徐悲鸿、黄宾虹、溥儒，于非厂等国内各名家及外国大师毕加索交游切磋，功力自不一般。
张大千名爰，又名季，季菱，字大千，别号大千居士，或迳署“蜀人张大千”。
生于1901年，卒于1984年，四川内江人。
张大千幼年受擅长绘画的母亲和以画虎著称，自号“虎痴”的二哥张善子的熏陶指引，并从名师曾农髯、李梅庵学诗文、书法和绘画。
除临摹历代名迹外，又遍游名山大川，以造化为师，经过刻苦钻研，获得了卓越的艺术成就。
青年时代，即与二哥张善子齐名。
张大千二十多岁时，曾赴日本留学，学过染织。
回国后，一度迷于佛学，曾去宁波天童寺“皈依佛门”，想当和尚，据说，他怕在头上烫九个香记，只好拜别了师傅弘筏大和尚，回到现实世界来。
1932年举家移居苏州网狮园,潜心作画。
1940年后用了两年半的时间，对于我国敦煌洞窟，逐个整理编号，进行临摹，丰富了绘画技法。
1948年迁居香港，后又旅居印度、法国、巴西等国。
1978年定居台湾,1984年4月病逝台湾。
享年84岁。
现在他生前台湾居住的“摩耶精舍”建为“张大千纪念馆”。
A：吉贝尔蒂 吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti，1378--1455)，是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。
他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。
代表作品有《天堂之门》(1424--1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。
借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目;利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。
在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。
B：布鲁涅列斯齐 布鲁涅列斯齐(Fillippo Brunelleschi,1377--1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。
他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。
他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。
架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。
布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。
他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。
他对绘画发展做出了不可估量的贡献。
他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。
借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。
C：多纳泰罗 多纳泰罗(Donatello,1386--1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。
多纳泰罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。
代表作品： 《大卫》(约1430--1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。
多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。
这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。
《圣乔治像》(1415--1417) 《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450) D: 马萨乔 马萨乔(Masaccio,1401--1428?)在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。
在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。
代表作品：《纳税金》(1425--1428)是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。
不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。
人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。
在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。
这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。
真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。
E：阿尔伯蒂 著名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404--1472)学识渊博，是个典型的全才，他非常重视数学这门科学对美术的作用。
关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。
对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。
（2） 意大利其它地区早期文艺复兴美术 佛罗伦萨在新的美术发展中发挥着无可否认的重要作用，但在意大利中部和北部的另一些城市中，也涌现出一些杰出的美术家，他们也在扩大新美术的成就和影响方面做出了不小贡献。
A：弗兰切斯卡 弗兰切斯卡(Piero della Francesca，1416?--1492)，是在意大利中部城市从事创作活动的最著名人物。
这位富于探究精神的画家也非常重视透视，把它看成是绘画的基础，曾撰写《论绘画中的透视》(1482)。
在他一系列的宗教画上，几何形式的人物静静地呆在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中，明丽的色彩创造出一种光的氛围，具有庄严静穆的感觉。
代表作品：壁画《真十字架的传说》(1452--1464)和《鞭打基督》(约1456--57)。
B：乔凡尼·贝利尼 乔凡尼·贝利尼(Giovanni Bellini，约1429--1516)是威尼斯15世纪最杰出的画家。
在美术史上享有盛名的威尼斯画派，可以说是由他开始的。
与强调用线造型和注重构图经营的佛罗伦萨画家不同，也与曼特尼亚不同，乔凡尼·贝利尼是位擅长运用色彩的画家。
代表作品：《心醉神迷的圣芳济各》(约1485)风景占据了绝大部分画面，一切都沫浴在阳光中，美妙的色彩似乎闪动着光泽。
借助自然景色来渣染气氛，这种作法后来成为威尼斯画家的基本特色之一。
C：梅西纳 梅西纳(AntoneUo da Messina，约1430--1479)。
在肖像画上有着不小的贡献，早期文艺复兴肖像画往往被处理成全侧面的，而他则把表现对象改成侧四分之三的样子，使画中的人物注视着观众，这种更自然、更亲切的方式，成为后来最流行的肖像画模式。
梅西纳的作品，笔法柔和，色彩明快，情调宁静。
代表作品：《圣赛巴斯蒂安的殉难》(约1475--1477)。
3：意大利盛期文艺复兴美术 16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。
正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。
这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。
文艺复兴三杰--著名的艺术家达·芬奇(1452--1519年)，米开朗琪罗(1475--1564年)和拉斐尔(1483--1520年)出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。
他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。
他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。
不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。
他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。
在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。
在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。
推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。
通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。
（l）：达·芬奇 达·芬奇(Leonardo da Vinci,1452--1519)出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达·芬奇这样全面发展的人。
他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。
美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。
把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
代表作品：著名的《最后的晚餐》(约1495--1498) 完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。
《蒙娜·丽莎》(约1503--1506) 达·芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。
蒙娜·丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。
这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。
（2）：米开朗琪罗 西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗(Michelangelo Buonarroti,1475--1564)。
在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。
不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。
或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。
在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。
代表作品：雕像《大卫》(1501--1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。
在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。
(3)：拉斐尔 拉斐尔(Raphael Sanzio,1483--1520)，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。
安格尔称他是绘画之神。
拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。
他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。
平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。
在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。
纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。
因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:他本人成为所有后代画家的样板。
代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的神的世界。
这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。
(4) :提香和威尼斯画派的杰出代表 在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分15世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。
其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。
在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。
它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。
A：提香 提香(Titian,1488\\\/90--1576)以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。
他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。
成为与达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。
代表作品 《戴荆棘冠的基督》(约1570) ，威尼斯画派画家素以擅长用色著称，构成他作品魅力的主要因素，就是色彩。
这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。
这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。
油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。
在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。
创作时，他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。
在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。
浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。
在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。
（5）其它地区的美术家 A：萨托 萨托(Andrea del Sarto,1486--1530)真实姓名安德烈亚·达格诺罗·狄·弗兰切斯柯。
文艺复兴三杰离开佛罗伦萨后，萨托就成为当地最著名的画家。
萨托是位精于造型和用光的画家，他的精湛技巧为他赢得了完美画家的称号。
代表作品，是祭坛画《哈匹圣母》(1517)。
那庄严的古典式构图和那典雅的形象，均具有盛期文艺复兴美术的特征，然而在光线处理上却有一种不尽相同的意味。
4：样式主义美术 达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师创作的一大批光辉灿烂的美术品，确立了一种完美的典范。
在人们眼中，它们是最理想最完善的化身，后来的美术家面对它们不禁有面对沧海之感。
意大利一些年轻美术家，受到米开朗琪罗、拉斐尔创作的鼓舞，不顾他们作品的内在精神，希图仿效和发展他们的风格;另一些更有才能和抱负的人，则致力于形式语言上有所变化、有所创新，注重在作品中显示他们自己的特点。
总的看来，他们的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和基本原则，抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。
他们追求一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。
出自他们手中的作品，往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。
但对那些口味别致的人来说，它们倒是相当有魅力的东西。
这一美术现象，流行于盛期文艺复兴之后，巴洛克时代之前，史家称之为样式主义美术。
国人也有据西文译成风格主义或矫饰主义美术的。
佛罗伦萨是样式主义美术的发源地和最重要的中心。
在萨托门下，出现了样式主义早期代表庞多尔莫和罗素。
（1）庞多尔莫 庞多尔莫(Pontormo,1494--1557)本名雅各布·卡鲁西，具有鲜明个人风格，他的作品显示出更多新因素。
代表作品 《基督下十字架》(约1526--1528)，塞满画面的人物几乎全平贴在前景上，这些色彩轻淡、线条流利的人物仿佛像云朵一样飘在没有真实空间感的虚空中。
他们缺乏体积感和重量感，就像单薄的剪纸一样。
整个画面洋溢着一种梦幻般的感觉，一种非现实的意味。
（2）罗素 罗素(Giovanni Battista Rosso Fiorentino，1495--1540)是位颇有才气、风格独特的画家。
罗素曾应热爱意大利美术的法国国王法朗梭瓦一世邀请在法国工作，从而把样式主义留在了枫丹白露，影响着法国美术的面貌。
代表作品 《基督下十字架》(1521)，虽与庞多尔莫上述名作题材相同，但却有自身的特色。
几何形十字架、梯子和有棱有角的生硬人物形象组成了一个停滞凝固的绘画世界。
画面上所有人物都仿佛中了妖法一样僵立在那儿，造成一种奇特的、惊恐不安的感觉，从而强化了作品的悲剧意味。
（3）布隆基诺 佛罗伦萨画家布隆基诺(Agnolo Bronzino,1503--1572)，是样式主义全盛期的代表人物。
他在庞多尔莫教导下，形成了自己的风格。
他的作品，素以笔法精致、感情冷漠、色彩刺目著称。
代表作品： 《托莱多的埃莱诺拉及其子乔凡尼·德·美第奇》(约1550)，就是鲜明体现他画风的完美例证。
暗蓝色背景衬托着衣饰华丽的静止人物，刻画得十分精细的贵妇人神态冷漠，就像瓷人一样，具有冷冰冰的高雅气派。
什么是解构
全书分成了八章，分别是：1总论、2功能与空间、3空间与结构、4形式美的规律、5内部空间的处理、6外部空间的处理、7群体组合的处理、8当代西方建筑审美的变异。
在总论中，作者对建筑发展中的本质联系，提到了三个主要方面：一、人们对建筑提出的功能和使用方面的要求；二、人们对建筑提出的精神和审美方面的要求；三、以必要的物质技术手段来达到前述的两个方面的要求；从功能使用要求来看作者引用了老子的一段话，在这里因为不会拼，暂不打出来。
对于建筑的意义在于：强调建筑对于人来说，具有使用价值的不是围成空间的实体的壳，而是空间本身。
这让我想起了一句话，当你在用一个东西的时候，你就要把这个东西忘掉。
这句话在某种程度上或许也是对老子的呼应吧。
看待建筑功能的合理性，不能脱开一定的社会条件而追求一种抽象的，绝对的标准。
近现代建筑在破除了古典建筑形式的桎梏后，在空间的形成，分隔和组合上产生了极大的灵活性，这必然会促使功能朝更新，更复杂的方向发展。
由此可见，功能和形式是两个相辅相成的因素，互有促进的相互扶持，是两个不可缺少的环节。
关于精神和审美的要求由于人不同于一般的动物而具有思维和精神活动的能力，因而，供人居住或者使用的建筑应考虑到它对人的精神感受上所产生的影响。
对称：庄严，肃穆，雄伟非对称：自由，轻巧，活泼建筑性格特征所表现的是建筑物的个性。
不光是由它的功能，地形，环境所决定的，还有时代（时代风格），民族或地区（民族或地区风格），作者（个人风格）共同给与。
所以，单就建筑风格来讲，就可以分为：时代的，民族或地区的和作者个人的。
建筑艺术和其它艺术一样，不仅是一定社会经济基础的反映，而且，反过来起着保护经济基础的作用，因而，它就自然的成为上层建筑的一个组成部分。
关于我国为什么，到现在还没有属于自己的建筑风格，彭是这样说的：1、 我国长期的封建社会是政治经济几乎处于停滞状态。
2、 我国固有的东方文化传统和西方的文化文化出于两个截然不同的渊源，要创造新的建筑风格，势必要同时吸取这两种文化传统的精华，而要把这两者熔融在一起，自然需要一个漫长的过程。
物质技术手段新结构和功能之间的适应是相对的，不适应是绝对的。
功能本身是处于一种变化发展的过程中的，即使功能处于相对稳定的状态，新的结构形式比旧的结构形式有极大的优越性，但它也不能完全适合于功能的要求。
古典建筑的形式是美的，它的美正体现了个方面的和谐与统一，但这种和谐与统一性，是建立在当时的材料和结构方法的基础上的。
如果把新的材料和结构包裹在旧的形式中，就必然会造成表里不一，而表里不一的东西，也就没有什么内在的和谐统一了。
我觉得，作者在这个论点上的看法，很有意思，可以从材料的角度，来阐明古典形式和现代形式之间的辩证关系。
黑格尔：“每一门艺术都有它在艺术上达到完美发展的繁荣期，前此有一个准备期，后此有一个衰落期。
因为艺术作品全部是精神产品，像自然界产品那样不可能一步就达到完美，而是要经过开始，进展，完成和终结，要经过抽苗，开花和枯谢。
”功能和空间建筑空间形式必须适合于功能要求。
对于功能和空间的问题，作者拿容器来进行阐述。
物品对于容器的空间形式概括起来有三个方面的规定性：一、量的规定性：具有合适的大小和容量二、形的规定性：具有合适的形状以适应盛放物品的要求三、质的规定性：所围合的空间具有适当的条件（温度、湿度等），以防止物品受到损害或变质。
其实对于这一点，建筑和容器有着惊人的相似，建筑无非就是一个装人的容器罢了。
功能对于空间的规定性：一、量：大小的差别是功能对于空间量的规定性的反映。
二、形：形状的差别是功能对于空间形的规定性的反映。
三、质：门窗设置和朝向要求涉及到交通，日照，采光，通风等条件的优劣，实际上是功能对于空间质的规定性的反映。
明暗也是一种形式。
功能对于多空间组合形式的规定性一、用一条专供交通联系用的狭长的空间——走道来连接各使用空间的空间组合形式。
二、各使用空间围绕着楼梯来布局的空间组合形式。
三、以广厅直接连接各使用空间的空间组合形式。
一个展厅可以不被穿行；观众既可以逐一地进入所有展厅，又可以根据自己的愿望有选择地进入任何一个展厅。
四、使用空间互相穿套，直接连通的空间组合形式。
1、 串联式的组合形式。
2、 在一个完整的大空间内自由灵活地分隔空间。
3、 在一个大空间内，沿柱网队空间进行分隔。
五、以大空间为中心、四周围绕小空间的空间组合形式三空间与结构如果把符合功能要求的空间称之为适用空间；把符合于审美要求的空间称之为视觉空间或意境空间；把按照材料性能和力学的规律性而围合起来的空间称之为结构空间，这三者由于形成的根据不同，各自所受到的制约条件不同，各自所遵循的法则不同，因而它们并不天然就是吻合一致的。
可是建筑中这三者却是一身而就三身，这就要求建筑师必须把这三者有机的统一为一体。
框架结构：勒·柯布西耶，新建筑五点：1、立柱、底层透空；2、平顶、屋顶花园；3、骨架结构使内部布局灵活；4、骨架结构使外形设计自由；5水平的带形窗。
四形式美的规律西方古典建筑比较崇尚敦实厚重，而我国古典建筑则运用举折、飞檐等形式来追求一种轻巧感。
西方古典建筑（室外）色彩较为朴素、淡雅。
中国古典建筑则极为富丽堂皇。
作者提到的这两点，其实，我在想，这是很好的一个，来表现我国建筑风格的途径，东方的建筑，绘画，书法在很大程度上，就是在追求一种空，当然简单的理解就是在形式上的轻，其实，是道家的一种哲学思想，他们认为：“道可道，非常道”。
所以，如果在建筑中，融入这些这些哲学思想，在结合我们技术的不断进步，只要潜下心来，就能摸索的到。
既有变化，又有秩序，这就是一切艺术品，特别是造型艺术形式必须具备的原则。
亚里士多德认为，艺术所模仿的不是停留在现实世界的现象，而是现实世界所具有的必然性和普遍性——其内在的本质和规律。
而现实世界所具有的必然性、普遍性，亦即它内在的本质和特征
就是物质世界的有机统一性。
现代哲学更加深刻的表明，整个世界都是一个物质的、和谐的有机整体。
整个自然界（也包括人自身）有机、和谐、统一、完整这样一个本质的属性，反映在人脑中，就会形成完美的观念，这种观念无疑会支配着人的一切创造活动，特别是艺术创作。
以建筑来讲，古典建筑形式那种整齐一律、对称均衡，具有和谐的比例关系和韵律、节奏感，各组成部分衔接得巧妙、严谨，真可谓添一分则多，减一分则少，从而达到天衣无缝的境地。
这都说明建筑家在追求完美的创造中，既受到自然的启示，又灌注了心灵的创造，从而体现出艺术创造上的主观与客观的统一。
格罗皮乌斯：“任何事物都不是孤立存在的。
我们把每种形式看作是一种观念的化身，把每一件作品看作是内心深处的自我表现。
”“造型的研究的训练在于观察，在于精确的表现或再现自然，在于创作各自的构图。
”“艺术要求驾驭自然，在新的统一中解决两者的对立，这个过程在精神与物质世界的斗争中胜利完成。
精神创造出一个新生命，有别于自然界的生命。
”这段话的精髓在于：由人工所创造的艺术形式中的有机统一，虽然得到自然的启示，但却不同于自然界中的有机体，按照艺术高于自然的原则，前者应当高于后者，这是因为艺术美是由心灵产生和再生的美。
一、以简单的几何形状求统一勒·柯布西耶：“原始的体型是美的体形，因为它能是我们清晰地辨认。
”所谓原始的体形就是指圆、球、正方形、立方体以及正三角形等。
所谓容易辨认，就是指这些几何状本身简单、明确、肯定，各要素之间具有严格的制约关系。
二、主从与重点“自然趋向差异对立，协调是从差异对立面而不是从类似的东西产生的。
”在一个有机统一的整体中，各组成部分是不能加以区别而一律对待的。
它们应当有主与从的差别；重点与一般的差别；有核心与外围组织的差别。
否则，各要素平均分布、同等对待，即使排列得整整齐齐、很有秩序，也难免会流于松散、单调而失去统一性。
一幢建筑如果没有一个重点或中心（趣味中心），不仅使人感到平淡无奇，而且还会由于松散以致失去有机统一性。
三、均衡与稳定处于地球引力场内的一切物体，都摆脱不了地球引力——重力的影响，人类的建筑活动从某种意义上讲就是与重力作斗争的产物。
存在决定意识，也决定着人们的审美观念。
古代人们崇拜重力，并从与重力作斗争的实践中逐渐地形成了一整套与重力有联系的审美观念，这就是均衡与稳定。
符合原则的，在实际上是安全的，感觉上也就舒服了。
如果说建立在砖石结构基础上的西方古典建筑其设计思想更多地是从静态均衡的角度来考虑问题，那么近现代建筑师还往往用动态均衡的观点来考虑问题。
此外，近现在建筑理论非常强调时间和运动这两方面因素。
这就是说人们对于建筑的观赏不是固定于某一个点上，而是在连续运动的过程中来观赏建筑。
必须从各个角度来考虑建筑形体的均衡问题。
特别是从连续行进的过程中来看建筑体形和外轮廓线的变化，这就是格罗皮乌斯所强调的：“生动有韵律的均衡形式。
”如果说均衡涉及的是建筑构图中的左右，前后。
那稳定就是建筑中的上下。
四、对比与微差对比可以借彼此之间的烘托陪衬来突出各自的特点以求得变化；微差则可以借相互之间的共同性以求得和谐。
没有对比会使人感到单调，过分地强调对比以致失去了相互之间的协调一致性，则可能造成混乱，只有把这两者巧妙地结合在一起，才能达到既有变化又有和谐一致，既多样有统一。
五、韵律与节奏以往一些美学家多认为诗和音乐的起源是和人类本能地爱好节奏与和谐有着密切的联系。
亚里士多德认为：爱好节奏和谐之类的美的形式是人类生来就有的自然倾向。
自然界中的许多事物或现象，往往由于有规律的重复出现或有秩序地变化，也可以激发人们的美感。
韵律美按其形式特点可以分为几种不同的类型：1、连续的韵律；2、渐变韵律；3、起伏韵律（渐变韵律如果按照一定规律时而增加，时而减少，有如波浪之起伏，或具不规则的节奏感）；4、交错韵律（各组成部分按照一定规律交织，穿插而形成）六、比例与尺度美不是事物的一种绝对属性，美不能离开目的性。
对于生活日用品，人们是极易根据生活经验而作出正确判断的，但是对于建筑有时却可能陷入迷网。
这可能是由于两方面原因造成的：一、 建筑物的体量巨大，人们很难以自身的大小去和它作比较，从而失去了敏锐的判断力。
二、 建筑不同于生活日用品，在建筑中有许多要素都不是要单纯根据功能这一方面因素来决定它们的大小和尺寸的。
借物质的，抽象的形式——而不是具体的形象——的某些特征来传递一种信息，是建筑艺术有别于其它艺术最根本的特征。
如果这种信息能被群众所感应、所接受、所理解、那么设计者和群众之间就会产生共鸣，这种共鸣正是艺术感染力的一种表现。
共鸣的程度愈大，感染力就愈强。
关于建筑的立意，作者也作了简单的阐述：任何艺术创作都十分强调立意，所谓“意”，就是这里所说的信息。
创作之前如果根本没有一个艺术意图，就等于没有发出信息，试问没有信息拿什么去感染观众呢
当然有了正确、高尚的艺术意图之后，还有待于选择表现形式。
五内部空间的处理一、单一空间的形式处理（一） 空间的体量与尺度空间的高度，可以从两方面看：一是绝对高度，实际层高；二是相对高度，不单纯着眼于绝对尺寸，而且要联系到空间的平面面积来考虑。
（二） 空间的形状与比例一个窄而高的空间，由于竖向的方向性比较强烈，会使人产生向上的感觉，如竖向线条一样，可以激发人们产生兴奋、自豪、崇高或激昂的情绪。
空间越细长，期待和寻求的情绪愈强烈。
中央高四周低——〉向心、内聚、收敛的感觉四周高中央低——〉离心、扩散、向外延伸的感觉（三） 空间围、透关系的处理凡是实的墙面，都因遮挡视线而产生阻塞感；凡是透空的部分都因视线可以穿透而吸引人的注意力。
这样就可以有意识的把人的注意力吸引到某个确定的方向。
（四） 内部空间的分隔处理一些建筑如百货公司、工业厂房等，往往因为面积过大而需要设置多排列柱，而功能上并不需要突出某一部分空间，面对这种情况，柱子的排列最好采用均匀分布的方法，这时，柱列的感觉反而不甚强烈，原来空间的完整性将不会因为设置柱子而受到影响。
（五） 天花、地面、墙面的处理地面的处理比较简单，天花的处理则比较复杂。
这是由于天花和结构的关系比较密切，在处理天花时，不能不考虑到结构形式的影响。
天花作为空间的顶界面，最能反映空间的形状及关系。
天花可用来加强重点和区分主从关系。
处于建筑空间上部的天花，特别引人注目，透视感也十分强烈。
利用这一特点，通过不同的处理有时可以加强空间的博大感；有时可以加强空间的深远感；有时则可以把人的注意力引导至某个确定的方向。
地面由于需要用来承托家具，设备和人的活动，并且又是借助于人的有限视高来看它的透视，因而其显露的程度有限，从这个意义上讲，地面给人的影响要比天花小一些。
地面图案可以分为三种类型：1强调图案本身的独立完整性；2强调图案的连续性和韵律感；3强调图案的抽象性。
通过将地面处理成不同的标高，也可以取得不错的效果。
墙面的处理中，门窗为虚，墙面为实。
墙面应尽量避免虚实各半平均分布的处理方法。
墙面处理。
还应当避免把门、窗等孔洞当作一种孤立的要素来对待，而力求把门、窗组织成为一个整体，例如把它们纳入到竖向分割或横向分割的体系中去，这一方面可以削弱其独立性，同时也有助于建立起一种秩序。
（六） 色彩与质感的处理上浅下深二、多空间组合的处理（一） 空间的对比与变化1高大于低矮之间 在通往主体大空间的前部，有意识地安排一个极小或极低的空间，通过这种空间时，人们的视野被极度的压缩，一旦走进高大的主体空间，视野突然开阔，从而引起心理上的突变和情绪上的激动和振奋。
2 开敞与封闭之间3不同形状之间4 不同方向之间（二）空间的重复与再现人们只有在行进的连续过程中，通过回忆才能感受到由于某一形式空间的重复出现、或重复与变化的交替出现而产生一种节奏感，这种现象可以称之为空间的再现。
（三）空间的衔接与过渡过渡空间本身没有具体的功能要求，它应当尽可能地小一些，低一些，暗一些，只有这样，才能充分发挥它在空间处理上的作用。
过渡空间的设置不可生硬，在多数情况下应当利用辅助性房间或楼梯，厕所等间隙把它们巧妙地插进去，这样不仅节省面积，而且又可以通过它进入某些次要的房间，从而保证大厅的完整性。
但在这一点上，作者对灰空间的阐述几乎没有，有待补充。
（四）空间的渗透与层次两个相邻的空间，如果在分隔的时候，不是采用实体的墙面把两者完全隔绝，而是有意识地使之互相连通，将可使两个空间彼此渗透，相互因借从而增强空间的层次感。
“借景”主要是视线的流通。
（五）空间的引导与暗示主要途径：1以弯曲的墙面把人流引向某个确定的方向，并暗示另一个空间的存在。
2 利用特殊形式的楼梯或特意设置的踏步，暗示出上一层空间的存在3 利用天花、地面处理，暗示出前进的方向4 利用空间的灵活分隔，暗示出另外一些空间的存在（六）空间的序列与节奏与绘画、雕刻不同，建筑作为三度空间的实体，人们不能一眼就看到它的全部，而只有在运动中，也就是在连续行进的过程中，从一个空间走到另一个空间，才能逐一地看到它的各个部分，从而形成整体印象。
六外部体形的处理它同时要受到内、外两方面空间的制约，只有当它把这两方面的制约关系统一协调起来，它的出现才是有根据和合乎逻辑的。
一、外部体型是内部空间的反映密斯·凡·德·罗在《关于建筑形式的一封信》：“把形式当作目的不可避免地只会产生形式主义”；“形式主义只努力于搞建筑的外部，可是只有当内部充满生活，外部才会有生命”只有把握住各个建筑的功能特点，并合理地赋予形式，那么这种形式才能充分地表现建筑物的个性，而每个建筑都有自己鲜明强烈的个性，又何愁建筑形式会流于重复、单调和千篇一律呢。
二、建筑的个性与性格特征的表现在表现建筑性格的时候，应当充分估计到人的记忆，联想和分析能力。
当建筑需要表现庄严，雄伟，肃穆和崇高等感受时，它的平面和体型应力求简单，肯定，厚重，敦实，稳固，以期形成一种独特的性格特征。
三、体量组合与立面处理（一） 主从分明、有机结合有机结合就是指，各要素之间，必须排除任何偶然性和随意性，而表现出一种互为依存和互相制约的关系，从而显现出一种明确的秩序感。
（二） 体量组合中的对比与变化1、 方向性的对比；2、形状的对比；3、直与曲的对比。
（三） 稳定与均衡的考虑黑格尔《美学》：建筑是“笨重的物质堆”，因为在当时的条件下，建筑基本上都是用巨大的石头堆积而成的，在这种观念的支配下，建筑体型要想具有安全感，就必须遵循稳定与均衡的原则。
传统的均衡主要是就立面处理而言（特别是正立面），这实际上仅是一种静观条件下的均衡（或称平面内的均衡）。
现在的新建筑，比较强调把立面和平面结合起来，并从整体上来推敲研究均衡的问题，就是说它所注重的是动观条件下的均衡（或称三度空间内的均衡）。
如果说均衡必须有一个中心的话，那么传统建筑的均衡中心只能在立面上，而新建筑应当在空间内，很明显，后者比前者要复杂的多，在推敲建筑体量时，单纯从某个里面图出发判断是否均衡，常常达不到预期效果，而通过模型来研究其效果则较好。
（四） 外轮廓线的处理可从我国传统建筑的手法去借鉴，但，由于现在建筑形式日益简洁，单靠细部装饰求得轮廓线变化的可能性愈来愈小，为此，还应当从大处着眼来考虑建筑物的外轮廓线处理。
这就是说，必须通过体量组合来研究建筑物的整体轮廓变化，而不应该沉溺在繁琐的细节变化上。
（五） 比例与尺度的处理整体建筑的尺度处理包含的要素很多。
在各种要素中，窗台对于显示建筑物的尺度所起的作用特别重要，这是因为一般的窗台都具有比较确定的高度（一米左右）它如一把尺，通过它可以“量”出整体的大小。
窗的情况就不同了，随着层高的变化，它既可以大，又可以小，是一种不确定的要素。
在设计中切忌把各种要素按比例放大，尤其是一些传统的花饰、纹样，它们在人的心目中早已留下某种确定的大小概念，一但得过大就会使人对整体估量得不到正确的尺度感。
（六） 虚实与凹凸的处理国外很多建筑师十分注意利用凹凸的关系处理来增强建筑物的体积感。
他们运用很多的手法，但，最基本的原则就是：利用各种可能使门、窗开口退到外墙的基面以内，这样就使得外露的实体显得很深，这种深度给人的感觉好像是墙的厚度，但实际上却大大地超过了墙的厚度。
（七） 墙面和窗的组织为了求得重力分布的均匀和构件的整齐划一，都力求使承重结构——柱网或承重墙沿纵横两个方向作等距离或有规律地布置，这将为墙面处理，特别是获得韵律感创造十分有利的条件。
（八） 色彩、质感的处理赖特可以说是运用各种材料质感对比而获得杰出成就的高手。
被作者这么一说，现在对赖特开始感兴趣起来了，改天，多找些他的资料，好好研究下。
（九） 装饰与细部处理
环境艺术设计 应该读些什么书籍
环境艺术设计专业阅读书籍1《建筑：形式、空间和秩序》（第三版）作者：程大锦 出版社：天津大学出版社2008； 2《大师作品分析-建筑解读》第二版 作者：王小红 建筑工业出版社2008 ；3《住宅巡礼》 作者：（日）中村好文 著；林铮（岂页） 译 ；4《西方20世纪别墅二十讲（插图珍藏本）》 作 者：林鹤 出版社： 生活.读书.新知三联书:2007 ；5《美的历程》（插图本 深阅读丛书）作者：李泽厚 出版社：江苏文艺出版社2010； 6《建筑的复杂性与矛盾性》 作者：(美)罗伯特·文丘里 周卜颐 译 出版社：知识产权出版社 2006 ；7《城市意向》 作 者：[美]凯文.林奇 出版社：同济大学出版社2001 ；8 交往与空间（第四版）作者：（丹麦）盖尔 著，何人可 译 出版社：中国建筑工业出版社 ； 9《马克笔的景观世界》（第2版）作者：陈伟 出版社：东南大学出版社2010；10《快速规划设计100例》 作者：权亚玲 出版社：江苏科学技术出版社2010 ；11《清华大学建筑学设计系列课教案与学生作业选.二年级建筑设计》 作者：周燕珉等编著 出版社： 清华大学出版社 ；12《室内设计资料集》 作者： 张绮曼，郑曙旸 出版社：中国建筑工业出版社 ；13《中国传统建筑文化》 作者：楼西庆 出版社：中国旅游出版社 和《建筑语汇》 作者：[美]爱德华·T·怀特著林敏哲,林明毅译，出版社： 大连理工大学出版社 出版社：中国人民大学出版社 ；14《画的记忆：建筑师徒手画》 作者：齐康 出版社：东南大学出版社 ；15《10宅论》 作 者：（日）隈研吾 著，朱锷 译 出版社：上海人民出版社 ；16《现代建筑：一部批判的历史》 作 者：（美）肯尼斯·弗兰姆普敦 著，张钦楠 译 出版社： 生活.读书.新知三联书店 ；17《中国古代门窗》 作 者： 马未都 出版社：中国建筑工业出版社 ；18《中国古建筑二十讲 插图珍藏本》 作 者：楼庆西 出版社：生活.读书.新知三联书店 ；19《住宅精细化设计》 作 者：周燕珉 出版社：中国建筑工业出版社 ；20《建筑设计的材料语言》 作 者：诸智勇 出版社：中国电力出版社 ；21《建筑师的20岁》 作 者：王静，王建国，费移山 译 出版社：清华大学出版社 ；22《立面构造手册》 作 者：（德）赫尔佐格（Herzog） 等著，袁海贝贝 等译，出版社：大连理工大学出版社 ；23《世界现代设计史 》(王受之设计史论丛书) 作 者：王受之 出版社：中国青年出版社 ； 24 《建筑灵魂★世界景观设计》文化与建筑的历史（I、II两册） 作 者：[美]伊丽莎白·巴洛.罗杰斯著 韩炳越 曹娟等译 出版社：中国林业出版社 ；25《室内设计资料集》 作 者：张绮曼等 出版社：中国建筑工业出版社 中国建筑工业出版社 ；26《环境艺术设计概论》 作 者：席越良 出版社：清华大学出版社 和《建筑小环境设计》 作 者：主编：沈福煦 编著：刘文军 韩寂 出版社：同济大学出版社 ；27《景园规划与设计》 作 者：刘福智 出版社：机械工业出版社 ； 28《建筑的伦理功能》 作 者：(美)卡斯腾·哈里斯 著, 申嘉、陈朝晖 译 出版社：华夏出版社。
汉赋和楚辞的比较:异同点
【楚辞】 “楚辞”又称“楚词”，是战国时代的伟大诗人屈原创造的一种诗体。
作品运用楚地（今两湖一带）的文学样式、方言声韵，叙写楚地的山川人物、历史风情，具有浓厚的地方特色。
汉代时，刘向把屈原的作品及宋玉等人“承袭屈赋”的作品编辑成集，名为《楚辞》。
并成为继《诗经》以后，对我国文学具有深远影响的一部诗歌总集。
楚辞，其本义是指楚地的言辞，后来逐渐固定为两种含义：一是诗歌的体裁，一是诗歌总集的名称（在一定程度上也代表了楚国文学）。
从诗歌体裁来说，它是战国后期以屈原为代表的诗人，在楚国民歌基础上开创的一种新诗体。
从总集名称来说，它是西汉刘向在前人基础上辑录的一部“楚辞”体的诗歌总集，收入战国楚人屈原、宋玉的作品以及汉代贾谊、淮南小山、庄忌、东方朔、王褒、刘向诸人的仿骚作品。
“楚辞”之名首见于《史记·张汤传》。
可见至迟在汉代前期已有这一名称。
其本义，当是泛指楚地的歌辞，以后才成为专称，指以战国时楚国屈原的创作为代表的新诗体。
这种诗体具有浓厚的地域文化色彩，如宋人黄伯思所说，“皆书楚语，作楚声，纪楚地，名楚物”（《东观余论》）。
西汉末，刘向辑录屈原、宋玉的作品，及汉代人模仿这种诗体的作品，书名即题作《楚辞》。
这是《诗经》以后，我国古代又一部具有深远影响的诗歌总集。
另外，由于屈原的《离骚》是楚辞的代表作，所以楚辞又被称为“骚”或“骚体”。
汉代人还普遍把楚辞称为“赋”。
《史记》中已说屈原“作《怀沙》之赋”《汉书·艺文志》中也列有“屈原赋”、“宋玉赋”等名目。
在汉代，楚辞也被称为辞或辞赋。
西汉末年，刘向将屈原、宋玉的作品以及汉代淮南小山、东方朔、王褒、刘向等人承袭模仿屈原、宋玉的作品共16篇辑录成集，定名为《楚辞》。
楚辞遂又成为诗歌总集的名称。
由于屈原的《离骚》是《楚辞》的代表作，故楚辞又称为骚或骚体。
【汉赋】 汉赋是在汉代涌现出的一种有韵的散文，它的特点是散韵结合，专事铺叙。
从赋的形式上看，在于“铺采擒文”；从赋的内容上说，侧重“体物写志”。
汉赋的内容可分为5类：一是渲染宫殿城市；二是描写帝王游猎；三是叙述旅行经历；四是抒发不遇之情；五是杂谈禽兽草木。
而以前二者为汉赋之代表。
赋是汉代最流行的文体。
在两汉400年间,一般文人多致力于这种文体的写作，因而盛极一时，后世往往把它看成是汉代文学的代表。
汉赋的结构 汉赋在结构上，一般都有三部分，即序、本文和被称作“乱”或“讯”的结尾。
汉赋写法上大多以丰辞缛藻、穷极声貌来大肆铺陈，为汉帝国的强大或统治者的文治武功高唱赞歌，只在结尾处略带几笔，微露讽谏之意。
汉赋的类别 汉赋分为大赋和小赋。
大赋又叫散体大赋，规模巨大，结构恢宏，气势磅礴，语汇华丽，往往是成千上万言的长篇巨制。
西汉时的贾谊、枚乘、司马相如、扬雄，东汉时的班固、张衡等，都是大赋的行家.小赋扬弃了大赋篇幅冗长、辞藻堆砌、舍本逐末、缺乏情感的缺陷，在保留汉赋基本文采的基础上，创造出篇幅较小、文采清丽、讥讽时事、抒情咏物的短篇小赋，赵壹、蔡邕、祢衡等都是小赋的高手。
赋的产生和发展 中国汉代文体。
作为文体名称，它渊源于 荀子 的《赋》；作为文学体制，它直接受到屈宋楚辞和战国恣肆之风的极大影响。
由于汉帝国经济发达，国力强盛，为汉赋的新兴提供了雄厚的物质基础；而统治者对赋的喜爱和提倡，使文人士大夫争相以写赋为能事，汉赋遂成为汉代400年间文人创作的主要文学样式。
赋作为一种文体，早在战国时代后期便已经产生了。
最早写作赋体作品并以赋名篇的可能是荀子。
据《汉书?艺文志》载，荀子有赋10篇（现存《礼》、《知》、《云》、《蚕》、《箴》5篇）,是用通俗“隐语”铺写五种事物。
旧传楚国宋玉也有赋体作品，如《风赋》、《高唐赋》、《神女赋》等，辞藻华美，且有讽谏用意，较之荀赋,似与汉赋更为接近,但或疑为后人伪托，尚无定论。
从现存荀赋来看，这时赋体还属萌芽状态。
赋体的进一步发展，当受到战国后期纵横家的散文和新兴文体楚辞的巨大影响。
赋体的主要特点，是铺陈写物，“不歌而诵”，接近于散文，但在发展中它吸收了楚辞的某些特点——华丽的辞藻，夸张的手法，因而丰富了自己的体制。
正由于赋体的发展与楚辞有着密切关系，所以汉代往往把辞赋连称，西汉初年的所谓“骚体赋”，确实与楚辞相当接近，颇难加以明显的区分。
汉赋的形成和发展可以分为三个阶段。
汉初的赋家，继承楚辞的余绪,这时流行的主要是所谓“骚体赋”,其后则逐渐演变为有独立特征的所谓散体大赋，这是汉赋的主体，也是汉赋最兴盛的阶段；东汉中叶以后，散体大赋逐渐衰微，抒情、言志的小赋开始兴起。
汉赋的这种发展变化过程，与汉代社会状况的变化有着密切的关系。
第一时期 自汉高祖初年至武帝初年。
当时所谓“大汉初定，日不暇给”,封建统治者在思想文化上禁锢不严，儒家思想尚未占据统治地位。
当时诸王纳士，著书立说，文化思想还比较活跃。
这一时期的辞赋，主要仍是继承《楚辞》的传统，内容多是抒发作者的政治见解和身世感慨之作，在形式上初步有所转变。
这时较有成就和代表性的作家是贾谊，此外还有淮南小山和枚乘等人。
贾谊的《吊屈原赋》是借悼念屈原抒发愤慨，虽吊逝者，实为自喻。
此篇的形式与风格,是骚体的继承,但由于作品倾诉的是作者的真情实感，因而和后来那种纯然出于模拟《楚辞》而为文造情的作品明显不同。
贾谊的《鵩鸟赋》是一篇寓志遣怀之作，假设与鵩鸟对话而敷衍出一篇文字。
这篇赋一方面使用了主客问答体，同时也比较多地倾向于使用铺陈的手法，散文的气味浓厚预示了新的赋体正在孕育形成。
淮南小山的《招隐士》写作者以急切的心情召唤隐居山林的隐士早日归来。
赋中描写山中景物，使用铺叙和夸张的手法，充满丰富的想象，是汉初骚体赋的优异之作。
贾谊和淮南小山的赋作都还距骚体不远，仅在某些方面开始有所转变，而标志着汉赋正式形成的第一个作家和作品，是枚乘和他的《七发》。
枚乘主要生活于汉文帝、景帝时期，死于武帝初年。
他的《七发》写楚太子有病，吴客前去问候，通过主客的问答，批判了统治阶级腐化享乐生活，说明贵族子弟的这种痼疾，根源于统治阶级的腐朽思想，一切药石针灸都无能为力，唯有用“要言妙道”从思想上治疗。
赋中用了七大段文字，铺陈了音乐的美妙,饮食的甘美,车马的名贵,漫游的欢乐,田猎的盛况和江涛的壮观。
《七发》虽未以赋名篇，却已形成了汉大赋的体制。
它通篇是散文，偶然杂有楚辞式的诗句，且用设问的形式构成章句，结构宏阔，辞藻富丽，刘勰称：“枚乘摛艳，首制《七发》,腴辞云构,夸丽风骇。
”（《文心雕龙?杂文）从汉初的所谓骚体赋到司马相如、扬雄等人的汉大赋，《七发》是一篇承前启后的重要作品。
第二时期 西汉武帝初年至东汉中叶,共约200多年时间,从武帝至宣帝的90年间,是汉赋发展的鼎盛期。
据《汉书?艺文志》著录汉赋900余篇，作者60余人,大部分是这一时期的作品。
从流传下来的作品看，内容大部分是描写汉帝国威震四邦的国势，新兴都邑的繁荣，水陆产品的丰饶，宫室苑囿的富丽以及皇室贵族田猎、歌舞时的壮丽场面等等。
自汉武帝刘彻到宣帝刘询的时代，即所谓西汉中叶，这是汉帝国经济大发展和国势最强盛的时期。
汉武帝是一个雄才大略的皇帝,他上承“文景之治”,为了进一步保卫国家和巩固政权,他又北向出击匈奴,弭除了历年的边患；用兵南方，结束了南方一些部族纷争的局面。
这在一般封建文人眼里，无疑是一个值得颂扬的“盛世”。
又加上武帝好大喜功，雅好文艺，招纳了许多文学侍从之臣在自己身边，提倡辞赋，诱以利禄，因而大量歌功颂德的作品，就在所谓“兴废继绝，润色鸿业”的借口下产生了。
班固在《两都赋序》中说：“至于武、宣之世，乃崇礼官、考文章，内设金马石渠之署，外兴乐府协律之事，以兴废继绝，润色鸿业。
……故言语侍从之臣，若司马相如、虞丘寿王、东方朔、枚皋、王褒、刘向之属，朝夕论思，日月献纳。
而公卿大臣，御史大夫倪宽、太常孔臧、太中大夫董仲舒、宗正刘德、太子太傅萧望之等，时时间作。
或以抒下情而通讽谕，或以宣上德而尽忠孝，雍容揄扬，著于后嗣，抑亦雅颂之亚也。
故孝成之世，论而录之，盖奏御者千有余篇。
” 这一时期的赋作基本上同《诗经》的雅颂一样，是一种宫廷文学，是为封建统治阶级“润色鸿业”服务的。
有一些作家，作为皇帝的侍从，对皇帝歌功颂德，但他们又对自己类似俳优的地位时时感到不满，因而也写作了一些感慨身世和以讽谕为主的作品。
也有一些作家对当时汉帝国空前繁荣强盛的局面，感到鼓舞和喜悦，但对皇室大量挥霍资财和迷于奢侈享乐的生活，无论从历史教训出发,还是从当时的民生出发,也曾感到担忧。
这就构成了当时一些鸿篇巨制的大赋在思想内容方面的普遍特点，它们往往既歌颂夸耀于前,又讽谕劝戒于后,而这两者统一在一篇作品中，因而造成了这些汉代大赋思想内容的复杂性。
司马相如是汉代大赋的奠基者和成就最高的代表作家。
《文选》所载《子虚》、《上林》两赋是他的著名的代表作。
近人据《史记》、《汉书》本传，考定二赋或本是一篇，即《天子游猎赋》。
这两篇以游猎为题材，对诸侯、天子的游猎盛况和宫苑的豪华壮丽，作了极其夸张的描写，而后归结到歌颂大一统汉帝国的权势和汉天子的尊严。
在赋的末尾，作者采用了让汉天子享乐之后反躬自省的方式，委婉地表达了作者惩奢劝俭的用意。
司马相如的这两篇赋在汉赋发展史上有极重要的地位，它以华丽的词藻，夸饰的手法，韵散结合的语言和设为问答的形式,大肆铺陈宫苑的壮丽和帝王生活的豪华,充分表现出汉大赋的典型特点，从而确定了一种铺张扬厉的大赋体制和所谓“劝百讽一”的传统。
后来一些描写京都宫苑、田猎、巡游的大赋都规抚它，但在规模气势上又始终难以超越它。
所以扬雄说：“如孔氏之门用赋也，则贾谊升堂，相如入室矣。
”（《法言?吾子》） 汉武帝、宣帝年间著名的赋作家还有东方朔、枚皋、王褒等人。
《汉书?艺文志》著录他们的赋作颇多，但传世颇少。
如枚皋，据记载有赋 120篇，现已一篇无存。
东方朔流传下来的《七谏》，是一篇因袭楚辞的骚体赋，并无新意。
但他的《答客难》、《非有先生论》，虽未以赋名，却是两篇散体赋，对以后述志赋的发展有一定影响。
王褒是宣帝时重要赋家，今存《洞箫赋》和骚体赋《九怀》。
《洞箫赋》是现存描写音乐赋作较早的一篇，对后世的咏物赋和描写音乐题材的作品有过影响。
西汉末年至东汉中叶 100多年间，《子虚》、《上林》两赋成为这一时期众多作家创作的共同模式，他们的作品都不能越出其范围,完全失去了新鲜的创造力,只有扬雄和班固,由于他们有多方面的文化修养和才能,他们赋作尚有自己的特点，是这一时期的代表作家。
扬雄是西汉末年最著名的赋家。
《甘泉》、《河东》、《羽猎》、《长杨》四赋是他的代表作。
这些赋在思想、题材和写法上，都与司马相如的《子虚》、《上林》相似，不过赋中的讽谏成分明显增加，而在艺术水平上有了进一步的提高，部分段落的描写和铺陈相当精彩，在模拟中有自己的特色。
后世常以“扬、马”并称，原因即在于此。
他的《解嘲》,是一篇散体赋,写他不愿趋附权贵，而自甘淡泊的生活志趣,纵横论辩，善为排比,可以看出有东方朔《答客难》的影响。
但在思想和艺术上仍有自己的特点，对后世述志赋颇有影响。
《逐贫赋》和《酒赋》,或表达自己甘于贫困,鄙视“贫富苟得”的志趣，或对皇帝、贵族有所讽谏，思想和写法也都各具特色。
班固是东汉前期的著名赋家。
他的代表作《两都赋》，由于萧统编纂《文选》列于卷首，而受到人们的普遍重视。
《两都赋》在体例和手法上都是模仿司马相如的，是西汉大赋的继续，但他把描写对象，由贵族帝王的宫苑、游猎扩展为整个帝都的形势、布局和气象，并较多地运用了长安、洛阳的实际史地材料，因而较之司马相如、扬雄等人的赋作，有更为实在的现实内容。
张衡以至左思的所谓“京都大赋”的出现，都明显地受到《两都赋》的影响。
第三时期 东汉中叶至东汉末年，这一时期汉赋的思想内容、体制和风格都开始有所转变，歌颂国势声威、美化皇帝功业,专以铺采摛文为能事的大赋逐渐减少,而反映社会黑暗现实，讥讽时事，抒情咏物的短篇小赋开始兴起。
东汉中叶以后，宦官外戚争权，政治日趋腐败，加以帝王贵族奢侈成风，横征暴敛，社会动乱频仍，民生凋敝。
文人们失去了奋发扬厉的精神,失望、悲愤,乃至忧国忧民的情绪成为他们思想的基调，这就促使赋的题材有所扩大，赋的风格有所转变。
这种情况的出现始于张衡。
张衡具有代表性的赋作是《二京赋》和《归田赋》。
《二京赋》是他早年有感于“天下承平日久，自王侯以下莫不逾侈”而创作的，基本上是模拟司马相如的《子虚》、《上林》和班固的《两都赋》。
但他对统治阶级荒淫享乐生活的指责比较强烈和真切，他警告统治者天险不可恃而民怨实可畏，要统治者懂得荀子所说的“水所以载舟亦所以覆舟”的道理。
这是当时尖锐的社会矛盾对作者的启发，表现了当时文人对封建统治的危机感。
《二京赋》除了像《两都赋》一样，铺写了帝都的形势、宫室、物产以外,还写了许多当时的民情风俗,容纳了比较广阔的社会生活。
值得特别注意的是他的《归田赋》。
作者以清新的语言，描写了自然风光，抒发了自己的情志,表现了作者在宦官当政,朝政日非的情况下，不肯同流合污，自甘淡泊的品格。
这在汉赋的发展史上是一个很大的转机。
他把专门供帝王贵族阅读欣赏的“体物”大赋，转变为个人言志抒情的小赋，使作品有了作者的个性,风格也由雕琢堆砌趋于平易流畅。
在张衡之前,已出现过一些言志述行的赋，如班彪所作《北征赋》，通过记述行旅的见闻，抒发了自己的身世之感，显示了赋风转变的征兆，张衡在前人的基础上，使汉赋的发展发生了根本性的转折。
继张衡而起的是赵壹和蔡邕，赵壹的《刺世嫉邪赋》对东汉末年是非颠倒“情伪万方”的黑暗现象进行了揭露和抨击，表现了作者疾恶如仇的反抗精神。
这篇赋语言犀利，情绪悲愤，揭露颇有深度，与前一阶段那种歌功颂德，夸美逞能的大赋，已经是完全殊途了。
蔡邕的《述行赋》是他在桓帝时被当权宦官强征赴都，在途中有感而作。
在赋中作者不仅揭露和批判了当时宦官专权、政治黑暗、贵族们荒淫无耻的现实，而且还满怀同情地写出了当时的民间疾苦，表现了作者的爱憎感情，语言平实，格调冷峻，颇具感染力。
稍后祢衡的《鹦鹉赋》是一篇寓意深刻的咏物赋，作者借写鹦鹉，抒发了自己生于末世屡遭迫害的感慨。
这些作品完全突破了旧的赋颂传统，尽管数量不多，却为建安以至南北朝抒情言志、写景咏物赋的发展开拓了道路。
赋在文学史上的地位和影响 赋是继《诗经》、《楚辞》之后，在中国文坛上兴起的一种新的文体。
在汉末文人五言诗出现之前，它是两汉四百年间文人创作的主要文学样式。
封建时代的词章家非常推崇汉赋，但他们奉为汉赋正宗的却是枚乘、司马相如、扬雄及班固、张衡等人的大赋，但也正是这些大赋，在思想和艺术形式上表现了较多的局限性。
西晋的挚虞在《文章流别论》中批评说：“古诗之赋。
以情义为主，以事类为佐；今之赋,以事形为本,以义正为助。
”他所谓“今之赋”就是指汉代兴起的大赋。
他认为它们“假象过大，则与类相远；逸词过壮，则与事相违；辩言过理，则与义相失；丽靡过美，则与情相悖”。
挚虞对汉赋的社会作用以及艺术上的某些根本缺陷所作的批评，是切中要害的。
汉赋，特别是那些大赋，尽管有着如上所述的缺点，在文学史上仍然有其一定的地位。
首先，即以那些描写宫苑、田猎、都邑的大赋来说，大都是对国土的广阔，水陆物产的丰盛，宫苑建筑的华美、都市的繁荣，以及汉帝国的文治武功的描写和颂扬，这在当时并不是毫无意义的。
而赋中对封建统治者的劝谕之词，也反映了这些赋作者反对帝王过分华奢淫靡的思想，表现了这些作者并非是对帝王贵族们毫无是非原则的奉承者和阿谀者。
尽管这方面的思想往往表现得很委婉，收效甚微，但仍然是不应抹杀的。
其次,汉大赋虽然炫博耀奇,堆垛词藻，以至好用生词僻字，但在丰富文学作品的词汇、锻炼语言辞句、描写技巧等方面，都取得了一定的成就。
建安以后的很多诗文，往往在语言、辞藻和叙事状物的手法方面，从汉赋得到不少启发。
最后，从文学发展史上看,两汉辞赋的繁兴,对中国文学观念的形成，也起到一定促进作用。
中国的韵文从《诗经》、《楚辞》开始,中经西汉以来辞赋的发展,到东汉开始初步把文学与一般学术区分开来。
《汉书?艺文志》中除《诸子略》以外,还专设立了《诗赋略》,除了所谓儒术、经学以外,又出现了“文章”的概念。
至魏晋则出现了“诗赋欲丽”(曹丕《典论?论文》)，“诗缘情而绮靡，赋体物而浏亮”（陆机《文赋》）等对文学基本特征的探讨和认识，文学观念由此日益走向明晰化。
》 汉赋在流传过程中多有散佚，现存作品包括某些残篇在内，共约二百多篇，分别收录在《史记》、《汉书》、《后汉书》、《文选》等书中。
汉赋的主要代表 司马相如：《子虚赋》《上林赋》《大人赋》《哀二世赋》《长门赋》《美人赋》 枚乘：《七发》（楚辞体）《柳赋》《梁王菟园赋》 贾谊：《鵩鸟赋》 扬雄：《河东赋》《校猎赋》《长杨赋》 王褒：《洞箫赋》 班婕妤：《自悼赋》 刘向：《九叹》 刘歆：《遂初赋》 班固：《两都赋》 班彪：《北征赋》 【宋词】 宋词是继唐诗之后的又一种文学体裁，基本分为：婉约派、豪放派两大类。
婉约派的代表人物：南唐后主李煜.宋代词人：李清照、柳永、秦观等。
豪放派的代表人物：辛弃疾、苏轼、岳飞、陈亮等。
宋词是中国古代文学皇冠上光辉夺目的一颗巨钻，在古代文学的阆苑里，她是一座芬芳绚丽的园圃。
她以姹紫嫣红、千姿百态的风神，与唐诗争奇，与元曲斗艳，历来与唐诗并称双绝，都代表一代文学之盛。
远从《诗经》、《楚辞》及《汉魏六朝诗歌》里汲取营养，又为后来的明清戏剧小说输送了养分。
直到今天，她仍在陶冶着人们的情操，给人们带来很高的艺术享受。
词的初期极尽艳丽浮华,流行于市井酒肆之间,是一种通俗的艺术形式，五代时期的《花间集》就很明显地展露了词美丽绚烂的文采，但是这期间的词题材还仅限于描写闺情花柳、笙歌饮宴等方面，可以说还显得很“小气”。
虽然艺术成就上已经达到了相当的水准，但是在思想内涵上层次还不够。
宋代初期的词一开始也是沿袭这种词风，追求华丽词藻和对细腻情感的描写。
像曾因写过“忍把浮名，换了浅斟低唱”而得罪了仁宗皇帝的柳永，郁郁不得志，一生就流连于歌坊青楼之间，给歌妓们写写词。
所谓“凡有井水饮处，即能歌柳词”。
当时的词被认为是一种粗俗的民间艺术，不登大雅之堂，以至于宋朝的晏殊在当上宰相之后，对于他以前所做的词都不承认是自己写的。
宋朝的艳妓之多，水平之高为其它朝代所罕有，她们和宋朝的才子们一起共同推动了词这一新兴艺术形式在民间的广泛流传。
但是，随着词在宋代的文学中占据越来越重要的地位，词的内涵也在不断地充实和提高。
“人不寐，将军白发征夫泪。
”奠定了边塞词在宋词中的地位，使只闻歌筵酒席、宫廷豪门、都市风情、脂粉相思之类的世人一新耳目。
到苏轼词首开豪放词风，宋词已经不仅限于文人士大夫寄情娱乐和表达儿女之情的玩物，更寄托了当时的士大夫对时代、对人生乃至对社会政治等各方面的感悟和思考。
宋词彻底跳出了歌舞艳情的巢窠，升华为一种代表了时代精神的文化形式。
【元曲】 元代是元曲的鼎盛时期。
一般来说，杂剧和散曲合称为元曲，是元代文学主体。
不过，元杂剧的成就和影响远远超过散曲，因此也有人以“元曲”单指杂剧，元曲也即“元代戏曲”。
元曲是中华民族灿烂文化宝库中的一朵奇葩，它在思想内容和艺术成就上都体现了独有的特色，和唐诗宋词鼎足并举，成为我国文学史上三座重要的里程碑。
元曲原本来自所谓的“蕃曲”、“胡乐”，首先在民间流传，被称为“街市小令”或“村坊小调”。
随着元灭宋入主中原，它先后在大都（今北京）和临安（今杭州）为中心的南北广袤地区流传开来。
元曲有严密的格律定式，每一曲牌的句式、字数、平仄等都有固定的格式要求。
虽有定格，但并不死板，允许在定格中加衬字，部分曲牌还可增句，押韵上允许平仄通押，与律诗绝句和宋词相比，有较大的灵活性。
所以读者可发现，同一首“曲牌”的两首有时字数不一样，就是这个缘故(同一曲牌中，字数最少的一首为标准定格)。
继唐诗、宋词之后蔚为一文学之盛的元曲有着它独特的魅力：一方面，元曲继承了诗词的清丽婉转；一方面，元代社会使读书人位于“八娼九儒十丐”的地位，政治专权，社会黑暗，因而使元曲放射出极为夺目的战斗的光彩，透出反抗的情绪；锋芒直指社会弊端，直斥“不读书最高，不识字最好，不晓事倒有人夸俏”的社会，直指“人皆嫌命窘，谁不见钱亲”的世风。
元曲中描写爱情的作品也比历代诗词来得泼辣，大胆。
这些均足以使元曲永葆其艺术魅力。
元曲的兴起对于我国民族诗歌的发展、文化的繁荣有着深远的影响和卓越的贡献，元曲一出现就同其他艺术之花一样，立即显示出旺盛的生命力，它不仅是文人咏志抒怀得心应手的工具，而且为反映元代社会生活提供了人民群众喜闻乐见的崭新的艺术形式。
本人需要建筑方案设计方法入门的读书笔记，
你是想要别人的读书笔记么
还是这样的书
要是想要别人的总结的，你觉得人家辛辛苦苦几年的学习积累会给你么。
你去看看《建筑语汇》吧，比较推荐。
黎志涛的《建筑设计方法入门》也可以，浅显实用
